ANALISIS DE PELICULAS ECTC

CINE CLASICO

LA DILIGENCIA (John Ford - 1939)

-Inicio (en la primer secuencia)

.Presentación =Protagonistas, con un travelling-in Ringo, Dalas travelling-lateral
=Espacio, de plano general a particular (Desierto a campamento)
=Conflicto: Amenaza ataque Indios (se los presenta con una flecha fuera de campo y
con P.G (todos los indios iguales) VS. Protag (planos cerrados, espacial)

-Espacios =Abiertos (desierto, líneas horizont. Luz día, persecución jinetes)

=Cerrados (en gral son decorativos, pero acá: atmosfera cerrada agobiante)
.Umbrales funcionan como marcos para acciones que parecen coreografiadas
Espacialidad dentro de la Diligencia (le asigna valor a personajes)
Dallas y Mallory separadas x Banquero ($) frente a él Comerciante
Frente a Dallas Dr. Y frente a Mallory Hetsfield.
Ringo se encuentra en el medio como bisagra, s permite raccord miradas triangular

-Dos líneas de acción =Romance heterosexual: Ringo y Dallas

=Misión o búsqueda: Indios Jerónimo

-Encuadre =Profundidad de campo

=Plano y contraplano (para diálogos)
=Hay profundidad de campo, algo adelante y algo atrás

-Personajes= Mrs Mallory 9 meses embarazo (código Hays de censura)

Y con Hetsfield cruce de miradas en puertas, se encuentran con la mirada

-Final (P.G carreta perdida en el horizonte)

=Justicia Poética: Vencen a los indios, final moral según ética de época

-CASETTI y DI CHIO-
Existentes (personaje como rol)
-Personaje Activo: Ringo VS. Personaje Pasivo: Peacock (comerciante)
-Personaje Modificador= Degradadores: Indios VS. Personaje Conservador= Protector: Soldados

Dos polos =Official Hero: Opera para la ley: Sheriff

=Outlaw Hero: Operan fuera de la ley: Ringo (prófugo) Dallas (prostituta) Dr (borracho)
Al final Ringo debe ser capaz de vengarse y capaz de amar y casarse
Ninguno prevalece sobre el otro: Sheriff acaba dándole libertad a Ringo
: Ringo que se oponía a institución se pone dócil y acepta quedarse
con el Sheriff, ayuda diligencia, se une para formar una familia
Acontecimientos (acción como función)
-Privación= a Ringo le matan familia
-Viaje= Ringo doble viaje
.Físico: en la diligencia
.Psicológico: Maduración y aceptación de las reglas
-Prohibición= Arresto de Ringo
-Prueba= .Prueba Preliminar: El sheriff tiene confianza con Ringo xq ayudó a defender la diligencia
.Prueba Definitiva: Enfrentamiento con Luke (el que mato a su familia)
-Restauración de la falta= Se construye una nueva familia, reconquista rol social

-Triple proceso de alejamiento-

.Expulsión de Dallas y el Doctor (marginados) y Ringo escapa de ir a la cárcel
.Lucha con Jerónimo y los apaches (prueba preliminar)
.Ringo se enfrenta a Luke

Transformaciones (transformaciones como procesos)

-Es mejoramiento: es happy ending porque tomamos a Ringo y Dallas como personajes
-Beneficiario del Mejoramiento:
Ringo es Agente-Beneficiario, activa para conseguir lo que quiere
-Aliados: Dallas (Agente-Aliado, lo ayuda)
-Antagonistas: Sheriff, Indios, Luke (Agente-Antagonista, se oponen a Ringo)
=Hostil: Luke
=Pacifico: Sheriff (que se vuelven amigos)

LA ADORABLE REVOLTOSA (Howard Hawks - 1938)

-Inicio: (de gral a particular)

P.G ubicando espacio / P.E ubicando situación / Travelling-in presentación protagonista

-Dos líneas de acción = Romance heterosexual: David y Susan

= Misión: Conseguir plata para museo

-Se presenta lapso temporal: se casan

-Espacio= Encierro interior museo VS. Salida a la aventura exterior

-Fundido a negro para cerrar primer secuencia (lleva a salto temporal)

-Vestuario= Prometida: vestido negro, pelo recogido, actitud reservada con David
= Susan: vestido blanco, pelo suelto, actitud desenvuelta con David

-Personajes femeninos: se los pone como víctimas o transgresoras (revoltosa) que tiene que ser
reformadas, corregida por protagonista (se arregla o muere) Verborragia Susan anula a David y lo
arrastra hacia los problemas.
 NEORREALISMO

ROMA, CIUDAD ABIERTA (Roberto Rossellini - 1945)

-Inicio: P.G no busca ubicarte en el espacio (se que es roma por el titulo. “Ciudad abierta”:
abierta al enemigo)
-Primer peli neorrealista

-Se trabaja con rostros no reconocibles (estética del rechazo)

-Uso de plano general
-Mucho plano secuencia (charla Pina con Sacerdote)
-Poca iluminación
-Mucho exterior

-Imagen del uniforme: Uniforme como protector en cine fasicta cae

: Ahora Uniforme como imagen de terror y tortura
-Cine fascista imagen cerrada, no genera duda, se explicaba a si misma, no se interpretaba
-Rossellini confronta los Hechos Históricos con las Historias de los Personajes

PAISÁ (Roberto Rossellini - 1946)

