Medios Audiovisuales

Denominamos como medios audiovisuales a aquellos medios de comunicación

masiva que apelan a la utilización de los sentidos de la vista y el oído para transmitir
sus mensajes. Es decir, los medios audiovisuales combinan imágenes y sonido, y por
caso, el receptor puede ver y escuchar el mensaje en cuestión. Entre los medios
audiovisuales más destacados se cuentan la televisión, el cine e internet, quien se
ha incorporado a la categoría en las últimas décadas.

Cabe destacarse que los medios de comunicación son aquellos instrumentos a

partir de los cuales se puede concretar el proceso de comunicación.

Sin dudas, ha sido la incorporación del sonido al cine, en el año 1920, el hecho que
marcó el comienzo de esta combinación. Como sabemos, hasta ese momento
solamente era posible ver imágenes a través del séptimo arte, conocido
popularmente como cine mudo, que actores como Charles Chaplin hicieron tan
populares. Lo máximo que se había hecho en ese sentido hasta aquel entonces era
la presentación de orquestas en vivo que musicalizaban la película muda y así le
aportaban sonoridad.

En tanto, estos dos universos que unían, imagen y sonido, traerían una multiplicidad
de novedades y también de nuevos conceptos. Por ejemplo a la acción de
integrar el sonido con la imagen se la denomina como montaje.

Ambos, sonido e imagen pueden plasmarse en diversos soportes, tal es el caso de

una cinta, un DVD, un CD, entre otros, que justamente permiten almacenarlos de
manera simultánea.

Cuando la imagen y el sonido se unen se estará creando una realidad sensorial

original que disparará diversas experimentaciones como ser: la
complementariedad (ya que cada uno aporta su singularidad), la armonía (a cada
sonido le corresponderá una imagen que lo acompaña) y el refuerzo (porque los
significados que cada uno per se expresa se ven potenciados por la combinación).

Cine
El cine (abreviatura de cinematógrafo o cinematografía) es la técnica y arte de
proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de
movimiento, mostrando algún vídeo (de película, o film, o filme). La palabra «cine»
designa también las salas de cine o sala de proyecciones en los cuales se
proyectan las películas.

Etimológicamente, la palabra «cinematografía» fue un neologismo creado a finales

del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas. Por un lado κινή (kiné), que
significa «movimiento» (ver, entre otras, «cinético», «cinética», «kinesis», «cineteca»);
y por otro de γραφóς (grafós). Con ello se intentaba definir el concepto de
«imagen en movimiento.

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Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y
comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina
séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de
creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones
cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la
mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son
consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otra parte, a
la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A pesar de
esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con
visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos,
entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción
cinematográfica.

La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares

como Hollywood (California, Estados Unidos) y Bombay (la India), informalmente
«Bollywood».
Hollywood: En 1857 se fundó el poblado. Aunque está formado por las palabras holly
-acebo- y wood -bosque-, su nombre proviene de un rancho homónimo en el que
vivía la familia de un promotor inmobiliario. A su vez, el rancho se llamaba Hollywood
porque la esposa del promotor conocía a un matrimonio cuya casa se llamaba así.

La historia del cine comenzó el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos

Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en
Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un barco saliendo del
puerto.

El éxito de este invento fue inmediato, no solo en Francia, sino también en toda
Europa y América del Norte, donde Tomas Edison ya había grabado numerosas
escenas que un espectador a la vez podía ver a través de unkinetoscopio.

En un año, los hermanos Lumière crearon más de 500 películas, marcadas por la
ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de
montaje y la posición fija de la cámara. Sin embargo, fue George Méliès quien
inventó el espectáculo cinematográfico, en contraste con el tono documental de
los Lumière. Con historias y decorados fantásticos, como "Fausto" y "Barba Azul"
(1901), desarrolló las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo con Viaje a la
luna (1902) y con Viaje a través de lo imposible (1904), aplicando la técnica teatral
ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción
filmada.

A partir de entonces, la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron

grandes directores como Murnau, Erich von Stroheim y Charles Chaplin. En Estados
Unidos se hicieron películas de aventuras, como las de Douglas Fairbanks y dramas
románticos como las de Valentino. Sin embargo las de mayor belleza fueron fruto
de la escuela cómica americana nacida a partir de la comedia de Mack Sennett,
basada en slapsticks y en la estereotipación de figuras sociales como el policía o el
gordo, el avaro y el bigotudo burgués.

