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EXPRESIONES DE GRATITUD

Nunca imaginé que un libro sobre cómo tocar el violonchelo sería un libro
sobre el viaje de mi vida. Sin embargo, en muchos sentidos es así. Aprender a
dominar un instrumento musical y haberlo tenido como compañero constante
y barómetro de la vida me retrotrae al principio de todo. Para agradecer a
quienes han contribuido, comienzo agradeciendo a mi familia en Texas y al
Proyecto String de la Universidad de Texas, donde mi primer maestro fue
Walter Coleman, seguido por Phyllis Young, quien me enseñó durante mi niñez
hasta la universidad. También a Horace Britt, con quien estudié en la
Universidad de Texas. Un agradecimiento especial para Bernard Greenhouse,
quien fue mi maestro principal en la Escuela de Música de Manhattan, donde
obtuve mi maestría. Finalmente, una master class con Pablo Casals y un verano
con Zara Nelsova en el Aspen Music Festival completaron mi formación
reglada.
Gracias a otro gran violonchelista y amigo, Carter Brey, no solo por escribir el
prólogo del libro, sino también por su liderazgo colegiado como director de la
Filarmónica de Nueva York durante mis últimos años en la orquesta. Su forma de
tocar ejemplar hizo que trabajar junto a él fuera un placer.
También estoy agradecido con Glen Campbell, violonchelista de la Sinfónica
de San Diego y consumado maestro de jóvenes. Glen fue el primer estudiante
con el que comencé a enseñar este enfoque. Proporcionó un terreno de
prueba para mis ideas no solo al renovar su técnica, lo que evitó una cirugía
inminente, sino también al enseñarlas con éxito a sus muchos estudiantes a lo
largo de los años.
Estoy agradecido con los profesores de otras tres disciplinas que han dado forma a las
ideas de este libro que no son violonchelistas. En primer lugar, agradezco a mis
principales maestros de la técnica Alexander, Deborah Caplan y TroopMatthews, y
también a Judith Stern, quienes me asesoraron mientras escribía este libro. También
estoy en deuda con el Dr. Gerald Epstein, autor deVisualizaciones curativas: creación de
salud a través de imágenes, con quien aprendí visualización.

( XV )
vi
( xvi ) Agradecimientos

El último de estos profesores que no tocan violonchelo a quien debo mi gratitud

es Mark Gomez, PhD, quien pacientemente me enseñó las ideas de ingeniería
biomecánica que cambiaron profundamente mi forma de tocar el violonchelo. Mark
recibió su doctorado en Mecánica Aplicada con especialización en Biomecánica de la
Universidad de California, San Diego, donde actualmente es Profesor Clínico
Asistente de Ortopedia en la Facultad de Medicina. Su empresa de consultoría se
especializa en biomecánica de lesiones, donde es un experto solicitado en casos de
lesiones. Él es el autor deBiomecánica de la lesión de tejidos blandosyPosición del
cuerpo para instrumentistas de cuerdas.
Muchas gracias a los primeros lectores que alentaron mi esfuerzo:
Jennifer Epler, Kristen Arrivée, Marcia Bookstein y Lisa Broderick. Y,
además, agradezco a Rainer Gross, ex alumno aficionado, que pintó el
provocativo retrato utilizado en la portada.
La persona más importante en la escritura real de este libro, a quien le debo
un enorme agradecimiento, es Joseph Mace, DM, mi editor de desarrollo. Su
orientación y apoyo me animaron durante todo el proceso de convertir ideas
en un libro.
No habría podido apreciar la plenitud de la vida ni lograr mucho de
lo que he hecho, incluido este libro, sin el amor y el apoyo de mi
familia inmediata. Un cariñoso agradecimiento especial para Serena
Benedetti, que contribuyó a la edición, y para Sigrid Benedetti, mis
hijas.
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PR ELUDIR