-6 episodios que narran (de sur a norte) el avance del ejército norteamericano. Cada uno de los
episodios transcurre en un lugar distinto.
-Parecido a documental, voz en off que cuentan historia oficial + uso de imagen de archivo.
(Le da plus de realidad a la imagen de ficción)

-Estética del Rechazo= Rechaza espectacularidad (rostros no reconocidos)

-Estética de la Contingencia =P.G se ve contexto que rodea a personajes
=Deambular personajes (tiempos muertos, pero avanza la historia)
=Mujer que mira a cámara
=Es cine pobre x elección

-Filma en el exterior (que se vea realidad)

-Abandona el guion de hierro, hay improvisación
-Escapa de la lógica causal: Hay azar (personajes in objetivos claros vagabundean y asi se
construyen el espacio y el tiempo)

-La Espera y La Revelación= La historia no se resuelve como causa-efecto (capII, niño y soldado)
El espectador está esperando a que algo suceda (lo vuelve
partícipe, hace que se pregunte y piense después de ver la película). Lo que revela es distinto a
aquello que esperaba.
(Ej: cap final: espero a los liberadores triunfantes y veo a los liberadores muertos, con cartel me
muestran q al final de la primavera se libera)

-Rossellini dice que al espectador hay q instruirlo, no educarlo, darle herramientas para generar
un espectador crítico, para que pueda interpretar y que así pueda accionar en su mundo social
LADRON DE BICICLETAS (Vittorio De Sica - 1948)

-Inicio y Final:
=Arranca: con P.G y se va acercando al individuo (gral a particular) - Sale de una masa
de gente para iniciar su recorrido individual
=Termina: con plano cercano de individuo y se aleja a P.G de la multitud (particular
a gral) - Vuelve a ser parte de la multitud, se pierde entre la muchedumbre

-Relación Hombre-Sociedad: Muestra lo que pasa a nivel social pero desde el individuo (De Sica
se lo conoce como “Sociólogo de la cotidianidad” plantea a lo q pasa en sociedad desde individuo)

-Hay mucho plano secuencia, muestra realidad

-Hay vagabundeo, el relato no avanza a partir de acumulación de acontecimientos, sino que
avanza a partir de desplazamientos, tiempos muertos
-Figura niño genera identificación, se lo muestra con cámara baja a su altura
-Estética del rechazo (rechaza espectacularidad), tiene presupuesto, pero elige esta estética
(rostros no conocidos, filmar en exterior, etc)
-Los personajes no son héroes, son anti-héroes

-De Sica muestra posguerra desde visión pesimista, realidad cruda

UMBERTO D (Vittorio De Sica - 1952)

-Es por fuera del neorrealismo puro (una de las ultimas pelis del neorrealistas)
-Trata de la vida de un jubilado y todos los problemas que afronta
-Los problemas sociales los muestra desde el individuo

-Inicio: Va de lo general a lo particular

-Final: Va de lo particular a lo general (termina peor que “Ladrón de bicicletas” xq no se funde en
la multitud, se va solo

-Identificación con figura del perro (así como con el niño de “Ladrón de bicicletas”)
 MANIERISMO

LA VENTANA INDISCRETA (Alfred Hitchcock- 1954)

-Focalización:
-Arranca con Mega-Narrador o Foc. Omnisciente (cuando se nos presenta el espacio)
-Cuando vemos lo mismo q él es Foc. Int. Fija
-Cuando él esta dormido (y vemos mas que él) es Foc. Ext

-Inicio:
-Ventana que se abre (telon de teatro)
-Mov cámara en P.G mostrando el espacio. Nos ubicamos en el lugar de un Mega-Narrador,
Omnisiente que todo lo sabe y todo lo ve.
-Con ese mismo mov de cam nos muestra desde donde estaba mirando, el contracampo (no
con un corte 180, mostrando el contraplano) y asi lo vemos a Jefferies sudando.
-Vemos planos de situac de gente y volvemos a él y vemos su cosas, sabemos así como es

-Espectador-Protagonista:
-Por una lado espectador privilegiado x posición cómoda, pero inmóvil
(yeso Jefferies) incapaz de despegarse de butaca.
-Espectador doblemente Voyager: mira el film sin ser visto x personajes
Y mira a travez de la mirada de Jefferies
-Protagonista desde lugar donde esta sentado le otorga sentido a
imágenes proyectadas (como hace el espectador con la película)
-Ventana: Pantalla cine
-Usa canon clásico y lo evidencia desde su interior (resquebraja canon clásico)
-Cuando se duerme pasamos a una Foc. Ext y vemos lo que él no ve, eso genera molestia porque
sabes que se esta equivocando con las hipótesis que crea porque no vio lo que yo sí.
-Cuando el hombre ve que Jefferies esta viendo, nos sentimos mirados, nos descubren mirando,
en pleno acto voyager

-Espacios:
-Espacio A: Depto. Jefferies desde donde mira, lo vemos con todos los detalles y con
objetos nos damos cuenta de su personalidad
-Espacio B: Edificio donde mira Jefferies, no podemos ver de cerca, plano enteros

BELLISSIMA (Luchino Visconti - 1951)

-No es pelicula manieristas tiene secuencias manieristas, arrancan a resquebrajar lo clásico
-Manierismo no pasa por mostrar el tema del cine, el detrás de escena (el cine dentro del cine),
sino por evidenciar que es una escritura lo que estamos viendo.