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Aquí recordemos especialmente a Buster Keaton y a Charles Chaplin. En 1927, se
estrenó la primera película con sonido El cantante de jazz, a partir de la cual el cine
tal y como se conocía dejó de existir y de un lenguaje en que primaba la
expresividad de segmentos que se contrastaban y juntaban se impuso una mayor
continuidad del relato y mayor fluidez argumental. Ese mismo año apareció el
doblaje.

En 1935 se filmó en Technicolor La feria de la vanidad (Becky Sharp), de Rouben

Mamoulian; aunque artísticamente el color consiguió su máxima plenitud con Lo
que el viento se llevó (1939).

El 2 de febrero de 2000 en París, Philippe Binant realizó la primera proyección de

cine numérico público de Europa, fundada sobre la aplicación de un MEMS (DLP
CINEMA) desarrollado por Texas Instruments.

Realización cinematográfica
La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de
producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo,
preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir
decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está
dada por los medios disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que
se cuenta).

Equipo de filmación en rodaje.

El equipo técnico está formado por:

Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos

organizativos y técnicos de la elaboración de una película, se podría decir que es
el responsable de convertir la idea en película. Está a cargo de la contratación del
personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores
para la difusión de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del
proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor".

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También forman parte del área el director de producción, el productor ejecutivo, el
jefe de locaciones y el asistente de producción.

Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de

una película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y
al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o
visión particular, supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás
funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.

También forman parte del área el asistente de dirección y el denominado script o

continuista. Por otro lado, trabaja en conjunto con el director de actores.

Guión: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guion, ya sea una

historia original, una adaptación de un guion precedente o de otra obra literaria.
Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias.
Dentro del guion cinematográfico se distinguen el guion literario o cinematográfico,
que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y
diálogo), y está dividido en actos y escenas. Es necesario distinguir el guion literario
del guion técnico, que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas
(tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en
su labor y que, a diferencia del guion literario, suele elaborarlo el director, no el
guionista.

También pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o contar

con dialoguistas que están especializados en escribir diálogos.

El papel del guionista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el

proyecto, si el guion es bueno el director puede hacer una película excelente, pero
si éste es deficiente, aunque el director tenga muchos recursos, la película quedará
vacía.

Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de

sonido y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el
compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de
doblaje, para generar la banda sonora original. El sonido es parte fundamental del
cine ya que la percepción del sonido en el cine incluye: vibraciones interpretada
por el cerebro a través del sistema auditivo (procedencia, intensidad, tonalidad,
materiales, espacio etc.), cualidades del sonido estéticas como texturas y
frecuencias, y cualidades del sonido psicológicas (sugerentes, agradables,
inquietantes o molestas). También se manejan estímulos sonoros. El sonido es muy
importante porque amplía los límites de la pantalla, soluciona problemas narrativos,
cohesiona el montaje, influye en el espectador de forma inconsciente y transmite
historias y emociones.

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El equipo de fotografía trabajando.

Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver

la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y
de la historia, los aspectos visuales de la película: elencuadre, la iluminación, la
óptica a utilizar etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también
desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la
imagen y la atmósfera óptica de la película.

El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone, además del director de

fotografía, del camarógrafo, el primer asistente de cámara o foquista, el segundo
asistente de cámara, el cargador de negativos, el gaffer o jefe de eléctricos, los
eléctricos u operadores de luces, los grip u operadores de travelling o dolly, los
estabilizadores de cámara (steady cam) y otros asistentes o aprendices.

Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas

tomas registradas en la película fotográfica para modelarlas en su forma narrativa,
dramatúrgica y, específicamente, rítmica con el fin de construir frases audiovisuales:
escenas y secuencias. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la película),
ordenar y unir una selección de los planos registrados, según una idea y una
dinámica determinada, a partir del guion, la idea del director y el aporte del
montador. El montador sincroniza la imagen con el sonido (tarea habitualmente
encomendada al ayudante de montaje). Visiona las tomas diarias junto al director y
los miembros clave del equipo (el director de fotografía, que así supervisa su propio
trabajo).

