Vasili Kandinski

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Vasili Kandinsky
Василий Кандинский

Información personal

Nombre de
Vasily Vasílievich Kandinsky
nacimiento

Nombre en
Василий Васильевич Кандинский
ruso

Nacimiento 16 de diciembre de 1866
Imperio Ruso
Fallecimiento 13 de diciembre de 1944 (78 años)
Neuilly-sur-Seine, Francia

Causa de
Accidente cerebrovascular
muerte

Sepultura Neuilly-sur-Seine New Communal Cemetery

Residencia Moscú, Neuilly-sur-Seine, Odesa y Múnich

Nacionalidad Rusa / Francesa

Familia

Gabriele Münter (1903-1916)
Cónyuge
Nina Kandinsky (1917-1944)

Educación

Educación Academia de Bellas Artes de Múnich

Educado en Academia de Bellas Artes de Múnich

Facultad de Leyes de la Universidad
estatal de Moscú (Ciencias Económicas y Derecho)

Alumno de Franz von Stuck

Josef Albers
Anton Ažbe

Información profesional

Área Pintura, teoría

Cargos
Director de Instituto de cultura artística
ocupados

Empleador Bauhaus (1922-1933)

Movimientos Expresionismo, arte abstracto, fauvismo

Géneros Pintura, gráficos, teoría y arte abstracto

Miembro de Die Blaue Vier

El Jinete Azul
 Abstracción-Creación

Firma

Web

Sitio web www.wassilykandinsky.net

Vasili Vasílievich Kandinsky (en ruso: Василий Васильевич Кандинский)

(Moscú, 4 de diciembrejul./ 16 de diciembre de 1866greg.-Neuilly-sur-Seine, 13 de
diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor del arte abstracto en pintura y
teórico del arte. Se considera que con él comienzan la abstracción lírica y
el expresionismo.1
Pasó su niñez en Odessa, donde se graduó en la Escuela de Arte Grekov Odessa.
Se matriculó en la Universidad Estatal de Moscú, donde estudió derecho y
economía, tras lo cual empezó a ejercer con éxito su profesión e incluso le
ofrecieron un puesto de profesor de derecho romano en la Universidad de Dorpat.
Sin embargo, decidió comenzar a estudiar pintura cuando tenía 30 años.
En 1896 se estableció en Múnich, Alemania, donde se formó en la escuela privada
de Anton Ažbe primero y en la Academia de Bellas Artes de Múnich después.
Regresó a Moscú en 1914, después del estallido de la Primera Guerra Mundial.
Tras la Revolución rusa, se convirtió en un gran conocedor de la administración
cultural de Anatoli Lunacharski, el Comisario de Educación de la nueva
administración soviética de Rusia,2 y ayudó a fundar el Museo de Cultura de la
Pintura.3 Sin embargo, para entonces su «perspectiva espiritual... era ajena
al materialismo argumentativo de la sociedad soviética»,4 y las oportunidades le
atrajeron de nuevo a Alemania, a donde retornó en 1920. Allí enseñó en
la Escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde 1922 hasta que la cerraron
los nazis en 1933. Entonces se trasladó a Francia, donde residió el resto de su
vida y donde adquirió la ciudadanía francesa en 1939. En este país creó algunas
de sus mejores obras.

Índice

 1Biografía
 2Juventud e inspiración (1866-1896)
 3Metamorfosis
 4Periodo El Jinete Azul (1911-1914)
 5Regreso a Rusia (1914-1921)
 6La Bauhaus (1922-1933)
 7La gran síntesis (1934-1944)
 8Arte abstracto
 9La Concepción de Arte de Kandinsky
 o 9.1Teoría artística y espiritual
o 9.2De lo espiritual en el arte
o 9.3Punto y línea sobre el plano
 10Referencias
 11Enlaces externos