-Final: Los productores y Maddalena y Maria están viendo lo proyectado, al inicio cuando ven
imagen proyectada se ven márgenes, luego hay un acercamiento a lo proyectado y ya no se ve
como una proyección (no hay márgenes) lo que vemos no sabemos si lo ven ellas o ellos
-Esc fotografía: cuando le sacan foto a Maria se ve desde la cámara tambien
PSICOSIS (Alfred Hitchcock - 1960)

-Focalizacion: va variando a lo largo de la película

-Marion: nos identificamos con ella pero muere a la mitad
-Norman: cuando la espía y después de que ella muere

Esc ducha:
-Estamos en Foc. Int Fija de Marion
-Con el P.Pecho de asesino acercándose, ella no lo ve, nosotros si (foc externa?)
-Cierre: solo ella sabe quien es el asesino y esta muerta, ese ojo que ve ya no ve, pero es el único
que sabe: esto es la crisis de la apoteosis del sujeto, ya no hay certeza, te hace cuestionarte.

Se pone en evidencia que hay un Mega-Narrador (no la cámara) alguien que organiza lo que
veo, es el sujeto de la enunciación. Se subraya que hay alguien que esta mirando y recortando eso
que nos muestra

Esc Espío:
-Ojo de Norman espiándola: nos vemos mirando y a la vez nos vemos mirados (xq nos
identificamos con ella). Desplazamiento del sujeto mostrado con este plano. El ojo de Norman es
el ojo del espectador: Nos vemos mirando y a la vez nos vemos mirados, eso nos genera
incomodidad

EL JEQUE BLANCO (Federico Fellini- 1952)

-Es una película clásica (tiene todos los elementos) pero desde dentro hace desplazamiento

-Esc Bar:
Cuando bailan hay música diegetica (un auto la pone) pero queda como extradiegetica: pone en
evidencia que es una reconstrucción de una escena romántica

-Escena fotografías:
Se ve como esta construida la obra (no x ser cine dentro del cine) sino por evidenciar que es una
construcción

-Esc Hamaca:
Wanda lo ve y Jeque es mirado (él contrapicado iluminado como un sueño, ella picado) Esto se
quiebra cuando baja de la hamaca y la distancia espacial desaparece

El hombre de la playa representa al Espectador:

-El espectador es el que arma la escena romántica, el que interfiere en medio de la sesión de
fotos: asi se ve la mirada ordenadora en la representación y esto molesta, genera incomodidad.
-También el espectador no puede ver construcción ni pertenecer a ella, sin embargo siempre está

-Mirada a cámara de marido Wanda, interpela al espectador

-Se devela q estamos ante una Construcción, el personaje del jeque es una construcción un ideal
que ella tiene de el, del personaje ¿
NUESTROS TIEMPOS “Escena al aire libre” (Alessandro Blasetti - 1954)

-Se da un juego de desdoblamiento de lo ficcional: estamos dentro de una representación

(romance) que esta dentro de otra representación (filmación) que esta dentro de otra
representación (corto) dentro de otra representación (la película): es como mamushcas

-Hay 2 lineas de historias: La de la Filmación y la del Romance.

El ámbito de la Filmación esta trabajado como real, y el Romance (que pertenecería
al mundo real de nuestro personaje) esta trabajado como ficción (actores
interpretando que son pareja). En la filmación están haciendo una ficción (haciendo
una peli) y dentro de esa ficción dentro de esa peli, esta la realidad (historia mujer y hombre)

-Mientras que ruedan:

-Los plano donde ellos hablan son P.M, donde muestra que están alejados de todo
-Hay música extradiegetica que acompaña su romance (en vez q al de la peli q filman)

-Este desdoblamiento, esta confusión con el punto de vista es un rasgo manierista

BIENVENIDO MISTER MARSHALL (Luis García Berlanga - 1953)

-Plan Marshall: es ayuda económica de EE.UU a Europa. El pueblo se prepara para celebrarlo

-Con Parodia y Humor para que no sea censurado, disfraza el decir político de la película. El
humor ablanda el impacto, lo hace tolerable y visible

-Prologo y Epilogo:
-Evidencia la instancia ordenadora del relato: Mega-Narrador que habla con voz en off
y nos presenta al pueblo, manipula las cosas que se ven en esc (mueve personajes y asi
elige qué mostrarnos)
-Además de aparecer al principio y al final aparece x momentos para que no te olvides q
todo esto es un simulacro, de esta manera pone en evidencia la escritura clásica.

-Narrador les habla a los personajes

-Este narrador existe en tanto a nuestra mirada
-Final clásico: “Justicia poética”: restablecimiento del orden inicial (inicia y termina con imagen auto)
CIUDADANO KANE (Orson Welles - 1941)

-Trabaja con el texto de Bordwell y Requena

-Es peli clásica, pero con indicios manieristas

-Focalización:
-Foc. Int. Variable (el saber esta dado a partir de los personajes)
-inicio y Fin: Foc. Cero (deus ex machina) q nos rescata y organiza

-Se hace explícita la enunciación:

-Iluminación de la ventana al inicio, siempre la vemos no importa por dónde pasemos
(es físicamente imposible) se evidencia el artificio
-Se ve reflejada la cámara cuando Tatcher investiga las memorias
-La angulación exagerada de cámara también trabaja en este sentido.
-Hay prof de campo (no solo como cine clásico imagen centrada y en equilibrio)
-Hay planos largos donde suceden dos cosas distintas a la vez y el espectador tiene
que decidir que ver (antes se miraba en el centro lo importante)

Existen dos enigmas: El enigma de Rosebud, que se resuelve y el enigma del film, que es "quién
es Kane?". La pregunta central del film no se resuelve: lo único que sabemos con certeza es que
Kane está muerto.