Hoy en día, muchas películas se montan en vídeo, y después ese montaje sirve de
referencia para cortar y empalmar el negativo de celuloide. La preparación de
estas tomas diarias se desarrolla cada día a lo largo del rodaje de la película. La
posproducción es el momento en que el montador ha reunido todo el material
necesario para completar un primer montaje de la película. Después de que el
director y el productor aprueban el montaje final, un montador de sonido
especializado corrige los posibles problemas con éste. Si fuera necesario, el
montador de sonido regraba los diálogos en un estudio de grabación, mientras los
actores ven en proyección la imagen correspondiente. Este proceso se conoce
como doblaje. Los montadores de sonido reúnen las grabaciones y crean a veces
nuevos sonidos (efectos sonoros) para intensificar la fuerza dramática de una
escena. Mientras se prepara la banda de sonido, el montador también supervisa los
efectos ópticos y los títulos que se van a incorporar a la película. Uno de los pasos
finales es la preparación y la mezcla de las diferentes bandas sonoras en un único
máster, primero magnético, que contendrá los diálogos, música, sonido directo y

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efectos de sonido, sincronizados con la imagen y adecuado al volumen de cada
banda. La mezcla sin los diálogos hace posible el doblaje para la distribución de la
película en otros idiomas.

Operador de cámara: Es el encargado de realizar y llevar a cabo todos los

movimientos de cámara que sean necesarios para adaptarse al guion bajo la
dirección del director.

Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o

varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados
por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la
película. Estos directores tendrán asistentes y encargados específicos, como
escenógrafos, encargados de vestuario, modistas, maquilladores, peluqueros/as,
utileros y otros miembros suplementarios como pintores, carpinteros o constructores.
También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales y ópticos que
se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de
postproducción.

Stunts: (Doble es la persona encargada de salvaguardar la integridad del actor que

no cuenta con las habilidades necesarias para realizar escenas de riesgo. Estos
están preparados física y mentalmente, son personas capaces y acostumbradas
para hacer actividades de riesgo al rodar escenas en cine.

Storyboards: El storyboard es un guión gráfico que se utiliza para definir las

secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores,
en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un cómic se
tratase la película completa. Además este elemento es fundamental para la buena
comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a rodar, incluyendo
anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En la
creación de un storyboard, los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente
mediante siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción
como pueden ser flechas para indicar movimiento de cámara o de actores, o la
expresión de un actor en un plano determinado para cuidar hasta el más mínimo
detalle y la producción sea excelente.

Distribución y exhibición: Los distribuidores, generalmente empresas independientes

de las productoras, compran los derechos de exhibición en salas de cine, o para su
emisión por televisión, y venden los derechos de la película a los exhibidores
(individuales o cadenas de exhibidores), cadenas de televisión, videoclubes u otros
establecimientos donde se vendan las cintas de vídeo. Son también encargados
de la publicidad y de la promoción de las películas, de hacer las copias necesarias
para la exhibición y de controlar las cifras de ingresos y gastos. El productor cede al
distribuidor un porcentaje de los ingresos de la película que por lo común alcanza el
50%. Además el distribuidor deduce de los beneficios del productor el importe de
las copias de la película. Los mercados secundarios son aquellos que proporcionan
ingresos adicionales, que no eran el objetivo inicial de la producción. Estos
mercados incluyen una diversidad de objetos: juguetes con el nombre de los
personajes de la película (especialmente en el caso de las de dibujos animados),
camisetas, publicación del guión, cortometrajes sobre las incidencias del rodaje (el
cómo se hizo o making of) y grabaciones en disco, casete o compacto de la

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banda sonora original. Los productores buscarán compositores conocidos a los que
ceden los derechos de la distribución fonográfica de su música.

Géneros cinematográficos
En la teoría cinematográfica, los géneros son una forma de clasificar a las películas
en grupos. Cada género está formado por películas que comparten ciertas
similitudes, ya sea en su estilo, su temática, su intencionalidad, su forma de
producción o el público al que van dirigidas.

