Arte del siglo XIX (I): El Romanticismo

FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
II.
TEMA
1.
ARTE
DEL
SIGLO
XIX
(I):
EL

ROMANTICISMO

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

2
TEMA
1.
ARTE
DEL
SIGLO
XIX
(I):
EL
ROMANTICISMO

1.Introducción
al
Romanticismo.
Contexto
histórico-‐cultural.
Concepto
y
significación.
2.
Las
bellas
artes
y
el

Romanticismo.
3.
La
música,
la
ópera
y
la
danza
en
el
Romanticismo.
4.
Los
orígenes
de
la
fotografía.
5.
Joyería,

indumentaria
y
mobiliario
de
la
etapa
romántica.

1.INTRODUCCIÓN
AL
ROMANTICISMO.
CONTEXTO
HISTÓRICO-‐CULTURAL.
CONCEPTO
Y
SIGNIFICACIÓN

Con
el
siglo
XIX
nos
situamos
de
pleno
en
la
época
contemporánea1
,
etapa
devoradora
de
novedades
y
de

grandes
transformaciones
sociales,
económicas,
políticas…

La
burguesía
o
clases
medias
se
van
reafirmando
como
la
clase
rectora
del
siglo
XIX
(protagonizan
varias

revoluciones),
mientras
toman
gran
auge
los
movimientos
obreros,
surgiendo
una
nueva
clase
social:
el

proletariado.
Es
también
el
tiempo
de
los
nacionalismos,
tanto
en
su
vertiente
unificadora
(Alemania
e
Italia)

como
independentista
(Grecia).

En
el
siglo
XIX
se
producen
grandes
adelantos
técnicos
y
científicos:
avances
en
la
astronomía,
química,
medicina

(vacunas…);
surgen
inventos
como
el
teléfono,
el
telégrafo
o
la
lámpara
eléctrica,
produciéndose
progresos

espectaculares
en
las
comunicaciones.
Además
del
ferrocarril,
se
construyen
los
grandes
transatlánticos
de

vapor,
y
ya
a
inicios
del
siglo
XX
aparecen
los
primeros
automóviles.
Asimismo
se
desarrolla
la
Revolución

Industrial
en
Europa.
Había
surgido
ya
en
Inglaterra
en
el
siglo
XVIII.
Las
consecuencias
del
desarrollo
industrial

fueron
profundas
en
la
sociedad,
la
economía
o
el
arte.
En
el
terreno
del
arte
y
la
cultura
el
siglo
XIX
es

extraordinariamente
rico
con
el
surgimiento
de
diversos
movimientos
artísticos
como
el
Romanticismo,
el

Realismo,
el
Impresionismo,
el
Postimpresionismo
y
toda
una
serie
de
revivals
e
historicismos
(neogótico,

neobarroco,
etc.)

Por
último,
y
muy
en
relación
con
la
industrialización,
los
países
europeos
inician
una
frenética
lucha
por
el

control
de
los
territorios
y
recursos
de
otros
continentes:
es
el
periodo
de
formación
de
los
grandes
imperios

coloniales
(Inglaterra,
Francia,
etc.)

España
comienza
el
siglo
trágicamente
con
la
invasión
de
los
franceses
en
1808
(Guerra
de
la
Independencia)
y

termina
con
el
Desastre
de
1898
(pérdida
de
las
últimas
colonias
españolas:
Cuba,
Puerto
Rico,
Filipinas).

El
Romanticismo
es
una
corriente
cultural
y
artística
de
origen
alemán
que
se
desarrolla
en
Europa
durante
la

primera
mitad
del
siglo
XIX,
aunque
sus
orígenes
se
encuentran
ya
en
el
siglo
XVIII.
Más
que
un
estilo

propiamente
dicho
es
una
“manera
de
sentir”.
Vinculado
a
la
filosofía,
concretamente
al
Círculo
de
Jena,
empezó

siendo
una
teoría
filosófica,
un
movimiento
artístico
y
una
actitud
existencial.
Presenta
implicaciones
en
todas
las

artes
de
la
época,
fundamentalmente
la
literatura,
la
música
y
la
pintura.
Es
de
tal
complejidad
que
más
que
de

Romanticismo
podríamos
hablar
de
Romanticismos.
El
genuino
término
romántico
tiene
poco
que
ver
con
la
consideración
que
le
damos
hoy.

Etimológicamente
la

palabra
Romanticismo
requiere
cierta
clarificación
semántica.
Supuestamente
proviene
del
francés
roman

1

Recordemos
que
la
época
contemporánea
abarca
los
siglos
XIX,
XX
y
XXI.

3
(‘novela’).
De
este
modo,
el
término
aludiría
a
la
ficción,
a
lo
novelesco,
frente
al
predominio
de
la
razón
de
la

Ilustración.

Como
afirma
el
crítico
literario
José
Carlos
Mainer2
,
el
término
romántico
tiene
en
la
actualidad
un
uso
degradado,

claramente
derogatorio
y
peyorativo
de
lo
que
fue
el
Romanticismo.

Hoy
entendemos
por
una
persona

romántica
a
alguien
soñador
y
fantasioso
que
se
escabulle
de
la
realidad
que
le
rodea,
con
tendencias
cursilonas.

Pero
no
debemos
olvidar,
que
el
Romanticismo
será
la
base
de
la
conciencia
revolucionaria
y
punto
de
partida,

además,
de
movimientos
políticos
nacionalistas
y
de
totalitarismos
de
toda
laya
o
condición.3

Los
rasgos
esenciales
del
Romanticismo
son:

*En
primer
lugar,
el
común
denominador
de
esta
corriente
cultural
es
el
ansia
de
libertad.
Exaltan
los

sentimientos
de
rebeldía,
de
libertad
artística
y
política.

*En
el
romanticismo
encontramos
una
supremacía
del
sentimiento
sobre
la
razón
y
por
ello
exaltan
la

sensibilidad,
la
imaginación
y
las
pasiones.
Rechazan
el
sometimiento
a
las
normas.
Subrayan
el
individualismo
y

la
subjetividad
del
artista,
su
“propio
yo”.
Creen
en
el
mito
del
artista
como
genio
solitario,
frecuentemente

incomprendido
y
fracasado.

*Les
fascina
la
Edad
Media
–su
arte
y
su
literatura-‐
y
reivindican
los
nacionalismos.
De
hecho,
hay
una
clara

conexión
entre
el
auge
de
los
nacionalismos
y
el
Romanticismo,
particularmente
en
Alemania
e
Italia
que

culminaron
en
esta
etapa
su
proceso
de
unificación.

*Asimismo,
sienten
predilección
por
todo
lo
exótico
y
oriental.
Los
románticos
ya
no
viajaban
sólo
a
Italia,
como

habían
hecho
hasta
entonces.
Sus
destinos
son
otros:
Turquía,
Marruecos,
Argelia
o
España,
que
se
puso
de

moda
en
toda
Europa
como
prototipo
de
un
exotismo
cercano.
Así
por
ejemplo,
muchos
románticos
ingleses,

franceses
y
alemanes
viajan
a
nuestro
país
(la
Alhambra,
etc.)
fascinados
por
“los
turcos
de
Europa”,
es
decir,
los

españoles.

*Los
artistas
románticos
son
unos
eternos
inadaptados,
siempre
descontentos
y
siempre
rompiendo
con
las

convenciones
sociales.
Así,
sienten
especial
interés
por
temas
como
la
muerte,
la
locura,
el
suicidio,
el
mundo
de

los
sueños,
lo
irracional.
En
este
sentido,
van
a
ser
un
precedente
del
Surrealismo
y
de
otros
ismos.

*La
nómina
de
artistas
románticos
es
ingente.
Entre
los
escritores
destacamos
Lord
Byron
en
Inglaterra,
Victor

Hugo
en
Francia,
Novalis
en
Alemania,
Larra
y
Bécquer
en
España,
etc.

Sobre
Lord
Byron
(Londres,
1788-‐Missolonghi,
1824),
paradigma
del
artista
romántico,
concretamente
poeta,
hay

que
señalar
que
su
auténtico
nombre
era
George
Gordon
Noel
y
que
ganó
una
gran
notoriedad
por
su

escandalosa
vida
privada
–según
los
parámetros
burgueses
de
la
época-‐
ya
que
era
bisexual,
tuvo
una
hija
con
su

hermanastra,
acumuló
numerosas
deudas...
Fue
un
célebre
escritor
que
viajó
sin
descanso
por
Europa,

especialmente
por
el
Meditarráneo
(Italia,
Grecia…).
Luchó
apoyando
a
los
griegos
en
su
guerra
de

independencia
contra
los
turcos
otamanos.
Murió
en
1824
en
Missolonghi,
actual
Grecia,
fruto
de
unas
fiebres.
Su

muerte
fue
muy
sentida
en
Inglaterra.
Una
de
sus
obras
más
conocidas
fue
“Don
Juan”.
Lord
Byron
ejemplifica

también
la
figura
del
dandi,
como
Beau
Brummel,
caracterizados
por
su
refinado
y
excéntrico
gusto
en
el
vestir.

En
conclusión,
tal
vez
la
figura
de
lord
Byron
sea
más
importante
que
su
propia
obra
literaria.
Es
un
rasgo
que

comparte
con
otros
escritores.
Y
es
que
es
difícil
separar
al
personaje
de
su
obra
y
a
la
persona
del
personaje.

2

A
este
respecto,
puede
consultarse
la
conferencia
de
dicho
autor
en
la
web
de
la
Fundación
March
de
Madrid
“Romanticismo
o
Romanticismos”
(26-‐02-‐
2009).

3

Consúltese
la
conferencia
del
catedrádico
de
Filosofía
Javier
Hernández
-‐Pacheco
en
la
Fundación
March
sobre
“El
Círculo
de
Jena
o
la
filosofía
romántica”:
http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=22605

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

4

2.
LAS
BELLAS
ARTES
Y
EL
ROMANTICISMO

Más
que
propiamente
un
“estilo”
artístico,
el
Romanticismo
fue
“una
manera
de
sentir”,
una
actitud
vital

rebelde,
escapista
e
individualista,
que
valora
los
sentimientos
y
lucha
contra
los
valores
burgueses
establecidos,

sintiendo
fascinación
por
Oriente
y
la
Edad
Media,
el
mundo
de
los
sueños,
la
muerte
–incluido
el
suicidio-‐,
la

noche,
la
huida
a
paraísos
reales
o
ficticios,
la
subjetividad
del
artista…

Siendo
un
movimiento
cultural
básicamente
literario
y
filosófico,
también
es
cierto
que
tuvo
un
fuerte
impacto

en
el
arte
de
la
época.
La
conexión
con
la
música,
es
también
muy
evidente.
Aunque
sus
orígenes
cabe

rastrearlos
ya
desde
el
siglo
XVIII,
hará
eclosión
en
el
XIX
y
por
lo
tanto
aparecerá
ligado
a
los
revivals,

historicismos
y
eclecticismos
propios
de
la
época
decimonónica4
.

El
Romanticismo
no
afectó
por
igual
a
todas
las
artes.
Fundamentalmente
las
bellas
artes
que
se
vieron
más

influidas
por
el
espíritu
romántico
fueron
la
pintura
y
la
arquitectura.
La
arquitectura
la
estudiaremos
en
detalle

en
el
siguiente
tema.

La
pintura
del
Romanticismo

Por
lo
que
se
refiere
a
la
PINTURA
ROMÁNTICA,
se
caracteriza
por:

•
Predomina
el
color
sobre
el
dibujo,
la
mancha
domina
todo
el
cuadro.
En
general,
rechazan
la

pintura
academicista
neoclásica,
en
el
que
predomina
el
dibujo
y
la
sujeción
a
normas
pictóricas
muy

rígidas.

•
Las
composiciones
son
complejas,
dinámicas
y
desequilibradas
con
frecuentes
escorzos
y

figuras
llenas
de
dramatismo,
en
cierto
sentido
nos
recuerdan
al
Barroco.

•
El
paisaje
con
fuerte
carga
expresiva
de
estados
de
ánimo
adquiere
mucha
importancia.
Les

gustan
escenas
sublimes
y
pintorescas
con
frecuentes
los
paisajes
nubosos,
tormentosos,
con
naufragios,

etc.
La
identificación
del
hombre
con
la
naturaleza
circundante
es
esencial
en
el
Romanticismo.