AUTORIA EN LA PUESTA EN FORMA: Arranca con el cartel prohibido pasar y la reja, con una
cámara líquida se ingresa a Xanadu (donde está la mansión de Kane) y se rodea la mansión (no
hay stablishing shot).

EL MUELLE DE LAS BRUMAS (Marcel Carné - 1938)

-Transgresiones a normas del modelo clásico:

-Travelling-in presentación personajes se ve borroso x las luces
-Arranca con plano detalle. Va de lo particular a lo general
-Personaje es un desertor sin objetivo especifico, deambula
-Cambio de roles mostrado desde la iluminación: ilum de 3 puntos era para personajes
buenos, a personajes malo con contraste
-Se trabaja la profundidad de campo.

-Espacios:
-Exteriores: mostrados con constraste, en penumbras
-Cabaret: iluminación de espectacularización (no oscuro como imagen del mal)
-Bar Panama: está al borde de la orilla, es marginal. Los personajes quieren salir de ahí.
 TRANSICION A LA MODERNIDAD

AL MORIR LA NOCHE (Cavalcanti – 1945)

-Tiene segmentos manieristas: pervierte la escritura clásica desde el interior

-La película trabaja todo el tiempo desplazándonos de un narrador omnisciente a un narrador

personaje
-Secuencia Final: Cuando despierta, se levanta y ve por la ventana: Hay a fundido a negro: y arranca
otra vez con la sec inicial (del auto llegando).
Con este fundido a negro: (no se sabe si es elipsis al pasado o elipsis al futuro)=
-o es elipsis al futuro=narrador omnisiente
-o es elipsis al pasado=y es narrador personaje: osea se pone a pensar en lo que soñó (y es un
recuerdo nuevo)
=La tensión esta ahí: es Policemico= usa el punto de cierre y lo deja con posibilidades de distintas
interpretaciones (son dos lecturas posibles e igualmente válidas)

-A medida que avanza y se va haciendo mas de noche: cada vez mas los planos se van haciendo mas
picados y va cambiando la iluminación mientras sube la tensión dramática
-Hay fantasmas (relac con lo fantástico): automovilista, niño fantasma, sr dentro espejo, marioneta
-Hay coqueteo, sensualidad relac con lo fantástico= automovilista coquetea con enfermera/chica
coquetea con chico/marioneta busca a ken

FRESAS SALVAJES (Bergman – 1957)

-Bergman usa mucho la temática vida-muerte

-Iconografia asociada al paso del tiempo y muerte: ataúd, relojes

-Inicio: Isacc nos cuenta en voz over la historia de su familia, acompañado de fotografías, se presenta,
sale de la habitacion y nos cuenta que al otro dia va a recibir su titulo académico= Nos cuenta y asi
Evicencia la enunciacion.

-Los personajes Vagabundean: el acontecimiento es una excusa para el viaje interior: hace un
recorrido por su vida
-Trae al presente el pasado= con flashbacks: aca los planos están mas sobre expuestos (no lo
muestra borroso como se solia mostrar en esa epoca). // Hay varios flashbacks que son falsos porque
son situaciones en las que él no estuvo presente. // Para entrar en el flashback lo hace con travelling in
hasta PP de la cara del personaje y con fundidos
-Bergman usa clave de byn pero invertida: Lo Luminoso: para momentos de recuerdos felices, pero
que en realidad es triste xq esta en la decadencia de su vida
VIAJE A ITALIA (Rossellini – 1954)

-Rossellini viene del Neorrealismo= De a poco comienza a trabaja mas con la idea del deambular:
abandona el guion de hierro, hay mas improvisación
-Hay Alienacion en la paraja: (viven juntos hace 8 años y en el viaje es la primera vez que están solos)
hacen todo por separado

LOS TALLOS AMARGOS (Ayala – 1956)

Es una película Argentina. Se trata de un crimen perfecto y los remordimientos del asesino.
Se la considera como una de las mejores fotografías de la historia del cine.

LA RONDA (Ophus – 1950)

-Pelicula narrada de forma episódica (Situada en Viena en 1900) cuanta 10 encuentros amorosos en
todo el espectro social (desde una prostituta callejera a un noble)

-Absoluta Evidenciacion de la enunciación=

-Inicio: Es un plano secuencia que va siguiendo al presentador (es físico: distinto a Mr. Marshall, q solo
es la voz). Arranca subiendo al escenario y dsps sale y se va viendo la puesta (se ve la camara, luces,
decorado vestuario) hasta llegar al carrusel
-Logica circular (representada con el carrusel): Estas 10 historias se encadenas unas con otras hasta
llegar al final donde se termina de completar el circulo como empezó (Inicia con una prostituta toma a
un soldado debajo de un puente= El soldado recoge a una camarera en un salón de baile= La
camarera sucumbe voluntariamente al hijo de sus empleadores= El joven comienza una aventura con
la joven esposa de un hombre de negocios mayor, que luego tiene una discusión nerviosa en la cama
con su esposo= El esposo lleva a una shopgirl a un comedor privado y la emborracha= La shopgirl se
enamora de un poeta= Quien tiene una aventura con una actriz= La actriz invita a un conde a visitarla
en la cama= El conde esa noche se emborracha= Y termina en la cama de la prostituta: completando
así el círculo)

-Hay presentador que aparece como personaje que va guiando la enunciación, cuando gira el
carrusel (y guía la puesta y lo que pasa en ella). El presentador interfiere en la historia= Hace
observaciones (x ej: en la esc de la actriz y el conde agarra la cinta u la corta diciendo: censura) Ayuda
a los personajes (x ej: con el joven y la criada, interfiere para que el maestro de francés no los
interrumpa, diciendo: para que siga la ronda)

-No hay causalidad (causa-efecto): son sencillas y simples historias amorosas que se encadenan unas
con ortras. Los planos no son clásicos: son torcidos, contrapicados, etc.
-Hay dilatación del tiempo: vemos la vivencia cotidiana de cada personaje no hay apuro en pasar a
cortes, los planos son largos y en general son planos secuencias.

