CONTENIDO

Prefacio

Introducción

Objetos de dibujo

Tono y Forma

Cifras

Perspectiva

escorzo

Composición

Paisaje
Dibujar

Retratos

Uso de fotografías

Herramientas y Material
 Prefacio

El objetivo de este libro es mostrarte que aprender a dibujar el mundo visual no se trata de
un talento misterioso o una facilidad innata, sino de mirar los objetos de una manera
diferente a la que normalmente lo haces. También se trata de aplicación, motivación y
práctica. Si tu deseo de dibujar es lo suficientemente fuerte, podrás hacerlo.

Cuando comencé a “mirar” en la forma en que te pedía que hicieras, pensé que estaba
haciendo trampa porque se parecía demasiado a copiar. Me habían dicho que dibujar
se trataba de usar mi imaginación en lugar de ver de una manera diferente. Fue solo
cuando comencé a mirar el trabajo de grandes pintores que me di cuenta de que ver
era lo que realmente importaba y, a menos que vieras lo que había en la realidad, no
tenías nada con lo que alimentar tu imaginación. Al final, la imaginación se trata más
de cómo recuerdas lo que has visto que de evocar algo de la nada.

Comenzar a ver de una manera que se puede traducir al papel puede brindarle una
nueva forma de ver el mundo, ver sus formas y formas quizás por primera vez. Esto no
solo puede alimentar su imaginación sino también darle una visión del mundo que es
única para usted.

Aunque no todos los ejercicios de este libro son fáciles, están al alcance de todos
si están preparados para dedicarle tiempo. Como la mayoría de las cosas, dibujar
se vuelve más fácil cuanto más lo haces. No he intentado mostrarte todas las
formas de dibujar que existen, como imaginativo, ilustrativo, técnico, etc., ya que
creo que lo importante al principio es tener confianza y creer en ti mismo. Una de
las mejores formas de ganar esta confianza es poder representar el mundo visual
en dos dimensiones dibujándolo.

Dibujar es una experiencia maravillosa; ver los objetos aparecer gradualmente en el papel
puede ser mágico. Una vez que esta magia haya comenzado a funcionar, querrás llevar las
cosas más lejos. Entonces no solo se convierte en un proceso de mejora, sino también en un
camino para conocerse más a uno mismo.
Incluso una naturaleza muerta complicada se volverá sorprendentemente sencilla una vez
que haya aprendido a mirarla.
 SECCIÓN 1

Introducción

Todos dibujamos. Desde muy temprano hacemos marcas, ya sea con instrumentos como lápices y
bolígrafos o simplemente con los dedos. La mayoría de la gente piensa que aprender a dibujar es
difícil y requiere un cierto tipo de talento inherente, pero de hecho se trata mucho más de
aprender a ver de una manera diferente que de cualquier facilidad particular de
la mano.

En un momento se pensó que escribir era una habilidad que solo unas pocas personas
podían poseer. Hoy en día, la mayoría de la gente escribe sin pensar en que sea difícil.
En este estudio de un peral en un jardín francés, observe cómo las marcas hechas por
el lápiz se utilizan para indicar la calidad del movimiento de las ramas.

A diferencia de tocar un instrumento como el piano o el violín, dibujar no requiere que

entrenemos nuestras manos de una manera nueva. Aprender a escribir ya lo ha hecho por
nosotros, por lo tanto, cualquier persona que pueda escribir su nombre debería poder dibujar.

Entonces, ¿por qué, te escucho decir, no podemos dibujar todos? La respuesta es que hemos
aprendido a usar nuestros ojos de una manera que nos ayude a movernos por el mundo, para
obtener nuestra comida, luchar o huir, no para ver el mundo desde un punto de vista estático. Esto
ha significado que creamos conceptos de cómo es el mundo en tres dimensiones, en lugar de verlo
de una manera bidimensional estática.

Por ejemplo, cuando entramos en una habitación, no vemos la enorme variedad de

formas, patrones y colores visuales (creados por mesas, sillas, etc.) que cambian
constantemente a medida que caminamos. Usamos la información visual que nos llega
para crear, a partir de estas formas y colores fugaces, una habitación tridimensional que
contiene mesas y sillas sólidas con espacios entre ellas.

Cuando miras un objeto como una mesa, una silla o una jarra desde un punto
de vista, siempre hay una confusión visual entre lo que ves y cómo sabes que
es el objeto como un todo tridimensional. Es esta confusión la que debes
superar para poder dibujar. Esto implicará que te concentres más en lo que
realmente puedes ver que en lo que tu cerebro te dice sobre un objeto familiar.
Empezando

Primero necesitarás algo con lo que dibujar y una superficie sobre la que dibujar.

Hay muchos tipos diferentes de lápices, desde los muy duros, como el 6H, hasta los muy
suaves, como el 8B. Hablaremos de esto con más detalle más adelante, pero por ahora, una B
es una buena calificación básica para dibujar.

Utilice un trozo de papel de cartucho, ya sea en un cuaderno de bocetos o pegado a una

pizarra. Un buen tamaño de papel para empezar es A3. Equípate también con un sacapuntas
y una goma de borrar, y estarás listo para empezar.

Elementos basicos

Los elementos básicos de todos los dibujos lineales son las líneas rectas y curvas. La
esencia de hacer un buen dibujo es cómo juzgas si una línea o una curva están en la
relación correcta con otra.

Los siguientes son algunos ejercicios de dibujo que desarrollarán su habilidad

para hacer con éxito estos juicios de proporción y relación, que a veces son
buenos.

HORIZONTALES Y VERTICALES

Primero, dibuja a mano alzada tres cuadrados aproximados. Estos pueden ser de cualquier tamaño con
el que se sienta cómodo. Luego, usando solo tus ojos como guía, divide el primer cuadrado
horizontalmente por la mitad (Paso 1). Haz lo mismo en el siguiente cuadrado y luego divide cada
de las mitades por la mitad (Paso 2). En el tercer cuadrado, divide cada área nuevamente por la mitad (Paso
3).
PASO 1

Divide el cuadrado por la mitad horizontalmente.

PASO 2

Divide el cuadrado por la mitad horizontalmente y luego divide las dos mitades en cuartos.
PASO 3

Divide el cuadrado por la mitad horizontalmente, luego divide las dos mitades en
cuartos y los cuartos en octavos.

Este proceso de reducción a la mitad es importante, ya que hace que sea más fácil juzgar
proporciones iguales en lugar de tratar de dividir el cuadrado en cuatro u ocho partes iguales
desde el principio.

Cuando hayas terminado, comprueba lo bien que lo has hecho. ¿Qué tan paralelas son las líneas?
¿Qué tan iguales son los espacios separados? Si cree que puede hacerlo mejor, inténtelo de nuevo.

VERTICALES

Después de hacer líneas horizontales, dibuje otros tres cuadrados a mano alzada e intente con los
verticales (consulte los Pasos 4, 5, 6).
PASO 4

Repita el paso 1 de la página anterior, luego divida el cuadrado por la mitad verticalmente.
PASO 5

Lleve el cuadrado al Paso 2, luego divídalo verticalmente en cuartos.

PASO 6

Lleve el sexto cuadrado al Paso 3, luego divídalo verticalmente en octavos.

DIAGONALES

Ahora pasemos de líneas horizontales y verticales a líneas en varios ángulos. De nuevo,

dibuja tres cuadrados aproximados a mano alzada.

En el primer cuadrado, dibuja una línea diagonal de una esquina a la otra (Paso 1). Luego haz
lo mismo en el segundo cuadrado y divide los dos espacios restantes por la mitad (Paso 2).
Repita en el tercer cuadrado y nuevamente divida los espacios restantes por la mitad (Paso 3).

Verás lo importante que es poder juzgar correctamente las proporciones cuando

empiezas a dibujar objetos, especialmente edificios.
PASO 1

Dibuja una línea diagonal que parta a la mitad el cuadrado.

PASO 2

Repita el Paso 1, luego divida las dos mitades con líneas diagonales.
PASO 3

En el tercer cuadrado, repita los pasos 1 y 2 y luego divida los cuartos por la mitad nuevamente.

ANGLOS

Ahora dibuja otros tres cuadrados a mano alzada. En el primero de ellos, vuelve a dibujar una
diagonal (Paso 1). Repita en el siguiente cuadrado y divida cada mitad del cuadrado por la mitad,
esta vez comenzando sus líneas desde la parte inferior de la línea diagonal (Paso 2). Luego haz lo
mismo nuevamente en el siguiente cuadrado y divide los ángulos por la mitad una vez más
(Paso 3).

De nuevo, cuando hayas terminado, comprueba qué tan bien lo has hecho. ¿Qué tan iguales son los
ángulos? ¿Qué tan paralelas son las líneas?
PASO 1

Divide el cuadrado por la mitad con una línea diagonal.

PASO 2

Repita el Paso 1, luego divida los dos ángulos por la mitad, creando cuatro ángulos iguales.
PASO 3

Lleva el tercer cuadrado al Paso 2, luego divide todos los ángulos por la mitad nuevamente.

CURVAS Y CÍRCULOS

Ahora prueba algunas curvas. Dibuja tres cuadrados, pero esta vez usa una regla, ya que
esto te ayudará a dibujar tus curvas a mano alzada. Divide tu primer cuadrado en cuartos
horizontal y verticalmente y luego, en el primer cuarto, dibuja una curva como si fuera el
comienzo de un círculo en todo el cuadrado (Paso 1). Repita el proceso nuevamente en el
segundo cuadrado, pero esta vez coloque otra curva en el segundo cuarto (Paso 2). Luego
repite en el tercer cuadrado y completa el círculo (Paso 3). Si encuentra esto difícil al
principio, inténtelo de nuevo. Puede encontrar la curva más fácil de dibujar si gira la hoja
de papel.

No se espera que hagas esto perfectamente de inmediato, pero cuando sientas que
puedes hacer juicios visuales razonables, estarás bien encaminado para dibujar con
confianza. Una de las formas más comunes en el mundo visual es la elipse, un círculo
aplastado. Las elipses son difíciles de dibujar, así que ahora probemos una de ellas.
PASO 1

Corte en cuartos el cuadrado con una línea vertical y otra horizontal, luego dibuje una
curva a mano alzada en el primer cuarto del cuadrado.
PASO 2

Repita el Paso 1, luego continúe dibujando el círculo en el segundo cuarto, formando un

semicírculo a mano alzada.
PASO 3

Repita los pasos 1 y 2, luego complete el círculo en los dos últimos cuartos.
INCLINAR

Cuando esté dibujando curvas y círculos, le resultará útil mantener firme la

mano apoyando el talón en el papel y dibujar la curva moviendo la muñeca y la
mano en un arco.

Dibuja tres cuadrados más con una regla. Divide el primero por la mitad horizontal y verticalmente,
luego por la mitad otra vez horizontalmente. Dibuja una elipse a mano alzada en el centro del
cuadrado, construyéndola una sección a la vez como lo hiciste con el círculo (Paso 1). Ahora intenta
otra vez en tu próximo cuadrado, poniendo una elipse en cada mitad (Paso 2). Ahora divide tu
cuadrado final con más líneas horizontales y coloca cuatro puntos suspensivos en el cuadrado (Paso
3).

Si no está satisfecho con sus intentos de hacer estos ejercicios, pruébelos de

nuevo, ya que le serán muy útiles para lo que sigue.
PASO 1

Divide el cuadrado horizontalmente en cuatro cuartos, luego divídelo por la mitad verticalmente. Dibuja
una elipse a mano alzada en los cuatro segmentos centrales, siguiendo el método que usaste para
dibujar un círculo.
Traducido del afrikáans al español - www.onlinedoctranslator.com

PASO 2

Comience como lo hizo en el Paso 1, pero esta vez dibuje una elipse en ambas mitades del
cuadrado.
PASO 3

Siga el Paso 1 pero agregue líneas horizontales adicionales, dividiendo el cuadrado en

octavos. Dibuja cuatro elipses en los cuatro cuartos.
 SECCIÓN 2

Objetos de dibujo

Un objeto tridimensional parecerá tener una forma diferente cada vez que cambies
la posición desde la que lo miras. En consecuencia, usted tiene un concepto
de su forma obtenido de cómo se ve desde una serie de perspectivas. Cuando
dibujándolo, la tarea es reproducir cómo se ve desde un solo punto de vista.
Primero, coloque un objeto simple frente a usted. Puede ser una jarra, una pieza de
fruta o una botella. Póngalo contra un fondo simple, como una pared lisa. Tome su
cuaderno de bocetos o tablero y papel y su lápiz B, borrador y sacapuntas. Asegúrese de
estar sentado cómodamente y de poder ver fácilmente tanto el objeto que desea
dibujar como el papel en el que está dibujando sin girar demasiado la cabeza. Esto es
importante porque necesita toda su atención en el dibujo y el objeto.

¿QUÉ TAMAÑO DEBE SER?

Lo primero que debe decidir es qué tamaño tendrá su dibujo. Es posible que desee
hacerlo muy pequeño en el centro de la página, tan grande que ocupe toda la página
o, de hecho, cualquier tamaño entre esos dos extremos.

Una de las dificultades más comunes para los novatos es mantener los objetos y sus
componentes en un tamaño unificado en todo el dibujo, por lo que es vital tener algún
tipo de sistema que te ayude a ser consistente en este aspecto. El enfoque sistemático
para mantener los objetos en una escala que les voy a enseñar en este libro se conoce
como "dibujo medido a la vista".
Siéntate en una posición cómoda frente al objeto que deseas dibujar,
asegurándote de que puedas verlo fácilmente sin tener que girar la cabeza.

ELEGIR UN TAMAÑO

Sea cual sea el tamaño de tu papel, puedes elegir si dibujar el objeto bastante
pequeño en relación con el espacio disponible o ocupar toda la hoja.

INCLINAR

Si quieres volver a un bodegón otro día, recuerda marcar la posición de los

objetos. Si está dibujando a la luz del día, tome nota de la hora para que tenga
las mismas luces y sombras.
Aquí el jarrón se muestra con una generosa cantidad de espacio a su alrededor.
El jarrón ahora llena la página.
El jarrón está a la mitad del papel, dejando solo un detalle abstracto de todo el objeto.

Dibujo medido a la vista

El dibujo medido a la vista significa que el dibujo tiene el mismo tamaño

que el objeto que se le aparece si lo mide contra su lápiz con la mano
extendida.

Si los objetos están a cierta distancia de usted, es posible que en su dibujo sean más
pequeños de lo que desea. En este caso, puede duplicar las medidas y hacer el dibujo dos
veces del tamaño de la vista colocando su lápiz con la medida del tamaño de la vista dos
veces en su papel. Una palabra de precaución: es fácil olvidar la doble medición. Si
algunas medidas son dobles y otras sencillas, el resultado será un dibujo con las
relaciones incorrectas.
CÓMO SOSTENER UN LÁPIZ

Deberá encontrar la forma más cómoda de sujetar el lápiz que le permita mover
el pulgar o el dedo arriba y abajo del eje para tomar la medida que desee. No
existe una regla estricta para esto, pero como tomará medidas desde todos los
ángulos, es recomendable practicar variaciones hasta que encuentre la sujeción
que más prefiera.

TÉCNICA DE MEDICIÓN

Primero, extienda la mano con el brazo recto y manténgalo recto. Cuando

está tomando una medida, es vital tomarla desde un punto fijo o sus
medidas no serán consistentes y su dibujo no estará en proporción.

Para comprobarlo, mira el objeto y, con el brazo extendido, mide con el

pulgar y el índice el tamaño que te parece a esa distancia. Luego, acerca la
mano a tu cuerpo, manteniendo el pulgar y el índice en la misma posición. El
tamaño del objeto disminuye gradualmente a medida que sus dedos se
acercan a sus ojos.

Fija tu mirada en un punto cerca de lo que quieras que sea el centro de tu dibujo,
como la parte superior de una jarra, y haz una marca en tu papel para indicar este
punto. Ahora mantén tu brazo extendido y tu lápiz perpendicular al suelo.
Manteniendo la parte superior del lápiz en el punto que seleccionó primero, mida la
longitud del objeto moviendo el dedo o el pulgar a lo largo del lápiz hasta que llegue a
la parte inferior del objeto. Ahora mueve tu lápiz al papel, poniendo el extremo del
lápiz en la marca que ya has hecho en el papel. Haga una segunda marca donde está
su dedo o pulgar. El espacio entre las dos marcas será la longitud del objeto a la vista.
INCLINAR

Siga cambiando su mirada entre el objeto y el dibujo para verificar la

precisión

Tan importante como medir con precisión es obtener los ángulos correctos.
Sostenga su lápiz en línea con el ángulo del objeto que desea verificar, luego
mueva su lápiz hacia su papel y verifique si su línea dibujada concuerda con el
ángulo en el que está su lápiz.