•
Aparte
de
los
paisajes,
los
temas
preferidos
son
los
de
origen
oriental
(odaliscas…),

revoluciones
políticas,
escenas
costumbristas
y
folklóricas,

retratos,
y
temas
históricos.
Sienten

fascinación
por
la
Edad
Media,
que
reivindican
en
la
pintura,
arquitectura
(neogótico),
literatura,
etc..
La

pasión
por
las
ruinas
(edificios
de
arte
romano,
medievales…)
se
convierten
en
un
tema
romántico
por

excelencia.

•
La
conexión
arte-‐literatura
es
crucial
en
el
Romanticismo,
siendo
las
obras
literarias
de

diferentes
épocas
y
autores
fuente
esencial
de
inspiración
(Dante,

Shakespeare,

Lord
Byron,
Goethe,

Walter
Scott),
etc.

•
Valoran
mucho
la
creatividad
y
la
originalidad.
El
individualismo
propio
de
la
época
propició
que

los
pintores
no
trabajasen
de
encargo,
sino
conforme
a
los
dictados
de
su
imaginación,
expresándose
a

través
de
la
pintura,
sus
ideas
y
sentimientos
personales.

Los
pintores
románticos
son
muy
numerosos:
en
Francia
descuella
Delacroix
y
Géricault;
en
Inglaterra,
Turner;

en
Alemania,
Caspar
David
Friedrich
y
en
España
Eugenio
Lucas,
Leonardo
Alenza…
y
algunas
obras
de
Goya.

Goya
está
considerado
como
el
primer
pintor
romántico
español.

4

Relativa
al
siglo
XIX.

5

La
PINTURA
ROMÁNTICA
FRANCESA
tiene
en
THÉODORE
GÉRICAULT
(1791-‐1824)
y
EUGÉNE
DELACROIX
(1798-‐
1865)
a
sus
dos
principales
representantes.

GÉRICAULT
está
considerado
como
el
iniciador
del
Romanticismo
pictórico.
Su
obra
más
importante
es
la
balsa

de
la
Medusa.
La
historia
del
barco
francés
"Medusa"
fue
uno
de
los
sucesos
más
terribles
de
la
historia
Francia.

Un
barco
naufragó
frente
a
las
costas
africanas
y
un
pequeño
grupo
de
los
pasajeros
sobrevivió
gracias
a
una

balsa.
Una
fragata
de
la
marina
francesa
avistó
a
los
náufragos
pero
no
los
recogió.
Muchos
de
ellos
perecieron

de
hambre,
sed
e
insolación.
Algunos
sobrevivieron
comiendo
los
restos
de
los
cadáveres.
Finalmente,
un

carguero
los
encontró
y
los
llevó
a
salvo
a
Francia.
Esta
historia
fue
censurada
por
el
gobierno,
que
trató
de

impedir
que
que
se
conociera
por
la
prensa.

Géricault
quiso
con
este
cuadro
dejar
constancia
de
este
espeluznante
y
dramático
hecho.
Muestra
–casi
como

una
fotografía-‐
el
momento
en
el
que
los
náufragos
avistan
el
barco
que
les
va
a
salvar.
Después
de
dos
años
en

los
que
se
prohibió
su
exhibición
pública,
finalmente
se
expuso
en
una
institución
oficial
–el
Salón-‐,
causando
un

gran
escándalo.
Es
una
obra
que
recoje
la
esencia
del
Romanticismo:
dramatismo,
sentimientos
extremos,

predominio
del
color
sobre
la
mancha,
dinamismo,
escorzos…
Esta
pintura
mide
casi
cinco
metros
de
alto
y
más

de
siete
metros
de
ancho.
Para
documentarse
en
la
realización
de
esta
obra,
realizó
numerosos
bocetos
y

estudios
previos
de
cadáveres.
Como
curiosidad
señalaremos
que
el
joven
hombre
muerto
que
sostiene
el

anciano
del
manto
rojo
es
el
retrato
de
Delacroix,
íntimo
amigo
de
Géricault.
A
su
vez,
Delacroix,
retrató
a

Géricault
como
uno
de
los
muertos
en
el
infierno
que
cruza
su
Barca
de
Dante.

En
definitiva,
La
Balsa
de
la
Medusa
fue
el
cuadro
insignia
del
movimiento
romántico
francés,
en
el
que

el
ser

humano
desconocido
y
sufriente
aparece
como
el
verdadero
sujeto
y
protagonista
de
la
Historia,
como
veremos

también
en
las
pinturas
de
Goya
(Fusilamientos
del
3
de
mayo).

Eugène
DELACROIX:
Procedente
de
una
familia
burguesa,
culta
y
refinada,
era
altivo,
dandi
y
vanidoso.
Se

relacionó
con
otros
pintores,
músicos
y
escritores
románticos.
Sentía
fascinación
por
la
naturaleza,
la
historia
y
la

literatura,
el
exotismo
oriental,
los
retratos,
las
ruinas,
la
fantasía,
el
erotismo
y
lo
misterioso,
que
reflejó
a
la

perfección
en
sus
obras.

Las
conexiones
del
artista
con
España
y
la
pintura
española
van
más
allá
de
la

fascinación
orientalista
habitual
en
los
creadores
del
romanticismo
francés.
Delacroix
realizó
en
1832
un
viaje
a

España
que
marcaría
su
pintura
de
forma
indeleble
y
fue
uno
de
los
primeros
artistas
en
explorar
en
profundidad

el
potencial
expresivo
de
los
Caprichos,
de
Goya,
de
los
que
realizó
diversas
copias.

De
este
viaje
por
España
dejó

constancia
en
sus
“Diarios”.
Visitó
Madrid
(el
Museo
del
Prado)
y
Andalucía.
Recordemos
que
España
se
convirtió

en
un
tema
pictórico
y
literario
del
Romanticismo,
por
su
carácter
exótico,
dado
su
pasado
islámico
y
la
belleza

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

6
de
sus
paisajes
y
monumentos.
De
hecho,
la
España
de
charanga
y
pandereta,
la
imagen
de
una
España
de
majas

y
toreros
se
debe
a
la
visión
que
sobre
nuestro
país
dejaron
pintores
y
escritores
franceses,
alemanes,
ingleses…

ligados
al
Romanticismo.
Tendían
a
identificar
casi
en
exclusiva
Andalucía
con
España,
obviando
el
resto
de

regiones.

Delacroix
también
viajó
por
el
norte
de
África
buscando
inspiración
para
sus
pinturas.

La
pintura
de
Delacroix
no
se
entienden
sin
el
influjo
de
la
pintura
renacentista
(Tiziano)
y
barroca
(Rubens,

Rembrandt,
Velázquez,
Murillo).
Adoraba
la
obra
de
Miguel
Ángel,
su
principal
influencia,
aunque
solo
la
conocía

a
través
de
grabados.
Su

pincelada
es
muy
suelta,
abocetada
y
matérica.
Elige
siempre
los
momentos
más

tensos
y
expresivos,
con
predominio
del
color
sobre
el
dibujo.

Ejemplos
relevantes
de
la
producción
pictórica
de
Delacroix
son
la
muerte
de
Sardanápalo,
Mujeres
de
Argel
y
la

Libertad
guiando
al
pueblo.

La
muerte
de
Sardanápalo
es
un
cuadro
que
se
basa
en
un
escrito
de
Lord
Byron.
Este
romántico
inglés
fue
una

importante
fuentes
de
inspiración
para
Delacroix.

Esta
pintura
de
raíz
tan
literaria
cuenta
la
siguiente
historia:
unos
esclavos
matan
a
las
concubinas
de
un
tirano

antes
de
suicidarse
para
evitar
ser
saqueados
por
sus
enemigos.
Esta
terrible
escena
es
contemplada
de
forma

impávida
por
Sardanápalo
desde
su
lecho.
Escorzos,
dinamismo
y
violencia,
sentimientos
extremos,
compleja

composición,
fuertes
constantes
de
luz…
todo
ello
define
a
esta
obra
maestra
del
Romanticismo
francés.

Tampoco
hay
que
olvidar
el
gusto
por
el
preciosismo
en
la
representación
de
telas
y
joyas,
una
característica
muy

habitual
de
la
pintura
romántica.5

La
obra
más
conocida
de
Delacroix
es
la
libertad
guiando
al
pueblo.
Presenta

una
temática
revolucionaria.
La
mujer
que
simboliza
a
la
Libertad
aparece
con
el
torso
desnudo,
porta
en
su

mano
derecha
la
bandera
tricolor
francesa
y
en
la
izquierda
un
rifle.
Le
acompañan
miembros
de
las
diferentes

clases
sociales
-‐
un
obrero
con
una
espada,
un
burgués
con
sombrero
de
copa
portando
una
escopeta,
un

adolescente
con
dos
pistolas,
etc.
-‐
para
manifestar
que
en
el
proceso
revolucionario
ha
existido
amplia

participación.
A
los
pies
de
la
Libertad,
un
moribundo
la
mira
fijamente
para
señalar
que
ha
merecido
la
pena

luchar.
Con
esta
obra,
Delacroix
pone
de
manifiesto
su
ideología
y
su
faceta
de
pintor
de
su
tiempo.
La

composición
se
inscribe
en
una
pirámide
cuya
base
son
los
cadáveres
que
han
caído
en
la
lucha
contra
la
tiranía,

cadáveres
iluminados
para
acentuar
su
importancia.
La
vorágine
de
la
batalla
se
manifiesta
en
la
polvareda
que

difumina
los
contornos
e
impide
contemplar
con
claridad
el
grupo
de
figuras
que
se
sitúa
tras
la
Libertad.
Los

escorzos
y
el
movimiento
de
la
imagen
vuelven
a
recordar
el
Barroco,
igual
que
en
la
Matanza
de
Quíos
o
la

Muerte
de
Sardanápalo.
Con
esta
obra
celebró
la
revolución
burguesa
de
1830
que
provocó
la
caída
de
Carlos
X
y

la
llegada
al
poder
del
rey
Luis
FelipeI
de
Orléans6
.

Los
cuerpos
muertos
nos
remiten
a
los
de
la
Balsa
de
la

Medusa
de
Géricault.

Delacroix
murió
en
Paris.
Fue,
quizá,
el
pintor
del
siglo
XIX
más
preocupado
por
los
problemas
de
la
técnica

pictórica.
Su
influencia
marcó
a
los
impresionistas,
a
Millet,
a
Van
Gogh,
sobre
todo,
en
la
primacía
del
color

sobre
la
línea.
Muchas
de
sus
obras
se
encuentran
en
el
Museo
del
Louvre
de
Lens
–una
filial
del
Louvre
de
París-‐

En
París
se
conserva
su
deliciosa
casa-‐museo.
http://www.musee-‐delacroix.fr/

ANTOINE-‐JEAN
GROS
(1771-‐1835)
fue
un
pintor
parisino
vinculado
al
neoclasicismo-‐romanticismo.
Realizó

impresionantes
retratos
y
pinturas
de
historia.
Fue
discípulo
de
Jacques-‐Louis
David.
Su
obra
“Visita
de
Napoleón

a
los
apestados
de
Jaffa”
fue
fuente
de
inspiración
para
la
“Matanza
de
Quíos”
de
Delacroix.
Gros
se
suicidó

arrojándose
al
río
Sena,
cansado
de
la
vida.

5

Esta
pintura
suscitó
rechazo
por
parte
de
autoridades
y
artistas
cuando
fue
presentada
en
el
Salón
de
1828,
llegándole
incluso
a
sugerir
que
cambiara
de

estilo
si
quería
recibir
encargos
oficiales.
Pese
a
ello,
es
un
ejemplo
paradigmático
del
Romanticismo.