-Final: el conde vuelve por el camino donde arrancó la historia (se ve la camara, luces, decorado,
vestuario) y se cruza al narrador que dice que la ronda terminó y se pone su ropa en vez del vestuario
UN MARAVILLOSO DOMINGO (Kurosawa – 1948)

-Secuencia final:
.Ruptura de la cuarta pared: Hay una mirada directa a cámara que apela al espectador: Ella nos pide
aplausos
.Sonido: El viento deja en evidencia la instancia enunciativa, es casi subjetivo de los personajes. Pasa
lo mismo con la música: su aparición es creada absolutamente desde la subjetividad de los personajes
Es diegetica o extradiegetica según su subjetividad

-Pareja que deambula, no tienen un objetivo fijo mas que aprovechar el dia, a lo largo del dia les
cambian los estados de animo. Vemos como viven su vida cotidianamente

-Sensacion dilatada del tiempo: Planos larguísimos, muestran cada situación entera (sensacion de
que el domingo dura muchísimo)

-Montaje: las secuencias se dividen con fundidos a negro

-Hay mucha casualidad: por ej, ellos se esfuerzan en llegar a ver la obra y justo el que esta adelante
de el las vende mas cara, no es un efecto de su accionar, se mueven de una situacion a otra
 MODERNIDAD FRANCESA

NOCHE Y NIEBLA (Resnais – 1955)

-Inicio: Arranca a color con música festiva (flauta). Vemos un campo narrado con voz en off, narra el
presente // De repente pasa a byn (con imágenes de archivo) con música de marcha (tambores) vemos
que este campo son los campos de concentración, naarador narra pasado.
=La imagen del inicio adquiere significado cuando se va al pasado, a partir de estos fragmentos de
memoria.
-Tematica que utiliza Resnais: La Memoria (pero desde una visión sanadora). No recordamos de
manera lineal, sino fragmentada= va y viene al pasado: lo muestra con recurso: color y byn
(Muestra los estilos de campo de concentración casi ironizando: el estilo inglés, japones, sin estilo)

Es una de las primeras películas que aborda el tema de los campos de concentración.

HIROSHIMA MON AMOUR (Resnais – 1959)

-Inicio: voz over de personajes hablando que dsps se diegitizan

-Convive lo ficcional y lo documental = La peli esta compuesta por:
material de archivo + reconstrucción (imagen de ficción que pretende hacer de real) + la ficción de ellos
dos

-Final de la secuencia inicial: vagabundeo en su esplendor, es una plano secuencia que recorre un
espacio indeterminado: al igual que los protagonizatas que ni siquiera tienen nombres. Ella esta en un
constante vagabundeo físico y psicológico

-Los acontecimientos se unen mediante la CASUALIDAD (no tienen una continuidad de causa y
efecto). Hay mucha fragmentación en el relato, hay cosas que se entienden recién mas adelante (ej:
pequeño flash de plano chico japonés y su amante alemán muerto) y otras que no se terminan de
entender nunca

-Final abierto: no hay resolución, la historia de ellos es anecdótica (ni importa que tengan nombres,
ella lo llama a él Hiroshima y él a ella Nerves) lo que quieren transmitir va mas alla, es mas profundo,
es el tema de la imposibilidad de recuperar la Memoria= la indeterminación que todo el tiempo hay
en la película (espacio-temporalmente) sirve para dar cuenta de la imposibilidad de recuperar una
memoria completa y total, y de la necesidad de recuperar los fragmentos.
Esta fragmentación se muestra en el realto con ((ella:) “Lo vi todo” (él:) “No viste nada”) planos
fragmentados, no se entiende quien dijo/hizo qué cuando/donde: espacios indeterminados, aparecen y
desaparecen, lagunas, relato fragmentado, episódico, el uso del Flashbacks pero que no están
indicados (no te avisan ahi viene un recuerdo
EL AÑO PASADO EN MARIENBAD (Resnais – 1961)

Es contradictoria, dos personajes dicen cosas distintas sobre ¿un mismo hecho?