Construya gradualmente la imagen, tomando medidas de diferentes partes del

objeto. Es importante no apresurarse; No puedo enfatizar esto demasiado.
También es importante no adivinar. Debes recordar que estás tratando de ver de
una manera diferente a como lo harías normalmente. Estás aprendiendo a ver
formas bidimensionales. Es fácil volver a ver de manera conceptual, pero la
naturaleza de los objetos que está dibujando es de importancia secundaria en
esta etapa; lo importante es ver sus formas y reproducirlas.

DIBUJO MEDIDO A LA VISTA

Jarrón marrón
PASO 1

Cuantas más medidas tomes para trazar la forma, menos conjeturas

necesitarás cuando unas las marcas.
PASO 2

He puesto una línea central para ayudar a nivelar los lados y también líneas centrales para
las elipses para que sea más fácil dibujarlas. También dibujé el otro lado de la elipse en la
base para poder tener una mejor idea de la forma de toda la elipse.

Incluso los espacios entre objetos tienen formas bidimensionales. Conocidos como espacios
negativos, estos no deben verse como menos importantes que las formas de los objetos.
Desde un punto de vista estático y en una hoja de papel están todos interrelacionados. Si
tanto las formas de los objetos como las formas intermedias están en la relación correcta
entre sí, la imagen completa tendrá la relación correcta.

En esta etapa no se preocupe por el tono - las luces y sombras del objeto. Solo trata de obtener
las formas básicas correctas.
PASO 3

Para ayudarte a dibujar las curvas, apoya la palma de la mano sobre el papel para mantenerlo firme
mientras dibujas la curva.
PASO 4

Aquí he incluido la forma de la sombra que arroja el jarrón y también oscurecí

las líneas donde hay más contraste. Para ver mejor el contraste, entrecierra los
ojos y observa qué bordes del jarrón se destacan más. Esos serán los que
tengan más contraste.

Ejercicio: Grupo de Objetos

A continuación, intentemos dibujar varios objetos. Le sugiero que use frutas

como manzanas, peras, plátanos, naranjas, lo que tenga en la casa. No tengas
más de seis o siete objetos para empezar. Colóquelos sobre un fondo liso.

Una vez más, antes de comenzar, asegúrese de estar cómodo y de que

puede ver los objetos y su dibujo sin girar demasiado la cabeza.

Al dibujar un grupo de objetos, es mejor trazar la imagen completa en lugar de

comenzar con un objeto y luego pasar al siguiente. Esto se debe a que es muy fácil
desproporcionar la imagen completa si se pasa de un objeto al siguiente.

EJERCICIO 1:

frutas de verano
PASO 1

Medir y trazar el tamaño total del grupo de objetos. Verifique los ángulos
moviendo el borde de su lápiz en línea con el ángulo del objeto y luego muévalo
hacia su papel.

Comience midiendo el ancho total del grupo de objetos y la altura total. Luego,
utilizando el mismo método de medición con lápiz que antes, ubique los objetos
individuales en relación entre sí dentro de la imagen general.

Para empezar, busque las formas básicas de cada objeto. No te preocupes por hacer
que se vean tridimensionales. Lo importante en esta etapa es obtener primero las
formas y su proporción en relación con los otros objetos.
PASO 2

A medida que coloca los contornos gradualmente, continúe midiendo donde lo considere
necesario y verifique que los espacios entre los objetos tengan la forma correcta.
PASO 3

Una vez que haya completado las formas básicas, borre las líneas de construcción
innecesarias. Mire esas líneas que tienen el contraste más fuerte y hágalas más oscuras.
PASO 4

He usado una regla aquí para indicar los bordes de la tarjeta en la que estaba la fruta. Las reglas deben
usarse con moderación ya que la mayoría de las líneas en la naturaleza no son rectas.

LÍNEA Y FORMA

La línea que dibuja alrededor de un objeto, el contorno, se usa para describir la

forma del objeto y para separarlo de otros objetos en el dibujo. Sin embargo, si
observa con atención, notará que los objetos no tienen líneas alrededor; lo que
realmente muestra su diferencia con otros objetos es su color y tono (claro y
oscuro). Si observa con mucho cuidado, puede haber lugares donde los colores y
tonos entre dos objetos estén tan cerca que se mezclen entre sí.

Entonces, cuando estamos dibujando los contornos de los objetos, estamos dibujando sus
formas básicas. No estamos en esta etapa tratando de dibujar su forma (volumen). Sin
embargo, si miramos fijamente los objetos que tenemos delante y tratamos de hacer que la
oscuridad y la claridad de la línea alrededor de los objetos se relacionen con diferentes
contrastes entre los objetos y el fondo, el dibujo adquirirá volumen por sí solo.

Mientras todavía estamos viendo la línea y la forma, ahora tomemos algo un poco
más complejo como una flor.

Coloca un grupo simple de hojas o flores sobre un fondo liso. Manteniendo

el mismo método de dibujo, primero decida si quiere dibujar parte o todo el
grupo de flores.

USO DE UN VISOR

Usar un simple "visor" te ayudará a decidir qué quieres dibujar. Corta un cuadrado
simple u oblongo en un pedazo rígido de papel o cartulina. No haga el agujero
demasiado grande: 5 × 5 cm (2 × 2 in) o 5 × 2,5 cm (2 × 1 in) es suficiente. Luego mueva
este visor hacia adelante, hacia atrás y alrededor de los objetos hasta que tenga el
área de flores u hojas que desea dibujar. Si no tiene un visor disponible,
siempre puedes usar tus manos para hacer un visor simple.
Al mirar un objeto tan complejo como un grupo de flores, observe cómo algunos grupos
de cabezas de flores se fusionan porque tienen el mismo tono y color, mientras que otros
son bastante distintos. Comience dibujando cada grupo fusionado como una sola forma.
Un visor de cartón ensartado puede ayudarte a ver mejor las proporciones y las formas.
Un visor de cartón
Un visor improvisado

EJERCICIO 2:

orquídeas
PASO 1

Busque primero el tamaño total de la imagen y luego las formas principales dentro de
esta. Traza el contorno básico de los objetos, prestando mucha atención a las formas
creadas por los espacios entre ellos.

NO OLVIDES DE…

Verifique los ángulos sosteniendo su lápiz en línea con el ángulo del objeto y
luego moviendo su lápiz hacia su papel para ver si su línea dibujada concuerda
con el ángulo en el que está su lápiz.
PASO 2

Las principales formas más grandes están apareciendo gradualmente. Al dibujar

algo irregular, es importante obtener los ángulos correctos de las líneas, así como
sus medidas.
PASO 3

Este dibujo lineal final tiene las formas básicas pero necesitará tono para darle una
apariencia más tridimensional.

INCLINAR

Recuerde comprobar las formas entre los objetos, así como las formas de los
propios objetos.

INCLINAR

Observe cómo todas las cabezas de flores tienen formas y tamaños muy diferentes. Es esta
riqueza y variedad, y la interacción de las formas de las flores con las formas del fondo, lo que
puede hacer que dibujar sea una experiencia tan gratificante.
Traducido del afrikáans al español - www.onlinedoctranslator.com

PASO 4

Aquí he enfatizado las formas entre los objetos para mostrar lo

interesantes que son y lo importantes que son para obtener el dibujo de
los objetos en su relación correcta.
 SECCION 3

Tono y Forma

La creación de una apariencia tridimensional en una superficie bidimensional

se logra dando la apariencia de volumen. Esto se hace haciendo uso de la
luces y sombras que resultan de la luz que cae sobre los objetos. Entre las áreas más
claras y las más oscuras habrá una gama de medios tonos. Observar los tonos y
sombrearlos en el papel hará que los objetos se vean convincentemente sólidos.

El tono se utiliza para dar a una forma (indicada por el contorno de un objeto y aparentemente
plana) la apariencia de tener tres dimensiones (forma o volumen). Por ejemplo, un círculo es una
forma redonda plana, mientras que una esfera es una forma redonda tridimensional.
UN CUENCO DE FRUTAS

En este dibujo se puede ver que el borde del cuenco y la redondez de la fruta
se describen mediante el tono.

Somos capaces de ver objetos debido a la luz reflejada por ellos, ya sea que provenga
del sol o de alguna fuente de luz artificial. La dirección de la que proviene la luz
determina qué partes de los objetos son claras y qué partes son oscuras, y también
dónde caen las sombras proyectadas por los objetos.

Cuando mire una pintura o incluso una fotografía, acostúmbrese a observar de

qué dirección proviene la luz. En muchos casos, especialmente en el caso de
interiores, puede provenir de más de una fuente (natural o artificial) y dirección.

Si solo hay una fuente de luz, su identificación es relativamente simple. Sin embargo, el
asunto se vuelve más complicado cuando hay varias fuentes de luz que inciden en la
composición desde diferentes ángulos.

El uso de sombreado para crear formas requiere que mire cuidadosamente las luces y
sombras relativas en el objeto y su fondo y observe las áreas más oscuras y claras y las
modulaciones intermedias. También deberá practicar la variación de los tonos de las
marcas de lápiz en el papel para que pueda crear una variedad de tonos. Los sencillos
ejercicios que se muestran aquí le ayudarán en este sentido.
El dibujo lineal (izquierda) representa la forma de la jarra. Una vez que se ha agregado el tono
La jarra adquiere la apariencia de ser tridimensional.

EJERCICIO 1: SOMBREADO

Primero, dibuja seis cuadrados en una columna. Usando su lápiz B, sombree el último cuadrado tan
oscuro como pueda.

Luego, dejando el primer cuadrado en blanco, sombree los cuatro cuadrados restantes de claro a
oscuro, tratando de hacer cuatro pasos uniformes en la gradación del tono (Fig. 1).

Luego, usando la misma forma rectangular general, intente sombrear de un extremo al

otro sin la guía de los cuadrados, graduando el tono a medida que avanza (Fig. 2). Puede
que te resulte difícil al principio, pero con un poco de práctica pronto lo dominarás.

INCLINAR

Cuando está poniendo el sombreado, especialmente si está graduando el tono en

un área grande, es útil afilar el lápiz con una punta larga y usar el lado de la mina
en lugar de la punta para poner el tono.
EJERCICIO 2: ESFERAS

Luego, dibuja tres círculos, usando un objeto redondo como un vaso o una taza como guía.

En el primer círculo, suponga que la luz proviene de arriba y hacia la izquierda. Sombrea el
círculo, haciendo que el área que reciba menos luz sea la más oscura y el área donde cae la
luz sea la más clara. Gradualmente sombree el área intermedia, moviéndose gradualmente
de la oscuridad a la luz.

El círculo ahora debería verse como si tuviera volumen, como una esfera o una pelota. Por lo
tanto, se ha pasado del círculo que tiene la apariencia de una forma plana a que tiene volumen
o forma.

Repite esto, con la luz proveniente de una dirección diferente.

Con el tercer círculo, suponga que la luz proviene de dos fuentes en direcciones
opuestas entre sí.
La luz viene desde arriba y hacia la izquierda de la esfera, por lo que el área más oscura está en la
parte inferior derecha.
La luz proviene de la derecha de la esfera, por lo que el área más oscura está en la parte superior
izquierda.
Aquí hay dos fuentes de luz, una a la derecha y otra a la izquierda. El área más
oscura está en el medio, más alejada de cada fuente de luz.

UN JARRON PEQUEÑO

Ahora tome un simple jarrón o jarra. Como antes, colócalo contra un fondo liso.

Comience como lo haría con un dibujo lineal, midiendo y trazando la forma general del
objeto, luego cierre los ojos a medias y vea dónde están las áreas más claras y las más
oscuras.

En el ejemplo, he utilizado el jarrón en el que trabajé en el ejercicio de dibujo lineal, ya

que las primeras etapas son las mismas que se muestran allí.

Primero, coloque los medios tonos de la imagen, luego busque las partes realmente más
oscuras de la imagen y hágalas tan oscuras como lo permita su lápiz.

NO OLVIDES DE…

• Mantenga el brazo extendido al medir.

• Vuelva a verificar una medida antes de usarla como base para otra.

EJERCICIO 3

Sombreando un jarrón
PASO 1

Después de haber medido y trazado en la forma básica del jarrón, como lo hizo en el
ejercicio de dibujo lineal, mire el objeto y sus áreas claras y oscuras; cerrar los ojos a
medias hará que sea más fácil ver el tono en lugar de color. Tenga en cuenta de dónde
viene la luz. Comience poniendo un tono medio y deje las áreas más claras en blanco
por el momento.
PASO 2

A continuación, busca las zonas más oscuras tanto en el jarrón como en los alrededores.
Sombrea estas áreas tan oscuras como lo permita tu lápiz. Una vez que haya hecho esto,
muévase gradualmente de los tonos oscuros a los tonos medios, agregando tanta variación
como pueda ver.
PASO 3

Cuanto más de cerca mire los tonos, más amplio será el rango que comenzará a ver. También te
darás cuenta de que en la naturaleza las formas no están definidas por líneas.

Trabaje gradualmente a lo largo de la superficie del dibujo, pasando de los tonos más
oscuros a los más claros. Si descubre que ha oscurecido un área más de lo que debería
ser, simplemente use su borrador para corregir su error.

No apresure este proceso. Cuanto más estudie la variación de los tonos, más
consciente se volverá de ellos.

Cuando hayas terminado con tu jarra o jarrón, prueba con otro objeto redondeado
como un limón o una naranja para practicar un poco más antes de pasar a algo un
poco más ambicioso: un grupo de objetos.

GRUPOS DE OBJETOS

Ahora vamos a ver cómo usar un grupo de cinco o seis objetos en una composición. La
fruta siempre es un buen tema para el trabajo inicial con grupos, ya que no tiene los
problemas de elipses que te presentarán las jarras o las botellas.

Nuevamente, comience trazando el tamaño total de todo el grupo y muévase de las

áreas más grandes a las más pequeñas. Recuerde mantener el brazo recto al medir.

En mi ejemplo, he usado el grupo de frutas que comencé en el ejercicio de dibujo lineal ya

que las primeras etapas son las mismas.

EJERCICIO 4
Sombreando un grupo de frutas
PASO 1

Los tonos medios deben tener en cuenta los diferentes colores de los objetos, así como
la luz que incide sobre ellos.

Al igual que con los objetos individuales, busque las áreas más oscuras del dibujo y coloque el tono
medio general. Luego busque los tonos más oscuros y hágalos tan oscuros como su lápiz lo
permita. Ahora, trabaje gradualmente sobre todo el dibujo desde las áreas más oscuras hasta el
tono medio y luego desde el tono medio hasta las áreas más claras.

Recuerda que cuanto más mires las diferencias de tono de los

diferentes objetos y su fondo, más te estarás entrenando para ver. Es
este ver lo que hace el dibujo.

El siguiente paso es tomar algo un poco más complejo, como una variedad de
objetos: botellas, frutas, jarras o cualquier otra cosa cuyas formas te gusten.
PASO 2

A medida que oscurece las áreas sombreadas, observe cómo el tono ahora comienza a tomar el lugar
de la línea de contorno.

INCLINAR

Tenga en cuenta la dirección de la que proviene la luz.

PASO 3

A medida que introduce tonos más sutiles, puede usar su borrador para ayudar a definir la
forma de las áreas más claras.
PASO 4

En el dibujo final entran en juego los reflejos y la luz reflejada.

EJERCICIO 5

Dibujar una variedad de objetos.

INCLINAR

En caso de que no pueda terminar su dibujo de una sola vez, marque la posición de los
objetos con marcas ligeras de lápiz o cinta adhesiva. Si se mueven, será más fácil volver a
colocarlos en el lugar correcto.
PASO 1

Este dibujo de las formas básicas ha pasado por las mismas etapas preliminares de
medición y trazado que se ha descrito anteriormente.
PASO 2

Una vez que tenga las formas básicas, puede pasar a poner en tono. Es útil entrecerrar
los ojos para que pueda ver las áreas más claras y más oscuras con mayor claridad.
Incluso en esta etapa, debe continuar midiendo y trazando el tamaño y la relación de los
objetos y las formas intermedias.
PASO 3

He dejado un lado del dibujo en una etapa anterior para mostrar el contraste
entre el dibujo terminado y el comienzo.
 SECCIÓN 4

Cifras

En épocas anteriores, antes de que a los estudiantes de las academias de arte se les permitiera dibujar el vivo
figura, primero tenían que practicar en "la antigüedad". Este era un término usado para
modelos de yeso de esculturas tomadas de originales clásicos griegos y romanos. A
menudo se trataba de grandes figuras de héroes, dioses y diosas idealizados que
familiarizó a los estudiantes con las nociones aceptadas de la belleza clásica.