6

Sobre
esta
obra,
Delacroix
escribió
a
su
hermano
en
1830:
“J´ai
entrepris
un
sujet
moderne,
une
barricade,
et
si
je
n´ai
pas
vaincu
pour
la
patrie,
au
moins,

peindrais-‐je
pour
elle”

7

CASPAR
DAVID
FRIEDRICH

Caspar
David
Friedrich
(1774-‐1840)

es
el
máximo
representante
del
Romanticismo
pictórico
en
Alemania,
y
uno

de
los
más
importantes
pintores
de
la
época
en
Europa,
junto
a
Goya,
Delacroix,
Turner
o
Constable.

Un
hecho
traumático
le
marcó
de
por
vida:
cuando
tenía
trece
años
volcó
una
pequeña
embarcación
y
Caspar

David
cayó
al
agua.
Su
hermano
se
lanzó
a
salvarle
pero
murió
en
el
intento
ante
la
aterrada
mirada
de
su

hermano
superviviente.
Caspar
David
fue
educado
en
un
ambiente
muy
religioso
de
carácter
luterano7
.

Durante
1800-‐1808,
Friedrich
realizó
numerosas
obras
de
estudio,
xilografías
y
dibujos,
en
las
que
los
motivos

predominantes
son
figuras
solitarias,
melancólicas,
o
árboles
muertos,
cuyo
fondo
se
halla
impregnado
del
Sturm

und
Drang8

romántico.

Friedrich
innova
con

a
su
nueva
concepción
del
paisaje,
al
que
confiere
un
carácter
casi
religioso.
Buscaba

suscitar
emociones
con
sus
imágenes
de
figuras
solitarias
en
paisajes
tormentosos
o
deslumbrantes.
Buscaban
la

comunión
con
la
naturaleza.
El
arte
para
él
era
una
vehículo
de
emoción
de
sentimientos.

Friedrich
gozó
de
gran
fama
en
su
época
–desde
dirigentes
político
alemananes
al
zar
de
Rusia,
Goethe,
y
los
más

célebres
escritores
y
pensadores
del
momento-‐
aunque
con
el
paso
del
tiempo,
se
produjo
el
progresivo

hundimiento
de
su
popularidad.
Su
delicada
salud
al
final
de
su
vida
le
volvió
más
taciturno
y
triste.
Cada
vez

estaba
más
ailado
y
era
más
pobre.
Sus
últimas
obras,
básicamente
dibujos,
se
limitan
a
ruinas,
costas
rocosas,

ataúdes…
Su
fortuna
crítica
ha
sido
oscilante:
Friedrich
cayó
en
el
más
completo
de
los
olvidos
durante
el
siglo

XIX.
Habríamos
de
esperar
al
siglo
XX
y
la
llegada
del
arte
de
vanguardia
para
que
fuera
justamente
valorado
y

reivindicado.
Su
influencia
se
hará
presente
desde
el
Romanticismo
hasta
el
Surrealismo,
el
movimiento
que
más

afirmó
su
influjo
(Max
Ernst,
René
Magritte).

También
en
el
Expresionismo
alemán,
el
arte
abstracto,
etc.

El
alemán
KARL
FRIEDRICH
SCHINKEL
(1781-‐1841)
fue
no
solo
arquitecto
y
urbanista9

–ligado
al
neoclasicismo
y
al

neogótico-‐,
sino
también
pintor
y
diseñador
de
muebles.
Como
arquitecto,
se
inspiraba
más
en
Grecia
que
en

Roma.
Cuando
vió
en
Berlín
la
obra
de
Friedrich
–Paseante
sobre
un
mar
de
nubes

(1810)
-‐
decidió
dejar
la
pintura

–ya
que
pensaba
que
nunca
alcanzaría
la
maestría
de
Friedrich-‐
y
se
centró
en
la
arquitectura.

7
Fue
amigo
de
Goethe,
con
el
que
mantuvo
una
tensa
relación
que
terminó
por
sus
diferencias
en
la
concepción
del
arte.

8

Movimiento
prerrománico
alemán.
Se
puede
traducir
por
“tormenta
e
ímpetu”.

9

Remodeló
la
ciudad
de
Berlín.
Como
arquitecto
neogótico,
renovó
y
reconstruyó
el
Castillo
Rosenau
de
Coburgo.

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

8

WILLIAM
TURNER

El
paisajismo
inglés
del
Romanticismo
tiene
como
máximos
representantes
a
Turner
y
Constable.

Turner
nació
en
1775
en
Londres
y
murió
en
1851.
Turner
utilizaba
el
paisaje
como
vehículo
para
abordar
los

grandes
temas
de
la
pintura
(luz,
efectos
atmosféricos,
color,
perspectiva).

Turner
solía
tomar
notas
para
sus
cuadros
–bocetos
y
dibujos-‐-‐.
Los
encargos
por
parte
de
aristócratas

londinenses
le
permitieron
amasar
una
una
pequeña
fortuna,
llegando
a
convertirse
en
el
pintor
favorito
del

gran
público,
incluso
de
la
realeza,
en
especial
por
sus
paisajes
(década
de
los
años
20
del
siglo
XIX).

Sus
fuentes
de
inspiración
abarcan
la
pintura
renacentista
italiana
y
la
pintura
barroca,
en
especial
Rembrandt,

así
como
los
franceses
Poussin
o
Claudio
de
Lorena
(también
llamado
Claude
Lorrain).
Viajó
a
París
donde
quedó

fascinado
ante
las
obras
maestras
del
Louvre,

que
se
dedicará
a
copiar
con
fruición
(pintores
renacentistas
y

barrocos).
Realizó
asimismo,
diversas
estancias
en
Italia
(Turín,
Milán,
Venecia,
Roma,
Nápoles…)
fuente
de

inspiración
inagotable
para
su
producción
artística10
.

Turner
paulatinamente
fue
caminando
hacia
la
abstracción11
.

Legó
su
producción
artística
a
Inglaterra
con
la
condición
de
que
le
dedicaran
un
museo,
y
tras
muchas
vicisitudes,

se
construyó
la
Tate
Gallery
en
Londres
con
una
impresionante
colección
de
sus
obras
(320
óleos
y
más
de

19.000
acuarelas
y
esbozos).
Se
inauguró
en
1987.

JOHN
CONSTABLE
(1776-‐1837)
fue
un
pintor
destacado
y
un
tanto
atípico
del
paisajismo
romántico
inglés,
ya
que

no
se
limitó
a
pintar
paisajes
“románticos”
(ruinas,
tormentas,
naufragios…)
sino
que
también
representó

escenas
campestres
de
la
vida
cotidiana.

Alcanzó
un
gran
éxito
en
Francia,
donde
vendió
más
obras
que
en
su
Inglaterra
natal.
Solía
pintar
y
dibujar
al
aire

libre.
Asistía
a
clases
de
pintura
y
a
disecciones
anatómicas.
Como
Turner,
estudiaba
y
copiaba
a
los
grandes

maestros
(especialmente
a
Claude
Lorraine).
Confería
en
sus
paisajes
una
gran
importancia
a
la
luz,
el
color
y
la

pincelada
pastosa.
Influyó
en
artistas
contemporáneos
de
su
época
como
los
románticos
Géricault
y
Delacroix,

así
como
en
los
pintores
franceses
de
la
Escuela
de
Barbizon,
germen
de
los
futuros
impresionistas
que
también

acusaron
su
influjo.

10

De
regreso
a
Londres
en
1820,
puso
de
manifiesto
lo
aprendido
en
uno
de
sus
viajes
a
Italia
en
el
cuadro
titulado
Roma
vista
desde
el
Vaticano
donde
hace

un
sentido
homenaje
a
Rafael.

11

De
hecho,
llegaba
incluso
a
tener
que
clavar
un
clavo
en
el
marco
para
que
se
supiese
cuál
era
la
parte
de
arriba
al
enviarlos
a
las
exposiciones.

9

THOMAS
COLE
(1801-‐1848)
fue
un
paisajista
estadounidense
de
origen
inglés
que
realizó
también
pinturas
de

historia
y
de
otros
temas
(retratos,
etc.).
Está
considerado
el
primer
gran
paisajista
de
Estados
Unidos.
Vinculado

al
Romanticismo,
fue
el
fundador
de
la
Hudson
River
School,
un
movimiento
artístico
que
floreció
a
mediados
del

siglo
XIX.
En
sus
obras
reflejó
la
belleza
de
los
paisajes
de
Estados
Unidos.
Viajó
a
Inglaterra
y
a
Italia
(Grand
Tour)

y
estudió
allí
la
pintura
paisajística
de
los
grandes
maestros.

FRANCISCO
DE
GOYA
Y
LUCIENTES
nació
en
el
seno
de
una
familia
humilde
en
Fuendetodos
(Zaragoza)
en
1746.

Pronto
se
trasladó
con
su
familia
a
Zaragoza.
Allí
estudió
en
el
taller
de
un
pintor
tardobarroco,
José
Luzán.
En

este
taller
conoció
a
los
hermanos
Bayeu,
muy
importantes
para
su
carrera
profesional.
En
1763
se
trasladó
a

Madrid
con
el
deseo
de
hacer
fortuna
en
la
capital
como
pintor
de
la
Corte.
En
Madrid
trabajará
en
el
taller
de

Francisco
Bayeu.
Viajó
a
Italia
y
después
de
su
estancia
italiana
volvió
a
Zaragoza
donde
recibió
sus
primeros

encargos
dentro
de
una
temática
religiosa
y
un
estilo
totalmente
académico.

En
1773
Goya
contrae
matrimonio

en
Madrid
con
Josefa
Bayeu,
hermana
de
Francisco
y
Ramón
Bayeu.

Los
primeros
encargos
que
recibe
en
la
Corte
son
gracias
a
esta
relación.
Su
destino
sería
la
Real
Fábrica
de

Tapices
de
Santa
Bárbara,
para
la
que
Goya
deberá
realizar
cartones,
es
decir,
bocetos
que
después
se

transformarán
en
tapices.
La
relación
con
la
Real
Fábrica
durará
18
años
y
en
ellos
realizará
sus
cartones
más

preciados:
El
Quitasol,
La
Vendimia
y
un
largo
etcétera.

En
1780
ingresa
en
la
Academia
de
Bellas
Artes
de

San

Fernando
de
Madrid.
En
esta
ciudad,
inicia
su
faceta
retratística
que
le
servirá
para
abrirse
camino
en
la
alta

sociedad
española.
Buen
ejemplo
son
los
magistrales
retratos
de
los
Duques
de
Osuna,
la
condesa
de
Chinchón
o

la
Duquesa
de
Alba.
Fue
pintor
de
los
reyes
Carlos
III
y
Carlos
IV.
Su
relación
con
el
rey
Carlos
IV
fue
muy
estrecha

y
éste
le
nombró
Pintor
de
Cámara
en
1789.
Cobra
honorarios
elevados
y
se
añade
el
“de”
a
su
apellido,
dándose

así
ínfulas
de
personaje
noble
y
gran
artista.
Pero
en
1792
cae
enfermo,
se
desconoce
cuál
fue
su
enfermedad,

pero
le
dejará
una
secuela
de
por
vida:
se
queda
sordo.
La
sordera
le
aislará
y
propiciará
que
su
carácter
sea
más

avinagrado
y
retraido.

Las
influencias
en
la
obra
pictórica
de
Goya
proceden
de
la
pintura
italiana,
Rembrandt,
la
pintura
coetánea

inglesa
y
por
supuesto,
la
escuela
española,
en
especial
Velázquez,
al
que
tratará
de
emular
con
el
retrato
que

realizó
de
la
familia
real
y
que
nos
remite
a
Las
Meninas
velázqueñas.