-El Espacio (es inverosímil e imposible de reconstruir), el Tiempo (cuando sucedió qué) y los
Personajes (lo que pasa o no pasa, depende de la mirada que tiene cada uno de lo que recuerda que
pasó) son indeterminados= Hay indeterminación al extremo, tan indeterminados como puede ser la
memoria= la memoria es siempre subjetiva y fragmentada (porque cada personaje se acuerda de
cosas distintas que pasaron) aunque no importa si pasó o no pasó tal cosa, lo que quiere transmitir
Resnais va mas alla, la historia de ellos es anecdótica

-Todo es arbitrario: no sabemos los nombres de los personajes, ni la relacion entre ellos, y hasta el
titulo es arbitrario (porque hay un momento en el que se duda que haya sido en Marienbad)

-Vagabundeo: lo plantea con los planos secuencia traveling y deambuleo por todo el lugar en los
créditos del inicio

-Planos: En un mismo plano composiciones imposibles (algunos objetos proyectan sombnras, otros
no)/Arte: los decorados cambian de forma ilogica
-Banda sonora: bruzcos cambios en la banda sonora, inicio repentino de música o cese repentino,
casi cortado / voz en off arranca como que tiene sentido pero dsps se contradice con lo que muestra la
imagen

-La estatua= es como la película. Cambia espacial y temporalmente sin explicación. Y su significado
nunca lo sabemos, puede ser muchos a la vez (según los personajes para cada uno representaba una
cosa distinta esa estatua, y siempre que la vemos cambia de lugar, forma y significado)

-El simbolismo del Juego (que juega el marido de la chica) muestra la imposibilidad (a veces se gana a
veces se pierde) no tiene ninguna clave para ganar (es arbitrario) como la película: no hay ninguna
clave para descubrir la lógica oculta, la película entera está construida como un juego de
ambigüedad casual. La pelicula no pretende dar pistas para que establezcas conexiones claras
 MODERNIDAD INGLESA

LA SOLEDAD DEL CORREDOR DEL FONDO (Tony Richardson – 1962)

-Richardson funda Woodfall Films con la que filman muchas películas del Free Cinema, mostrando
que se podían hacer buenas películas con presupuestos reducidos.
En sus películas no hay amor ni finales felices. La figura del padre es siempre el temeroso y derrotado
y de la madre que no lucha y es desleal. Usa mucho a hijos bastardos.
No pertenece al momento duro del free cinema

-La historia muestra un protagonista de clase proletaria que se revela con la autoridad, esto se
muestra cuando se presentan ante el jefe de la institución, con el uso de picado y contrapicado, para
mostrar la relacion de poder.
-Inicio: Vemos correr al personaje de espaldas, muestra la problemática desde el inicio: este joven
huye de algo o persigue algo a lo que quiere llegar, durante toda la película lo muestran correr en
exteriores en planos largos

-Hay mucho vagabundeo de los jóvenes que caminan sin rumbo por las calles de su ciudad y roban
sin un objetivo claro; la forma de narrar es fragmentada, no es una narración lineal causa-efecto como
el cine clásico.
-El zoom como técnica se utiliza por primera vez en fines de los ’50 y es una ruptura muy fuerte,
descoloca (escena de fútbol)= asi se evidencia la construcción.
-Cita al cine mudo= Cita textual: con el regador regado (lumiere) imitan la secuencia. Por momentos
también hay una aceleración de la imagen (cuando se sacan la ropa o roban en la panaderia) = Con
estos recursos formales se ve la autoconciencia narrativa (porque evidencia el cine anterior) que
busca generar una reflexión en el espectador

-Uso del Flashbacks para reconstruir la historia del protagonista, pero no están puntuados, ni por el
sonido ni por la imagen, se pasa mediante corte directo.
-Decisión estética de trabajar en blanco y negro.

-En la escena de la rebelión de los chicos ante la autoridad se muestra= con los saltos en de eje y la
cámara en mano, sin filmar a nadie en particular, sino a la masa de chicos comiendo que da la
sensación de colectividad

TOM JONES (Tony Richardson – 1963)

Esta basada en una obra del SXVIII inglesa. Richardson con esta película se va a EE.UU y arranca su
periodo de cine norteamericano. La temática principal muestra las clases sociales de 1700 (siglo 18).
No pertenece al periodo puro del Free Cinema
-Inicio: Cita al cine mudo: música, cámara acelerada e intertitulos (pero con el uso de color).
Recreando al cine mudo= apela a la historia del cine y hace reflexionar sobre la representación.
-Relacion con Cine de Arte y Ensayo y el Free Cinema:
-Los personajes principales son antihéroes / son indeterminados (no son buenos ni malos) / no tienen
objetivos fijos (vagabundean un poco)
-Hay mucha casualidad en las cosas que pasan
-Nos cuenta fragmentos de la vida de los personajes
-Conciencia de la narración: voz en off de narrador picantòn que nos habla y dice "esto no lo
podemos ver"
-Vemos fragmentos en la vida de personajes de clase media o baja. Los vemos accionar en su
cotideaneidad
-Rompe con la idea amorosa de "la familia"
-Muestra a los marginados: antes diferenciaban clases altas de las clases bajas. En esta película
pareciera que son todas iguales. Lo sucio estaba relacionado con los sirvientes y no con las clases
altas, sin embargo aca unifican a todos como bestias y animales, por ejemplo en la secuencia de la
caza, o cuando el padre de Shopie come, o cuando las chicas le tiran piedras a la prostituta, con
planos generales, cenitales o movimientos de cámara bruscos, no hacen distinción (osea no resaltan
unos con primeros planos y otros con planos generales de mucha masa de gente), son todos la misma
masa, con planos conjuntos donde todos son iguales

EL SIRVIENTE (Joseph Losey – 1963)

-No pertenece al periodo puro del Free Cinema. Losey hace el camino inverso a los realizadores del
Free Cinema: va de EEUU a Inglaterra. Esta basada en la novela corta contemporánea.