Biografía
Kandinsky nació el 16 de diciembre (4 de diciembre en el antiguo calendario ruso)
de 1866, proveniente de una familia de clase media alta. Su padre Vasili
Silvéstrovich Kandinsky era un comerciante de té procedente de Kiajta, una
población siberiana cercana a la frontera con Mongolia.5 La abuela de Vasili era
una aristócrata mongola de la dinastía Gantimúrov. Lidia Ivánovna Tijéieva, la
madre de Vasili, era de Moscú.6 Pasó su infancia y juventud entre Moscú y Odesa,
donde se trasladó la familia en 1871.6 Tras el divorcio de sus padres vivió con su
padre. Su tía Elizaveta Tijéieva también lo cuidó. 6 Su abuela materna era alemana
y le hablaba en alemán. En Odesa tomó clases de piano y de violonchelo.6 En
1886 Kandinsky comenzó sus estudios de Derecho y Ciencias económicas en la
Universidad de Moscú. También estudió etnografía.6 En 1892 se casó con su
prima Anna Chemyákina, con quien vivió hasta 1904. En 1893 fue nombrado
profesor asociado en la Facultad de Derecho. En 1896 la Universidad de Tartu le
ofreció una plaza de profesor que rechazó para dedicarse por completo al arte.
Esta decisión estuvo influida por la exposición de los impresionistas en Moscú en
1895, al ver las obras de Monet y la representación de Lohengrin de Richard
Wagner en el teatro Bolshói.6
Se trasladó a Múnich donde inicialmente no fue admitido en la Academia de Arte.
Estudió un tiempo en la academia privada de Anton Ažbe hasta 1900, cuando fue
admitido en la Academia. Su profesor fue Franz von Stuck y, como consideró que
la paleta de Kandinsky era demasiado brillante, le hizo pintar en una gama de
grises durante un año.6
En 1901 fundó el grupo Phalanx, cuyo propósito principal era introducir las
vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo que abrió
una escuela en la que daba clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo
eran paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego
adquirir una intensidad casi "fauve". También pintó temas fantásticos basados en
tradiciones rusas o en la Edad Media alemana. Este período estuvo marcado por
la experimentación técnica, en particular en el uso del temple sobre un papel
oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás.
La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema, borrando la distinción
entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.
En 1902 expuso por primera vez con la Secesion de Berlín y realizó sus
primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y
visita Rusia. En 1904 expuso en el Salón de Otoño de París. En 1903 se divorció
de Anna Chemyákina y se casó con la joven artista Gabriele Münter. Durante
cinco años viajó con su esposa por Europa pintando y participando en
exposiciones. Volvió a Baviera y se asentó en Murnau am Staffelsee en la falda de
los Alpes.6 En 1909 fue elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de
Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tuvo lugar en la
galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las
pinturas de Kandinsky denotan una gran tendencia a la plenitud, por la
equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente, que
destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate
comenzaron en 1909, y en ellas, la línea del horizonte se va erradicando
gradualmente, al igual que otras referencias espaciales. En 1913 escribió sus
memorias y una colección de poesías.6En 1913 una obra suya se presentó en el
Armory Show de Nueva York.
Al estallar la Primera Guerra Mundial abandonó Alemania y junto a su esposa
Gabriele se mudaron a Suiza el 3 de agosto de 1914. En noviembre de 1914
Gabriele volvió a Múnich y Kandinsky volvió a Moscú. En el otoño de 1916 conoció
a Nina Andreiévskaya, que era hija de un general ruso. Se casó con ella en
febrero de 1917.6
A partir de la Revolución de octubre de 1917, Kandinsky desarrolló un trabajo
administrativo para el Comisariado del Pueblo, para la Educación; entre los
proyectos de este organismo estaba la reforma del sistema educativo de las
escuelas de arte. En 1920 fue uno de los fundadores en Moscú del INJUK
(Instituto para la Cultura Artística), a lo largo de este año surgió el conflicto entre
Kandinsky, Malévich y otros pintores idealistas frente a
los productivismo/productivistas (o constructivistas), Vladímir Tatlin y Aleksandr
Ródchenko, este último grupo encontró un fuerte apoyo en "el plan de propaganda
monumental" ideado por las autoridades políticas de la Revolución. La situación
de tensión propició la salida de Kandinsky de Rusia.
En 1922 se trasladó a Weimar (Alemania), donde impartió clases teóricas para
la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publicó su libro Punto y línea sobre el
plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación
orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte.
Hacia 1931 los nacionalsocialistas iniciaron una campaña a gran escala contra la
Bauhaus que llevó a su cierre en 1932. Kandinsky y su esposa emigraron a
Francia y fijaron su residencia en, suburbio de París.