Su
producción
artística
experimentó
diversas
etapas:
hay
un
primer
Goya
tardobarroco
y
rococó
–de
estilo
suave,

adulador
y
tonos
pasteles-‐,
a
continuación
un
Goya
neoclásico
–de
líneas
más
depuradas
y
que
se
aprecia
en

detallas
como
la
indumentaria
o
las
joyas
presentes
en
los
retratos
que
realiza-‐;
un
Goya
romántico
–que
se
deja

llevar
por
el
sentimiento
extremo
y
la
subjetividad,
a
la
vez
que
otorgo
el
protagonismo
al
pueblo
como
sujeto
y

objeto
del
arte-‐;
hay
también
un
Goya
precedente
del
Impresionismo
–como
vemos
en
la
pincelada
suelta
y

pastosa
de
La
lechera
de
Burdeos,
realizada
un
año
antes
de
su
muerte;
y
finalmente,
el
Goya
más
bronco
y

dramático,
claro
precedente
del
Expresionismo
y
el
arte
de
vanguardia,
el
Goya
de
las
pinturas
negras.
Sin
esta

última
etapa,
Goya
quizá
no
habría
pasado
a
la
posteridad
con
la
importancia
y
relevancia
que
tiene
en
la
Historia

del
Arte.
En
definitiva,
es
una
de
las
figuras
claves
de
la
pintura
española
de
todos
los
tiempos,
y
artista
seminal

de
lo
que
será
el
arte
de
vanguardia,
desde
el
Impresionimo
–la
obra
del
“padre”
del
Impresionismo
Édouard

Manet
no
se
entiende
sin
su
influencia-‐
hasta
el
Expresionismo,
Surrealismo,
etc.

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

10
Por
último,
hay
que
señalar
que
junto
con
Durero,
Rembrandt
o
Picasso,
forma
parte
del
elenco
de
grandes

grabadores
de
la
historia,
como
podemos
ver
en
sus
grabados
de
los
Caprichos
–donde
critica
de
una
manera

ácida
y
despiadada
a
la
socidad
de
su
tiempo-‐
o
Los
Desastres
de
la
Guerra
–donde
plasma
el
horror
de
la
guerra

de
la
Independencia
contra
los
franceses-‐.

La
Familia
de
Carlos
IV
es
el
ejemplo
más
paradigmático
de
la
influencia
de
Velázquez
en
Goya.
Gracias
a
las

cartas
de
la
reina
María
Luisa
de
Parma
a
Godoy
conocemos
paso
a
paso
la
concepción
del
cuadro.
La
obra
fue

realizada
en
Aranjuez
en
1800.
En
ella
aparece
retratada
la
familia
real
al
completo12
.
El
propio
pintor
se

autorretrata
pintando,
emulando
al
Velázquez
de
las
Meninas.
Como
el
gran
cuadro
de
Velázquez,
esta
pintura
es

de
gran
tamaño.
El
artista
muestra
a
los
personajes
como
si
de
un
friso
se
tratara,
en
tres
grupos
para
dar
mayor

movimiento
a
la
obra;
así,
en
el
centro
se
sitúan
los
monarcas
con
sus
dos
hijos
menores;
en
la
derecha,
el
grupo

presidido
por
el
príncipe
heredero
realizado
en
tonalidades
frías,
mientras
que
en
la
izquierda
los
Príncipes
de

Parma,
en
una
gama
caliente.
Todas
las
figuras
están
envueltas
en
una
especie
de
niebla
dorada
que
es
un
punto

de
conexión
más
con
La
familia
de
Felipe
IV.
Goya
quiere
plasmar
la
personalidad
de
los
retratados,

fundamentalmente
de
la
reina,
verdadera
protagonista
de
la
composición,
y
la
del
rey,
de
carácter
más
abúlico
y

ausente.
Estilísticamente
destaca
la
pincelada
tan
suelta
empleada
por
Goya;
desde
una
distancia
prudencial

parece
que
ha
detallado
todas
y
cada
una
de
las
condecoraciones,
pero
al
acercarse
se
aprecian
claramente
las

manchas.
Goya,
a
diferencia
de
Velázquez
en
Las
Meninas,
ha
renunciado
a
los
juegos
de
perspectiva
pero
gracias

a
la
luz
y
al
color
consigue
dar
variedad
a
los
volúmenes
y
ayuda
a
diferenciar
los
distintos
planos
en
profundidad.

Fue
la
primera
obra
de
Goya
que
entró
en
el
Museo
del
Prado,
siendo
valorada
en
1834
en
80.000
reales.

Otras
obras
clave
de
Goya,
muy
conocidas
son:
la
Maja
vestida
y
la
Maja
desnuda;
el
Dos
de
Mayo;
los
Fusilamientos

del
Tres
de
Mayo
de
1808;
Los
Duques
de
Osuna;
la
Condesa
de
Chinchón;
el
Coloso;
las
Pinturas
Negras
(1820-‐22)
de

su
casa
de
las
afueras
de
Madrid,
donde
da
rienda
suelta
a
sus
miedos,
fantasías
macabras
y
sentimientos-‐;
la

lechera
de
Burdeos
(1827),
etc.

De
ideología
liberal
e
ilustrado
–en
cierta
medida
era
un
afrancesado
aunque
con
un
enorme
amor
por
España-‐

Goya
pasó
sus
últimos
años
de
vida
en
el
exilio,
en
Burdeos
(Francia),
donde
murió
en
1828
a
la
edad
de
82
años.

Está
enterrado
en
la
ermita
de
San
Antonio
de
la
Florida
de
Madrid,
donde
se
conservan
los
frescos
que
realizó

en
1789.

3.
LA
MÚSICA,
LA
ÓPERA

Y
LA
DANZA
EN
EL
ROMANTICISMO

Como
señalamos
anteriormente,
el
Romanticismo
propició
la
conexión
e
interrelación
entre
todas
las
artes.
Con

respecto
a
la
música,
la
cronología
abarca
el
período
comprendido
entre
los
años
1800-‐1890,
aunque
hay

12

De
izquierda
a
derecha,
los
siguientes
personajes:
Carlos
María
Isidro,
hijo
de
Carlos
IV
y
María
Luisa
de
Parma;
el
futuro
Fernando
VII,
hijo
primogénito
de

la
real
pareja;
Goya;
Doña
María
Josefa,
hermana
de
Carlos
IV;
un
personaje
desconocido
que
podría
ser
destinado
a
colocar
el
rostro
de
la
futura
esposa
de

Fernando
cuando
éste
contrajera
matrimonio,
por
lo
que
aparece
con
la
cabeza
vuelta;
María
Isabel,
hija
menor
de
los
reyes;
la
reina
María
Luisa
de
Parma

en
el
centro
de
la
escena,
como
señal
de
poder
ya
que
era
ella
la
que
llevaba
las
riendas
del
Estado
a
través
de
Godoy;
Francisco
de
Paula
de
la
mano
de
su

madre,
de
él
se
decía
que
tenía
un
indecente
parecido
con
Godoy;
el
rey
Carlos
IV,
en
posición
avanzada
respecto
al
grupo;
tras
el
monarca
vemos
a
su

hermano,
Don
Antonio
Pascual;
Carlota
Joaquina,
la
hija
mayor
de
los
reyes,
sólo
muestra
la
cabeza;
cierra
el
grupo
D.
Luis
de
Parma;
su
esposa,
María
Luisa

Josefina,
hija
también
de
Carlos
IV;
y
el
hijito
de
ambos,
Carlos
Luis,
en
brazos
de
su
madre.
Todos
los
hombres
retratados
portan
la
Orden
de
Carlos
III
y

algunos
también
el
Toisón
de
Oro,
mientras
que
las
damas
visten
a
la
moda
Imperio
y
ostentan
la
banda
de
la
Orden
de
María
Luisa.
Carlos
IV
también
luce

la
insignia
de
las
Ordenes
Militares
y
de
la
Orden
de
Cristo
de
Portugal.

11
corrientes
que
presentan
características
románticas
antes
de
estas
fechas
y
en
algunos
países
se
extenderá
hasta

bien
entrado
el
siglo
XX.

Las
notas
distintivas
de
la
música
vinculada
al
Romanticismo
son:

*Carácter
nacionalista:
la
música
del
Romanticismo,
según
los
diversos
países,
suele
tener
rasgos
políticos
e

identitarios
de
las
diversas
naciones
europeas.
Es
el
caso
especialmente
de
Alemania
e
Italia,
países
que

consiguieron
su
unificación
en
pleno
siglo
XIX.
El
nacionalismo
afectará
a
todas
las
artes
y
muy
en
especial
a
la

música.

*Superación
del
Clasicismo
–la
etapa
anterior-‐.
Los
artistas
románticos
desean
romper
con
las
rígidas
normas
del

Clasicismo,
y
buscan
nuevas
formas
de
expresión
que
les
permitan
dar
rienda
suelta
a
su
impulso
creador.
En
esta

época
de
anhelo
de
libertad.
Crean
obras
para
un
público
que
en
ocasiones
les
adora,
aunque
no
siempre13
.

*Exaltación
de
los
sentimientos
y
las
pasiones.
Este
rasgo
es
muy
carácterístico
de
la
ópera
de
esta
etapa
y
de

algunas
composiciones
musicales,
de
fuerte
lirismo.
La
música
es
la
correa
de
transmisión
de
los
sentimientos.
El

piano
se
configura
con
el
instrumento
estrella
de
esta
etapa.

*Brilla
la
subjetividad
del
artista,
considerado
en
ocasiones
como
un
auténtico
genio.

*
Aparición
de
nuevos
géneros,
como
el
lied,
los
poemas
sinfónicos
o
el
drama
musical
(ópera
de
Wagner).

Recordemos
que
el
lied
–en
plural
en
alemán
lieder-‐
son
composiciones
líricas
cantadas
por
un
solista
con

acompañamiento
instrumental
del
piano.

*Búsqueda
de
la
unión
de
todas
las
artes,
es
decir,
la
obra
de
arte
total
o
Gesamtkunstwerk
que
aúna
música,

literatura,
danza,
escenografía,
etc.

*La
vida
musical
europea
experimentó
en
esta
etapa
un
periodo
de
gran
intensidad
en
torno
a
ciudades
como

París,
Viena,
Londres,
etc.
Los
escenarios
eran
muy
diversos,
desde
teatros
paradigmáticos
de
la
época
(como
la

Scala
de
Milán,
inaugurado
en
1788)
a
salones
privados
donde
se
llevaban
a
cabo
veladas
musicales.

*Etapas:

Prerromanticismo
(1800-‐1830):
Beethoven
será
la
figura
clave,

bisagra
entre
el
Clasicismo
y
el
Romanticismo.
En

esta
etapa
destaca
también
Schubert14
,
que
logrará
la
expresión
plena
del
lirismo
romántico
en
sus
piezas
para

piano
y
en
los
lieder.
Beethoven
y
Schubert
fueron
consumados
pianistas
como
muchos
de
los
compositores
de

su
época.
De
ahí
que
en
sus
obras
incorporaran
de
inmediato
los
recursos
técnicos
que
ofrecía
el
instrumento,
en

vertiginosa
evolución
desde
su
invención
décadas
atrás.

Romanticismo
pleno
(1830-‐1850):
es
la
etapa
de
la
plenitud
del
romanticismo
musical,
que
se
difunde
por
toda

Europa.
La
capital
de
la
música
del
Romanticismo
es
París.
Es
la
época
del
virtuosismo
instrumental
con
autores

como
Franz
Listz
(piano)
o
Paganini
(violín).

Romanticismo
tardío
(1850-‐1890):
en
esta
etapa
triunfa
la
ópera
alemana
con
Wagner
y
la
italiana
con
Verdi

entre
otros.
Entre
los
compositores
descuella
Brahms.

13

Algunos
músicos
componen
sus
obras
motu
propio,

sin
encargos
previos,
lo
que
propiciará
la
ruina
de
muchos
de
ellos.

14

Como
asegura
Luis
Gago,
Franz
Schubert
representa
un
caso
único
en
la
historia
de
la
música.
Fue
casi
coetáneo
de
Ludwig
van
Beethoven
pero,
al

contrario
que
él,
no
gozó
prácticamente
de
ningún
reconocimiento
en
vida.
Los
dos
vivieron
toda
su
vida
adulta
en
Viena,
uno
como
el
compositor
más

famoso
y
rupturista
de
su
tiempo,
y
el
otro
luchando
infructuosamente
para
que
se
reconociera
su
genio
y
se
publicaran
e
interpretaran
sus
obras.
La

temprana
muerte
de
Schubert
y
la
rápida
eclosión
del
Romanticismo
musical
contribuyeron
aún
más
a
que
gran
parte
de
su
música
permaneciera
en
el

olvido
durante
décadas,
valorada
y
apreciada
sólo
por
un
reducido
círculo
de
entendidos,
con
varios
de
los
grandes
compositores
románticos
a
la
cabeza.