¿Alguna vez se preguntó por qué algunos de nuestros artistas más queridos tienen
formas tan diversas y, a menudo, poco ortodoxas de tocar y, sin embargo, logran la
magia en el violonchelo? ¿Alguna vez has intentado copiar algo que viste hacer a
Pablo Casals oa Yo-Yo Ma y te preguntaste por qué no salía igual? ¿Por qué los
bajistas pueden usar un arco francés o alemán y obtener resultados igualmente
buenos? ¿Cómo pueden dos grandes artistas abordar el mismo pasaje usando arcos
y digitaciones radicalmente diferentes y aun así lograr una belleza incomparable en
el fraseo: muñeca baja, muñeca alta, codo hacia afuera o hacia adentro, movimiento
desde el hombro o el codo, inclinarse hacia un lado o hundirse, o sentado erguido?
Pasé toda mi vida pensando en estas preguntas, primero como estudiante de
violonchelo de Bernard Greenhouse y Zara Nelsova (¡es difícil imaginar enfoques
más diferentes que esos! ) y posteriormente como miembro de la Filarmónica de
Nueva York durante más de cuarenta años. Mientras tanto, como profesora de
violonchelo y técnica Alexander, luché por reconciliar estos enfoques
aparentemente opuestos de la técnica del violonchelo y también con los dolores y
molestias de horas y horas de tocar.
A partir de estas experiencias comencé a concebir lo que aquí presento. Las
ideas de este libro son sutiles pero quizás revolucionarias. Te pido que abras
temporalmente tu mente para vivir dentro del violonchelo, el arco y tu propia mano,
brazo y cuerpo, para descubrir las verdades por ti mismo. Le invito cordialmente a
que tome lo que desee, experimente con él, páselo a sus estudiantes o colegas y
deje atrás todo lo que no tenga el timbre de autenticidad para su propia experiencia
de hacer música. Lo más importante, no des nada por sentado. Examine todo y deje
que sus oídos le digan si está funcionando. No tengas miedo de grabarte o tocar
para alguien para recibir comentarios. Sea paciente con cualquier incomodidad
física temporal que pueda sentir. Lo más probable es que nadie más que usted
pueda saberlo, y si siente alguna molestia por usar sus músculos de manera
diferente, quédese con las nuevas ideas que le están dando los mejores resultados y
sepa que la incomodidad desaparecerá con el tiempo si está haciendo las cosas
correctamente. Por favor entiende

(xviii)
viii
( xviii ) Preludio

que no me refiero a jugar con el dolor. Es todo lo contrario. La ejecución hermosa

proviene del mayor grado de coordinación física y el equilibrio correcto de
compromiso muscular que da como resultado la eficiencia del movimiento. Cuando
se cumplen estos criterios, jugar se vuelve libre de dolor.
La razón obvia para tocar un instrumento musical es crear música. La música es
una compañera para la vida, un lenguaje universal que ocupa nuestros
pensamientos, mueve y toca nuestros corazones y nos brinda disfrute, alegría, paz y
calma. Nos lleva a un lugar donde el tiempo se altera. La música se transmite del
reproductor al oyente. La experiencia musical completa requiere un ejecutante con
ideas musicales (propias o de un compositor), un instrumento (incluida la voz
humana) para producir los sonidos y un oyente para recibir la música. El
instrumento y el ejecutante juntos simplemente se convierten en el "transmisor", un
equipo de producción de sonido para transportar los sonidos que el compositor ha
imaginado al oyente.
El violonchelo, que abarca los rangos de bajo-barítono, tenor, alto y soprano,
tiene una enorme paleta de colores de sonido para la creación musical. ¡Qué
herramienta de comunicación! En lugar de estar simplemente asombrados por un
instrumento tan grandioso, queremos ver cómo funciona. Es un desafío tratar de
separar los elementos intrínsecamente conectados de un todo orgánico. Tan pronto
como miras una parte, como el arco, ves que es intrascendente hasta que se usa
para hacer vibrar la cuerda. Además, la cuerda por sí sola no emite ningún sonido
hasta que la punteas o la arqueas. La disección y el análisis son de poca utilidad
hasta que puedan servir al todo. En las siguientes páginas, exploraremos en detalle
los principales elementos de tocar el violonchelo y, lo que es más importante,
pintaremos un cuadro de las relaciones entre todos ellos. Mi disección artificial (y
arbitraria) es solo un medio para comprender el todo, uno que me ha ayudado
inmensamente en la enseñanza y el juego. Ordenar y sincronizar los elementos nos
lleva a una comprensión más profunda del todo. Me gusta pensar en esto como
sinergia o sinergismo en el juego.
ElNuevo diccionario americano de Oxforddefine la sinergia como la “interacción o
cooperación de dos o más organizaciones, sustancias u otros agentes para producir un
efecto combinado mayor que la suma de sus efectos por separado”. Podemos ver este
fenómeno fácilmente en la interpretación del violonchelo, donde las dos o más cosas, o
en nuestro caso tres, son la mente, el arco del violonchelo y el cuerpo. Idealmente, tocar
el violonchelo es una sinergia perfecta del pensamiento musical de la mente que estimula
las manos para manipular el arco del violonchelo, con el resto del cuerpo integrado en el
movimiento de las manos. Sólo a través de esta sinergia el violonchelista se convierte en
el comunicador musical.
¿Cómo se puede separar el velero del viento y el agua cuando se mueve o
separar el avión en vuelo de las corrientes de aire? ¿No consiste una manzana
en piel, carne y corazón? Para llegar a la sinergia en el violonchelo,
xix
Preludio (xix)