Una ventaja de dibujar figuras antiguas era que eran estáticas y, en su

mayoría, blancas. Esto hizo que fuera más fácil ver las diferencias de tono al
dibujar la forma, sin la complicación a veces confusa del color.

Sin embargo, no quiero que veas el dibujo de la figura como algo diferente a los bodegones
que hemos estado haciendo. Entonces, para cerrar la brecha entre la naturaleza muerta y la
figura, le sugiero que comience usando una muñeca o un osito de peluche o cualquier otro
objeto que tenga en la casa que tenga las características de una figura. Incluso un gnomo de
jardín serviría para empezar.
Dibujo tomado de un molde de yeso en el Museo V&A, Londres, de una figura de
la Tumba de Lorenzo de'Medici de Miguel Ángel (1524-1531).
El dibujo de la izquierda es de un cupido de piedra que funciona como una fuente de
jardín (ver fotografía arriba). El uso de modelos tridimensionales estáticos puede
ayudarlo a acostumbrarse a dibujar figuras.

DIBUJANDO UN OSITO DE PELUCHE

Al igual que con sus dibujos anteriores, coloque el objeto contra un fondo plano y luego mida
y trace las formas básicas. Comience trazando el tamaño total, luego trabaje desde las formas
más grandes hasta las más pequeñas.

Una vez que haya trazado las principales formas básicas, mire el tono. Nuevamente busque las
áreas más oscuras y colóquelas y muévase gradualmente de las oscuras a las claras.

Trate la cabeza, los brazos, las piernas, etc., como formas básicas. Luego, a medida que
comience a poner el tono, véalos gradualmente ganar volumen y tener forma. No te
preocupes por cosas como el carácter de la cara; esto vendrá a medida que construyas el
dibujo. Tome su tiempo. Es mejor tener un dibujo a medio terminar que esté bien que uno
completo que esté mal.

NO OLVIDES DE…

• Siéntese cómodamente y mantenga la misma posición durante todo el dibujo.

• Mantenga el brazo extendido al medir.

• Vuelva a verificar una medida antes de usarla como base para otra.
Los ositos de peluche son ideales para empezar. La mayoría de nosotros tenemos un oso de peluche en algún lugar de la
casa.

EJERCICIO 1

Dibujar un oso de peluche

PASO 1

El uso de un visor simple, cortado de una tarjeta o creado con los dedos, lo
ayudará a decidir dónde desea colocar su figura en el papel.
Traducido del afrikáans al español - www.onlinedoctranslator.com
PASO 2

El primer paso es medir y trazar los tamaños de las formas principales. Recuerde
mantener el brazo extendido, tome tantas medidas como necesite para sentirse seguro.
Comience con el tamaño total, tanto de largo como de ancho.
PASO 3

Ya se han dibujado la mayoría de las formas básicas. Concentrarse en las formas más
que en lo que representan ha hecho que el escorzo de las piernas sea fácil de lograr.
PASO 4

Una vez que haya completado las formas básicas, vale la pena verificar que el tamaño y los
ángulos sean correctos antes de pasar a la siguiente etapa.
PASO 5

Ahora dibuje líneas y formas secundarias en preparación para los medios tonos.
PASO 6

Como puede ver, la luz proviene de la izquierda y una sombra se proyecta hacia la derecha.
Cierra los ojos a medias para ver dónde están las áreas claras y oscuras básicas y pon un tono
medio para indicar las áreas más oscuras del osito.

Lo que sea que estés dibujando en esta etapa, concéntrate en ello como una colección de
formas primero y luego formas. Esto es relativamente fácil con frascos y botellas, pero con
figuras se vuelve más difícil. La solución es poder ver la forma de una forma desde un único
punto de vista. Recuerde, las formas tridimensionales cambian de forma cada vez que
cambiamos nuestro punto de vista, pero en nuestra mente se mantienen en la misma forma
que sabemos que tienen en la realidad.
PASO 7

Después de colocar los medios tonos generales, pasa a las áreas más oscuras. A continuación,
sombree las gradaciones entre los tonos claros y medios y los tonos medios y los tonos más
oscuros. Aquí se ha utilizado una goma de borrar para resaltar las zonas más claras. El oso de
peluche ahora parece tener volumen y forma además de forma.
Dibujo esquemático de las proporciones de la figura masculina.

LA FIGURA HUMANA

Para ello necesitas encontrar un amigo que esté preparado para posar para ti. Como su
dibujo requerirá más de una sesión para completarse, debe hacer que el entorno sea lo
más simple posible para que pueda repetirlo fácilmente; por ejemplo, una mesa y una
silla o un sillón contra un fondo liso. Como la primera sesión durará entre media hora y
una hora, ten en cuenta la comodidad de tu modelo. Asegúrese de que él o ella pueda
usar la misma ropa para sesiones posteriores.

Las figuras adultas, tanto masculinas como femeninas, tienen ciertas proporciones básicas que
es útil conocer.

Primero, el cuerpo es siete veces el tamaño de la cabeza. Debido a que somos más conscientes de
la cabeza de una persona que de cualquier otra parte de su cuerpo, tendemos a dibujarla más
grande de lo que es. Consulta aquí sus medidas.

En segundo lugar, como puede ver en los dibujos esquemáticos, el cuerpo se puede dividir en siete
secciones que tienen la misma longitud que la cabeza seccionándola a lo largo de los pezones, el
ombligo, la entrepierna, la mitad del muslo, las rodillas y la mitad. -becerro.

En tercer lugar, la medida desde el hombro hasta la cadera, desde la cadera hasta la rodilla y desde
la rodilla hasta el pie son aproximadamente del mismo tamaño.
Dibujo esquemático de las proporciones de una figura femenina.

Sin embargo, estas pautas no se aplican a bebés y niños, donde la cabeza es mucho más
grande en relación con sus cuerpos.

A lo largo de este libro, le pido que mire cómo son las formas desde un único punto de
vista y que trate de quitarse de la mente los conceptos de cómo se ven los objetos en tres
dimensiones. Cuando se trata de la figura humana, esto suele ser lo más difícil de hacer y
los estudiantes suelen caer en la trampa de hacer cabezas demasiado grandes y piernas
demasiado cortas. Un conocimiento básico de las proporciones del cuerpo humano puede
ayudar a superar estos prejuicios.

INCLINAR

Al dibujar la figura humana, comience por mirarla como un todo en lugar de como partes
individuales.
Dibujo esquemático de las proporciones de un niño de tres años.
Dibujo esquemático de las proporciones de un niño de un año.

UNA FIGURA SENTADA

Una vez que esté seguro de que su modelo está cómodo, póngase cómodo
también, a cierta distancia de él o ella.

Si quieres que el dibujo ocupe todo el papel, mide cuántos largos de lápiz tiene la
figura y compárala con el tamaño del papel. Si el tamaño de la figura es
demasiado pequeño, acérquese al modelo. Si es demasiado grande para el papel,
aléjese más.

Comience como lo ha estado haciendo hasta ahora: trace el tamaño total, luego las formas
y los ángulos principales de la cabeza, los hombros, los brazos, el torso y las piernas, así
como el entorno inmediato de una mesa, una silla, etc.
PASO 1

Es importante abordar el dibujo de una figura exactamente de la misma manera que los
objetos con los que ya ha practicado. Mida y trace la estructura general y la dirección
principal de los brazos, las piernas y la cabeza.

Es importante que no entre en ningún detalle demasiado rápido, especialmente en la

cara. En esta etapa, lo que debe observar es la interrelación de las formas y el tamaño
relativo.

Cuando vea áreas complicadas como la cara, las manos y los pies, siempre dibuje primero la forma
básica más grande. No se preocupe por las formas más pequeñas dentro de él hasta más tarde.

Ahora mire los pasos que se muestran aquí para ver cómo avanzar. Como este dibujo
requerirá varias sesiones, asegúrese de tomar nota de la posición de cualquier
mueble que haya incluido para que pueda recrear la situación la próxima vez que su
modelo esté con usted.

INCLINAR

Antes de comenzar a dibujar, asegúrese de estar cómodo y de que

puede ver los objetos y su dibujo sin girar demasiado o mover la
cabeza.
PASO 2

Una vez que las formas principales estén en su lugar, busque de dónde proviene la luz y
coloque el tono medio.
PASO 3

Entrecierre los ojos y busque las principales áreas claras y oscuras y comience a
colocarlas. En esta etapa solo observe el tamaño, la forma y la estructura de la cara.
Es importante no ver las manos y la cara como algo más especial que el resto del
dibujo.

INCLINAR

Después de que haya comenzado a poner tono, mire la figura completa y luego vuelva a mirar
su dibujo dos o tres veces, comparando lo que tiene en el papel con la realidad de su modelo.
PASO 4

Desarrollar el tono, teniendo en cuenta el entorno inmediato. Preste especial atención

a los reflejos, como los del cuenco y los brazos en el brillo de la mesa.

PASO 5

Continúe desarrollando el dibujo trabajándolo en toda la superficie. No dibuje ninguna

parte con mayor detalle que cualquier otra parte.
PASO 6

Continúe desarrollando el dibujo, trabajando en él como un todo. No entre en

demasiados detalles en ninguna de sus partes. Verifique constantemente que las
relaciones de tamaño sean correctas, que la figura parezca tener peso, que la posición
sentada sea convincente y que la luz provenga de una dirección constante.
PASO 7

Debido a que este es un dibujo de una figura en un interior, no lo he convertido en un

retrato y he dejado la cara, las manos y los pies en el mismo escenario que el resto del
cuadro para darle unidad.
 SECCIÓN 5

Perspectiva

Las reglas de la perspectiva proporcionan una forma de dar la apariencia de tres

dimensiones a un dibujo de dos dimensiones. Una comprensión básica de los puntos clave
de la perspectiva mejorará en gran medida su capacidad para dibujar. Podrás dar al
espectador la impresión de que algunos elementos de la imagen están más cerca
mientras que otros retroceden en la distancia, creando así una ilusión de realidad.

Aunque las reglas que gobiernan la perspectiva se remontan a los antiguos

griegos, no fue hasta el Renacimiento que artistas como Brunelleschi y Leonardo
da Vinci las usaron de manera común.

Inicialmente, no es necesario que aprenda las teorías más complicadas que se encuentran
detrás de la perspectiva. Sin embargo, debe saber que se basan en cómo se ven las cosas
para un individuo en un punto fijo. Por lo tanto, no son solo teorías: se trata directamente de
usted, como artista, que representa una escena de tal manera que también será reconocida
por el espectador que se encuentra frente a su trabajo.
En este dibujo esquemático tomado del fresco de Leonardo da Vinci La Última Cena
(1495-1497) en el Convento de Santa Maria delle Grazie, Milán, he puesto la línea del
horizonte y extendido las líneas de perspectiva en la habitación para mostrar cómo
convergen en el punto focal - la cabeza de Cristo.

Principios básicos

Primero, la línea del horizonte es la línea imaginaria que marca donde la tierra parece
encontrarse con el cielo o, en un interior, donde la tierra se encontraría con el cielo si las
paredes no estuvieran allí. La línea del horizonte está siempre a la altura de los ojos del
espectador, sin importar si está de pie, sentado o acostado.

En segundo lugar, los objetos parecen más pequeños cuanto más lejos están de nosotros. Si
estamos en un paisaje muy llano y podemos ver el horizonte, se harán tan pequeños que
desaparecerán a medida que se acerquen a la línea del horizonte. Cuando usamos la
perspectiva, estamos dando a los objetos la apariencia de que están dentro de la imagen en
lugar de estar sobre la superficie del papel.

Hay tres tipos de perspectiva que normalmente se utilizan en el dibujo. Estas se conocen
como perspectiva de un punto, dos puntos y tres puntos.
La línea del horizonte es la línea donde la tierra parece encontrarse con el cielo. Siempre
está a la altura de sus ojos, ya sea que esté de pie, sentado o acostado.
Los objetos parecen disminuir de tamaño cuanto más se alejan de nosotros. En esta ilustración, la
misma figura se muestra cada vez más pequeña a medida que se acerca a la línea del horizonte.
Tenga en cuenta que, debido a que la figura utilizada está al mismo nivel que el observador, los ojos
siempre están al nivel de la línea del horizonte.

PERSPECTIVA DE UN PUNTO

La perspectiva de un punto se usa para aquellos objetos que están paralelos (planos) a
usted. Los planos laterales de estos objetos convergen en un punto fijo en el centro de su
visión y en la línea del horizonte. Este punto se conoce como el punto focal.

Los lados de los objetos que están por encima de la línea del horizonte (al nivel de los ojos) se mueven hacia
abajo hacia un punto focal y los lados de los objetos que están por debajo del horizonte se mueven hacia
arriba hacia el punto focal.
En este ejemplo de perspectiva de un punto, los planos laterales de los bloques se estrechan
a medida que se alejan del espectador. El ángulo es tal que si estos planos se extendieran
hasta el horizonte, las líneas superior e inferior se encontrarían en la línea del horizonte.

EJERCICIO 1:

Perspectiva de un punto

Incluso con arreglos bastante complejos, donde los objetos están de frente, todos
convergen en un solo punto focal, que está en el centro de su visión en la línea del
horizonte.

Prueba esto por ti mismo. Dibuja un paisaje imaginario usando formas planas (cuadrados
o rectángulos) como en el ejemplo de abajo. Luego dibuje las líneas que convergen en el
punto focal como en esta imagen. No coloque ningún objeto sobre el punto focal, ya que
no podrá ver sus lados, ya que convergerán detrás de la forma plana.
INCLINAR

Los principios de la perspectiva funcionan desde un solo punto de vista. Si te mueves,

cambiarás la línea del horizonte, el punto focal y los puntos de fuga.

PERSPECTIVA DE DOS PUNTOS

La perspectiva de dos puntos se refiere a aquellos objetos que tienen una esquina en lugar
de un lado hacia ti. Los lados de estos objetos parecen converger en dos puntos, conocidos
como puntos de fuga. Los objetos en diferentes ángulos convergerán en diferentes puntos
de fuga. Los puntos de fuga están en un ángulo de 90 grados con respecto a ti.
EJERCICIO 2

Perspectiva de dos puntos

En la perspectiva de dos puntos, los lados de los objetos que tienen sus esquinas hacia ti
parecen converger en dos puntos de la línea del horizonte. Estos dos puntos se conocen
como puntos de fuga y están aproximadamente a 90 grados del espectador. A menudo
están fuera de los límites de su imagen. En este ejemplo, el punto focal está detrás del
primer bloque y solo puede imaginarse.

Al igual que con la perspectiva de un punto, pruebe con un paisaje imaginario con, esta vez, las esquinas
de los objetos hacia usted, como se muestra aquí.

Objetos que se alejan

Al dibujar objetos como vías de tren, vallas, árboles, suelos de baldosas (de hecho, cualquier línea
de objetos espaciados uniformemente), es útil saber cómo retroceden los objetos en perspectiva.

No se preocupe si encuentra esto demasiado desalentador; puede volver a él más tarde cuando
lo necesite.
PASO 1

Dibuja en la línea horizontal y luego, en el centro de esta, marca tu punto focal. Marca los dos
puntos de fuga. Luego, dibuja una línea vertical hacia abajo desde tu punto focal. En cualquier
lugar a lo largo de esta línea, dibuje una línea paralela a la línea horizontal. Puede tener
cualquier longitud siempre que se extienda por igual a ambos lados de la línea central. Llame
a esta línea AB. Luego dibuja líneas desde A y B hasta cada punto de fuga y el punto focal.
Donde las líneas hacia los puntos de fuga se cruzan con las líneas hacia el punto focal, dibuje
una nueva línea, CD. Esta construcción le dará un plano cuadrado, o mosaico, en perspectiva.
PASO 2

En el Paso 2, he creado una nueva línea en perspectiva: EF. Puede continuar haciendo esto para
crear una serie de líneas que representen una serie de diferentes elementos de retroceso:
árboles, por ejemplo, tejas, cercas o vigas del techo.
Traducido del afrikáans al español - www.onlinedoctranslator.com

PASO TRES

Al continuar dibujando más líneas de construcción sobre la misma base que en los Pasos 1 y 2,
he construido la cuadrícula básica que se usa cuando los objetos se alejan en la distancia.
En este ejemplo, he usado la misma construcción para dibujar vías de tren en
retroceso en perspectiva.
Este ejemplo usa la misma cuadrícula para representar mosaicos que se alejan en la distancia.
En este último ejemplo, puede ver cómo se puede usar la misma construcción para objetos que se encuentran
por encima de la línea del horizonte, como vigas, y para objetos como los tablones a la izquierda de la imagen
que van tanto por encima como por debajo de la línea del horizonte.