Juventud e inspiración (1866-1896)

Puerto de Odesa, óleo sobre lienzo, 1898, Galería Tretiakov

Kandinsky recuerda la fascinación por el color como un niño. Su fascinación por el

simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía. En 1889, formó
parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a Vólogda al norte de la
región de Moscú. En Mirada retrospectiva, relata que las casas e iglesias fueron
decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellos, sentía que se movía en
una pintura. Esta experiencia, y su estudio de arte popular de la región (en
particular, el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejó en gran
parte de sus primeros trabajos. Unos años más tarde, primero comparó pintura
para componer música de la manera por la cual se convertiría en señalar,
escribiendo, "El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista
es la mano que, con una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano".
En 1896, a la edad de 30 años, Kandinsky abandonó una prometedora carrera
docente en el mundo de la ley y la economía para inscribirse en la escuela de arte
de Múnich. No se le concedió inmediatamente la admisión, y comenzó a aprender
el arte por sí mismo. Ese mismo año, antes de salir de Moscú, vio una exposición
de pinturas de Monet. Quedó impactado con el estilo impresionista de la serie de
los Haystacks, por su fuerte sentido de color casi independiente de los objetos
mismos.
Kandinsky fue influenciado de manera similar durante este período por Richard
Wagner que, según él, empujó los límites de la música y la melodía más allá de
lirismo estándar.6 Fue también espiritualmente influenciado por Helena
Blavatsky (1831-1891), la mejor exponente conocida de la teosofía. La Teoría
teosófica postula que la creación es una progresión geométrica, a partir de un solo
punto. El aspecto creativo de la forma que se expresa mediante una serie
descendente de círculos, triángulos y cuadrados. Los libros de Kandinsky De lo
espiritual en el arte (1910) y Punto y línea sobre el plano (1926) se hicieron eco de
esta doctrina teosófica.

Metamorfosis
Der Blaue Reiter (El jinete azul, 1903).
Domingo. (Rusia antigua), óleo sobre lienzo,1904