puede que tengamos que experimentar la historia de los ciegos que describen al
elefante. Un ciego habla del elefante como si fuera una cuerda con pelo en la punta,
ya que solo podía sentir la cola; otro lo describe como un muro macizo, tocando el
costado; el tercero dice que es una manguera enorme que echa agua, ya que solo
sintió el tronco. Levantemos todos los velos de nuestros ojos para percibir el
completo y hermoso animal de la música en todo su esplendor.
X
ACERCA DEL SITIO WEB COMPLEMENTARIO

www.oup.com/us/cellobowandyou

Querido lector,

Los invito a visitar el sitio web complementario paraViolonchelo, arco y tú:

poniéndolo todo junto.Los videos en este sitio web complementan visualmente los
aspectos interactivos del libro: los cuadros "En el violonchelo" y "Experimente por sí
mismo" integrados en todo el texto. En ocasiones, estos recuadros son una
invitación a experimentar y experimentar con las ideas presentadas y, en otras
ocasiones, son instrucciones paso a paso para guiarte. Te animo a que pruebes las
ideas para ver si te funcionan antes de ver los videos. Estas demostraciones cubren
la mayor parte del material presentado en el texto y pueden ayudarlo a determinar
si su comprensión de estas ideas está en línea con la mía. ¡Disfruta, explora y
diviértete!

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Violonchelo, arco y tú
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Introducción

T Hay tantas teorías, manierismos e idiosincrasias en el juego de cuerdas y la

enseñanza que escribir otro libro con otro conjunto de ideas puede parecer
una pérdida de tiempo para el autor y para un lector potencial. Sin embargo,
también hay muchos violonchelistas que tienen el deseo de tocar de manera más
hermosa, limpia y expresiva, pero aún no han encontrado las herramientas para
lograr sus deseos. Muchos jugadores están plagados de síndromes de uso
repetitivo y simplemente quieren poder jugar sin dolor. Tanto los profesionales
como los estudiantes encuentran problemas para jugar en diferentes etapas de sus
vidas, y la búsqueda de soluciones para liberarlos de hábitos perjudiciales continúa.

La forma habitual, y quizás la única, de aprender a tocar bien el

violonchelo es estudiar con un profesor. Sin embargo, un maestro suele
enseñar lo que le han enseñado, casi con el mismo lenguaje con el que le
enseñaron o usando un método sin pensar mucho en el razonamiento
detrás de él. Las historias y teorías se han transmitido muchas veces,
algunas tienen más de cien años. Muchas personas han aprendido bien
dentro de estos sistemas y se han convertido en instrumentistas
consumados. A otros no les ha ido tan bien y, sin embargo, continúan
perpetuando una instrucción defectuosa que no ha sido debidamente
examinada.
En los últimos años, han pasado a primer plano las influencias de disciplinas
indirectamente relacionadas con el juego. Ha habido un aumento del interés
en el arte de moverse. Por ejemplo, los jugadores están estudiando la Técnica
Alexander, el Método Feldenkreis, artes marciales, yoga y trabajando