Atendiendo a su forma de producción y su intencionalidad, cabe distinguir géneros

como los siguientes:

Cine comercial: son las películas creadas por la industria cinematográfica

orientadas al gran público y con la generación de beneficios económicos como
uno de sus objetivos principales. A esta categoría pertenecen la mayoría de las
películas que se proyectan en las salas de cine, y algunas de ellas son
promocionadas mediante grandes campañas de publicidad.

Cine independiente: Una película independiente es aquella que ha sido producida

sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial. El cine de
industria puede ser o no de autor, mientras que el cine independiente lo será casi
siempre. Actualmente existen muchos países que no tienen una fuerte industria del
cine, y toda su producción puede ser considerada independiente. Es considerado
cine independiente aquellas producciones donde el director tiene completo
control sobre el resultado final de la película.

Cine de animación: El cine de animación es aquél en el que se usan

mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes
reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de
imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que
registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una
(mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas, como el Stop
Motion), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión
de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y
descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un
movimiento inexistente en la realidad.

Cine documental: El cine documental es el que basa su trabajo en imágenes

tomadas de la realidad. Generalmente se confunde documental con reportaje,
siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los
orígenes del cine, y el segundo un género televisivo.

Docufiction, híbrido entre el documental y la ficción, es un género practicado

desde el primer documental, que se renueva desde finales de los años cincuenta.

Cine experimental: El cine experimental es aquél que utiliza un medio de expresión

más artístico, olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras
del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar
y sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o
rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.

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Cine de autor: El concepto de cine de autor fue acuñado por los críticos de los
Cahiers du Cinéma para referirse a un cierto cine en el que el director tiene un
papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde toda la
puesta en escena obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las
películas realizadas basándose en un guion propio y al margen de las presiones y
limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le
permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en
la película. Sin embargo, grandes directores de la industria, como Alfred Hitchcock,
también pueden ser considerados «autores» de sus películas. Se define de acuerdo
con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine
ligado a la industria, y no se dirige a un público amplio sino específico, y comparte
a priori un interés por productos que se hallan fuera de los cánones clásicos. Un
subgénero importante podría ser el cine abstracto.

Cine ambiental: El cine no solamente ha puesto en contacto al hombre con la

naturaleza en diversos casos, sino que además ha sido, y sigue siendo en ocasiones,
militante activo en la lucha por la defensa del medio ambiente. Además, el cine ha
sido desde su nacimiento, el más fuerte medio de transmisión de conocimientos y
de culturas, aportando a los espectadores infinitas posibilidades de encuentro con
paisajes, naturaleza, lugares y costumbres.

Teoría del cine

La teoría del cine se basa en el principio de secuencias de fotografías continuas, es
decir el cine trata de representar la fotografía en una secuencia continua para
mostrar movimiento sin interrupciones.

El cine clásico tiene un estilo que enfatiza la continuidad y comprensibilidad de la

película. Normalmente tiene caracteres fuertes, constantes durante toda la película
y un argumento con un final feliz. El cine moderno no enfatiza estas características,
al contrario, rechaza el cine clásico y su estilo; e intenta romper todo ese estilo y
todas las convenciones de éste. Directores diferentes utilizan montos variantes del
estilo «moderno».

Formatos cinematográficos

Alegoría del cine, con un proyector encendido. Vidriera policromada, modernista, del cine Ideal
(Madrid).

El cine nació en el siglo XIX como consecución de una larga cadena de inventos y
descubrimientos en torno a la fotografía. El hechizo que causaba la proyección de

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sombras chinescas o dibujos de lejanos países mediante lámparas mágicas se unió
a los avances de la fotografía. Como fenómeno de masas, podemos hablar del
nacimiento del cine con los hermanos Lumière. Pero no hay que olvidar que éstos lo
que hicieron fue perfeccionar elkinetoscopio de Thomas Alva Edison. Y que hubo
muchos otros inventos que giraron en torno a cómo captar el movimiento.

Fue Thomas Alva Edison el creador, además, del formato cinematográfico por
excelencia, el 35 mm, sobre un soporte de nitrato de celulosa. Este formato y los de
ancho superior devinieron los de uso profesional, aunque hubo otros muchos
empleados por cineastas o por la propia televisión:16 mm, 9,5 mm, Súper 8, etc.