La escuela de arte, por lo general se considera difícil, pero era fácil para
Kandinsky. Fue durante este tiempo que comenzó a surgir como un teórico del
arte, y como un pintor. El número de sus pinturas existentes aumentó a principios
del siglo xx, queda mucho de los paisajes y pueblos que pintó, con amplios
sectores de formas de color y reconocible. En su mayor parte, sin embargo, las
pinturas de Kandinsky no cuentan con ninguna figura humana, una excepción
es Domingo. (Rusia antigua) (1904), en la que Kandinsky recrea una vista muy
colorida (y de fantasía) de los campesinos y los nobles frente a los muros de una
ciudad. Pareja a caballo (1907) representa a un hombre a caballo con una mujer,
con la ternura y el cuidado que cabalgan junto a un pueblo ruso con paredes
luminosas a través de un río. El caballo está en silencio mientras las hojas de los
árboles, la ciudad, y los reflejos en el río brillan con manchas de color. Este trabajo
demuestra la influencia del puntillismo en la forma en que se pierde la profundidad
de campo en una superficie plana y luminiscente. La influencia del fovismo es
también evidente en estas primeras obras. Los colores se utilizan para expresar la
experiencia de Kandinsky con la materia, no para describir la naturaleza objetiva.
Quizás la más importante de sus pinturas de la primera década de 1900 fue El
Jinete Azul (1903), la cual muestra una pequeña figura envuelta en un caballo
veloz corriendo por un prado rocoso. La capa del jinete es azul medio y la sombra
proyectada es de color azul oscuro. En el primer plano son sombras azules más
amorfas, las traseras de los árboles en otoño, en el fondo. El jinete azul en la
pintura destaca (aunque no claramente definido) y el caballo tiene un andar
anormal (que Kandinsky debía saber). Algunos historiadores del arte creen que
una segunda figura (tal vez un niño) va agarrado por el piloto, aunque puede
tratarse de una sombra del jinete solitario. Esta disyunción intencional, que permite
a los espectadores a participar en la compleción de la obra de arte, se convirtió en
una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinsky en los años
siguientes, y culminó en las obras abstractas del período 1911-1914. En El Jinete
Azul, Kandinsky muestra el jinete más como una serie de colores que en los
detalles específicos. Esta pintura no es una excepción en este sentido en
comparación con los pintores contemporáneos, pero muestra la dirección que
Kandinsky tomaría solo unos pocos años después.
Entre 1906 y 1908 Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por Europa (él era un
asociado de Blue Rose grupo simbolista de Moscú), hasta que se instaló en la
pequeña ciudad bávara de Murnau.7 El cuadro Montaña Azul (1908-1909) fue
pintado en este momento, lo que demuestra su tendencia hacia la abstracción.
Una montaña azul está flanqueada por dos árboles grandes, uno amarillo y uno
rojo. Una procesión, con tres jinetes y varios figuras, se cruza en la parte inferior.
Las caras, ropa y sillas de montar de los jinetes son cada una de un solo color y ni
ellos ni las figuras caminando muestran cualquier detalle real. Los planos y los
contornos también son indicativos de la influencia fauvista. El amplio uso del color
en Montaña Azul ilustra la inclinación de Kandinski hacia un arte en el que el color
se presenta independientemente de la forma, y en el que a cada color se le da la
misma atención. La composición es más plana, el cuadro se divide en cuatro
secciones: el cielo, el árbol rojo, el amarillo y el árbol de la montaña azul con los
tres jinetes.

Akhtyrka, 1901, Lenbachhaus, Múnich

 

Sol de Róterdam, 1906

 

Murnau, calle de pueblo, 1908, Colección Werner Merzbacher

 
 

Casas en Múnich, 1908

 

Otoño en Baviera, óleo sobre lienzo, 1908, Centro Pompidou

 

Murnau, tren y castillo, 1909

Periodo El Jinete Azul (1911-1914)

Artículo principal: Der Blaue Reiter
En 1911, Wassily Kandinsky y Franz Marc y otros artistas, fundaron en Múnich un
movimiento expresionismo/expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete
Azul en Idioma español/español) que transformó el expresionismo alemán. 89

Regreso a Rusia (1914-1921)

Fuga, óleo sobre tela, 1914.

De 1918 a 1921, Kandinsky trabaja en la política cultural de Rusia y colabora en la

educación artística y la reforma de los museos. Pintó poco durante este período
dedicando su tiempo a la enseñanza artística con un programa basado en el
análisis de la forma y del color. También ayudó a organizar el Instituto de Cultura
Artística en Moscú. En 1916 conoció a Nina Andreiévskaya,10 con quien se casó al
año siguiente.11 Su punto de vista espiritual y expresionista del arte fue finalmente
rechazado por los miembros radicales del Instituto (Tatlin, Ródchenko) como
demasiado individualista y burgués. En 1921, Kandinsky fue invitado a ir
a Alemania, para asistir a la Bauhaus de Weimar, por su fundador el
arquitecto Walter Gropius.

La Bauhaus (1922-1933)