Sólo
a
mediados
del
siglo
XX
empezó
a
cobrarse
conciencia
de
la
verdadera
dimensión
y
de
la
semilla
de
futuro
de
sus
creaciones,
valorándose
no
sólo
sus

Lieder
(compuso
más
de
seiscientos),
los
que
más
fama
le
reportaron
en
su
tiempo,
sino
también
sus
innovaciones
armónicas.

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

12
Ludwig
van
Beethoven
(1770-‐1827)

Ludwig
van
Beethoven
es,
probablemente,
el
más
célebre
compositor
del
período
romántico
y
uno
de
los

grandes
músicos
de
todos
los
tiempos.
Ejemplifica
el
ideal
de
genio
romántico,
de
gran
éxito
en
vida,
pero

marcado
por
la
sordera
que
empañó
sus
últimos
años,
como
le
ocurrió
a
Goya.
Ha
sido
una
figura
mítica
del

nacionalismo
alemán.
Su
pervivencia
en
nuestra
cultura
innegable,
como
lo
demuestra
el
hecho
de
que
sean

habituales
los
conciertos
de
sus
composiciones
y
sean
numerosas
las
películas
sobre
su
vida
y
obra15
.

Beethoven
nació
en
Bonn
(Alemania)
en
1770.
Allí
se
conserva
su
casa-‐museo.
Murió
en
1827.
Tuvo
una
infancia

dificil
ya
que
su
padre
era
alcohólico
y
violento.
Al
descubrir
el
talento
musical
de
su
hijo
le
impuso
un
estricto

régimen
de
estudios
de
piano.
En
Viena
conoció
a
Mozart,
y
posteriormente
a
Haydn,
quien
lo
invitó
a
estudiar

con
él
en
la
capital
austriaca
donde
acude
en
1792
para
instalarse
definitivamente.
En
1801
comienzan
los

primeros
síntomas
de
sordera,
a
los
que
seguirán
problemas
psicológicos,
por
lo
que
en
1812
redacta
el
conocido

como
Testamento
de
Heiligenstadt,
casi
al
borde
del
suicidio.
De
espíritu
perfeccionista,
hizo
múltiples

correcciones
de
sus
manuscritos,
por
lo
que
su
catálogo
de
obras
no
es
tan
abundante
como
cabría
esperar.
Su

estilo
sinfónico
influiría
en
las
siguiente
generaciones
de
compositores
y
se
proyecta
hasta
bien
entrado
el
siglo

XX.

La
ópera

Durante
el
Romanticismo
la
ópera
experimenta
una
gran
desarrollo
y
se
convierte
en
el
espectáculo
preferido
de

la
burguesía.
La
ópera
es
el
arte
decimonónico
y
romántico
por
excelencia.
Se
construyen
teatros
por
toda

Europa
y
algunos
cantantes
se
convierten
en
verdaderos
divos
aclamados
por
el
público.

En
Italia,
cuna
de
la
ópera,
es
donde
surgen
las
principales
escuelas
que
marcarán
el
desarrollo
del
género

operístico
en
el
resto
de
Europa.
Podemos
destacar
dos
tendencias
operísticas
que
se
van
a
dar
a
lo
largo
del

Romanticismo:
Bel
Canto
y
Verismo.

*
BEL
CANTO:
Fue
una
etapa
–breve-‐
de
la
historia
de
la
música
caracterizada
porque
se
concede
más

importancia
a
la
melodía
–bellísimas-‐
que
al
ritmo
o
la
armonía.
Se
hace
hincapié
en
el
virtuosismo
vocal
de
los

cantantes
–las
voces
deben
sobresalir
sobre
la
orquesta-‐
y
en
el
dramatismo
emocional.
Son
ejemplos
de
esta

tendencia:
los
compositores
G.
Donizetti
con
"El
elixir
del
amor",
V.
Bellini
con
"Norma"
y
G.
Rossini
con
"EL

barbero
de
Sevilla".
Esta
ópera
fue
la
más
representada
en
todo
el
siglo
XIX.
Con
el
Bel
Canto
surgió
por
primera

vez
el
“do
de
pecho”
(utilizando
el
pecho
como
caja
de
resonancia
y
no
en
falsete).
G.
Dupré
fue
el
primero
en

conseguirlo.
Entre
las
melodías
más
conocidas
del
Bel
Canto
destacan
“una
furtiva
lágrima”
de
Donizetti
o
“Casta

diva”
de
Bellini.

*
VERISMO:
surge
a
finales
del
siglo
XIX
ligado
al
realismo
y
naturalismo
literario.
Oscilan
entre
el
realismo
y
el

romanticismo.
Los
máximos
representantes
de
este
tipo
de
ópera
son
P.
Mascagni
con
"Caballería
rusticana"
y
G.

Puccini
con
sus
impresionantes
óperas
"Tosca",
"
La
Bohème"
o
"Madame
Butterfly".

Giuseppe
Verdi
(1813-‐1901)

El
genio
de
la
ópera
italiana,
Giuseppe
Verdi
nace
en
Roncole
di
Busseto
(ducado
de
Parma
por
entonces)
en
1813

en
el
seno
de
una
familia
de
agricultores.
Durante
su
infancia
recibe
clases
de
música
del
organista
de
la
iglesia
de

15

También
la
música
de
Beethoven
aparece
en
obras
de
teatro,
documentales,
y
películas
como
El
pianista
(2002)
o
El
discurso
del
rey
(2010).

13
su
pueblo.
Prosiguió
sus
estudios
musicales
de
forma
intermitente
hasta
que
encontró
un
mecenas,
Antonio

Barezzi,
un
comerciante,
amante
de
la
música
y
presidente
de
la
Filarmónica
local
que
le
costeará
los
estudios
de

música.
Será
en
el
futuro
su
yerno
porque
se
casó
con
su
hija
Margarita
que
le
dará
dos
hijos.
Verdi
realizó

estudios
de
música
en
Milán16

–aunque
no
en
el
Conservatorio
ya
que
no
superó
el
examen
de
ingreso-‐
.

En
1839
consiguió
estrenar
su
primera
ópera
en
el
Teatro
de
la
Scala
de
Milán17
,
obteniendo
un
discreto
éxito.

Sus
óperas
suelen
inspirarse
en
autores
románticos
como
Schiller
(Luisa
Miller),
Víctor
Hugo
(Hernani),
Alejandro

Dumas
(La
Traviata),
Byron
(Los
Corsarios)
o
Scribe
(Un
Ballo
in
Maschera),
así
como
en
dramaturgos
españoles
(Il

Trovatore)
y
por
supuesto
las
miserias
y
bajas
pasiones
de
las
tramas
shakesperianas.
La
base
sobre
la
que
se

sustenta
su
ópera
es
la
contradictoria
idea
que
“inventar
la
verdad
es
mucho
mejor
que
copiarla”.

El
fallecimiento
de
su
jovencísima
esposa
y
de
sus
dos
hijos
en
breve
intervalo
de
tiempo
le
sumieron
en
una
gran

tristeza.
Afortunadamente,
en
1842
estrenó
su
gran
ópera
Nabucco
con
la
que
obtendría
un
clamoroso
éxito

popular,
especialmente
el
coro
de
los
esclavos
de
Nabucco,
que
fue
interpretado
en
clave
de
liberación
patriótica

frente
al
dominio
de
los
austriacos
que
gobernaban
el
norte
de
Italia.
Fue
tan
popular
que
la
gente
lo
cantaba
por

la
calle.
Se
convirtió
en
un
himno
italiano.

1842
es
un
año
vital
en
su
vida,
ya
que
conoce
a
la
soprano
y
pianista

Giuseppina
Strepponi
que
será
su
segunda
mujer
y
a
la
la
condesa
Clarina
Maffei,
gracias
a
la
cual
se
le
abren
las

puertas
de
la
alta
sociedad
milanesa.
Comienza
entonces,
una
fructífera
etapa
en
su
producción
operística,

trabajando
sin
descanso.
En
la
década
de
los
40
estrena
varias
óperas
como
Hernani
(en
italiano
Ernani),
I
due

foscari,
Macbeth,
etc.

En
los
años
50
su
éxito
se
acrecienta
con
el
estreno
de
sus
tres
óperas
más
populares:

Rigoletto
,
Il
Trovatore
y
La
Traviata.
En
la
década
de
los
60
participa
en
política
ya
que
será
diputado
del
primer

parlamento
italiano
y
en
1874
fue
elegido
senador.
Por
entonces
compone
La
forza
del
destino
(1862)
y
la
célebre

Don
Carlos
(1867),
basada
en
la
trágica
historia
del
hijo
del
rey
español
Felipe
II.

Verdi
también
encontró
el
modo
y
el
tiempo
de
dedicarse
a
los
demás,
en
especial
a
los
más
necesitados:
en
1888

inauguró
un
hospital
en
Villanova
D’Arda,
enteramente
financiado
por
él
y
en
1880
compró
un
terreno
para

construir
una
“Casa
di
Riposo
per
Musicisti”,
que
todavía
existe
y
que
consideraba
como
su
“obra
más
bella”.
En

sus
últimos
años
de
vida
escribe
la
ópera
Otello;
la
única
ópera
cómica,
Falstaff
y
en
1898
varias
composiciones

de
música
sacra18
.
Murió
en
Milán
en
1901,
aclamado
y
adorado
por
el
público,
convertido
en
un
símbolo

nacionalista
de
la
cultura
italiana.
Recordemos
que
hasta
su
apellido
pasó
a
ser
un
acrónonimo
de
reivindicación

de
la
unidad
italiana
a
través
del
rey:
Vittorio
Emmanuele
Rey
De
Italia.

Richard
Wagner
(1813-‐1883)
y
la
mitología
germánica

Durante
la
primera
mitad
del
siglo
XIX
se
desarrolló
en
Alemania
una
ópera
inspirada
en
la
mitología
y
la

literatura
germánica.
Son
obras
de
gran
dramatismo,
en
las
que
el
protagonismo
se
halla
en
la
naturaleza,
lo

mágico
y
sobrenatural.
Los
orígenes
de
este
tipo
de
ópera
legendaria
tienen
a
Carl
María
von
Weber
a
su

principal
configurador
con
su
obra
“El
cazador
furtivo”.
Pero
el
compositor
que
marcaría
la
pauta
de
la
ópera

alemana
en
el
siglo
XIX
fue
el
genial
Richard
Wagner.
De
vida
un
tanto
turbulenta,
y
carácter
egocéntrico
y

dominante,
no
solo
fue
compositor
de
óperas,
también
fue
director
de
orquestas,
poeta,
dramaturgo
y
teórico

musical
alemán.

16

Su
profesor
fue
el
músico
Vincenzo
Lavigna
del
que
recibió
en
Milán
clases
particulares.

17

La
ópera
se
llamaba
“Oberto
Conte
di
San
Bonifacio”.

18

Stabat
Mater
,
Laudi
alla
Vergine
e
Te
Deum.

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

14

Wagner
nació
en
Leipzig
y
murió
en
Venecia.
Su
pasión
por
la
música
comenzó
al
conocer
las
obras
de
Weber
y

Beethoven.
Fue
músico
prácticamente
autodidacta.
Después
de
una
vida
disipada
entre
el
juego
y
las
mujeres,

contrae
matrimonio
y
se
instaló
primero
en
París
y
luego
en
Dresde,
donde
encontrará
el
éxito.
Por
motivos

políticos
–estuvo
involucrado
en
partidos
nacionalistas
de
izquierda
19
-‐
se
exilió
en
Suiza.
Vuelve
a
Munich
y
allí
se

separa
de
su
esposa
y
comienza
una
relación
amorosa
con
Cosima,
hija
de
Franz
Listz
y
esposa
de
Hans
von

Bülow.
De
carácter
egocéntrico
y
dominante,
tuvo
acérrimos
adversarios
y
grandes
partidarios
y
amigos.

El
principal
legado
artístico
de
Wagner
son
sus
obras
operísticas.
Fue
el
renovador
de
la
ópera
romántica
que
en

su
caso,
dado
el
intenso
dramatismo
de
sus
tramas
se
han
denominado
como
“dramas
musicales”
(aunque
él
no

usó
ese
nombre
para
referirse
a
ellas).
En
sus
óperas
no
se
limita
a
escribir
la
música
sino
también
los
textos
(el

libreto).