El formato de pantalla ancha aparece en Hollywood a fines de la década de 1920,

en diversos cortos e informativos para cine. Su estreno coincide con el boom de las
películas en 3 dimensiones y la utilización de lentes estereoscópicas de colores rojo
y azul (anaglifo), estrenadas en 1915.

Durante la Gran Depresión de la década de 1930 los estudios se vieron obligados a

utilizar formatos de pantalla ancha de menor amplitud para bajar sus costos, pero
fue hasta comienzos de los años 50, ante la arrolladora irrupción de la televisión,
que los estudios volvieron a utilizar relaciones de aspecto mayores. En 1953, la
cadena FOX lanzó uno de los procesos de creación de formato de pantalla ancha
más populares entre los años 1953 y 1967: el Cinemascope, el antecesor del sistema
que hoy conocemos por Panavisión, el más utilizado hoy en día. El legado que
sobrevive hasta nuestros días es la pantalla ancha o panorámica.

Televisión
La televisión es un sistema para la transmisión y recepción de imágenes en
movimiento y sonido a distancia que emplea un mecanismo de difusión. La
transmisión puede ser efectuada por medio de ondas de radio, por redes de
televisión por cable, televisión por satélite o IPTV, de los que existen en modalidades
abierta y paga. El receptor de las señales es el televisor.

El término televisión se refiere a todos los aspectos de transmisión y programación

de televisión. A veces se abrevia como TV. Este término fue utilizado por primera vez
en 1900 por Constantin Perskyi en el Congreso Internacional de Electricidad de París
(CIEP).

La televisión es el medio de comunicación de masas por excelencia, de manera

que la reflexión filosófica sobre ellos, se aplica a ésta.

El Día Mundial de la Televisión se celebra el 21 de noviembre en conmemoración

de la fecha en que se celebró en 1996 el primer Foro Mundial de Televisión en las
Naciones Unidas.

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Televisor Braun HF 1, un modeloalemán de los años 1950.

Los servicios de provisión de contenidos en la modalidad de Vídeo sobre Demanda

y/o Internet Streaming no se clasifican como servicios de Televisión. La aparición de
televisores que pueden conectarse a Internet en los últimos años de la primera
década del siglo XXI, abre la posibilidad de la denominada Televisión inteligente en
donde se mezclan y conjugan contenidos de la transmisión convencional
(broadcast) con otros que llegan vía Internet.

El desarrollo de la TV

Control Central en un centro emisor de TV.

Cámaras en un plató de TV.

Es a finales del siglo XX cuando la televisión se convierte en una verdadera bandera

tecnológica de los países y cada uno de ellos va desarrollando sus sistemas de TV
nacionales y privados. En 1953 se crea Eurovisiónque asocia a varios países de
Europa conectando sus sistemas de TV mediante enlaces de microondas. Unos

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años más tarde, en 1960, se crea Mundovisión que comienza a realizar enlaces con
satélites geoestacionarios cubriendo todo el mundo.

La producción de televisión se desarrolló con los avances técnicos que permitieron

la grabación de las señales de vídeo y audio. Esto permitió la realización de
programas grabados que podrían ser almacenados y emitidos posteriormente. A
finales de los años 50 del siglo XX se desarrollaron los primeros magnetoscopios y las
cámaras con ópticas intercambiables que giraban en una torreta delante del tubo
de imagen. Estos avances, junto con los desarrollos de las máquinas necesarias
para la mezcla y generación electrónica de otras fuentes, permitieron un desarrollo
muy alto de la producción.

En los años 70 se implementaron las ópticas Zoom y se empezaron a desarrollar

magnetoscopios más pequeños que permitían la grabación de las noticias en el
campo. Nacieron los equipos periodismo electrónico oENG. Poco después se
comenzó a desarrollar equipos basados en la digitalización de la señal de vídeo y
en la generación digital de señales, nacieron de esos desarrollos los efectos
digitales y las paletas gráficas. A la vez que el control de las máquinas permitía el
montaje de salas de postproducción que, combinando varios elementos, podían
realizar programas complejos.

El desarrollo de la televisión no se paró con la transmisión de la imagen y el sonido.