PERSPECTIVA DE TRES PUNTOS

La perspectiva de tres puntos, o perspectiva aérea, se utiliza cuando se mira un objeto

desde abajo. Aquí hay un punto focal adicional. La perspectiva de tres puntos a menudo
se emplea en los cómics, pero también la necesita si está mirando hacia abajo desde una
torre u otro lugar alto.
El punto focal siempre está en el centro de su visión en la línea del horizonte. Pero, si
mueve la cabeza para mirar un objeto desde arriba, se crea un segundo punto focal, FP2.
Este es también el centro de su visión pero por debajo de FP1.

Usando la perspectiva en tu dibujo

Si bien reconoce que existen algunas reglas básicas para la perspectiva, también verá, sin
duda, que cualquier escena o colección de objetos en particular probablemente incluirá
objetos en diferentes ángulos con respecto a usted. Si intentara usar la perspectiva de dos
puntos en todos estos, implicaría tener dos puntos de fuga diferentes cada vez que el ángulo
de un objeto cambia en relación con usted. Aquí es donde las reglas simples con las que
comencé se vuelven cada vez más complicadas, por lo que te sugiero que tengas en cuenta
dos ideas básicas: el uso del punto focal para objetos paralelos a ti y el uso de puntos de fuga
para objetos que tienen una esquina. frente a usted. Utilice el método de evaluar los ángulos
de los lados de los objetos con el lápiz, como se describe anteriormente en el libro.

NO OLVIDES DE…

• Mantenga el brazo extendido al medir.

• Vuelva a verificar una medida antes de usarla como base para otra.
EJEMPLO 1

Un taburete en perspectiva

Tome un objeto simple como este taburete y dibújelo como ha hecho con todos los
otros dibujos en este libro, midiendo y trazando un dibujo del tamaño de una vista.

Para obtener los ángulos correctos, use su lápiz para alinear con cada ángulo y luego
transfiera el ángulo a la imagen como lo ha hecho antes. Verá que se aplican los puntos
relacionados con la perspectiva, pero es mucho más complejo cuando está dibujando un
objeto real.

EJEMPLO 2:

Un taburete en perspectiva

Este dibujo es del mismo taburete, pero dibujado mirando hacia abajo. Aunque sus
lados van a puntos de fuga como hemos comentado, notarás que las líneas de sus patas
también convergen. Cuando el objeto se mira desde arriba, entra en juego la
perspectiva de tres puntos.
En este dibujo de un taburete, porque lo estoy mirando, hay una perspectiva de tres
puntos.

ESCENA CALLEJERA

Ahora es el momento de poner en práctica lo que has aprendido sobre la perspectiva

saliendo y probando una escena callejera. Debido a que los lados de los edificios
convergen o se mueven en lo que a veces pueden parecer ángulos extraños, es importante
verificar los ángulos de cualquier pared que no sea paralela a usted. Use el método ya
descrito de mover el lápiz en línea con el ángulo, ver cuál es el ángulo y transferirlo al
papel.
Esta fotografía muestra una escena callejera bastante complicada. Los edificios son de diferentes
formas y tamaños; la calle está en una pequeña colina; y tiene una suave curva. Tenga en cuenta que
debido a que estaba sentado en un taburete en la cima de la colina, la línea del horizonte está bastante
baja. Debido a todos estos factores, es difícil tratar de trazar los puntos de fuga. Lo mejor es recordar los
principios generales sobre las líneas por debajo y por encima del horizonte que se mueven hacia arriba
y hacia abajo, respectivamente, hasta la línea del horizonte.

INCLINAR

Si bien creo que las farolas y otros elementos del mobiliario urbano generalmente deben
representarse en su dibujo, depende de usted si incluye objetos móviles como
automóviles.
PASO 1

Debido a que la composición no es el objetivo de este ejercicio, solo elija un grupo de

edificios cuyo interés principal sea que tengan cierta perspectiva. Deben tener paredes
orientadas hacia ti y también alejadas de ti.

Decide dónde está el nivel de tus ojos, ya que será donde estará la línea del
horizonte. Poner en la línea del horizonte le proporcionará una guía útil.

Luego, mida y trace en las formas básicas. Es de vital importancia que los ángulos de los
techos sean correctos, así que usa tu lápiz para encontrar el ángulo: estira el brazo, coloca
el lápiz en línea con el techo y mantenlo en ese ángulo mientras lo mueves hacia el papel.
Puede que le resulte más fácil tener dos lápices para que pueda usar el segundo para
dibujar la línea del ángulo del techo sin mover el primer lápiz del papel.

NO OLVIDES DE…

• Siéntese cómodamente y mantenga la misma posición durante todo el dibujo.

• Mantenga el brazo extendido al medir.

• Vuelva a verificar una medida antes de usarla como base para otra.

INCLINAR

Cuando trabaje en un dibujo durante varios días, una forma segura de verificar que su
perspectiva es la misma que antes es rastrear rápidamente algunas construcciones clave.
líneas y sosténgalas contra el edificio. Cuando sus líneas de construcción se correspondan con
las del edificio, entonces sabrá que está parado en el lugar correcto. Obviamente, el
documento debe ser transparente para que esto funcione; el acetato es ideal.
PASO 2

Una vez que haya trazado las formas básicas, decida de dónde viene la luz y
coloque las luces y sombras básicas (tono) como lo ha hecho en sus dibujos
anteriores.
PASO 3

Continúe trabajando en la imagen completa, agregando más detalles y variaciones de

tono. No olvides seguir revisando tus medidas y ángulos continuamente para asegurarte
de que tus proporciones sean correctas en todo momento.
PASO 4

Cuando su dibujo esté terminado es una cuestión de elección. Tienes que decidir lo
que estás tratando de dejar. ¿Solo quieres una impresión de la escena o quieres una
imagen con muchos más detalles? Debes trabajar sobre todo el dibujo a medida que
avanzas. Además de que este es el mejor método para abordar el dibujo, también
debería poder juzgar más fácilmente cuando esté terminado. Siempre es más difícil
hacer esto si entras en más detalles en algunas partes del dibujo que en otras.
 SECCIÓN 6

escorzo

Otro tema muy relacionado con la perspectiva es lo que se denomina escorzo. Las reglas de
la perspectiva también se aplican aquí, pero el escorzo se piensa principalmente
de en relación con figuras, tanto humanas como animales, más que con
edificios o paisajes. Se utiliza para dar la impresión de que partes del cuerpo son
avanzando hacia el espectador o retrocediendo en el plano de la imagen.

El escorzo ocurre cuando un objeto, generalmente una figura, tiene algunas partes muy cerca de
ti y otras partes que están más alejadas. Hace que los torsos, los brazos o las piernas, por
ejemplo, se vean mucho más cortos de lo que crees que son en tres dimensiones. Esto crea el
mismo tipo de problema visual que la perspectiva, donde el tamaño de los objetos se ve afectado
por la distancia que los separa de ti.

Por ejemplo, si le pides a un amigo que estire su brazo y sostenga su mano muy cerca
de tu cara, verás cuán grande se vuelve la mano en relación con la cabeza de tu
amigo y cuán corto se vuelve el brazo cuando apunta directamente hacia ti. . Este
acortamiento del brazo es lo que se denomina “en escorzo”.
Este detalle, extraído de la Cena de Emaús de Caravaggio (c. 1601), muestra los brazos
extendidos de Santiago y el uso del escorzo para introducirte en la imagen y también dar la
sensación de que los objetos salen del plano de la imagen. Tenga en cuenta lo cortos que son
los brazos en dos dimensiones en comparación con lo que sabemos que son en un mundo
tridimensional.

Este escorzo puede ayudar a crear la sensación de tres dimensiones. En el pasado,

muchos artistas han utilizado el escorzo para introducirte en la imagen o, en
algunos casos, hacerte sentir que una persona u objeto sale del plano de la imagen
hacia ti.
Aquí se muestra un dibujo esquemático tomado de La batalla de San
Romano de Paolo Uccello (c. 1456), ahora en la Galería de los Uffizi en
Florencia. Uccello hizo una serie de pinturas de esta batalla, todas las cuales
utilizan en gran medida los principios de la perspectiva y el escorzo. Al mirar
la figura central de un caballo, puede ver cómo una vista lateral muestra la
longitud del cuerpo y las patas del caballo. Si te fijas ahora en los otros
caballos verás como están más o menos escorzados. Los caballos a la
izquierda de la imagen tienen cuerpos en escorzo porque se ven en una vista
de tres cuartos desde el frente, mientras que los caballos a la derecha de la
imagen están en escorzo desde la vista trasera. El caballo caído en el centro
del primer plano tiene las piernas en escorzo,

Si miras imágenes en las que personas o animales están postrados, tal vez en una playa
o, a menudo, en imágenes de batallas, como La batalla de San Romano de Paolo
Uccello, los cuerpos a menudo están en escorzo para que entres en la imagen.

De hecho, el escorzo afecta a la mayor parte de lo que vemos desde un único punto
de vista. Cuando miramos los jarrones y las botellas al comienzo de este libro, vimos
cómo lo que sabemos que son círculos en el mundo tridimensional son, desde un
punto de vista bidimensional, elipses. El círculo en este caso ha sido acortado.
Cualquier cosa en perspectiva que se aleja de nosotros hacia la imagen se acorta
hacia los puntos focales o de fuga.

La dificultad que tenemos con respecto al escorzo es la confusión entre lo que

sabemos que es la longitud real (tridimensional) de, digamos, un brazo y el tamaño
que aparece cuando se acorta.
En este dibujo de un osito de peluche solo las piernas están escorzadas. El cuerpo del osito está erguido,
mientras que sus piernas avanzan en el plano del cuadro.

INCLINAR

Cuando una figura está en escorzo, trata de olvidar lo que sabes de la forma
y concéntrate en dibujar las formas que ves.
Este dibujo muestra todo el cuerpo en escorzo. La parte inferior del hocico del osito,
las plantas de los pies y la protuberancia de la barriga ayudan a crear la impresión de
que está acostado.

DIFERENTES PUNTOS DE VISTA

Como puedes ver en estos dibujos del mismo modelo de barco desde diferentes
puntos de vista, las velas y el casco han tomado formas muy diferentes. Algunos de
ellos son más escorzados que otros.

Es mediante el uso del método de medición descrito en este libro (observar las
formas frente a usted, medirlas con la mayor precisión posible y tratar de
olvidar inicialmente cómo cree que se verían en tres dimensiones) que podrá
maneje el escorzo y simplemente vea lo que hay allí como formas, como ha
hecho con todo lo demás en este libro.
Esta vista trasera del barco muestra claramente cómo mirar un objeto desde un punto de vista
particular puede alterar considerablemente nuestra idea general de sus formas y proporciones
relativas. La forma del casco puede volverse bastante complicada.
La vista lateral del barco es con la que nos relacionamos más fácilmente en dos dimensiones
porque los tamaños relativos de las partes están más cerca de lo que sabemos que son en tres
dimensiones.
En esta vista de tres cuartos el barco no parece tan distorsionado como en el
dibujo de la vista trasera; el escorzo no es tan agudo.

Para que puedas ver más claramente las formas de las velas y el casco del modelo de
barco, he simplificado los tres bocetos de las páginas anteriores.
modelo de barco vista lateral
modelo de barco vista de tres cuartos
modelo de barco vista trasera
He tomado otro ángulo más para una imagen final, en algún lugar entre una vista lateral
y una vista de tres cuartos y desde una posición ligeramente más alta.
 SECCIÓN 7

Composición

Para tomar conciencia de lo que hace una buena composición, es útil conocer las teorías
que los artistas han utilizado durante siglos. Esencialmente, sin embargo, la composición se
ocupa de la disposición de los objetos en una imagen, y el objetivo es hacer que la imagen
sea interesante de ver, con una unidad y un equilibrio agradables. Al usar la composición
cuidadosamente, puede dirigir la mirada del espectador alrededor de la imagen.
En su búsqueda de la belleza y la armonía, los pintores del Renacimiento utilizaron estructuras
geométricas elaboradas como base subyacente de muchas de sus pinturas. Sin embargo, no
es necesario que comprenda todo esto antes de poder comenzar a hacer dibujos, y las
sencillas reglas que se dan en este capítulo le permitirán comprender las teorías básicas de
composición sin ningún problema.

La composición es básicamente la disposición de las formas, líneas, colores, formas y

tonos que componen una imagen. Probablemente sepas más de lo que crees, porque
cuando decides cómo colocar los objetos en tu escritorio o los muebles de tu habitación lo
haces de manera que logres tus propias ideas particulares de belleza o armonía. Por
ejemplo, si coloca sus objetos en forma de regimiento, puede estar buscando una
sensación de orden y equilibrio. Si permite que sean un poco más aleatorios, puede haber
una sensación de movimiento en su arreglo.
Traducido del afrikáans al español - www.onlinedoctranslator.com
En este dibujo esquemático de La lección de baile de Edgar Degas, dibujé dos líneas que se
intersectan en la proporción áurea, una teoría compositiva que los artistas han utilizado desde
la época de los antiguos griegos. Tenga en cuenta cómo las alineaciones principales de la
imagen se relacionan con la ubicación de la intersección.

El objetivo principal de una buena composición es llevar a los espectadores a tu imagen y

mantener su interés. Esto se puede hacer creando ritmos o direcciones para guiar al ojo a
través de la disposición de los objetos, los espacios y el contraste tonal en la imagen.

Una de las mejores maneras de comenzar a aprender sobre composición es estudiar las
grandes pinturas del pasado. Ver si puede detectar cómo está siendo guiado visualmente
dentro y alrededor de la imagen puede ser tanto informativo como divertido.

la media dorada

Los pitagóricos (c. 600-500 a. C.) conocían la teoría de la Proporción áurea,

o Sección áurea. Creían que también había sido utilizado por los egipcios.
Platón (c. 428 - c. 347 a. C.) habla de él y se usó en la arquitectura griega
clásica.

El concepto fue formulado nuevamente por el arquitecto y erudito romano Vitruvio en su

tratado De Architectura, escrito en el siglo I a. En el siglo XIII, el matemático italiano
Fibonacci publicó una progresión numérica correspondiente a la media áurea y descubrió
que estas relaciones numéricas se repiten en toda la naturaleza, desde las espirales en
una concha hasta las escamas en un cono de abeto. Los artistas del Renacimiento,
inspirándose en las teorías grecorromanas de la proporción, con frecuencia basaron su
composición en la Proporción Áurea.

La teoría de la Proporción Áurea establece que existe una relación armoniosa

entre partes desiguales de un todo si la proporción de la parte menor a la mayor es igual a la
proporción de la parte mayor al todo. Esto se puede expresar como 0.618 es a 1 como 1 es a
1.618. Esto puede parecer un poco complicado pero, de hecho, la mayoría de la gente
encuentra esta proporción estéticamente agradable y los artistas a menudo la usan
inconscientemente.
Las siguientes ilustraciones muestran variaciones de las proporciones de la Proporción Áurea
en un rectángulo. Muestran cómo se traduce la teoría anterior cuando se aplica en dos
dimensiones.
En este ejemplo, el rectángulo se divide en planos de modo que el cuadrado GHDF está
en la misma proporción con el cuadrado EFBC que EFBC con todo el rectángulo ABCD.
En este ejemplo, las líneas GJ y EF se cruzan en el punto de la media áurea de las
dos líneas.
En este ejemplo, las cuatro líneas BI, CH, JE y KF se cruzan en el punto de la media áurea.
Muchos de los artistas del Renacimiento usaron esto como un dispositivo de composición.
En este ejemplo, después de dividir el rectángulo en dos conjuntos de proporciones de media
áurea basadas en los dos rectángulos AEDF y ABCD, puede ver cómo se forma la espiral
asociada con formas naturales como las conchas marinas.
Aquí está el plano de la imagen dividido en tercios horizontal y verticalmente. Muchos
artistas usan esto como una alternativa a la Proporción Dorada como base para sus
composiciones. Las intersecciones de un cuadro dividido en tercios son los puntos focales
de muchas pinturas conocidas.