A
estos
libretos
los
denominaba
“poemas”.
Sus
textos
son
exaltados,
ampulosos,
con
un
vocabulario

muy
barroco.

Los
dramas
musicales
de
Wagner
se
caracterizan
por:

*La
ópera
para
Wagner
es
Gesamtkunstwerk
o
"la
obra
de
arte
total",
ya
que
busca
la
fusión
de
todas
las
artes

(poesía,
música,
escenografía,
acción,...)
que
se
aglutinan
de
manera
inseparable
en
sus
obras.

*Utiliza
la
melodía
infinita,
que
no
se
interrumpe,
para
dotar
de
mayor
dramatismo
a
su
obra.

*La
música
está
al
servicio
de
la
expresión
dramática.
La
orquesta
tiene
un
papel
principal
en
el
desarrollo
y

explicación
de
la
acción.

*Wagner
confería
igual
importancia
a
la
orquesta
que
al
canto.

*En
sus
últimas
óperas
incluye
el
uso
de
leitmotivs,
temas
o
motivos
musicales
que
se
van
repitiendo
a
lo
largo
de

toda
la
composición

*Son
óperas
larguísimas:
pueden
sobrepasar
las
cinco
horas
sin
interrupciones.

*Durante
una
etapa
de
su
vida,
fue
amigo
del
filósofo
alemán
Nietzsche20

y
en
sus
óperas
se
puede
observar
la

influencia
de
diversos
filósofos
como
Schopenhauer,
Pierre-‐Joseph
Proudhon
y
Ludwig
Feuerbach.

*Por
lo
que
se
refiere
a
la
mitología
nórdica
presente
en
sus
ópera,
Wagner
encontró
en
la
Biblioteca
Real
de

Dresde
unos
manuscritos
que
trataban
de
la
leyenda
de
los
nibelungos
y
de
Sigfrido,
personajes
típicos
de
la

mitología
escandinava
que
conforman
una
de
las
“sagas”
más
famosas
de
esta
literatura.
Las
sagas
eran

leyendas
sobre
seres
heróicos
o
mitológicos.
La
mitología
escandinava
es
casi
tan
complicada
como
la
greco-‐
romana
y
presenta
algunas
analogías
con
ella,
a
causa
del
común
origen
de
estos
pueblos.
La
mitología
nórdica

se
basa
mucho
en
las
fuerzas
luminosas
y
benéficas
de
la
naturaleza
(el
sol,
la
luz,
la
lluviaeran
diosas)
y
en
las

malignas
(borrascas,
frío,
fuego
volcánico,
…)
representados
por
gigantes,
seres
monstruosos.
Los
enemigos
de

los
dioses
eran
los
enanos
(nibelungos),
que
surgieron
de
las
tinieblas
subterráneas
hasta
el
fondo
de
los
ríos
y

los
lagos.
Los
dioses
de
las
sagas
nórdicas
son
muy
guerreros.
El
dios
principal
es
Odín,
que
nos
recuerda
mucho

al
Zeus
griego
o
al
Jupiter
romano.
Las
valkirias
eran
las
vírgenes
guerreras
que
cabalgaban
sobre
las
nubes
con

indómitos
corceles.
Descendían
al
campo
de
batalla
para
llevarse
a
los
héroes
caídos
al
Valhalla,
el
paraíso.

Brunilda
era
la
preferida
de
Odín.
Su
desobediencia
–por
proteger
a
un
héroe
llamado
Siegmund-‐
la
hizo
perder

la
esencia
divina
y
convertirse
en
una
simple
mujer.
Entonces
Odin
la
sumió
en
un
sueño
eterno
y
la
abandonó
en

19

Wagner
era
claramente
de
tendencia
antisemita
como
se
puede
comprobar
leyendo
sus
escritos.

20

Friedrich
Nietzsche
formó
parte
del
círculo
de
amigos
más
íntimo
de
Wagner
durante
la
década
de
1870
y
su
primera
obra
publicada,
El
nacimiento
de
la

tragedia
en
el
espíritu
de
la
música,
es
un
canto
a
la
música
de
Wagner
como
ideal
regeneracionista
dionisíaco
frente
a
la
decadente
cultura
europea

apolínea.
Pero
Nietzsche
rompió
su
relación
con
el
compositor
después
del
primer
Festival
de
Bayreuth,
cuando
detectó
en
él
signos
de
complacencia
con

el
cristianismo
así
como
sumisión
al
nuevo
Imperio
alemán.

15
un
castillo
rodeado
de
fuego
para
que
nadie
llegara
hasta
ella.
Pero
Sigurd
(Siegfried),
el
más
valiente
de
los

héroes,
atravesó
las
llamas
y
la
despertó.

El
anillo
del
Nibelungo
wagneriano
es
una
síntesis
de
la
mitología
nórdico-‐germánica.
Una
amalgama
de
diferentes

cuentos
mitológicos
que
destila
una
historia
que
abarca
el
principio
y
el
fin
de
un
mundo.
Una
obra
que
ha
sido

interpretada
en
un
número
casi
infinito
de
formas. La
esencia
del
drama
de
El
Anillo
es
una
lucha
entre
el
poder

(o
la
política)
y
el
amor. Wagner
muestra
como
el
amor
puede
luchar
contra
estas
injusticias,
aunque
todo
el

mundo
pueda
ser
destruido
en
dicha
lucha.

Wagner
reinterpreta
la
mitología
a
su
manera,
siguiendo
el
gusto
romántico
del
momento,
siempre
dentro
de
un

gran
simbolismo
de
carácter
filosófico.
Como
señalaba
Nietzche,
Wagner
es
mucho
más
que
música…

*
Entre
sus
principales
óperas,
todas
de
gran
complejidad
y
ambientadas
en
la
mitología
escandinava
destacan

"Tristán
e
Isolda"
–considerada
como
la
ópera
iniciadora
de
la
música
moderna-‐,
"Tannhäuser",
“El
holandés

errante”
y
la
tetralogía
"El
anillo
de
los
Nibelungos".
Resumidamente,
esta
ópera
cuenta
la
historia
del
héroe

Siegfried
que
debe
recuperar
un
anillo
de
oro
que
han
fabricado
los
nibelungos
tras
robar
el
mineral
de
las
aguas

del
Rin.
Siegfried
tiene
que
devolver
ese
anillo
a
las
hijas
del
Rin
pero
no
lo
consigue
y
muere.
Un
drama
al
más

puro
estilo
romántico.

*Gracias
al
mecenazgo
del
rey
Luis
II
de
Baviera,
Wagner
concibió
un
teatro
y
un
festival
llamado
Bayreuth
en
la

ciudad
alemana
de
homónimo
nombre,
dedicado
a
la
representación
de
sus
óperas.
Hoy
en
día
este
festival,

meca
de
peregrinación
para
los
entusiastas
de
Wagner,
lo
dirigen
los
descendientes
de
este
compositor
alemán.

*La
obra
de
Wagner
ha
influido
en
filósofos,
escritores,
artes
visuales
y
teatro
del

siglo
XX.
Por
lo
demás,
fue
el
compositor
musical
favorito
de
Hitler.
Gustav

Mahler
afirmó
sobre
él,
«solo
hubo
Beethoven
y
Wagner;
y
después
de
ellos,

nadie»

Por
último,
hay
que
subrayar
que
a
través
de
youtube
podemos
disfrutar
on-‐line

de
extractos
de
óperas
de
los
compositores
citados,
con
actuaciones
estelares
de

María
Callas,
Enrico
Caruso,
Montserrat
Caballé,
Pavarotti,
Plácido
Domingo,
Alfredo
Kraus,
etc.

La
danza
en
el
Romanticismo

El
ballet
es
una
de
las
artes
escénicas.
El
término
“ballet”
procede
del
italiano
“balleto”,
diminutivo
de
“ballo”

que
quiere
decir
danza.
Esta
palabra,
que
es
francesa,

deriva
del
latín
y
a
su
vez
del
griego.

El
ballet
es
un
tipo
de
danza
que
se
remonta
al
Renacimiento
italiano
(siglo
XV).
Ya
durante
el
siglo
XVII,
en

Francia,
en
la
corte
de
Luis
XIV,
el
rey
Sol,
surge
la
mayor
parte
de
vocablos
relativos
al
ballet,
por
supuesto
en

francés.
Todavía
hoy
se
utiliza
esta
terminología.
El
ballet
es
un
tipo
de
danza
con
una
enorme
difusión
por
todo

occidente
(Europa,
Estados
Unidos,
etc.)

El
ballet
romántico
apareció
a
inicios
del
siglo
XIX
y
cronológicamente
se
extiende
de
1815
a
1845-‐1850.
El
ballet

romántico
abandonó
los
mitos
de
la
Grecia
antigua
para
centrarse
en
la
mitología
nórdica,
poblada
de
elfos

(enanos
con
poderes
mágicos21
),
ondinas
(ninfas
de
las
aguas)
y
trolls
(monstruos).
Es
una
danza
etérea,
llena
de

gracia
y
delicadeza.

A
inicios
del
Romanticismo
algunos
coreógrafos
franceses
se
instalaron
en
Rusia22

–en

particular
el
bailarín
y
coreógrafo
Marius
Petipá-‐
siendo
el
gérmen
de
una
escuela
de
ballets
rusos,
cuyo
prestigio

y
relevancia
se
han
mantenido
hasta
la
actualidad
(Ballet
Bolshoi
de
Moscú,
el
Marinsky
de
San
Petersburgo
…).

Petipa
es
célebre
sobre
todo
por
sus
coreografías
de
los
ballets
Cascanueces,
La
bella
durmiente
o
El
lago
de
los

cisnes
con
música
de
Tchaikovsky
(1840-‐1893).

La
palabra
“clásico”
como
sinónimo
de
“ballet
romántico”
hizo
su
aparición
con
los
Ballets
rusos
en
1910
y

actualmente
se
sigue
denominando
así.
Estos
ballets
continúan
representándose
en
todo
el
mundo.

El
primer
gran
ballet
romántico
fue
“La
Sílfide”
(La
Sylphide).
Las
sílfides
en
la
mitología
nórdica
son
un
tipo
de

ninfas
etéreas,
bellas
y
delgadas,
espíritus
del
aire.
Este
ballet
fue
estrenado
en
el
Teatro
de
la
Ópera
de
París
en

21

Eran
herreros,
orfebres,
alquimistas…
22

Entre
los
bailarines
destacados
se
encuentra
el
ruso
V.
Nijinski
(1890-‐1950).

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

16
1832
por
el
coreógrafo
Filippo
Taglioni
para
su
hija
María.
Fue
la
apoteosis
del
ballet
blanc23

(ballet
blanco)
que

triunfará
durante
treinta
años.

María
Taglioni
(1804-‐1884)
se
convertirá
en
la
gran
bailarina
de
la
época
romántica,
participando
en
los
estrenos

de
los
ballets
de
los
principales
compositores.
Era
sueca
de
origen
italiano
y
fue
la
primera
en
llevar
tutú,

precisamente
en
el
ballet
de
la
Silfide
y
en
bailar
ese
ballet
en
puntas,
aunque
se
atribuye
la
invención
de
esa

técnica
a
la
bailarina
italiana
Amalia
Brugnoli
en
1823
en
Viena.24

A
partir
de
María
Taglioni,
el
tutú
será
el

“uniforme”
por
excelencia
de
la
bailarina
de
ballet
clásico.

Tanto
con
el
tutú
-‐que
es
una
falda
de
ballet
compuesta
por
varias
capas
de
tul25
-‐
como
con
las
puntas,
se

conseguía
que
la
bailarina
fuera
un
ser
etéreo,
ingrávido,
delicado,
elegante
y
muy
femenino.
El
tutú

normalmente
va
cosido
a
un
“bustier”
o
cuerpo.

Aunque
con
diversas
variantes,
podemos
distinguir
dos
tipologías
principales
de
tutús:

*El
tutú
largo
romántico,
también
llamado
“tutú
Degas”,
por
referencia
al
pintor
impresionista
Degas
que
pintó

decenas
de
bailarinas.