-Decadencia mutua= esta mostrada con los espejos que reflejan un ámbito deformado, decadente y
dado vuelta. Desde la subjetiva de la bola de cristal: todo esta dado vuelta
-Juega con la tensión entre las clases= cambian los roles (en la escena de la escalera cuando el
sirviente le dice que le sirva wisky o al final cuando Tony queda dominado y controlado por él)

-La mayor parte del film transcurre en un interior indeterminado (no lo podemos reconstruir en su
totalidad). En este espacio se va a ir mostrando la decandencia con el transcurso de la película
-La música a veces es extradiegetica que después se hace diegetica. La música con el tiempo también
se va gastando y degradando.
-En la iluminación (con el blanco y negro se resalta) abunda el claroscuro, las luces son duras y
marcadas. Deja los rostros de las mujeres en penumbra excepto el de la novia= ella esta vestida
siempre de blanco.
-Con los planos para los momentos sexuales usa mucho la fragmentación en la composicion,
mostrando solo partes de los cuerpos y ocualtando otras (el reflejo de ellos en el espejo y la mano en la
pared o cuando ella esta en la silla y solo se ve su cabeza y pies)

-Los Personajes no tienen objetivos claros (en especial Tony) y son indeterminados (en especial el
sirviente) porque nunca sabemos que es lo que quiere
-Final: No hay hilo conductor que lleve al final= el final da lugar a la ambigüedad e incertidumbre
 MODERNIDAD ITALIANA

FELLINI 8 y 1/2 (Federico Fellini – 1963)

Despues de la época del Neorrealismo algunos autores siguieron con la forma de expresión (ya sin la
temática de la época) y asi de a poco se va construyendo el cine moderno (en base a la inspiración
inicial del Neorrealismo)

-Inicio, la pesadilla: Arranca en un lugar lleno de autos y vemos a Guido de espaldas (nunca se le ve
la cara) que se empieza a asfixiar (plano saturado y con encuadre dentro de encuadre)= Con esta
asfixia muestra la saturación que siente, sobrepasado por la situación, y que esta en busca de su
identidad.
En las películas de Fellini muchas veces muestra a sus personajes en zonas de umbral (liminares).
Aca los dos espacios liminares son: por un lado el agua como la zona del inconsciente, por el otro la
tierra, como realidad. En el sueño está al límite de la orilla del mar donde los personajes están
inmersos en su inconsciente hasta que le tiran de la soga atada al pie y lo obligan a bajar a la tierra: a
la realidad (la película inicia y cierra a orillas del mar)
-Cuando Guido se reacomoda los anteojos, se para la música, paréntesis. Estos paréntesis mentales
que va a tener nuestro personaje como fuga, van a ser recurrentes.

-Texto: “La construcción en abismo en 8 ½” (Metz, Christian)

-8 ½ pertenece a la categoría de obra de arte desdoblada (que se refleja a sí misma)= a esta estructura
se la llamo “construcción en abismo” (osea film dentro de film)
Fellini fue el primero en hacer un film (en su totalidad) como “un film dentro de un film” (los anteriores
lo hacian como algo pintoresco).
8 ½ es doblemente desdoblado= -Se trata de un film que habla sobre el cine / -y además de un
cineasta que reflexiona acerca de su film= Osea se trata de un film que nos habla del mismo film
que se está haciendo → No basta hablar de “film en el film”, 8 ½ es el film 8 ½ haciéndose.
-La construcción en abismo= le permitió a Fellini meter en su film todas las reflexiones acerca de lo que
se podría reprochar a su film.
-Nunca se muestra nada de la película de Guido= porque el film de Fellini (osea 8 ½) está formado por
todo lo que Guido hubiera querido poner en el suyo.

-Lo femenino es recurrente en fellini (y en general en varios autores de este nuevo cine) donde toman
conciencia de la mujer, se preguntan y analizan: es una zona de desconocimiento
-Tambien problematiza la zona de la perdida= la nostalgia por algo perdido que ya no va a volver mas
(por ej la infancia)
 POSMODERNIDAD

PSICOSIS (Gus Van Sant – 1998)

-Psicosis (1998) es un remake de Psicosis (1960) de Hitchcock

-Es una película posmoderna que usa el Remake= transposición que va de texto fuente= a texto
destino= es una reescritura
Pero ambas son autónomas: son diferentes (se puede ver una sin haber visto la otra)

-En lo posmoderno hay una idea de reciclaje= de recuperar lo viejo y revalorizarlo: volver a ponerlo en
circulación (es un homenaje también)

-Es (casi) exacta a la anterior:

Trae a Hitchcock, lo copia y hace algunos cambios: le pone color, cambia la luz, actuación, etc.
-Juego intertextual: juega con que el espectador sabe lo que va a pasar y hace pequeños cambios
(se ve mucho más el "asesine" que en la original, porque igual vos ya sabes quien es, cuando la espia
y se toca, cambio de generación que lo ve)

NINE (Rob Marshall – 2009)

Es un Remake de 8½ de Federico Fellini, pero reversionada a un musical

Se llamó Nine en lugar de Ocho y medio, y el personaje principal mantiene el nombre de Guido

-Es una película posmoderna que usa el Remake= transposición que va de texto fuente= a texto
destino= es una reescritura
Pero ambas son autónomas: son diferentes (se puede ver una sin haber visto la otra)

-Sinopsis: Guido es un director de cine que intenta planear su próxima película después de un fracaso
rotundo. Mientras piensa, comienza a recordar sucesos importantes en su vida, y todas las mujeres a
las que ha amado y dejado.