(1)
 ( 2. Introducción

fuera, por nombrar algunos, y descubriendo que estas disciplinas son útiles al jugar. Se
están observando analogías con los deportes, la danza y otras actividades físicas, así
como los procesos de pensamiento, incluidos los conceptos de "estar en el momento",
mejoran la capacidad de concentración de manera más específica, todo en relación con el
juego.
La ciencia relativamente nueva de la biomecánica ha aportado conocimientos y
soluciones, desde la mejora del rendimiento deportivo hasta la prevención de
lesiones. Esta ciencia implica un estudio de los principios de ingeniería del cuerpo
en relación con las fuerzas que actúan sobre el cuerpo, junto con la respuesta física
del cuerpo a estas fuerzas. La aplicación de este trabajo al juego de cuerdas es muy
esclarecedora. Un conocimiento rudimentario de los principios biomecánicos
equipa tanto al profesor como al alumno para resolver los problemas a medida que
surgen.
EnViolonchelo, arco y tú: poniéndolo todo junto, compartiré la información
que un jugador (o un maestro) necesita para evaluar y superar los obstáculos
que impiden la satisfacción en el juego, al incorporar lo que he aprendido y
experimentado en estudios auxiliares a mi propio juego. Este texto pretende
ser una guía de lo que debe observar para encontrar soluciones a los
problemas que enfrenta como jugador de cuerdas, una guía para llegar a sus
propias soluciones a través de la observación y la autoexploración.
He organizado este concepto de la interpretación del violonchelo en tres partes:
la imagen sonora, creando la imagen auditiva de la música que se desea tocar; el
instrumento, cómo funcionan el violonchelo, el arco y las cuerdas; y el cuerpo, cómo
se aplican al violonchelo las teorías y mecánicas del movimiento corporal. Hablaré
de estas tres ramas de jugar una a la vez, sabiendo que son interdependientes;
todos son elementos igualmente importantes para hacer música. A través de esta
comprensión, podemos avanzar hacia la sinergia de la mente, el instrumento y el
cuerpo que, junto con el alma, trabajan para crear música con facilidad, eficiencia y
gracia.
La idea musical es lo primero. ¿Qué estás tratando de jugar en realidad?
¿Las ideas musicales y la expresión están claras en tu mente? ¿Conoce
realmente las notas y el ritmo que está tratando de producir? ¿Tienes la música
que quieres reproducir sonando en tu cabeza? No importa el nivel de
interpretación, la claridad de la imagen musical es el primer paso para tocar
con satisfacción.
La segunda es la observación del instrumento para descubrir los hechos
de modo que comprenda el objeto de sus pensamientos y movimientos.
¿Entiendes lo que tiene que pasarle al instrumento para hacer los sonidos
que estás imaginando? Por ejemplo, si su sonido no es tan grande como
quisiera, ¿sabe que necesita colocar el arco más cerca del puente?
3
Introducción (3)

aplicar más presión y moverse a menor velocidad? Si pierde un turno,

¿sabe dónde y cómo encontrar la nota en el diapasón? Estos son requisitos
técnicos sencillos que a menudo se pasan por alto y no se les presta la
debida atención. Si los reconocemos objetivamente, entonces podemos
llegar a la razón de todo esto: hacer música en el violonchelo.
El tercer paso es la observación y la conciencia de su primer
instrumento, su cuerpo, que utiliza para realizar ideas musicales en su
instrumento de cuerda. ¿Sabes cómo estás usando tu cuerpo? ¿Estás
sentado sobre tus isquiones (o isquiotibiales) de forma equilibrada? ¿Estás
permitiendo que la silla en el suelo te sostenga? ¿Se está moviendo en la
secuencia apropiada para coordinar sus movimientos? ¿Sabes cómo
funciona tu columna y qué tiene que ver con jugar? ¿Tus piernas? ¿Sin
mencionar los hombros, los brazos y las manos? ¿Piensas en cómo todo tu
cuerpo influye en tus movimientos cuando tocas? Abordaré estas
preguntas de acuerdo con los principios biomecánicos, la Técnica
Alexander y otros métodos que he acumulado a lo largo de mis muchos
años de juego y aprendizaje.
Mi intención es fomentar la autoexploración, con el objetivo final de
fusionar el conocimiento de nuestro ser mental, físico, emocional e incluso
espiritual en la música que queremos tocar. La clave de esta sinergia es la
observación y la conciencia, no solo a través del oído, sino también de la vista y
el tacto. Esto eleva nuestra conciencia para permitirnos evaluar nuestra forma
de tocar y hacer cambios fácil y rápidamente para un mejor desempeño.
A medida que comience a comprender lo que funciona mejor para usted,
puede notar que hay grandes jugadores que no parecen usar estos principios.
Creo que esto se debe a que entienden de manera innata lo que se debe hacer
con el instrumento para realizar la idea musical y tal vez estén dispuestos a
renunciar al desgaste excesivo de sus cuerpos y hacer lo que sea necesario
para obtener los resultados finales. Pueden o no ser conscientes de los efectos
del estrés en sus cuerpos causados por el enfoque que han adaptado, pero su
talento natural funciona a toda velocidad y suenan maravillosos a pesar del
costo. Los peligros de seguir este camino pueden no ser evidentes hasta que
seas mayor, momento en el cual el cuerpo no responde al abuso como lo hacía
antes.
Con el enfoque presentado aquí, tocar se convierte en un flujo cíclico que comienza
con una imagen auditiva clara del sonido o frase que se va a tocar, el conocimiento de lo
que se debe hacer con el instrumento para que esos sonidos imaginarios se conviertan
en sonidos reales y el movimiento que crea. o se da cuenta de los sonidos para que usted
y otros los escuchen. A lo largo de estos pasos, evalúa continuamente el sonido para ver
si coincide con el sonido de la imagen y
 ( 4 ) Introducción

ajusta constantemente tus movimientos para lograr esto. Esto podría verse
como un ciclo:

1. Escuchar mentalmente los sonidos a reproducir (una frase o parte de una

frase).
2. Saber el cómo y el dónde del violonchelo (la ubicación de esas notas y la
colocación del arco, la velocidad y la presión requerida).
3. Moverse para tocar esa secuencia en el violonchelo.