*El
tutú
plateau
o
“plato”
por
sus
formas
redondas,
que
parten
desde
la
cadera,
nunca
desde
la
cintura.

La
elección
de
un
tutú
u
otro
depende
del
tipo
de
ballet
que
se
va
a
representar,
por
ejemplo
Giselle
suele
ser
con

tutú
largo
mientras
que
en
El
Lago
de
los
cisnes
o
Don
Quijote26

predomina
el
tutú
plato.

Los
materiales
que
se
utlizan
para
su
fabricación
son
ligeros,
finos,
fluidos
y
dejan
pasar
la
luz.
Pueden
estar

fabricados
con
tul,
gasa,
muselina,
organza
…
incluso
nilon
en
el
siglo
XX.

El
término
tutú
surgió
mucho
después
de
creada
la
prenda,
en
concreto
en
1881.
Una
hipótesis
sobre
el
origen
de

este
vocablo
considera
que
deriva
del
material
con
el
que
están
hechos
los
tutús,
el
“tul”.
En
aquella
época,
eran

las
propias
bailarinas
las
que
debían
costearse
el
tutú
que
llevaban
en
escena,
con
dimensiones
estrictas
en

cuanto
al
largo
de
la
falda.
Con
el
tiempo,
las
faldas
de
los
tutús
fueron
acortándose,
permitiendo
así,
mayor

libertad
de
movimientos
a
las
bailarinas.
A
finales
del
siglo
XIX,
los
tutús
en
el
Teatro
de
la
Ópera
de
París,

23

El
ballet
blanco
fue

creado
en
París
y
se
caracteriza
porque
es
una
escena
en
la
que
se
visten
de
blanco
todos
los
integrantes
del
corps
o
cuerpo
de
baile.

Desde
los
tiempos
del
ballet
romántico
estas
escenas
están
pobladas
por
hadas,
sílfides,
etc.

24

En
la
década
de
los
20
y
los
30,
la
bailarina,
coreógrafa
y
actriz
Harriet
Hoctor,
llevó
el
baile
en
puntas
al
género
de
vaudeville
y
burlesque.

25

Habitualmente
de
3
a
5
capas
de
tul.

26
El
bellísimo
ballet
Don
Quijote
fue
estrenado
en
1869
en
el
Teatro
Imperial
de
Bolshoi
de
Moscú,
con
coreografía
y
libreto
de
Marius
Petipa
y
música
de

Ludwig
Minkus.

17
llegaban
hasta
las
rodillas.
Los
tutús
también
fueron
cada
vez
más
cortos
por
motivos
de
seguridad,
ya
que
una

falda
demasiado
larga
corría
el
riesgo
de
prenderse
con
el
gas
que
se
utilizaban
en
las
escenografías.
Es
lo
que
le

ocurrió
a
la
prometedora
bailarina
Emma
Livry,
costándole
la
vida
en
1863,
con
tan
solo
20
años
de
edad.

Diseñadores
de
moda
del
siglo
XX
como
Jean
Paul
Gaultier,
Valentino,
Christian
Lacroix
o
el
español
Lorenzo

Caprile
utilizan
este
símbolo
de
la
danza
clásica
como
motivo
de
inspiración
en
sus
diseños
para
diversos

espectáculos
(ballet,
ópera,
etc.)
y
también
en
sus
colecciones
de
moda.
Por
lo
demás,
hoy
en
día
es
habitual

encontrar
en
los
centros
comerciales
diseños
de
faldas
y
vestidos
basados
en
los
ballets
del
Romanticismo.

4.
LOS
ORÍGENES
DE
LA
FOTOGRAFÍA

Según
la
Real
Academia
Española
de
la
Lengua
la
fotografía
es
“el
Arte
de
fijar
y
reproducir
por
medio
de

reacciones
químicas,
en
superficies
convenientemente
preparadas,
las
imágenes
recogidas
en
el
fondo
de
una

cámara
oscura”.
Considerada
como
el
octavo
arte,
los
orígenes
de
la
fotografía
se
fraguan
en
el
siglo
XVIII

cuando
el
sueco
C.W.
Scheele
descubre
los
efectos
de
la
luz
sobre
el
cloruro
de
plata,
es
decir,
las
propiedades

fotosensibles
de
ese
componente.
El
descubrimiento
de
Scheele
abrirá
la
puerta
a
futuras
estudios
que
trataban

de
captar
la
luz
y
fijarla
en
un
soporte
fotosensible,
originándose
así,
una
copia
exacta
de
un
instante
de
un

determinado
objeto
fotografiado.
Habremos
de
esperar
al
siglo
XIX,
tras
años
de
investigaciones,
para
que
el

francés

J.N.
Niepce
(1765-‐1833)
fuera
el
primero
en
lograr
fijar
con
procedimientos
químicos
una
imagen

obtenida
a
través
de
una
cámara
oscura.

En
1786
logró
la
primera
fotografía
en
negativo
sobre
papel,
descubriendo
en
1822
los
fundamentos
del

fotograbado.
Años
más
tarde,
en
1829,
firmaría
un
contrato
con
uno
de
los
grandes
pioneros
de
la
fotografía,
el

pintor
Luis
Jacques
Mandé
Daguerre
(1791-‐1851),
con
el
objetivo
de
investigar
conjuntamente.
El
fruto
de
esa

colaboración
fue
el
descubrimiento
de
un
método
simplificado
que
permitía
obtener
imágenes
sobre
una

superficie
metálica
-‐de
plata
pulida-‐
mediante
un
baño
de
yodo.
Se
fijaba
con
sal
de
mar
y
mercurio.
Este
invento,

denominado
daguerrotipo
de
1839
fue
dado
a
conocer
en
1839
ante
las
Academias
de
Ciencias
y
Bellas
Artes,

consagrándose
así
oficialmente
el
nacimiento
público
de
la
fotografía.
Pronto
se
popularizaron
los
“retratos
al

daguerrotipo”
entre
la
clase
burguesa.
Eran
más
económicos
que
los
retratos
pintados
por
lo
que
esta
técnica

alcanzaría
un
gran
auge
en
el
siglo
XIX.

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

18

Fuente
de
la
imagen: http://ccdoc-‐documentacionfotografica.blogspot.com.es/2010/10/introduccion-‐la-‐documentacion.html

Casi
en
paralelo
a
las
investigaciones
de
Niepce
y
de
Daguerre
se
llevaron
a
cabo
los
trabajos
del
polifacético

Willian
Henry
Fox
Talbot
(1800-‐1877),
quien
en
1844
lograría
fijar
sobre
papel
pequeñas
fotografías,
posibilitando

así
la
obtención
de
copias
de
una
misma
imagen.
Es
el
talbotipo
o
calotipo.
Para
captar
las
imágenes
se
empleaba

la
cámara
oscura
que
experimentó
constantes
mejoras
en
su
diseño
y
tamaño,
así
como
en
las
lentes
ópticas
u

objetivos
utilizados,
debido
a
las
aportaciones
de
diferentes
investigadores.
Paulatinamente
se
siguió
innovando

y
mejorando
en
las
técnicas
fotográficas,
consiguiendo
mayor
calidad
de
imagen,
cromatismo,
etc27
.

En
la
dácada

de
los
años
60
del
siglo
XIX
comenzó
a
popularizarse
la
fotografía
gracias
a
los
avances
en
las
técnicas
y
el

abaratamiento
de
su
producción.
Además,
se
introdujeron
nuevos
formatos
fotográficos,
más
fáciles
de

producir,
en
especial
la
carte
de
visite,
creada
por
el
francés
Disderi,
y
la
fotografía
de
estudio.
Hacia
la
década
de

los
años
setenta
fue
posible
ya
realizar
fotografías
muy
rápidas
que
captaban
la
imagen
en
movimiento.
A
fines

del
siglo
XIX
apareció
la
cámara
Kodak
Pocket
que
pronto
alcanzó
un
gran
éxito
de
ventas.
La
producción
de

fotografías
dejó
así,
de
ser
patrimonio
de
unos
pocos,
y
se
difundió
masivamente.
Por
lo
que
se
refiere
a
los

géneros
fotográficos,
predominaron
los
retratos,
las
naturalezas
muertas
y
los
paisajes.

Durante
los
años
setenta
y
ochenta
del
siglo
XIX
destacaron
los
trabajos
de
E.
Muybridge
y
E.J.
Marey
que
no

sólo
consiguieron
realizar
fotografías
de
gran
interés
estético,
sino
que
con
sus
obras
influyeron
en
diversos

movimientos
pictóricos
como
el
Impresionismo
o
el
Futurismo.

La
difusión
de
la
fotografía,
procedimiento
capaz

de
reflejar
la
realidad
de
un
modo
más
perfecto
que
con
una
pintura,
revolucionó
sobremanera
el
mundo
del

27

Utilizando
albúmina,
colodión
húmedo,
…

19
arte.
También
tuvo
un
impacto
formidable
en
la
sociedad,
como
en
todas
las
ciencias
(medicina,
etc.)
Llegó
a

decirse
que
"ya
que
la
fotografía
nos
da
todas
las
garantías
deseables
de
exactitud,
el
arte
es
la
fotografía".
Por

contra,
para
el
escritor
y
crítico
de
arte
Charles
Baudelaire,
la
industria
fotográfica
se
convirtió
en
el
refugio

vengativo
de
los
pintores
fracasados,
que
no
sabiendo
pintar,
se
dedicaban
a
realizar
fotografías.
Lo
cierto
es

que
muchos
pintores
utilizarán
la
fotografía
como
medio
auxiliar
de
trabajo
o
fuente
de
inspiración.
Es
el
caso
de

Courbet,
Manet
o
el
propio
Degas28
,
quien
además,
fue
un
consumado
fotográfo.

En
Canarias,
la
fotografía
se
difundió
circa
1840,
particularmente
en
Gran
Canaria
y
Tenerife,
ligado
a
la

aristocracia
local
y
a
la
colonia
británica
que
allí
vivía.
Los
iniciadores
de
la
fotografía
en
Canarias
eran
fotógrafos

europeos
(franceses,
ingleses,
italianose,
peninsules…)
a
los
que
pronto
se
les
unieron
los
fotógrafos
locales29
.

Se
sabe
que
en
1839,
poco
después
de
la
presentación
del
daguerrotipo
en
París,
arribó
al
puerto
de
Santa
Cruz

de
Tenerife
una
fragata
francesa
con
el
daguerrotipista
Louis
Compte,
que
tras
su
escala
en
Canarias,
introdujo
el

daguerrotipo
en
América
del
Sur
(Brasil,
Uruguay
y
Chile).
Posiblemente
Compte
realizó
las
primeras
fotografías

de
Canarias,
pero
no
se
han
conservado.
En
1840
ya
existía
en
Tenerife
una
publicación
sobre
fotografía
llamada

“El
daguerrotipo”
,
siendo
buena
muestra
de
la
temprana
inclusión
de
este
arte
en
la
sociedad
canaria.
Retratos,

paisajes,
monumentos…
son
los
géneros
fotográficos
más
habituales
en
los
inicios
de
esta
técnica
en
Canarias.

Viajeros,
comerciantes,
hombres
de
negocios,
en
su
camino
a
América,
recalaban
en
las
islas
y
en
algunos
casos

crearon
los
primeros
establecimientos
fotográficos.
En
Gran
Canaria
destacaron
los
gabinetes
fotográficos
de

Luis
Gonzaga
del
Mármol,
Santos
María
Pego,
Alberto
Boissier
y
Luis
Ojeda.
Es
un
caso
paradigmático
de
los

fotógrafos
extranjeros
en
las
islas
la
labor
desempeñada
por
el
fotógrafo
noruego
Carl
Norman.
En
1893,

contratado
por
empresas
británicas,
realizó
varios
reportajes
fotográficos
en
Madeira
y
en
Canarias
con
el

objetivo
de
mostrar
el
atractivo
de
ambas
e
incentivar
así
las
inversiones
de
capital
anglosajón
en
ellas.