Pronto se vio la ventaja de utilizar el canal para dar otros servicios. En esta filosofía
se implementó, a finales de los años 80 del siglo XX el teletexto que transmite
noticias e información en formato de texto utilizando los espacios libres de
información de la señal de vídeo. También se implementaron sistemas de sonido
mejorado, naciendo la televisión en estéreo o dual y dotando al sonido de una
calidad excepcional, el sistema que logró imponerse en el mercado fue el NICAM.

La televisión en color

Ya en 1928 se desarrollaron experimentos de la transmisión de imágenes en color en

los cuales también tomo parte el ingeniero escocés John Logie Baird. En 1940, el
ingeniero mexicano del Instituto Politécnico Nacional Guillermo González
Camarena desarrolló y patentó, tanto en México como en Estados Unidos, un
Sistema Tricromático Secuencial de Campos. En 1948, el inventor estadounidense
Peter Goldmark, quien trabajaba para Columbia Broadcasting System, basándose
en las ideas de Baird y González Camarena, desarrolló un sistema similar llamado
Sistema Secuencial de Campos, que la empresa adquirió para sus transmisiones
televisivas.

Para el desarrollo de sistemas viables de televisión en color, surgieron los conceptos

de luminancia y de crominancia. La primera representa la información del brillo de
la imagen, lo que corresponde a la señal básica en blanco y negro, mientras que la
segunda es la información del color. Estos conceptos habían sido expuestos
anteriormente por el ingeniero francés Georges Valensi en 1938, cuando creó y
patentó un sistema de transmisión de televisión en color, compatible con equipos
para señales en blanco y negro.

La televisión ha alcanzado una gran expansión en todo el ámbito latinoamericano.

En la actualidad existen más de 300 canales de televisión y una audiencia, según

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número de aparatos por hogares (más de 60 millones), de más de doscientos
millones de personas.

Spot Publicitario
Es citado en una programación televisiva o de radio (medios masivos). Es breve
pero entendible destinado a la publicidad de un producto o servicio para cautivar
al cliente. Es un comercial corto de 20 a 60 segundos.

Creación de un Anuncio

Hoy día la publicidad audiovisual se impone como el mejor medio de

comunicación para empresas debido a que las posibilidades de este medio se
pueden adaptar a cualquier estilo y son accesibles a todo tipo de empresas. La
publicidad audiovisual se compone de tres partes: apertura desarrollo y cierre.

La apertura de un anuncio (o pieza de publicidad audiovisual) sucede durante los

primeros segundos y su objetivo principal es captar la atención del público objetivo
(o target), además de presentar el contexto en el que debe transmitirse el mensaje.

El desarrollo cuenta al espectador porqué puede creer en el producto o en la idea

que le proponen. Argumenta sobre ello presentado un conjunto de circunstancias
que explican un concepto, una ventaja, unos hechos. Para lograr este efecto
ocupa la mayor parte del tiempo disponible.

El cierre, cuya parte trata de remarcar las ideas esenciales que se han expuesto. En
ocasiones el cierre aclara el mensaje, sorprende al espectador y se suelen mostrar
el nombre del producto o servicio publicitado, la marca, el eslogan de la
campaña, etcétera.

Se aplican reglas básicas de la publicidad audiovisual aportando una visión

profesional y nueva y adaptando formatos a las redes sociales, televisión, radio o
cualquier otra plataforma. Se lleva a cabo el proceso creativo, la ejecución y la
estrategia de comunicación.

El proceso de trabajo a la hora de crear una publicidad audiovisual consiste en:

• Crear un briefing especializado: Donde se cuenta qué se quiere transmitir con la

publicidad audiovisual.
• Se realizan propuestas o alternativas para alcanzar los objetivos.
• Idea Final: Siempre teniendo en cuenta el estilo se hace realidad.
• Producción: Planear, grabar, editar y sonorizar la publicidad audiovisual.
• Montaje final: se presenta la pieza de publicidad audiovisual esperando el visto
bueno del cliente. Se trabaja en equipo para lograr los máximos objetivos de
comunicación.
• Difusión: Asesoramiento sobre donde y cuando colocar la publicidad
audiovisual.

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