DIVISIÓN EN TERCIOS

Otra idea, probablemente derivada del Promedio Áureo, es la de dividir el plano del cuadro
en tercios iguales. Muchos artistas encuentran que esta división también crea intersecciones
dinámicas hacia las cuales los ojos tienden a moverse y que la mente encuentra agradable.

Los seres humanos pronto encuentran aburrida la simetría. Preferimos un equilibrio dinámico en
lugar del equilibrio de pesos iguales; por ejemplo, el equilibrio de dos árboles más pequeños
contra uno más grande, en lugar del equilibrio de dos árboles del mismo tamaño.

La tradición oriental de equilibrar el vacío con la plenitud que influyó en muchos pintores
europeos a finales del siglo XIX amplió nuestras ideas sobre la buena composición. También lo
hizo el advenimiento de la fotografía aproximadamente al mismo tiempo, ya que introdujo
arreglos inusuales, como mostrar solo una parte de una persona en el borde de la imagen. Las
nociones de composición se alejaron de la estricta tradición clásica y adoptaron nuevas formas
de captar la atención y el interés.
En La balsa de la Medusa (1819, Louvre, París), Théodore Géricault representó la tragedia
real de una balsa de supervivientes de un naufragio, tratando de llamar la atención. En el
primer dibujo de la imagen, lo he dividido en tercios para mostrar qué parte de la actividad
principal ocurre en estas líneas divisorias.
En el segundo dibujo he puesto las principales áreas tonales de la imagen. Puedes ver
cómo el contraste entre las áreas claras y oscuras le da movimiento y dramatismo a la
pintura.
En el tercer dibujo he mostrado los principales movimientos dentro de la imagen. Algunos
están ahí por la estructura de las formas, otros por el uso de tonos claros y oscuros.
Observe cómo el movimiento tiende a sacarlo de la imagen, un movimiento que es
contrarrestado por líneas fuertes que lo devuelven nuevamente.
En mi primer dibujo de La bañista de Valpinçon de Jean-Auguste-Dominique Ingres
(1808, Louvre, París), he vuelto a dividir el cuadro en tercios. Los principales ejes vertical
y horizontal del cuadro, la espalda del modelo y la cama, se encuentran en dos de estas
líneas divisorias.
El segundo dibujo muestra las principales áreas tonales y el tercero el movimiento
principal de cómo mi ojo se desplaza por la imagen. El foco principal de la imagen parece
ser el hombro izquierdo, que no solo es la parte más clara de la imagen, sino que
también, por la forma en que gira el hombro, devuelve la mirada a la imagen cuando
otros movimientos la están sacando.
Mi tercer ejemplo es El astrónomo de Jan Vermeer (1668, Louvre, París). Nuevamente, en el
dibujo de la imagen dividida en tercios, puede ver que el mayor movimiento vertical está en
una de estas líneas divisorias y que, mientras uno de los principales movimientos
horizontales está en la línea central, el siguiente está en una de las líneas. terceras
divisiones.
En el dibujo tonal, puede ver que la interacción de la luz y la oscuridad es un elemento
importante en esta imagen y, como se muestra en el tercer dibujo, contribuye de manera
importante a la forma en que el ojo se mueve por la imagen.

Decidir sobre su composición

Lo primero que necesitas cuando buscas una buena composición es un visor,

particularmente en un sujeto de paisaje; ser capaz de aislar una vista del resto del
entorno es de vital importancia si desea obtener la composición correcta sin tener
que realizar muchas pruebas.

En la página 28 discutimos un cuadrado o rectángulo simple hecho con un pedazo de tarjeta o

incluso con los dedos. Sin embargo, puede hacer fácilmente una versión más sofisticada con
algodón o una cuerda delgada fijada en una cuadrícula de cuadrados para ayudar a obtener las
proporciones correctas. Esto proporcionará una buena guía para consultar cuando no esté seguro
de dónde colocar un objeto en su papel.
Un visor que ha sido 'ensartado' puede actuar tanto como una guía para la composición
como para el tamaño y ubicación de los objetos en la imagen. También puede ayudarte
a comprobar tus medidas y ángulos. De hecho, en el pasado se utilizaba un sistema
como este en lugar de medir con el lápiz.

CONSEJOS DE COMPOSICIÓN

• Si un objeto es de particular interés para usted, normalmente es mejor no colocarlo en el centro

de la imagen, ya que puede volverse aburrido rápidamente. Es mejor dejar que el ojo del
espectador se mueva alrededor de la imagen y se encuentre con este objeto una y otra vez en
lugar de que permanezca como un punto focal estático en el centro.

• Piense en la mejor manera de enmarcar lo que le interesa. Por ejemplo, si hay árboles,
cortinas u objetos que podrían enmarcar su área de interés, estos podrían usarse para guiar
a los espectadores hacia la imagen.
Mientras que un objeto como este árbol puede hacer una imagen fuerte si se coloca en el
centro de la imagen
Si se coloca a un lado y se mueve más hacia atrás, la imagen adquiere una calidad más
espacial y los ángulos de las ramas hacen que el ojo se mueva más alrededor de la superficie
de la imagen.

• Las líneas diagonales en una imagen generalmente crean movimiento, energía e interés.

• Si bien no tiene que ceñirse estrictamente a ellos, no ignore del todo las teorías
sobre la división de una imagen en tercios, o en la media áurea. Estos puntos de
intersección tienen una energía que puede darle una carga a su imagen.

Usa estructuras horizontales y simétricas si estás tratando de lograr el equilibrio y la

calma en una imagen.
El visor se ha dividido en seis cuerdas horizontales y seis verticales. Esto puede
ayudarlo a verificar las proporciones y relaciones dentro de su dibujo. Encadenar el
visor de esta manera también puede ser útil al decidir sobre su composición,
especialmente si desea utilizar la división de la imagen en tercios. Note también
cómo la línea diagonal del mástil le da ese toque extra de movimiento en contraste
con las líneas rectas dentro de la imagen.
Al situar la línea del horizonte en el tercio inferior del cuadro el cielo adquiere más
protagonismo. Esto es útil si la formación de nubes es uno de los aspectos principales de la
imagen.

• La asimetría tiene más energía y dinamismo que la simetría.

• Los objetos que te atraen en particular pueden ser interesantes por su relación con
otros objetos o espacios que no has notado conscientemente. Tenga cuidado de no
perderse aquellas cosas que le dan a una escena su calidad particular.

• Al final es su propio juicio, observación, experiencia e intuición lo que

importa y estos mejoran con la práctica.

• No caiga en la trampa de decidir inmediatamente que ha encontrado la composición adecuada.

A menudo vale la pena hacer algunos bocetos simples primero para ver cuál prefiere.
 SECCIÓN 8

Paisaje

Si bien las fotografías pueden ser útiles como recordatorios de cómo era una
escena, al principio es importante dibujar frente al sujeto, de modo que pueda tener
la sensación del paisaje: la luz, su extensión, los sonidos, ya sea hace viento
o soleado. Estos elementos pueden no tener un efecto directo en las formas que está
viendo, pero te ayudarán a decidir qué aspecto quieres dibujar.

Cuando estudia un paisaje terrestre o marino con miras a dibujarlo, su primera

consideración es decidir la composición general de su imagen. Esto se puede hacer usando
un visor (consulte las páginas 110–113). El elemento más importante para posicionar es la
línea del horizonte, incluso si no puede verla debido a que hay objetos como árboles,
edificios o montañas en el camino. Recuerda que la línea del horizonte siempre está a la
altura de la línea de tus ojos y directamente frente a ti, y que en el medio de esta línea está
el punto focal.
Girasoles, Francia. La mayoría de los dibujos de paisajes son preparaciones o estudios para
pinturas. Por lo tanto, vale la pena señalar que, incluso en una acuarela como esta, todavía
hay mucho dibujo, primero con un lápiz, luego con un pincel y pintura. El mismo tipo de
medición y observación de las formas y proporciones aún debe continuar.

El efecto de los paisajes terrestres y marinos depende tanto de la luz y la atmósfera

como de las formas. Por lo tanto, la relación entre la tierra, el mar y el cielo es muy
importante.

Si la imagen trata sobre el efecto dramático de las nubes, por ejemplo, estas deben
desempeñar un papel predominante y, por lo tanto, se les debe dedicar una gran
proporción de la imagen. Por otro lado, es posible que desee que la imagen esté más
relacionada con montañas y valles, árboles, edificios o barcos. En este caso la proporción
de tierra a cielo debería ser mayor.

El segundo elemento principal en la imagen es la fuente de luz. Esto le dará las áreas
básicas de luz y oscuridad y proporcionará la clave para la atmósfera del dibujo, ya sea
que se trate del efecto dramático de una tormenta o que muestre las sombras fuertes
de la luz del sol.
EJERCICIO 1

paisaje de Kent

A menudo es difícil decidir cómo abordar un paisaje: cuánto poner y cuáles

deberían ser las proporciones de la imagen. Aquí es donde un visor es vital.

En esta escena, debido a la brillante luz del sol, hay contrastes muy fuertes.
Debe decidir si estos contrastes, como la sombra en el campo o el árbol que
sobresale, van a ser los elementos importantes de la imagen, o si desea
aprovechar más la sensación de espacio y distancia. Aquí es donde hacer
pequeños bocetos tonales puede ser muy útil.

Hice tres bocetos rápidos de las estructuras básicas y los tonos de las tres vistas
diferentes delineadas en blanco en la fotografía antes de elegir mi composición
para el dibujo terminado.
VER 1

En este boceto, el formato cuadrado le da a la imagen una calidad íntima y

concentra la vista en la distancia en el centro de la imagen.
Traducido del afrikáans al español - www.onlinedoctranslator.com
VER 2

Este boceto utiliza un formato de "paisaje", donde el ancho es mayor que la altura. He dirigido
la mirada hacia la imagen eliminando los árboles oscuros que sobresalen en la parte superior y
concentrándome en el movimiento y las formas que se suceden en la distancia.
VER 3

Este boceto abarca la mayor parte de la vista y tiene dos áreas tonales fuertes en la parte
superior e inferior de la imagen. Estos conducen al espectador a la imagen y dan una
indicación de su potencial espacial.

Mapeando tu paisaje

Una vez que haya decidido su composición y la división entre el cielo y la tierra o el
mar, debe trazar un mapa de las principales formas básicas que componen la imagen.
Probablemente serán grupos de árboles, edificios, montañas o nubes.

En la mayoría de los paisajes, las líneas principales serán líneas direccionales, tal vez mostrando la
forma de un grupo de árboles, edificios o colinas.

Gradualmente divida estos grupos dominantes en áreas más pequeñas y

continúe, si es necesario, con árboles o edificios individuales.

Dependiendo de la distancia a la que se encuentren los objetos de usted, podrá ver

sus elementos con más o menos claridad. Por ejemplo, las hojas de los árboles solo se
pueden ver individualmente si están muy cerca de ti. Más lejos, solo se pueden
distinguir grupos de hojas y, más lejos aún, solo la forma de todo el árbol. A una
distancia mayor, es posible que solo pueda elegir un grupo de árboles. No intentes
poner detalles que no sean visibles, ya sea en temas paisajísticos o arquitectónicos.
PASO 1

Después de decidirme por la vista 2 como la composición que quería, comencé el dibujo
principal. Primero, puse la línea del horizonte y las áreas principales que ya había
identificado en mi boceto. Luego comencé a medir y trazar las formas y ángulos de los
campos y árboles. Al observar las formas y formas dentro del paisaje, es importante,
como con todos los dibujos, concentrarse en las principales formas básicas y dividirlas
gradualmente en áreas manejables.
PASO 2

Habiendo establecido las formas básicas, ahora he pasado a las relaciones tonales
dentro de la imagen. Puede continuar dividiéndolos en unidades más pequeñas
hasta que haya alcanzado el detalle de tono que necesita.

la imagen fugaz

Hay una serie de factores que influirán en el resultado de su dibujo de paisaje:

cuánto tiempo tiene; qué es lo que le gusta de una escena en particular y
cuánto durará si se ve afectada por la luz del sol o el viento; para qué
pretendes que sea el dibujo.

La mayoría de los paisajes cambian continuamente, con el sol moviéndose y

cambiando las sombras, las nubes cruzando el cielo, la marea subiendo y bajando;
todo parecerá estar en constante flujo. Incluso si tiene suficiente tiempo para
dedicarlo a la ubicación, es posible que el paisaje no le dé tiempo para completar los
elementos que desea dibujar. Aquí es donde tomar una fotografía y hacer el dibujo
puede ser útil.
EJERCICIO 2

puerto francés

Cuando estaba sentado frente a este paisaje, lo que me atrajo fue el

aislamiento de la casa y las nubes de tormenta. Los barcos en primer plano
iban y venían, así que decidí ignorarlos y concentrarme en la atmósfera y la luz.
Al igual que con el paisaje de Kent en las páginas anteriores, observé tres
composiciones diferentes antes de decidir cuál continuar.
VER 1

Este boceto muestra las principales áreas tonales. El edificio ocupa una
proporción menor del cuadro, siendo aquí el cielo el elemento dominante.
VER 3

Aquí hice del edificio una parte más importante de la imagen y reduje el
área del cielo.
VER 2

El formato cuadrado de este dibujo le da más protagonismo al cielo. Usé un borrador

para obtener ciertos efectos en el cielo y el agua. Esto se logró cortando primero un
borrador en trozos pequeños y medianos y luego usando los bordes de estos para dibujar
líneas o áreas más claras en la imagen. Dependiendo de la cantidad de detalles que
desee, debe estar listo para detenerse antes de comenzar a sobrecargar la imagen.
Colocar edificios en paisajes tiende a ser difícil para los principiantes porque se enfocan
demasiado en los detalles de los edificios y excluyen los otros elementos de la imagen.
Por lo tanto, los edificios pueden volverse más prominentes en la imagen de lo que son
en la realidad. Recuerde siempre trabajar sobre toda la superficie de la imagen y llevar
gradualmente todo el dibujo por etapas.

Trabajando con tiempo limitado

Si no tienes mucho tiempo, probablemente solo puedas hacer un boceto del

tema y, por lo tanto, solo podrás anotar los elementos básicos.

Si está dibujando algunos árboles y está interesado en sus ramas y la forma en que
se retuercen y giran, en lugar de la atmósfera de un día y una hora en particular,
probablemente podrá volver otro día y entrar en más detalles. Esto también se
aplicará si está tratando de hacer un registro de un edificio en particular.

EJERCICIO 3

Árbol en Greenwich
PASO 1

Puede ser que no sea el paisaje en su conjunto lo que te atraiga. Podrían ser solo
las contorsiones visuales de las ramas de un árbol individual. Este fue mi caso con
un árbol en particular en Greenwich Park, Londres.
PASO 2

Debido a que mi interés en este árbol estaba en la relación entre las ramas, las
tomé como punto de partida. En lugar de elaborar una composición, comencé a
trazar y medir la estructura de inmediato.

INCLINAR

Sigue practicando. Lleve una hoja de papel y un lápiz a donde quiera que vaya y haga
un pequeño dibujo medido cuando pueda.

Los impresionistas volvían una y otra vez a sus lugares de pintura, siempre a la
misma hora del día para poder pintar con la misma calidad de luz y encontrar los
mismos colores y sombras.

Cuando el tiempo es limitado, es importante obtener las proporciones básicas correctas y

asegurarse de realizar la medición y el trazado inicial. Esto incluye asegurarse de que los
ángulos principales de los árboles sean correctos. Si la imagen tiene edificios, verifique su
perspectiva ya que, dibujada correctamente, dará una indicación del espacio en la imagen.

La capacidad de seleccionar las características más importantes de una escena es de vital

importancia cuando el tiempo es limitado. Tratamos este tema completamente en el capítulo
sobre bocetos, pero incluso en este punto le sugiero que se acostumbre a hacerse algunas
preguntas para aclarar su pensamiento sobre lo que está dibujando. Por ejemplo - ¿Es el
ambiente lo que me atrae? ¿Es la forma o las formas de un objeto en particular? ¿Es la
disposición de la luz y la oscuridad? ¿Son los ritmos de los árboles o edificios dentro del
paisaje?