"En blanco II", óleo sobre lienzo, 1923, Centro Pompidou

Kandinski no solo enseñó en las clases de diseño básico para principiantes y el

curso sobre teoría avanzada en el Bauhaus, sino que también llevó a cabo clases
de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos
elementos de la psicología de la forma. El desarrollo de sus trabajos sobre el
estudio de las formas, en particular en los puntos y formas de línea, dio lugar a la
publicación de su segundo libro teórico Punto y línea sobre el plano en 1926. Los
elementos geométricos adquieren una importancia cada vez mayor tanto en su
enseñanza y como en su pintura, especialmente el círculo, medio círculo, el
ángulo, las líneas rectas y curvas. Este período fue sumamente productivo. Esta
libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento rico en colores y matices —
como en el amarillo-rojo-azul (1925), donde Kandinski ilustra su distancia desde
el constructivismo y el suprematismo, movimientos influyentes de la época—.
Los dos metros de ancho amarillo- rojo-azul (1925) se componen de varias
formas: un rectángulo vertical amarillo, una cruz inclinada roja y un gran círculo
azul oscuro, una multitud de líneas negras rectas (o sinuosa), arcos circulares,
círculos monocromáticas y dameros de colores dispersos, contribuyendo a su
delicada complejidad. Esta simple identificación visual de las formas y de las
masas principales de los colores presentes en el lienzo son solo una primera
aproximación a la realidad interna de la obra, cuyo reconocimiento exige la
observación más profunda, no solo de formas y colores que intervienen en la obra,
sino su relación absoluta, las posiciones relativas en el lienzo y su armonía.
Kandinsky fue uno de Die Blaue Vier (Blue Four), formada en 1924 con Paul Klee,
Feininger y Alekséi von Jawlensky, que dio conferencias y exhibió en los Estados
Unidos en 1924. Debido a la hostilidad de la derecha y a la izquierda de la
Bauhaus de Weimar, se establecieron en Dessau en 1925.7 Después de una
campaña de difamación nazi de la Bauhaus Dessau en 1932 se marcha a Berlín,
hasta su disolución en julio de 1933. Kandinski luego abandonó Alemania y se
estableció en París.

La gran síntesis (1934-1944)

"Cielo azul", óleo sobre lienzo, 1940, Centro Pompidou.

Al vivir en un pequeño apartamento en París, Kandinsky creó su trabajo en un

estudio de la sala. Con formas biomórficas, flexibles, no geométricas, los
contornos de las formas que aparecen en sus pinturas sugieren organismos
microscópicos que no hacen sino expresar la vida interior del artista. Kandinsky
utiliza composiciones originales en color, que evocan el arte popular eslavo.
También en ocasiones mezcla con arena la pintura para dar a sus obras una
textura granular y rústica.
Este período corresponde a una síntesis de los trabajos previos de Kandinsky en
el que utilizó todos los elementos, enriqueciéndolos. En 1936 y 1939 pintó sus dos
últimas composiciones principales; el tipo de telas elaboradas no se había
producido durante muchos años. Composición IX tiene mucho contraste y
diagonales poderosas cuya principal forma da la impresión de un embrión en el
útero. Pequeños cuadrados de colores y bandas de colores destacan sobre el
fondo negro del cuadro Composición X como fragmentos de estrellas (o filamentos
), mientras enigmáticos jeroglíficos con tonos pastel cubren una gran masa marrón
que parece flotar en la esquina superior izquierda del lienzo. En la obra de
Kandinsky, algunas características son evidentes, mientras que ciertos toques son
más discretos y velados, y solo se revelan progresivamente tras profundizar en la
relación con su trabajo. Tenía la intención de sus formas (sutilmente armonizados
y colocados) para resonar con el alma del observador. En este período muchas de
sus obras fueron adquiridas por Solomon Guggenheim, que fue uno de sus
apoyos más entusiastas.11

Arte abstracto
El desarrollo de Kandinsky hacia la arte abstracto/abstracción encuentra su
justificación teórica en Abstracción y empatía de Wilhelm Worringer, que se había
publicado en 1908. Argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las
leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas;
muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace
que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.
Kandinsky, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía,
entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales
en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras
las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.
En 1912 publicó De lo Espiritual en el Arte, donde critica a las instituciones
académicas tradicionalistas y la idea de arte en general. Es el primer libro que
describe la fundación teórica del movimiento abstracto y habla de una nueva
época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo
debe basarse en un lenguaje de color y Kandinsky da las pautas sobre las
propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías
sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino solo en
la respuesta del alma.6
Entre 1926 y 1933 pintó 159 óleos y 300 acuarelas. Muchos de ellos se perdieron
después de que los nazis declararon degeneradas sus pinturas.6En 1939 se
nacionalizó francés.11

La Concepción de Arte de Kandinsky

Teoría artística y espiritual

Composición VII, Galería Tretiakov. Según Kandinsky, esta es la pieza más compleja que pintó (1913).