Esto ocurre mientras escuchas, evalúas y te ajustas constantemente a lo que

estás tocando, continuando este ciclo hasta que hayas llegado al final del
trabajo.
Aunque parezca que estos pasos incorporan una cantidad imposible de
información y detalles para recordar, creo que todo músico creativo sigue este ciclo,
aunque sea de manera inconsciente, una vez que las técnicas de arco, digitación y
escucha están suficientemente desarrolladas.
Este texto se divide en cuatro partes. La Parte I explora el concepto de imagen sonora.
La Parte II es una descripción general del instrumento y detalla cómo funcionan la
cuerda, el arco y la mano izquierda, conectando las explicaciones científicas y las leyes de
la naturaleza que forman parte de nuestra vida diaria directamente con la interpretación
del violonchelo. Examina los hechos, explora cómo pensar acerca de ellos y genera ideas
para aplicarlos. La Parte III nos lleva al cuerpo, conectando nuestros movimientos
naturales para tocar con facilidad, resistencia y expresividad. La Parte IV proporciona una
filosofía de la práctica, con ideas para la aplicación práctica. Aunque estas cuatro partes
se presentan de forma independiente, en realidad nunca pretenden ser independientes
entre sí. Siempre se fusionan para convertirse en uno.

Cada capítulo incluye una combinación de ideas y ejercicios para el

autodescubrimiento, ya sea con o sin violonchelo, titulados “Al violonchelo” y
“Experimenta por ti mismo”. Siéntase libre de leer todo el texto primero y luego
pruebe los ejercicios de una sola vez, o puede hacerlos mientras lee.
Mi objetivo es fomentar formas nuevas y quizás desafiantes de pensar
sobre lo que haces cuando tocas el violonchelo. Cuando pueda comprender
cómo funcionan el violonchelo, el arco y el cuerpo, podrá observar lo que está
haciendo con el fin de evaluar las diferencias entre el diseño y la ejecución y, en
última instancia, realizar los cambios que desee. Estar atento y conocerte a ti
mismo te da la confianza para desarrollar tu técnica para expresar tu propia
voz musical única.
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Xw X
I
PARTE

Imagen de sonido

La música que escuchas en tu cabeza es tu imagen sonora.

Tu imagen de sonido es lo que tocas.
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w
CHA P TER 1

La imagen sonora

D o vas por ahí algunos días con una melodía en la cabeza de la que parece que
no puedes escapar? ¿Escuchas el comienzo de Beethoven? Quinta sinfonía
cuando sucede algo siniestro? ¿Alguna vez empiezas a cantar tu canción pop
favorita de forma espontánea? Escuchar la música en el oído de tu mente es
pensamiento musical. Es la memoria musical, o memoria auditiva. La memoria
visual es más familiar. ¿Puedes recordar cómo es un amigo e imaginar a esa
persona en tu mente como si estuviera de pie frente a ti, o puedes recordar una
imagen con gran detalle? También activamos los recuerdos de otros sentidos
cuando volvemos a visitar un evento pasado en nuestras cabezas, recordando el
lugar y las personas que estaban allí, los sabores de la comida y quizás el clima.
Todas estas son imágenes mentales, ver u oír, incluso saborear o sentir dentro de
nuestras cabezas.
Muy temprano en nuestras vidas, incluso en el útero, escuchamos música. Las futuras madres

ponen grabaciones de Mozart u otros grandes compositores con la esperanza de que a sus recién

nacidos les encante la música. Nuestras madres y padres nos cantan cuando somos niños. Las

grabaciones del método Suzuki se les pasan a los más pequeños cuando los padres sueñan con tener

un violinista o violonchelista en la familia. Recordamos a lo largo de la vida lo que escuchamos de niños

pequeños y, en esa etapa temprana, comenzamos a construir nuestra memoria musical, una biblioteca

de imágenes sonoras. ¡Qué alegría cuando un niño canta por primera vez un poco de una melodía,

señalando el comienzo de la creación musical!

En nuestra vida diaria, estamos inundados de música. Usamos la música

para distraernos mientras hacemos las actividades mundanas del día. Está en
la radio, en la televisión, en las tiendas. Se nos impone, y aunque no la
escuchemos activamente, es parte del tejido sonoro, sea agradable para

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