Cuando tengas alguna idea de lo que te interesa, concéntrate en ese

aspecto particular de la escena en tu dibujo.
PASO 3

Después de dibujar las formas principales y la estructura de las ramas y el tronco,

pasé a los tonos, ya que la forma en que el sol caía sobre las ramas comenzó a
intrigarme. Decidí dejar el dibujo en esta etapa porque sentí que había dibujado lo
que primero me atraía. No sienta que todos los dibujos tienen que llevarse al mismo
tipo de acabado; basta con haber puesto algo que capte quizás una sensación visual
bastante pequeña.
 SECCIÓN 9

Dibujar

El término “bocetar” implica algo rápido e inacabado. Sin embargo, también puede significar
algo nuevo, fresco, espontáneo, creativo, que tenga energía y vida. En un boceto intentas
capturar los elementos esenciales de una escena en el menor tiempo posible.
como sea posible. En la mayoría de los casos, los bocetos se hacen en el acto, frente al
paisaje, interior, bodegón o maqueta.

Muchos de los mejores maestros, ya sean de Europa o del Este, han hecho dibujos utilizando
solo unas pocas líneas económicas. Sin embargo, estos dibujos tienen el poder y la energía
para tocarnos y cautivarnos. Algunos de los bocetos de Constable, por ejemplo, que tal vez le
tomaron solo 30 minutos, tienen una inmediatez que captura el estado de ánimo de un paisaje
con más fuerza que muchas pinturas en las que trabajó durante un largo período.
Este boceto se realizó en Venecia con un bolígrafo de tinta negra y dos marcadores mágicos:
gris claro y gris oscuro. Inicialmente se trazó y midió para obtener el tamaño y las
proporciones, y se prestó especial atención a la perspectiva de los edificios, ya que esto le da
profundidad a la imagen. Luego, con los rotuladores se pusieron las sombras que hacía la luz
del sol y, por último, las líneas principales y las zonas de tono oscuro.
Este boceto de Venecia siguió el mismo procedimiento que el primero,
prestando más atención a los reflejos en el canal.
Este dibujo también es del cuaderno de bocetos de Venecia. Vale la pena señalar que estos son
bocetos muy rápidos, y aunque algunas de las líneas verticales son un poco inestables, esto no
resta valor a su sensación general. De hecho, tiende a darles una cierta cantidad de energía.

Selección y simplificación

La esencia de un buen boceto es la selección y la simplificación. Como en muchos de

los ejercicios de este libro, el primer paso es seleccionar la vista con un visor o con las
manos. Una vez que tenga los límites del boceto, debe seleccionar las formas y líneas
más importantes contenidas dentro de esos límites. Tenga cuidado de jugar con áreas
pequeñas de su dibujo hasta que haya trazado estas formas principales.

La clave para un buen boceto es saber qué omitir en lugar de qué incluir. Es útil
entrecerrar los ojos para eliminar algunas de las características menos importantes de la
imagen, especialmente si está haciendo un paisaje o un paisaje urbano.

Lo importante es la dirección de la fuente de luz. Es esto lo que a menudo crea los

efectos de la atmósfera, ya sea dramática o tranquila, dentro de una imagen. No solo
mire los objetos en su imagen, sino también las áreas claras y oscuras, y cómo caen
las sombras.

También es importante que recuerde trabajar sobre la totalidad de la imagen y no

quedarse atado con una parte. Debe mantener toda el área de su boceto en una etapa
similar para poder juzgar cuándo ha hecho lo suficiente para dar esa primera
impresión tan importante de la vista.
Aunque de la misma serie de Venecia, hay poca perspectiva en este dibujo porque
los edificios en el Gran Canal eran planos, para mí. Lo que me interesó fue la
variedad de formas y proporciones de las ventanas y las diferencias de tamaño y
escala de los edificios.

Luz que viaja

Cuando salgo trato de llevar lo menos posible conmigo. Primero decido si tomar un
taburete de dibujo portátil. Esto depende de si creo que el lugar al que voy tiene
muchos lugares para sentarse, como escalones o bancos. Si no te gusta que la gente
se acerque detrás de ti y mire tu dibujo, un taburete de dibujo es esencial para que
puedas sentarte con la espalda contra una pared o un árbol.

Tengo dos tamaños de cuaderno de bocetos: 20 x 20 cm (8 x 8 pulgadas) y 25 x 25 cm (10 x 10 pulgadas).

No existe una regla estricta y rápida sobre el tamaño; usa lo que te resulte más cómodo. Encuentro un
cuaderno de bocetos cuadrado fácil de manejar y cuando lo abro completamente, mi cuaderno de
bocetos de 20 x 20 cm (8 x 8 pulgadas) se extiende a 20 x 42 (8 x 16 pulgadas), lo que me permite hacer
un dibujo panorámico en dos páginas.

Cuando estoy dibujando, uso lápices (B, 2B, 4B) o bolígrafos de tinta negra y dos o tres tonos
grises de marcador mágico. También tengo una goma de borrar, un sacapuntas y una regla de 15
cm (6 pulgadas).

Este equipo es bastante ligero y portátil. Todos los bocetos de este capítulo se realizaron
durante un verano, en Italia y Francia, con bolígrafo negro y rotuladores mágicos.
Este dibujo es de un pequeño puerto en Francia, usando un bolígrafo negro y tres tonos
de marcador mágico gris. He tratado de captar los elementos esenciales de este bullicioso
puerto con sus casas, barcos, aparejos, etc. A menudo es útil si cierras los ojos a medias
cuando tratas de anotar los elementos principales de una imagen, ya que al hacerlo
eliminas muchos de los detalles superfluos.
Esta es otra vista del puerto francés. Este dibujo también se inició trazando las
formas y ángulos principales y luego poniendo los tonos esenciales.
En este dibujo de una ciudad francesa, el automóvil en primer plano llegó mientras dibujaba
algunos puestos de mercado que luego fueron borrados por el automóvil. Decidí continuar y
hacer que el auto fuera parte de la imagen.
Esta última imagen de la serie francesa fue nuevamente una escena portuaria. Sin
embargo, como tenía muy poco tiempo, solo pude poner algunas indicaciones de
edificios y barcos. Como el dibujo parece transmitir mucho de la vida del puerto,
sentí que fue un éxito, incluso sin más detalles.
Este boceto se realizó en los lagos italianos en un pueblo en la ladera con numerosos
escalones. En este caso, la línea del horizonte está en el medio del boceto, por lo que tuve que
prestar especial atención a los ángulos de las ventanas y los techos para crear la sensación de
que los escalones descienden en la imagen.
Este boceto es del lago de Como, en Italia. Como puede ver en la división en el centro de esta
imagen, trabajé en dos páginas de mi cuaderno de bocetos. Solo tuve tiempo de obtener la
estructura básica de las laderas que conducen al lago. Sin embargo, aún me aseguré de que
los tamaños relativos de las colinas, los edificios y los árboles fueran correctos antes de
ponerle tono a la imagen.
Este es también un boceto rápido del mismo lago italiano desde lo alto de la ladera. Hice este
boceto como preliminar a una acuarela, por lo que no he entrado en muchos detalles, solo lo
suficiente para obtener las proporciones correctas y capturar algo de la sensación de espacio.
Esta fotografía muestra un pequeño puerto junto al lago en el lago de Como.
He combinado un boceto con la fotografía para mostrar lo que identifiqué como las
principales formas básicas de este paisaje.
Identificar las formas principales es de suma importancia al comenzar cualquier tipo de
dibujo representativo. No debe pensar que porque está haciendo un boceto no necesita
molestarse en pensarlo como lo haría con un dibujo más formal. Conseguir que esta primera
etapa sea correcta sustentará las siguientes etapas.
Traducido del afrikáans al español - www.onlinedoctranslator.com
Este es un dibujo de tiza pastel y carboncillo de los Tribunales de Justicia de
Londres por Brian Johnston. Tenía muy poco tiempo y quería capturar la
imponente presencia del edificio detrás del bullicio de la gente que pasaba.
En este dibujo de tiza pastel y carboncillo de la ciudad de Londres de Brian Johnston, el
sentido del tamaño del edificio se transmite de una manera muy económica.
Este boceto de Brian Johnston, de la luz del atardecer en un pueblo de Kent, está hecho con
una variedad de medios: pluma, lápiz, tiza y marcadores.
 SECCIÓN 10

Retratos

Al hacer un retrato, el objetivo es capturar no solo la semejanza sino también

algo del carácter de un individuo o grupo de individuos. Aunque puede abarcar
toda la figura, en general un retrato se concentra en la cara. La mayoría de los
artistas han dibujado o pintado autorretratos, sobre todo Rembrandt y, más
recientemente, Francis Bacon.

Las proporciones básicas

Probablemente sabrá por su primera experiencia dibujando que la cabeza tiene

básicamente forma de huevo cuando se mira de frente, y tendrá una idea de
cómo se ve el cráneo.

Lo que suele sorprender a la gente, al mirar más de cerca, es la relación entre las partes de la
cabeza. Por ejemplo, los ojos están a medio camino entre la parte superior de la cabeza y la
barbilla. La mayoría de la gente piensa que son mucho más altos en la cabeza y los dibujan así.

La parte superior de las orejas está a la altura de los ojos y la parte inferior de la boca, y la vista
lateral de la cabeza encaja aproximadamente en un cuadrado. Vale la pena recordar estas
relaciones y proporciones simples, ya que en su mayoría tendemos a dibujar cabezas desde la
vista lateral, vista de tres cuartos o cara completa.

Sin embargo, si miramos la cabeza desde un ángulo inusual, desde arriba o desde
abajo, por ejemplo, estas relaciones proporcionales cambian debido al escorzo.
Esta es la razón por la que debe tratar todos los objetos que dibuje como una colección de formas antes
de comenzar a pensar en ellos como objetos particulares. En el momento en que somos conscientes de lo
que es un objeto, lo dotamos de las cualidades que conocemos por experiencia previa. A partir de
entonces, la forma en que lo vemos muchas veces se ve distorsionada por nuestras ideas preconcebidas.
Vista de perfil, la cabeza encaja aproximadamente en un cuadrado. Es importante acertar
con la forma básica de la cabeza y registrar cómo encaja en el cuello antes de entrar en
demasiados detalles. Con una vista lateral, deberá trazar la forma de la frente, la nariz, la
boca y el mentón como parte de la forma básica.
Aunque la forma de las cabezas puede variar debido a factores como la raza, la edad o el sexo,
siguen teniendo las mismas proporciones básicas. Al dibujar esta vista lateral de un hombre, es
importante asegurarse de tener la forma general, incluida la forma en que la forma del cabello se
ajusta a la cabeza, antes de entrar en demasiados detalles. La mayor parte del carácter general se
encuentra en estas primeras líneas.

NO OLVIDES DE…

• Siéntese cómodamente y mantenga la misma posición durante todo el dibujo.

• Mantenga el brazo extendido al medir.

• Vuelva a verificar una medida antes de usarla como base para otra.
Las cabezas vistas de frente tienen básicamente forma de huevo. Los ojos están a medio
camino entre la parte superior de la cabeza y la barbilla. Las orejas se colocan entre los
ojos y la boca. Sin embargo, si la cabeza está inclinada, puede haber un pequeño
escorzo. Por esta razón, es mejor medir y trazar las formas cada vez para estar seguro
de su posición.

dibujar una cabeza

Cuando dibuje una cabeza, se aplican las mismas reglas prácticas que cuando dibuje una
figura: asegúrese de que tanto usted como su modelo estén cómodamente sentados y
que haya tomado nota de las condiciones de iluminación y las posiciones respectivas de
ambos artistas. y modelo Si cree que el dibujo puede llevar más de una sesión, también
deberá anotar exactamente qué lleva puesto el modelo.

El siguiente paso es decidir la composición básica de la imagen: si va a

dibujar la cabeza y los hombros o abarcar más la figura, y si su vista será
de cara completa, de perfil o de tres cuartos. Le resultará útil en esta
etapa usar un visor y tal vez hacer uno o dos bocetos rápidos para decidir
cuál de las muchas opciones de composición va a elegir.

Una vez que esto se resuelva, comience de la manera que se le ha mostrado en este libro,
midiendo y trazando todas las formas básicas con su lápiz sostenido con el brazo extendido
como guía. Los cuatro pasos que se muestran aquí lo guían a través de todo el proceso de
dibujo.
PASO 1

Primero, mida y trace las formas generales. En este retrato, la figura tiene una pequeña
barba que debe verse como parte de la forma general de la cabeza. También puse una
guía que recorre el centro de la cabeza desde la frente hasta la barbilla para ayudar a
trazar los ojos, las fosas nasales y la boca y calcular el ancho de la cabeza. La mayoría de
las personas, cuando se sientan quietas, inclinarán la cabeza de una forma u otra, y es de
vital importancia dibujar el ángulo con precisión, ya que esto también tendrá un efecto
sobre el ángulo de los hombros.
PASO 2

La cabeza, la cara, los hombros y las formas generales de la cabeza y el cabello se han
medido y trazado gradualmente y se han aplicado las primeras etapas de los tonos
medios, incluido el tono básico de la ropa.
PASO 3

Entrecerrando los ojos podrás ver mejor dónde están las zonas más oscuras del
tono. En el caso de este dibujo los tonos más oscuros son alrededor de los ojos y el
cuello. Tenga en cuenta que debe estudiar la forma de toda la cuenca del ojo en
lugar de solo los ojos. Esto comenzará a darle algo del carácter de la modelo.
PASO 4

A medida que continúe trabajando en el dibujo, refinando las formas más grandes
en otras más pequeñas y observando más la graduación de los tonos, emergerá el
carácter y la forma de la modelo. Al trabajar sobre el dibujo como un todo y no
concentrarse en demasiados detalles en cualquier área, debería poder decidir
cuándo ha logrado lo que desea del dibujo.

Bocetos de retrato

No siempre es posible tener un modelo sentado durante una hora o dos. Sin embargo,
incluso en media hora todavía puedes hacer un dibujo útil: el secreto es poder seleccionar
los elementos básicos de la cabeza y los hombros que dan el carácter del retratado y
capturan algo de la forma en que cae la luz, dando volumen. y ambiente

Los siguientes cuatro ejemplos se realizaron en menos de media hora. Si los estudias
verás cómo, aunque la cabeza se mantenga en un ángulo inusual, lo primero que se
plasma en el papel son las formas de la cabeza, el cuello y los hombros. Solo cuando estos
sean correctos, debe comenzar a trazar dónde están los ojos, la nariz y las fosas nasales, y
asegurarse de que tengan la relación correcta entre sí. Finalmente, agregar tono trae la
calidad tridimensional que describe el carácter y la forma de su modelo.
En este ejemplo, la cabeza simplificada tiene fuertes áreas claras y oscuras que le dan una sensación de
volumen. Observe cómo las formas básicas de la cabeza y el cuello están fuertemente dibujadas.
Aquí he llevado la forma básica un paso más allá y observé la forma en que la fuente
de luz cae sobre la cabeza y comienza a darle forma. Fíjate cómo encaja la cabeza en
el cuello; la inexactitud aquí arruinaría el dibujo.
En este dibujo, la cabeza de la modelo se ha inclinado hacia atrás, de modo que su
barbilla sobresale en primer plano. Como puedes ver, el escorzo distorsiona las
proporciones. Solo midiendo y trazando con cuidado se pueden obtener las relaciones y
proporciones correctas en casos como este.
En este ejemplo, hay una fuerte fuente de luz que proviene de debajo de la cabeza del modelo, lo
que le da una apariencia siniestra. La forma en que se despliega la fuente de luz juega un papel
importante en el estado de ánimo general de un retrato.

INCLINAR

Pedirle a la modelo que mantenga una posición con la cabeza inclinada durante un período de
tiempo prolongado puede causar tensión en el cuello, así que asegúrese de ofrecer suficientes
descansos. En este boceto vemos nuevamente la fuerte forma general de la cabeza. Las áreas
tonales dan una idea de la forma de la nariz y la boca sin depender demasiado del uso de líneas
para delinear las características.
En este boceto vemos nuevamente la fuerte forma general de la cabeza. Las áreas
tonales dan una idea de la forma de la nariz y la boca sin depender demasiado del uso de
líneas para delinear las características.
Este ejemplo muestra cómo el sombreado cruzado se puede usar de manera efectiva para
crear el tono y el volumen de la cabeza del modelo y también cómo se puede usar un perfil de
manera efectiva para dar algo del carácter del modelo.

Composición

Dibujar la cabeza es solo un aspecto del retrato. Puede que muchos lo consideren
el más importante, pero si miras los retratos de pintores famosos como Jan
Vermeer y John Singer Sargent, verás que la composición también es motivo de
gran preocupación. Tienes que decidir qué tipo de configuración vas a utilizar y si
tu retrato va a ser de cabeza y hombros, hasta la cintura o una figura completa.