Al igual que en las teorías de los ensayos Der Blaue Reiter, Almanac y las
indicaciones del compositor Arnold Schoenberg, Kandinsky expresó también la
comunión entre el artista y el espectador como puestas a disposición tanto de los
sentidos como de la mente (sinestesia). Escuchando tonos y acordes mientras
pintaba, Kandinsky afirma que, por ejemplo, el amarillo es el color del centro en
una trompeta de latón, negro es el color del cierre y el fin de las cosas, y que las
combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los
acordes tocados en un piano. Kandinsky también desarrolló una teoría de las
figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la
forma más pacífica y representa el alma humana. Estas teorías se explican
en Punto y línea sobre el plano (ver más abajo).
Durante los estudios que Kandinsky hizo en preparación para Composición IV, se
sintió agotado y se fue a dar un paseo. Mientras estaba fuera, Gabriele
Münter arregló su estudio y sin querer le dio vuelta el lienzo. Al regresar y ver la
tela (sin reconocerla) Kandinsky cayó de rodillas y lloró, diciendo que era la pintura
más hermosa que había visto nunca. Había sido liberado del apego a un objeto.
Como la primera vez que vio Pilas de Heno de Monet, experiencia que cambiaría
su vida.
En otro episodio con Münter durante los años expresionistas-abstractos bávaros,
Kandinsky estaba trabajando en su Composición VI que le tomó casi seis meses
de estudio y preparación. La obra pretendía evocar una inundación, el bautismo, la
destrucción y renacimiento al mismo tiempo. Después de describir el trabajo sobre
un panel de madera de tamaño mural, se quedó bloqueado y no pudo continuar.
Münter le dijo que él estaba atrapado en su intelecto y no alcanzaba el verdadero
sujeto de la fotografía. Le sugirió que se limitara a repetir la
palabra uberflut ("diluvio" o "inundación") y se centrara en su sonido y no su
significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó
la obra monumental en un lapso de tres días.
El análisis sobre las formas y los colores de Kandinsky resulta, no de simples y
arbitrarias asociaciones con ideas, sino de la experiencia interior del pintor. Pasó
años creando pinturas abstractas, sensorialmente ricas, trabajando con formas y
colores sin descanso, observando sus pinturas y las de otros artistas, teniendo en
cuenta sus efectos sobre su sentido del color. Esta experiencia subjetiva es algo
que el filósofo francés Michel Henry llama "subjetividad absoluta" o la "absoluta
vida fenomenológica ".
De lo espiritual en el arte