BATMAN RETURNS (Tim Burton – 1992)

-Posmoderno juega con referencias: me da imagen cifrada y yo busco reconocer (espectadores que
tienen conocimiento del cine) y cuando reconozco me da satisfacción (x eso narsicista xq juega con el
ego) Por ejemplo: el personaje de Oswald Cubbelpot (pinguino) está construido a la sombra del Dr.
Caligari

-Hay una intertextualidad que Batman hace referencia a El Ciudadano= Al inicio de la película la
forma de mostrar la mansión es bastante similar: en ambas es denoche, las rejas de la entrada están
iluminadas similar (con frio y mucho humo en el ambiente) con movimientos de travelling
Lanzamiento de campaña: cuadros casi idénticos a Citizen Kane.
BLADE RUNNER (Ridley Scott – 1982)

-Basada en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968). La
expresión “blade runner” es de la novela de ciencia ficción francesa de Alan E. Nourse, y podría
traducirse como “El que corre al filo de la cuchilla”= alusión al personaje que siempre esta en la
frontera entre: lo humano y lo inhumano / los recuerdos genuinos y la memoria implantada

Hay Hibridación de estilos=

-Confluyen diversos géneros (fantástico, ciencia ficción, terror, noir, thriller) y estilos cinematográficos
Hasta la arquitectura de la ciudad es un pastiche de diversos estilos: gótico, precolombino, oriental.

Basado en la estética del Cine Noir (el blanco y negro no era solo porque no había color en esa época,
sino porque era un rasgo). En la pelo los tonos fríos “tiñen” el fotograma entero y le dan un clima
monocromático que lo acerca al cine noir. El Neo-Noir: es el cine negro contemporáneo, desde la
década de 1970. “Blade Runner” inauguró esta estética posmoderna= donde se vive una
convivencia de diferentes etnias en la misma zona, un ambiente sofocante y apocalíptico, la
ausencia de luz natural y donde hay bastante publicidad
-Elementos del cine noir= Calles humeantes y mojadas / ambientes nocturnos / luces de la ciudad /
claroscuros con haces de luz / contraluz / conversaciones en ambientes poco iluminados

-Personajes=
.Protagonista (Deckard) en su forma de ser y en el vestuario (la gabardina y traje), remite a los
detectives del cine noir (detective-fumador)
.Femme Fatale (Rachel) en su forma de ser fría e inteligente, irresistible e inaccesible. Mientras la
interrogan, fuma tranquilamente atrevida y sin dudas.

-También hay elementos de la cultura popular de los años 70: en el vestuario de Zhora (sombrilla y
abrigo de plástico transparente). Y de los años 80: con publicidad y mostrando el desastre de
naturaleza post-apocalíptica.

-Es la primer película Cyberpunk (es un subgénero de la ciencia ficción)

.Conflictos: vinculados con hackers, inteligencia artificial y megacorporaciones
.Espacialidad: ciudad en un futuro cercano tecnológico (distopías post industriales)
.2 Clases: los pocos que tienen el poder / y la masa que vive en decadencia
.Protagonista cyberpunk: es solitario y vive al margen de la sociedad
.Atmósfera: como la del cine noir
.Argumentos: como la ficción detectivesca

-Hace citas a otras películas: (La casa con muñecos eléctricos es como la de Laurence Olivier en La
huella, Sleuth, 1972. / La persecución de Zhora semidesnuda por las calles recuerda a El kimono rojo,
The Crimson Kimono, 1959. Pris se esconde haciéndose pasar por un maniquí como el asesino de
Chantaje, Experiment in Terror, 1962)
VIDEODROME (Cronenberg – 1998)

-Cronenberg mantiene la tradición del genero terror (en relacion a lo sexual): por ejemplo: la
penetración en drácula con los colmillos= Aca se da en él con el video que penetra en su cuerpo
El cine de terror binariza universos: pero aca todo es una calesita: las líneas están disueltas, estamos
en una zona imprecisa.

-Lo original de Videodrome es que en él reciden: el detective, la víctima y el malvado: cambian de

lugar y se solapan lentamente.

CALLES DE FUEGO (Walter Hill – 1984)

-Se trata de un western urbano contemporáneo, pero en vez de cowboys estrellas de rock

-Similitudes con el western: El héroe que esta fuera de la ley va a rescatar a la chica en apuros /
Heroes atípicos: la chica ex soldado McCoy, manager de Ellen Billy Fish, la tabernera hermana de
Coddy / Al héroe se lo presenta entrando en la taberna / El caballo es remplazado por el auto rojo para
Coddy y las motos negras para Raven (de Los Bombarderos) / El sheriff le advierte al héroe que huya
de la batalla final / Encuentro bajo la lluvia con Ellen / Para la batalla final se una una música western
moderna / Usan martillos en vez de pistolas / El chico y la chica no terminan juntos

DRACULA (Francis Ford Coppola – 1992)

Drácula de Bram Stoker, es una película estadounidense basada en la novela Drácula de Bram Stoker.

DOCE MONOS (Terry Gilliam – 1996)

Es una película de ciencia ficción, inspirada en la película La Jetée (1962), de Chris Marker. Doce
monos toma esa idea de viajes en el tiempo…

DESMONTANDO A HARRY (Woody Allen – 1997)

-Es una comedia.

-Sinopsis: Harry Block (Block hace referencia al writer's block, el bloqueo de escritor), es un escritor
que se inspira en la vida de personas que conoce y en eventos que le sucedieron, causando a veces
que estas personas se alejen de él
-Hay fragmentación: las historias que él crea se mezclan con la vida real, generando confuciones en
la historia
-Final: al final termina escribiendo sobre él, termina conociendose