También es importante la fuerza y el ángulo de la iluminación. Si coloca una figura sobre

un fondo oscuro con la fuente de luz en la cabeza, tenderá a sobresalir y tendrá una
calidad dramática. Sin embargo, si la luz es demasiado directa sobre la cara, aplanará las
facciones. Si viene de un lado, resaltará la forma pero, si es demasiado fuerte, puede
parecer un presagio, mientras que la luz de abajo tiene un carácter teatral y siniestro.
Después de Vermeer

Aquí he tomado La muchacha del sombrero rojo de Vermeer (1665-1666) como ejemplo de
retrato. Aunque el Vermeer no es un dibujo sino una pintura al óleo, he hecho un dibujo tonal
porque creo que muestra cómo la composición y la iluminación son primordiales para hacer
un buen retrato. Mi dibujo inicial (en la página opuesta) muestra cómo tanto la composición
como la disposición tonal conducen la mirada por la imagen.
Después del cantante Sargent

Mi segundo ejemplo es el Retrato de Henry James (1913) de John Singer Sargent.

Como en el ejemplo anterior, la composición y los arreglos tonales son importantes.
Lo que es interesante notar es cómo, en este y en el Vermeer, las partes más claras del
cuadro son una proporción muy pequeña del todo y el uso de la luz le da a ambas
obras su poder y sensación de solidez.
Autorretratos

Para empezar, siéntate cómodamente frente a un buen espejo. Si vas a tomarte

más de una sentada para hacer el dibujo, toma nota de la ropa que llevas
puesta, las condiciones de luz, qué tan lejos estás del espejo y en qué estás
sentado.

Verás que es bastante difícil mantener una expresión que no sea la de concentración a
la hora de dibujarte. A menudo me acusan de darme una expresión severa en los
autorretratos, cuando en la vida tiendo a sonreír mucho. Verás en los ejemplos de
otros artistas que tienen expresiones bastante severas. No dejes que esto te
desanime. Es más importante abordar el tema que preocuparse por la expresión.
Auto retrato

PASO 1

Como antes, es de vital importancia asegurarse de que la forma de la cabeza sea la

correcta. Sin embargo, primero tendrá que acostumbrarse a medir cuando su mano
reflejada está en medio. No se deje engañar tomando algunas medidas con su mano
real y otras con su mano reflejada. Tienes que encontrar la forma más conveniente
de eludir esto girando el brazo o incluso haciendo las mediciones con la otra mano a
veces.

Una vez que tenga la forma básica de la cabeza, indique los otros puntos principales:
nariz, boca, ojos y oídos y cómo encaja la cabeza con el cuello.
PASO 2

Una vez que sienta que tiene las características básicas correctas, busque las principales áreas
tonales. Tenga en cuenta de dónde viene la luz y qué tan fuerte es. Luego pon los tonos.
PASO 3

Ahora pase a poner más detalles en las características. Siempre trabaje primero en aquellos
que son visualmente más prominentes. Por ejemplo, el ojo izquierdo es menos dominante
aquí que el derecho debido a que la sombra cae sobre ese lado de la cara.

No olvide observar con frecuencia la imagen general para asegurarse de que

funciona como un todo y no está alterando las formas básicas ni
desequilibrándola al entrar en demasiados detalles en un área.
PASO 4

A medida que continúe trabajando en su dibujo, asegúrese de que, al mirar

características como las orejas, esté buscando las formas que hay allí, en lugar de
cómo sabe que es una oreja. También puede haber luz reflejada de la que debe tener
cuidado. Este autorretrato se hizo con luz solar fuerte a la derecha, por lo que hay
sombras profundas. Si desea menos contraste, siéntese en una luz más tenue.

Si desea una vista lateral en lugar de una vista frontal, puede usar dos espejos, pero
esto suele ser más difícil de configurar y replicar exactamente.
Traducido del afrikáans al español - www.onlinedoctranslator.com

Después de Van Gogh

Mi estudio tonal del Autorretrato con la oreja vendada de Vincent van Gogh muestra cómo el
foco de la imagen está alrededor de los ojos. Observe cómo ha utilizado la interacción de
tonos claros y oscuros para guiar su mirada hacia la imagen y hacia la parte superior de la
cara.
Este dibujo esquemático muestra cómo las fuertes líneas alrededor de la cara hacen que el ojo
del espectador lo rodee, atrayendo la atención una y otra vez hacia la mirada de los ojos.
Después de Gwen John

En este estudio tonal extraído del autorretrato de Gwen John se puede ver que pintaba
con la mano derecha, aunque, al mirarse en un espejo, parece ser la izquierda. Tenga en
cuenta también que esta es una vista de tres cuartos de largo, con la cara y la mano en
las áreas más claras de la imagen.
Este dibujo esquemático muestra cómo algunos elementos de la imagen - la blusa, el
gran lazo en el cuello y el tono de la imagen - ayudan a mover la mirada hacia la cara,
mientras que la posición de la mano baja la mirada para mantenerla. moviéndose
alrededor de la imagen.
Después de Rembrandt

Este estudio tonal, tomado de Autorretrato con dos círculos de Rembrandt (1665-169,
Kenwood House, Londres) muestra cómo las áreas claras se concentran en la cara. El resto
del cuerpo está en la sombra. El rostro también tiene más detalle que el resto de la figura
que, incluidas las manos, se funde con la oscuridad. Sin embargo, el cuerpo todavía tiene
una sensación de bulto y volumen.
Este dibujo esquemático tomado del autorretrato de Rembrandt muestra cómo el ojo se mueve
alrededor de la imagen, guiado por el tono, el color y las formas que contiene. Las flechas también
muestran cómo la atención sigue volviendo a la cabeza después de cada recorrido por la imagen.
 SECCIÓN 11

Uso de fotografías

La idea de que un artista use fotografías como referencia a veces está mal vista
pero a mediados del siglo XIX, artistas como Manet, Degas, Bonnard y Rodin
aprovecharon lo que entonces era la nueva tecnología. Siempre que reconozcas
sus limitaciones, las fotografías pueden ser herramientas útiles.

El peligro de usar fotografías es que te dan una experiencia visual muy limitada. La
razón de esto es que el proceso de fotografía ya ha seleccionado las formas
bidimensionales de un mundo tridimensional y, dependiendo de qué tan buena
sea la reproducción de la fotografía, es posible que se haya perdido mucha
gradación de color y tono. Incluso cuando este no sea el caso, una fotografía solo
dará una idea de cómo sería experimentar la realidad. Esto se debe en parte a su
pequeño tamaño y en parte a que los detalles son menos nítidos que en el mundo
tridimensional.

Como una fotografía solo ha reflejado la luz en el papel para trabajar, una escena de paisaje
inevitablemente habrá perdido algunas de las complejidades que la persona que maneja la
cámara probablemente esperaba capturar. Sin embargo, en situaciones en las que hay mucha
acción (personas u objetos que se mueven muy rápidamente), la cámara es invaluable. Es
posible que pueda anotar algo del movimiento con una línea o un gesto, pero no hay
posibilidad de que pueda registrar el evento en papel con el método de medición.

Si decide dibujar a partir de una fotografía, es mejor utilizar una que haya tomado
usted mismo, cuando también tendrá su memoria de la vista original para ayudarlo a
desarrollar la imagen estática en la fotografía.

Puede transferir la imagen de la fotografía al papel usando el mismo método

Empleo cuando copio un dibujo en un lienzo y lo amplío o lo reduzco.
AMPLIAR

Este dibujo muestra cómo se puede ampliar la imagen de la fotografía, manteniendo

exactamente las mismas proporciones. Dibuja una línea diagonal que se extienda desde la
esquina inferior izquierda de la fotografía hasta la esquina superior derecha del papel.
Dibujar una línea horizontal y vertical en cualquier punto a lo largo de esta línea diagonal le
dará un rectángulo exactamente en la misma proporción que la fotografía.

Este método se basa en una cuadrícula horizontal, vertical y diagonal. Una de sus
ventajas es que, independientemente del tamaño y la proporción de su fotografía,
no es necesario medir más después de dibujar las primeras líneas horizontales y
verticales. El resto de las líneas siguen a las anteriores a medida que continúa
construyendo la cuadrícula.

Primero, coloque la fotografía en una hoja de papel de dibujo. Si desea que el dibujo sea
más grande que la fotografía, dibuje una línea diagonal desde la esquina inferior
izquierda de la fotografía hasta la esquina superior derecha, luego extienda esta línea en
su papel de dibujo al tamaño que desee para el dibujo de la fotografía. ser - estar. Una
línea horizontal y vertical dibujada desde cualquier punto de esta línea diagonal creará un
área de dibujo en la misma proporción que la fotografía.

Si quieres que el dibujo tenga el mismo tamaño que la fotografía, comienza dibujando
alrededor de los bordes. Si quieres que sea más pequeño, comienza como lo harías si lo
hicieras del mismo tamaño y luego, cuando hayas dibujado los bordes, quita la fotografía y
dibuja una línea diagonal desde la esquina inferior izquierda de tu rectángulo. a la esquina
superior derecha. Decide en qué parte de esa línea quieres que esté la esquina superior
derecha de tu dibujo más pequeño, luego dibuja líneas horizontales y verticales para
marcar los bordes de tu dibujo. Como la diagonal todavía tiene el mismo ángulo que el
original, el dibujo tendrá la misma proporción que la fotografía.

Usando una cuadrícula

Una vez que hayas establecido el tamaño de tu dibujo, dibuja la otra diagonal desde la
esquina superior izquierda hasta la esquina inferior derecha, formando una cruz.

Luego dibuja las líneas verticales y horizontales que pasan por el punto donde se cruzan
las diagonales. Asegúrate de que estas dos líneas sean paralelas a los lados del dibujo.

Una vez que haya hecho esto, dibuje más diagonales en cada uno de los cuatro
rectángulos que ha creado, obteniendo cuatro rectángulos con cruces (Pasos 1 y 2).
PASO 1
PASO 2
PASO 3
PASO 4

Usando los puntos donde se cruzan las diagonales en los cuatro rectángulos, dibuje líneas
horizontales y verticales (Pasos 3 y 4). Ahora tienes la cuadrícula básica. Si desea una
cuadrícula más compleja porque las formas de la fotografía son complejas, continúe
dibujando más diagonales, haciendo más cruces en los rectángulos más pequeños que ha
creado y uniendo las intersecciones con más líneas horizontales y verticales.
Este dibujo muestra tres rectángulos de diferentes tamaños, todos con la cuadrícula básica.
Debido a que todos provienen de la misma diagonal, todos tienen las mismas proporciones.

Ejemplo 1: un jarrón

Un objeto simple como una jarra, un jarrón o una taza con una forma simétrica suave es un
punto de partida fácil para trabajar con una cuadrícula.
PASO 1

Dibuje la cuadrícula básica sobre la fotografía siguiendo el método ya

descrito.
PASO 2

Manteniendo las mismas proporciones que las de la fotografía, dibuje la cuadrícula básica en
una hoja de papel de dibujo. Luego dibuje en el jarrón, siguiendo exactamente las líneas del
objeto en los triángulos y cuadrados en la cuadrícula de la fotografía. Tendrá que hacer juicios
sobre la ubicación exacta de las líneas dentro de un triángulo y puede resultarle útil trazar
algunos lugares donde las líneas de la cuadrícula se cruzan con la forma del jarrón y luego
unirlas.
PASO 3

Una vez que hayas copiado la estructura básica de las formas en la fotografía, comienza a colocar
las luces y las sombras como lo harías si estuvieras midiendo y graficando de la vida real. En esta
etapa, también puede usar su borrador para eliminar algunas de las líneas de la cuadrícula.
PASO 4

Continúe agregando más graduación de tono, nuevamente usando su borrador para

crear reflejos y borrar líneas de cuadrícula. Al final, notará que las líneas originales en el
dibujo lineal que hizo en el paso 2 ahora han desaparecido, porque la forma del jarrón
ahora está formada por los tonos tanto del jarrón como del fondo.

Ejemplo 2: Zoe

Para este ejemplo he utilizado a mi nieta que, con tan solo unos meses, tiene una
estructura facial bastante simple.
PASO 1

Me acerqué a su retrato exactamente de la misma manera que el jarrón dibujando la

cuadrícula básica sobre parte de la fotografía. Notarás que la cuadrícula alrededor de la
cara se ha dibujado con unidades más pequeñas que el resto de la fotografía. Esto se
debe a que hay más formas en esta parte de la cara y es necesario dibujarlas con la
mayor precisión posible.
PASO 2

Transfiere las formas principales de la cuadrícula de la fotografía a la cuadrícula del

papel de dibujo. Es importante que esto se haga con precisión.
PASO 3

Al igual que con el jarrón, comience a colocar las áreas tonales principales y continúe dividiendo las
formas principales en otras similares. Por ejemplo, observe las formas similares dentro de la forma
general de la oreja. Vale la pena señalar aquí cómo, desde este punto de vista, las orejas tienen
formas bastante diferentes.
PASO 4

En el dibujo final, observe lo importante que es obtener la forma correcta de toda la

cabeza.

Ejemplo 2: Retrato de grupo

Esta fotografía de grupo puede parecer complicada, pero si construyes una foto de grupo
poco a poco podrás conseguir un buen resultado. Estudie su fotografía cuidadosamente antes
de comenzar a trabajar. Primero mire de dónde viene la luz, dónde están las principales áreas
claras y oscuras y qué formas tienen. Tenga en cuenta dónde están las partes más detalladas
de la imagen.

Como ya he descrito, cuando dibuje la cuadrícula básica en la fotografía, coloque

tantos triángulos y cuadrados como necesite para juzgar dónde deben ir sus líneas.

Si los triángulos y cuadrados de la cuadrícula son demasiado grandes, es más difícil juzgar a
dónde pertenece una forma.

Como puede ver en los ejemplos, numerar y poner letras a su fotografía para que pueda
leerla como un mapa de carreteras lo ayudará a encontrar el lugar correcto en su cuadrícula
al copiar.

Puede ver en la fotografía que se usa a continuación que hay una serie de áreas que son
bastante complicadas, como el bebé en la silla de paseo y el área alrededor de las manos y el
manillar de la niña en la bicicleta. Son áreas como estas las que pueden necesitar más
cuadrados y triángulos en la cuadrícula.
PASO 1

Para empezar, dibuje la cuadrícula en la fotografía.

Una vez que tenga tantos triángulos y cuadrados como desee en la fotografía,
dibuje la misma cantidad en su papel.

Cuando comience a copiar de su fotografía, trate de no entrar en demasiados detalles

hasta que tenga las formas básicas de toda la fotografía. Es importante que observe
todas las formas de la fotografía: las formas de las sombras y las formas de los
objetos. Tenga en cuenta, por ejemplo, las formas que forman la sombra de la figura
en la bicicleta. Es fácil subestimar la importancia de las sombras y prestar demasiada
atención a los objetos.
PASO 2

Dibuja las formas básicas en tu papel, usando la cuadrícula para calcular su tamaño y
posición.

INCLINAR

Si no desea dibujar en la fotografía, puede tomar una fotocopia y usarla

para marcar la cuadrícula.
PASO 3

Comienza a desarrollar el dibujo. Recuerde mantener el detalle en la misma etapa en todas

partes, trabajando desde los tonos medios hasta los oscuros y luego los intermedios.

Vale la pena señalar también cómo el fuerte contraste de las sombras con las áreas
claras le da a la imagen la sensación de la luz del sol.

Una vez que tenga las formas básicas y haya comenzado a poner el tono, continúe
dividiendo las formas en formas más pequeñas hasta que tenga la cantidad de detalles
que necesita.

No olvides que tu goma de borrar es muy útil para poner los tonos claros y limpiar los
bordes de las formas que puedan quedar emborronadas mientras trabajas en el
dibujo.

Como la imagen probablemente tendrá personas que conoces, la parte más

difícil del dibujo será evitar que intentes hacer que las caras sean
reconocibles y poner muchos más detalles de los necesarios.

Es muy importante mantener la vista y la mente concentradas en la forma de la

cabeza y sus luces y sombras relativas (tono), en lugar de si se parece a “Mary” o a
quien sea.

De hecho, a menudo encontrará que si obtiene la forma general de la cabeza correcta,

así como las formas de las sombras principales en la cara, esto será suficiente para
darle el carácter de las personas en la fotografía.
PASO 4

En esta etapa final se ha desarrollado el contraste entre las formas más oscuras y más
claras, así como más detalles de la imagen. Debe decidir cuánto más detalle, si es que
necesita alguno, para obtener lo que, para usted, es la esencia de la fotografía. Una vez
logrado esto, borre cualquiera de las líneas de cuadrícula que quedan.