Portada del libro Sobre lo espiritual en el arte de Wassily Kandinsky

Publicado en 1911, el libro de Kandinsky compara lo espiritual en la vida de la

humanidad a una pirámide: el artista tiene la misión de guiar a otros a la cima con
su obra. La punta de la pirámide son esos pocos artistas, grandes. Se trata de una
pirámide espiritual, avanzando y ascendiendo lentamente, incluso si a veces
parece inmóvil. Durante los períodos decadentes, el alma se hunde hasta el fondo
de la pirámide, la humanidad solo busca el éxito externo, haciendo caso omiso de
las fuerzas espirituales.
La evolución del Arte y del mundo espiritual se produce en libertad, fuera de
influencias, a veces se centra en el color y otras veces se centra en las formas.
La evolución en la pintura depende de las formas y los colores, de cómo se vayan
utilizando y combinando. Una serie de figuras iguales pueden transmitir un mismo
mensaje, sin embargo, si existe una variación de color y/o formas en la
composición, el mensaje se distorsiona.
Al igual que los colores las formas tendrán sus efectos espirituales, los triángulos
se relaciona más con los tonos cálidos (amarillo, rojo) esto por la agudeza de sus
ángulos, en el caso de los colores profundos se relacionan con formas más
cuadradas y redondas.
La espiritualidad humana va a reaccionar según como el artista utilice las formas y
los colores; con un simple color se pueden transmitir diferentes sentimientos,
como tristeza o alegría, dependiendo de su matiz.
Las propiedades obvias que podemos ver cuando miramos un color aislado y se le
deja actuar solo, por un lado son la calidez o frialdad del tono de color y por el otro
la claridad u oscuridad de ese tono. El calor es una tendencia hacia el amarillo, y
la frialdad una tendencia hacia el azul; amarillo y azul, forman el primer gran
contraste y dinámica. El amarillo tiene un movimiento excéntrico y el azul un
movimiento concéntrico; una superficie amarilla parece moverse más cerca de
nosotros, mientras que una superficie azul parece alejarse. El amarillo es un color
típicamente terrestre, cuya violencia puede ser dolorosa y agresiva. El azul es un
color celeste, que evoca una profunda calma. La combinación de los rendimientos
de azul y amarillo da un resultado de inmovilidad y de calma, que es el verde.
La claridad es una tendencia hacia el blanco, y la oscuridad es una tendencia
hacia el negro. Blanco y negro forman el gran contraste segundo, que es estático.
El blanco es un silencio profundo, absoluto, lleno de posibilidades. El negro es la
nada sin posibilidad, un silencio eterno sin esperanza, y se corresponde con la
muerte. La mezcla de blanco con negro da gris, que no posee ninguna fuerza
activa y cuya tonalidad es cercana a la de verde. El gris corresponde a la
inmovilidad sin esperanza, pero tiende a la desesperación cuando se pone oscuro,
recuperando un poco de esperanza cuando se ilumina.
El rojo es un color cálido, alegre y agitado, es contundente, un movimiento en sí
mismo. Mezclado con negro se vuelve marrón, un color fuerte. Mezclado con
amarillo, gana en calidez y se vuelve naranja, que imparte un movimiento de
irradiación en sus alrededores. Cuando se mezcla con rojo y azul se aleja para
convertirse en púrpura, que es un rojo fresco. Rojo y verde forman el gran
contraste tercero, y naranja y púrpura el cuarto.
El ojo humano puede relacionar todo tipo de vivencias y sentimientos por medio de
los colores y las formas. No necesariamente tiene que tener una representación
exacta para identificarse con la misma. No es sino el uso correcto de los colores
y/o formas lo que hace que una pintura pueda transmitir un mensaje e incluso
armonizar con el alma humana.
Punto y línea sobre el plano

Portada del libro Punto y línea sobre el plano

el autor mira objetivamente, sino desde el punto de vista de su efecto sobre el
observador interior.
Un punto es un elemento pequeño de color formulado por el artista en el lienzo.
No es ni un punto geométrico ni una abstracción matemática, sino que es la
extensión, forma y color. Esta forma puede ser un cuadrado, un triángulo, un
círculo, una estrella o algo más complejo. El punto es la forma más concisa,
aunque de acuerdo con su ubicación en el plano básico tomará una tonalidad
diferente. Puede ser aislado o resuenan con otros puntos o líneas.
Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada:
la fuerza ejercida sobre el lápiz o pincel por el artista. Las formas producidas
lineales pueden ser de varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza
única aplicado en una sola dirección; una línea angular, como resultado de la
alternancia de dos fuerzas en diferentes direcciones, o una curva (o en forma de
onda) línea, producido por el efecto de dos fuerzas que actúan simultáneamente.
Un avión se pueden obtener por condensación (desde unos girar alrededor de la
línea de uno de sus extremos).
El efecto subjetivo producido por una línea depende de su orientación: una línea
horizontal corresponde con el suelo en el que el hombre se apoya y se mueve,
sino que posee una tonalidad afectiva oscura y fría similar a la de color negro o
azul. Una línea vertical corresponde con la altura, y no ofrece ningún apoyo, sino
que posee una tonalidad luminosa cálida próximo al blanco y amarillo. Una
diagonal posee una más o menos caliente o frío tonalidad, de acuerdo con su
inclinación hacia la horizontal o la vertical.