Ejemplo 4: Retrato del Padre

Tomé una fotografía de mi padre y la traduje en un dibujo más detallado para mostrarles
hasta dónde se puede llevar este método de reproducción.
Traducido del afrikáans al español - www.onlinedoctranslator.com

PASO 1

Decidí tomar solo una parte del retrato para el dibujo, así que dibujé la cuadrícula solo
en la parte de la fotografía que quería copiar y ampliar.
PASO 2

Al colocar las formas principales, puede ser útil numerar la cuadrícula como un mapa de
carreteras para evitar confusiones sobre qué parte de la cara está en qué cuadrado o
triángulo.
PASO 3

Esta es la penúltima etapa del dibujo, un momento en el que tiendo a usar mi borrador para
ayudar a recrear áreas claras que han sido manchadas. Este es también el escenario para borrar
las líneas de la cuadrícula, aunque algunos artistas optan por dejar algunas.
PASO 4

En este dibujo final, he seguido dividiendo las gradaciones tonales en áreas cada vez
más pequeñas. Puedes ver que la estructura de los pómulos y la carne alrededor de
los ojos se están volviendo más descriptivas.
 SECCIÓN 12

Herramientas y Materiales

Dibujar se trata principalmente de hacer marcas. Las marcas se pueden hacer con muchos tipos
de implementos, desde dibujar en la arena con un palo, inscribir piedra con un cincel
hasta hacer marcas en papel con bolígrafos hechos de juncos o plumas. En este libro,
hasta ahora solo hemos usado lápices B. Ahora veamos algunas alternativas.

Hasta ahora, he optado por limitarnos a un lápiz B porque no quería que se

distrajera con la variedad de herramientas y materiales disponibles para hacer
marcas: dibujar de una forma u otra.
He pasado la mayor parte de este libro haciéndote mirar y ver figuras y formas de
ciertas maneras. Si bien el objetivo principal es mirar y ver, explorar otros vehículos
e instrumentos para hacer marcas no solo puede ser divertido, sino que también le
brinda la oportunidad de descubrir con qué medio se siente más cómodo.

Para darte una idea de las cualidades inherentes a los diversos implementos, he utilizado
una cuadrícula simple para mostrar cómo cada uno tiene diferentes tipos de grosor,
densidad, línea y capacidad de borrado. Pruébelo usted mismo, ya que no solo lo
familiariza con los medios, sino que también le muestra cómo interactúan con diferentes
tipos de superficies de papel.

LÁPICES

Los lápices vienen en una gama de grados desde 9H (muy duro) hasta H, luego HB, B a 9B
(muy negro y suave). Vale la pena probar otros grados de lápiz además de B solo para ver
si prefiere trabajar con un lápiz más duro o más suave.

Los lápices más duros mantienen un grosor de línea más regular pero no tienen mucha
profundidad de tono, mientras que un lápiz 8B o 9B te dará una marca muy oscura pero poca
variación de tono.
LÁPICES

Los lápices son probablemente el más versátil de todos los materiales de esta sección.
Son relativamente permanentes y pueden darte una enorme variedad de texturas y
tonos.

PLUMA Y TINTA

Si miras los dibujos de los viejos maestros, como Rembrandt o Tintoretto, verás que a menudo
usaban tinta y aguada. Hicieron el dibujo con bolígrafos de caña o pinceles, luego agregaron
agua y usaron su pincel para dar una variación de tono. Si bien esto puede darte bonitas líneas
fluidas, no son tan fáciles de erradicar como las líneas de lápiz. Tampoco es tan fácil abordar
las variaciones de tono de la misma manera. Con pluma y tinta, el tono se crea ya sea a través
de sombreado cruzado, variando la densidad de los puntos o usando un lavado de agua y
tinta.
PLUMA Y TINTA

Si bien la pluma y la tinta pueden dar una línea muy fina, debe usar sombreado cruzado si
desea tonos más oscuros. La desventaja de esto es la tendencia a mancharse.

CEPILLO Y LAVADO

Usando una tinta negra o sepia, puede hacer dibujos tonales rápidos o lentos. También puedes
usar acuarela o gouache. La diferencia entre la acuarela y el gouache es que la acuarela es una
pintura translúcida (que permite el paso de la luz), mientras que el gouache es lo que se
denomina una pintura basada en el cuerpo (es opaca en lugar de translúcida) y se puede
repintar como la pintura utilizada para carteles. en la escuela. Ambos tienen una base de agua,
a diferencia de la pintura al óleo, que se mezcla con aceite, o la pintura acrílica, que se mezcla
con un pegamento de polivinilo.
CEPILLO Y LAVADO

El pincel y la aguada se pueden ver a menudo en dibujos de los siglos XVIII y XIX, utilizados
con tinta sepia y agua, para dibujar paisajes. Es una buena manera de establecer las áreas
tonales básicas de una imagen. Sin embargo, se usa más a menudo junto con un bolígrafo
para hacer el trabajo más detallado.

PLUMA, PINCEL Y LAVADO

Pluma, pincel y aguada es uno de los medios más utilizados para dibujar a partir del siglo
XVII. La aguada suele ser de tinta negra o sepia, a veces de acuarela. Es un medio fácil de
usar. El tono se puede aplicar rápidamente y los detalles con el lápiz se pueden
representar con precisión. Como todos los medios de dibujo a base de agua, es mejor si se
utiliza un papel grueso.
PLUMA, PINCEL Y LAVADO

Mediante el uso de una combinación de lápiz, pincel y lavado, puede obtener una amplia
variedad de tonos y líneas. Muchos artistas, incluidos Leonardo y Rembrandt, utilizaron este
método para dibujar.

MARCADORES MÁGICOS

Con la invención del marcador mágico y los bolígrafos, ahora es posible trabajar de una
manera muy similar a la tinta y el agua sin tener que tener muchos equipos
desordenados. Esto puede ser ideal para hacer bocetos al aire libre.
FABRICANTES DE MAGIA

(MARCADORES DE PUNTA DE CAMPO)

Si bien son relativamente nuevos en comparación con los lápices, los marcadores con punta de fieltro
ofrecen una variedad de tonos diferentes y pueden ser muy útiles para hacer un boceto rápido sin
complicaciones. Utilizados junto con un bolígrafo, son muy buenos sustitutos del bolígrafo y el lavado.

CARBÓN

El carbón está hecho de madera calentada lentamente. Cuando se usa como palo para dibujar,
normalmente está hecho de ramitas de sauce y ha sido utilizado por artistas durante cientos de
años.

Hace una marca negra aterciopelada similar a la tiza en el papel y se puede frotar o manchar muy
fácilmente. Por lo tanto, al igual que con el pastel de tiza, debe fijarse con un spray fijador que
generalmente se rocía como laca para el cabello. El aspecto positivo del carbón es su línea oscura
que fluye con facilidad, lo que le da la calidad aterciopelada que ya he mencionado. Usando el tallo
del carboncillo puedes obtener buenas líneas rectas. Pero no puede obtener muy buenas
gradaciones de tono o líneas finas y precisas como puede hacerlo con un lápiz. También existe el
inconveniente de tener que arreglarlo. Sin embargo, muchos artistas lo han utilizado por su
espontaneidad.
CARBÓN

La dificultad con el carbón es el hecho de que tienes que "arreglarlo", ya sea con un
spray fijador o puedes usar un spray para el cabello barato. Como puede ver en el
ejemplo del cuadro inferior derecho, se puede borrar. Si bien es un medio muy fluido,
debe difuminarlo con los dedos si necesita variedad de tonos.
PASTEL A LA TIZA Y AL ÓLEO

La diferencia básica entre la tiza y el pastel al óleo es el medio con el que están
hechos. Como probablemente sepa, la tiza tiene una calidad de polvo que se rompe
fácilmente cuando se aplica al papel y, debido a esta calidad, puede mancharse o
quitarse con facilidad. Si quieres que tus dibujos a la tiza sean más permanentes
necesitarás fijarlos con un spray fijador, como con el carboncillo.

El pastel al óleo se hace mezclando pigmento con una base de aceite como en el caso de la pintura al
óleo, y es mucho más permanente que el pastel de tiza. No tiene que ser arreglado. En términos
prácticos, ambos tipos de pastel dan cualidades visuales y táctiles muy diferentes. Mientras que el
pastel de tiza tiene una calidad suave y en polvo, el pastel al óleo tiene una calidad cerosa ligeramente
pegajosa, como se muestra arriba. Con práctica, el pastel de tiza se puede mezclar fácilmente. Es
mucho más difícil hacer esto con pastel al óleo a menos que uses trementina o aceite para ayudar a que
se mezcle.
PASTEL AL ÓLEO

Al igual que los pasteles de tiza, los pasteles al óleo son más efectivos cuando se usan
tres o más en combinación; uno o dos colores no le darán la gama de tonos requerida.
PASTEL DE TIZA

Muy parecido al carbón, es mejor usarlo con otros colores si desea ver todo su potencial.
Un color por sí solo no le brinda la variedad o graduación de tono que a menudo se
necesita. También necesita arreglo.
CONTÉ

Conté también necesita ser fijado con un spray una vez que haya terminado el dibujo. Al igual
que el carbón y el pastel de tiza, se puede crear una gama de tonos al difuminar las marcas
que haces con él.

CONTÉ

Conté es un palo duro, tipo crayón, de sección cuadrada, hecho de arcilla y grafito. Se suele
realizar en colores negro, blanco y tierra. Capaz de hacer marcas más audaces que un lápiz,
puede dar líneas nítidas y decisivas o áreas sólidas de oscuridad. Fue utilizado ampliamente
por artistas franceses en el siglo XIX.

OTROS MATERIALES

Cualquier cosa que pueda hacer una marca puede usarse para hacer un dibujo, ya sea un lápiz
labial, una cerilla, una ramita o un palo mojado en tinta o tinte. Las marcas también se pueden
hacer en arena, o se pueden usar latas de pintura en aerosol, como hacen los grafiteros.
Diferentes materiales tienen diferentes cualidades. En una etapa posterior, será importante
que decidas qué cualidades particulares necesitas para decir lo que quieres decir. Sin
embargo, hasta que llegue ese momento, no tengas miedo de experimentar con cualquier
cosa que se te ocurra para ver qué tipo de marca puedes hacer y si puede ser útil en el futuro.

LA CÁMARA

Muchos artistas, incluido Turner, han usado todo lo que tenían a mano para
anotar una idea o un efecto particular que habían visto. No les importaba la
permanencia de un boceto siempre que les ayudara a recordar qué fue lo que les
atrajo o inspiró en un momento determinado.

Numerosos pintores desde finales del siglo XIX y especialmente en el XX

siglo han utilizado la fotografía como una ayuda para capturar ciertas ideas o
experiencias visuales fugaces. Por lo tanto, creo que es legítimo pensar en una cámara
como una herramienta adicional. Pero le daría una palabra de advertencia: no confíe
demasiado en las fotografías porque, sin los procesos de mirar, ver y dibujar que hemos
estado atravesando en este libro, usar una cámara puede impedirle penetrar en el
mundo visual y ver algo más profundo. de lo que lo haría simplemente caminando. Una
cámara toma fotografías de superficies y tonos, no se involucra. Dibujar te involucra.

VISORES Y SUS APLICACIONES

Como mencioné anteriormente, una de las ayudas más importantes para

cualquier artista objetivo es un visor, ya sea un simple cuadrado o rectángulo
hecho con los dedos o uno hecho con un tablero. Ser capaz de aislar una vista
del resto del entorno es de vital importancia si desea obtener la composición
correcta sin tener que realizar muchas pruebas.

A los visores también se les puede colocar algodón o una cuerda delgada en forma de cuadrícula
de cuadrados para ayudar a obtener las proporciones correctas (página 110). Este mismo método
se puede usar para ayudarlo a ampliar o reducir un dibujo, simplemente dibujando cuadrados más
grandes o más pequeños que el original. Esto se conoce como “cuadrar” un dibujo.

Papel

Se puede utilizar cualquier cosa para dibujar, desde las famosas servilletas con las que se
dice que Picasso pagó sus comidas hasta el reverso de los sobres, pedazos de cartulina
vieja, de hecho, cualquier superficie que sostenga el medio con el que se está dibujando.
Nunca dejes que la falta de materiales "adecuados" te impida dibujar. Casi siempre hay
algo a mano para hacer un dibujo con y encima. Pero es útil llevar contigo un pequeño
cuaderno de bocetos y un lápiz o bolígrafo por si hay algo que te llame la atención.
Existen numerosos tipos diferentes de papel en el mercado, desde papel de trapo de alta calidad o papel
hecho a mano de algodón, hasta papeles de fibra de madera baratos como los que se usan en álbumes
de recortes, etc. También hay muchos nombres diferentes de artículos, como Saunders, Arches,
Bockingford. Estos son los nombres comerciales de los fabricantes de papel o fábricas de papel. También
están los nombres descriptivos que muestran el tipo de superficie del papel, ya sea Áspero (que tiene
una superficie rugosa), liso (prensado en caliente, HP) o prensado en frío (conocido como NOT, que
significa no prensado en caliente). La acuarela o el lavado a menudo requieren una superficie más
rugosa que el lápiz o la pluma.
PAPEL DURO

En este ejemplo, los diversos implementos solo tonifican la superficie superior del papel y se
dejan las partes inferiores de la superficie rugosa. Cuando se utilizan los lavados, las partes
inferiores de la superficie del papel también se colorean.

Como mencioné al comienzo de este libro, un buen papel para dibujar es el papel de cartucho. Su
superficie no es ni demasiado lisa ni demasiado rugosa y está hecho de pulpa de madera, no de
trapo de algodón. Los costosos papeles de algodón hechos a mano son útiles para la acuarela, pero
no principalmente para el dibujo. Sin embargo, varios artistas han dibujado en papel rugoso con
buenos resultados. Por ejemplo, mire algunos de los dibujos de George Seurat usando conté en
papel rugoso.

GROSOR DEL PAPEL

El grosor del papel de dibujo generalmente se mide por su peso en libras por resma (480 hojas). Un
papel de 160 lb es bastante grueso, mientras que uno de 60 lb es mucho más delgado.
Recientemente, los fabricantes de papel han comenzado a utilizar una nueva medida conocida
como gsm (gramos por metro cuadrado). Una hoja de papel de 340 gsm es similar en peso y grosor
a una hoja de papel de 160 libras.
PAPEL LISO

Con el papel liso, la superficie tiene un color más uniforme. Este suele ser el
papel preferido para dibujar.

Si está utilizando lavado con su dibujo o acuarela, necesitará un papel grueso, de al menos
160 libras. La mayoría de los artistas de la acuarela usarían un papel aún más grueso,
probablemente de 200 libras (430 g/m²). Si su papel es mucho más delgado, digamos de 60
a 100 lb (130 a 220 gsm), y desea usar lavado, deberá estirarlo; incluso un papel más grueso
debe estirarse si se va a usar mucha agua.

PAPEL DE ESTIRAMIENTO

Para estirar un trozo de papel, se sumerge en agua durante uno o dos minutos,
luego se sostiene y se permite que se drene el exceso de humedad.

Luego coloque el papel sobre una tabla resistente y pegue los bordes con cinta de papel
engomado marrón. Dejar secar.

Entonces podrá usar lavado en el papel. Aunque se doblará si aplica demasiada

agua, volverá a secarse plano. Un dibujo en papel estirado se puede trabajar
una y otra vez y aún se secará plano.

Una vez que hayas terminado tu dibujo y lo dejes secar, corta los bordes del papel
y sácalo del tablero. Mantendrá su planitud y se puede montar con facilidad.
Conclusión

Ahora que ha llegado al final de este libro, espero que haya disfrutado la
experiencia tanto como yo al escribirlo, y que su visión del mundo se haya
enriquecido un poco.

Hay mucho que aprender sobre dibujar y ver, pero es mejor dar un paso a la vez. Lo
que puedo decir después de muchas décadas de dibujo es que cuanto más se mira y
se ve, más interesante se vuelve el mundo.
"Hizo", 1907-2003
Zoe, 2003
Para Nellie, “Did” y Zoë del pasado al futuro.

Expresiones de gratitud

Quisiera agradecer a Pauline Hazlewood por su apoyo y consejos ya Harriet

Gilbert por su ayuda y aliento, especialmente en la revisión y sugerencias para
el texto del libro.

Esta edición publicada en 2020 por Arcturus Publishing Limited

26/27 Bickels Yard, 151–153 Bermondsey Street, Londres SE1 3HA

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