Puntos, 1920, 110.3 × 91.8 cm, Museo de Arte Ohara

Una fuerza que se despliega, sin obstáculos, como la que produce una línea recta
se corresponde con lirismo, varias fuerzas que se enfrentan (o molestar) sí forman
un drama. El ángulo formado por la línea angular también tiene una sonoridad
interior que es cálido y cercano al amarillo para un ángulo agudo (un triángulo), el
frío y similar a azul por un ángulo obtuso (un círculo), y similar al rojo por un
ángulo recto (un cuadrado).
El plano de base es, en general, rectangular o cuadrada. por lo tanto, que se
compone de líneas horizontales y verticales que delimitan y definen como una
entidad autónoma que soporta la pintura, comunicando su tonalidad afectiva. Esta
tonalidad se determina por la importancia relativa de las líneas horizontales y
verticales: las horizontales que dan una tonalidad calma, frío al plano de base,
mientras que las verticales impartir una tonalidad calma, cálido. El artista intuye el
efecto interior del formato de lienzo y dimensiones, que él elige de acuerdo a la
tonalidad que quiere dar a su obra. Kandinsky considera el plano básico de un ser
vivo, que el artista "fecunda" y se siente "respirar".
Cada parte del plano básico posee una coloración afectiva, lo que influye en la
tonalidad de los elementos pictóricos que redactará en él, y contribuye a la riqueza
de la composición resultante de la yuxtaposición en el lienzo. Lo anterior del plano
básico se corresponde con soltura y ligereza que, mientras que la continuación
evoca la condensación y la pesadez. El trabajo del pintor es escuchar y conocer
estos efectos para producir pinturas que no son solo el resultado de un proceso al
azar, sino el fruto del trabajo auténtico y el resultado de un esfuerzo hacia la
belleza interior.

Referencias
1. ↑ «The first abstract artist? (And it's not Kandinsky) -
Tate». www.tate.org.uk.
2. ↑ Lindsay, Kenneth; Vergo, Peter (1994). Kandinsky: Complete
Writings on Art. New York: Da Capo Press.
3. ↑ Lindsay, Kenneth; Vergo, Peter (1994). Kandinsky: Complete
Writings on Art. New York: Da Capo Press.
4. ↑ Lindsay, Kenneth and Peter Vergo. "Introduction". Kandinsky:
Complete Writings on Art. New York: Da Capo Press, 1994.
5. ↑ Düchting, Hajo. «Wassily Kandinsky 1866-1944: a Revolution
in Painting». Taschen. Consultado el 4 de junio de 2013.
6. ↑ Saltar a:a b c d e f g h i j k l m Ku, Oleg. wassilykandinsky.net,
ed. «The Biography» (en inglés). Consultado el 20 de
septiembre de 2013.
7. ↑ Saltar a:a b «Wassily Kandinsky, el tirabombas de la imagen y el
color». Consultado el 16 de diciembre de 2014.
8. ↑ «Reabre en Múnich, tras ser reformado por Foster, el museo
con lo mejor de 'El jinete azul'». Consultado el 24 de mayo de
2013.
9. ↑ «Un homenaje en la web a Wassily Kandinsky, en el 148
aniversario de su nacimiento». Consultado el 16 de diciembre
de 2014.
10. ↑ «Nina Kandinsky (Andreevskaya)» (en inglés). Consultado el
20 de junio de 2013.
11. ↑ Saltar a:a b c Shelokhonov, Steve. IMDb, ed. «Wassily
Kandinsky» (en inglés). Consultado el 22 de septiembre de
2013.

Enlaces externos
   Wikimedia Commons alberga una categoría
multimedia sobre Vasili Kandinski.
 Kandinsky, VÍDEOS de vida y obra
 Web dedicada a Wassily Kandinsky
 Wassily Kandinsky papers, 1911-1940 The Getty
Research Institute, Los Ángeles, California. Russian-
born artist considered to be one of the creators of
abstract painting. (en inglés)

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