El
pictorialismo
fotográfico

El
pictorialismo
fotográfico
fue
un
estilo
internacional
y
una
tendencia
esteticista
de
las
últimas
décadas
del
siglo

XIX
e
inicios
del
XX
que
pretendía
crear
fotografías
con
pretensiones
artísticas.
Se
difundió
por
toda
Europa,

Estados
Unidos
y
Japón.
La
denominación
de
“pictoralismo”
procede
del
vocablo
inglés
“picture”
(que
puede

aludir
tanto
a
una
imagen
como
a
un
cuadro,
una
pintura
o
una
fotografía).
El
objetivo
es
crear
una
imagen

artística
manipulando
el
proceso
fotográfico.
Surge
como
reacción
frente
a
la
popularización
de
la
fotografía
de

aficionados,
que
se
produjo
con
la
comercialización
de
la
cámara
fotográfica
Kodak
–para
su
uso
no
se
requerían

conocimientos
técnicos-‐
y
que
permitía
que
cualquiera
pudiera
convertirse
en
un
“fotógrafo”.

También
se

contrapone
a
la
fotografía
academicista
y
renuncian
a
reproducir
la
realidad
e
imitar
a
la
pintura.
Huyen
de

considerar
la
fotografía
como
un
mero
registro
de
la
realidad.
Es
por
ello
que
buscan
deliberadamente
efectos

desenfocados
en
las
imágenes,
lo
que
se
denomina
con
el
nombre
de
“efecto
floue”.
Esas
fotografías,
con

frecuencia
borrosas,
y
los
temas
elegidos
–el
sueño,
la
vida
en
la
gran
ciudad,
los
paisajes,
retratos,
escenas
de

ballet,
etc-‐
señalan
una
fuerte
conexión
con
el
Romanticismo
–Turner-‐
y
el
Impresionismo
–Degas,
Renoir,
etc-‐.30

El
proceso
creativo
se
centraba
en
el
tratamiento
del
revelado,
que
podían
manipular
a
su
antojo.

28

Los
escorzos
y
las
composiciones
en
diagonal
de
sus
obras
no
se
entienden
sin
la
influencia
de
la
fotografía
y
de
las
estampas
japonesas.

29
A
finales
del
siglo
XIX,
entre
los
fotógrafos
extranjeros
de
origen
europeo
en
las
islas
descuellan
las
obras
del
noruego
Carl
Norman,
los
británicos
Chas

Nanson,
Ensell,
Charles
Medrington,
el
portugués
Joao
Da
Luz
Perestrello,…

30

De
hecho
se
ha
denominado
al
pictorialismo
fotográfico
como
“fotografía
impresionista”.

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

20

Configurado
como
el
primer
movimiento
artístico
en
fotografía,
aspiraban
a
conferirle
la
categoría
de
arte
en

igualdad
de
condiciones
con
otras
disciplinas
artísticas
como
la
escultura
o
la
arquitectura.
En
definitiva,

valoraban,
como
buenos
románticos,
la
subjetividad
y
sensibilidad
del
artista.
Por
el
contrario,
concedían
una

importancia
menor
a
la
técnica.
Realizaban
fotografáis
en
uno
o
más
colores,
también
en
blanco
y
negro.

El
precedente
del
pictorialismo
se
encuentra
en
la
obra
de
los
fotógrafos
Julia
Margaret
Cameron
y

Henry
Peach

Robinson.
Entre
los
principales
fotógrafos
del
pictorialismo
destacan
Peter
Henry
Emerson
y
Robert
Demachy,

Constant
Puyo,
Frederick
Henry
Evans
y
en
España,
José
Ortiz
Echagüe,
Massana,
Casals
Ariet,
etc.

5.
JOYERÍA,
INDUMENTARIA
Y
MOBILIARIO
DE
LA
ETAPA
ROMÁNTICA

Joyas
de
inspiración
historicista
realizados
por
el
orfebre
italiano
Castellani.
Se
basan
en
piezas
arqueológicas
egipcias,
griegas,
etruscas,

romanas,
bizantinas,
renacentistas,
etc.
siempre
buscando
la
máxima
excelencia
y
calidad.

Aunque
el
siglo
XIX
fue
un
período
de
grandes
transformaciones
económicas
y
sociales
gracias
al
avance
que

supuso
la
Revolución
Industrial,
los
diseños
de
joyas,
como
el
resto
del
arte
de
la
época,
miran
hacia
el
pasado
a

través
de
los
revivals
e
historicismos.
Recordemos
que
el
Romanticismo
alienta
la
revalorización
de
otras
épocas

como
la
Edad
Media.

Por
otro
lado,
la
expansión
del
comercio
y
en
particular
la
reapertura
de
rutas
comerciales
con
Japón,
a
fines
de

los
años
50
del
siglo
XIX,
propició
la
exportación
de
arte
japonés
que
ávidamente
se
coleccionaba
e
imitaba
en

Occidente.
A
todo
ello
se
une
la
aparición
de
nuevos
materiales,
favoreciendo
así
la
popularización
–hasta
cierto

punto-‐
de
la
adquisición
de
joyas

por
parte
de
la
burguesía
y
no
solo
de
la
élite
aristocrática.

21

Los
museos
de
Artes
Decorativas
como
el
Victoria
&
Albert
de
Londres,
los
de
Lázaro
Galdiano
y
Cerralbo
en

Madrid
y
los
Museos
del
Romanticismo
de
París,
Oporto
o
Madrid31

muestran
ejemplos
representativos
de
joyas

decimonónicas32
.

En
los
primeras
décadas
se
evocan
el
arte
grecorromano,
esto
es,
el
Neoclasicismo.
El
interés
en
las

antigüedades
era
estimulado
por
los
descubrimientos
arqueológicos
cada
vez
más
frecuentes.

Y
los
orfebres
intentaron
revivir
antiguas
técnicas
que
imitaban
o
eran
“al
estilo”
de
piezas
antiguas.
También

surgió
un
interés
en
piezas
inspirados
en
los
períodos
medieval
y
renacentista.
Es
una
etapa
donde
impera
el

eclecticismo.

El
nacionalismo
–en
particular
el
italiano-‐
alcanza
al
diseño
de
joyas
en
un
deseo
de
configurar
una
identidad

nacional.

Así
por
ejemplo,
el
orfebre
Carlo
Giuliano
o
la
familia
de
joyeros
italianos
Castellani33

reprodujeron
con

gran
fidelidad
al
modelo
piezas
arqueológicas
de
diversos
estilos
(etruscos,
romanas,
etc.)
creando
así
una

historia
visual
de
Italia
a
través
de
la
joyería
fomentando
la
unificacion
italiana.

Los
diseños
de
joyas
se
pueblan
de
piezas
de
carácter
naturalista
en
las
que
abundan
frutas,
insectos
y
flores.

Estos
motivos
ornamentales
estuvieron
de
moda
desde
los
primeros
años
del
siglo
con
el
desarrollo
del
interés

por
la
Botánica
y
la
influencia
de
poetas
románticos
como
Wordsworth.

31

Véase
la
web
del
Museo
Nacional
del
Romanticismo
de
Madrid
http://museoromanticismo.mcu.es/elMuseo.html
y
sus
colecciones
en
Ceres

http://ceres.mcu.es/pages/SimpleSearch?Museo=MNR

32

Decimonónica:
alusiva
al
siglo
XIX.

33

Véase
el
excelente
estudio
de
Sally
Hernández
sobre
los
Castellani:
http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2013/11/castellani.html

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

22

Estas
piezas
con
frecuencia
toman
la
forma
de
pins
o
alfileres
y
broches
muy
ornamentados.
Son
muy
habituales

los
broches-‐tembladeras,
esto
es,
que
cuando
la
mujer
que
lo
lleva
se
mueve,
las
joyas
también
“tiemblan”
y

captan
la
luz.

Hacia
1850,
los
delicados
diseños
de
inicios
de
siglo
se
volvieron
más
complejos
con
extravagantes
flores
y

follajes.
Al
mismo
tiempo,
las
flores
se
utilizaban
para
expresar
amor
y
amistad.
Era
el
“lenguaje
de
las
flores”.

Los
orfebres
buscaban
una
similitud
entre
los
colores
de
las
flores
y
los
colores
de
las
gemas.

En
contraste
con
etapas
anteriores,
las
joyas
más
elaboradas
las
llevaban
casi
exclusivamente
las
mujeres.

Entre
las
tipologías
más
usuales
destacan
collares,
broches,
pins
para
el
pelo,
pendientes,
aderezos
o
parure
(que

ya
veíamos
en
anteriores
siglos).
La
moda
de
mangas
jamón
favoreció
el
que
usaran
grandes
brazaletes.
Los

pendientes
eran
cada
vez
más
largos
y
abundaban
los
camafeos
y
medallones
(con
retratos
en
su
interior,

cabello
de
la
persona
amada,
etc.)
También
se
difundió
la
joyería
aplicada
al
pelo
como
la
denominada

“ferronière”
que
procedía
del
renacimiento
y
consistía
en
una
joya
que
se
llevaba
en
la
frente
suspendida
por

una
delicada
cadena
o
cuerda.

Por
lo
demás,
se
difunde
la
técnica
del
dorado
al
mercurio,
también
denominada
ormolu
–oro
molido-‐.
Consistía

en
aplicar
a
un
objeto
de
cobre
un
revestimiento
de
oro
molido.
Para
realizar
este
proceso
–también
llamado

dorado
al
fuego-‐
se
necesitaba
una
solución
de
nitrato
de
mercurio,
que
era
muy
tóxico
exponiendo
en
peligro

de
muerte
a
muchos
artesanos
que
utilizaban
esta
técnica.34

Indumentaria
y
Moda
en
el
Romanticismo

La
literatura
romántica
nos
ofrece
la
visión
de
una
mujer
novelesca,
etérea,
un
tanto
irreal

y
musa
de
poetas,

objeto
de
amores
turbulentos.
Ángel
o
demonio,
es
el
motor
de
inspiración,
sombra
engañosa
que
se
transforma

en
sílfide,
ondina,
en
un
ideal
o
un
espectro
de
muerte,
incluso.

Paradógicamente,
frente
a
esta
visión

romancesca
sobre
la
mujer
que
nos
muestra
la
literatura
-‐que
es
muy
interesante
en
sus
descripciones
de
la

indumentaria
en
prácticamente
todos
los
autores
románticos-‐
nos
encontramos
con
la
imposición
progresiva
de

la
mentalidad
burguesa
que
trae
aparejado
un
¿nuevo?
arquetipo
de
feminidad:
la
mujer
como
ángel
del
hogar,

34

Con
esta
técnica
se
realizaron
sobre
todo
relojes
decorativos
pero
también
motivos
ornamentales
aplicados
a
muebles,
lámparas
o
porcelanas.

23
ente
frágil,
sensible,
recatada
y
sumisa.
Las
fuentes
pictóricas,
en
particular
los
retratos,

así
nos
la
muestran.
Y

por
supuesto,
la
indumentaria
y
la
moda
de
la
época
romántica,
que
recorre
buena
parte
del
siglo
XIX,
enfatiza

este
prototipo
de
mujer.

Aparte
de
las
fuentes
iconográficas
que
nos
ha
legado
el
arte
y
que
son
un
testimonio
esencial
para
conocer
la

indumentaria
decimonónica,
nos
han
llegado
indumentos
y
tejidos
que
se
conservan
en
colecciones
particulares

y
museos
como
el
Palacio
Morando
de
Milán.35

Conviene
recordar
que
en
el
siglo
XIX
se
difunden
las
revistas
de

moda
por
toda
Europa
de
forma
masiva
mientras
van
surgiendo
los
grandes
centros
comerciales
como
Le
bon

Marché
o
La
Samaritaine
en
París.

Sintetizando
mucho,
las
notas
distintivas
de
esta
indumentaria
femenina
del
Romanticismo
son:

*Es
una
moda
opresora
del
cuerpo,
recatada,
voluminosa
y
extremadamente
incómoda,
que
dificulta
la
libertad

de
movimientos.
Trasmite
así,
una
imagen
de
la
mujer
como
sujeto
pasivo
e
inerte.
Pero
al
mismo
tiempo
es

hiperfemenina
ya
que
enfatiza
los
rasgos
esenciales
de
la
anatomía
femenina.

*La
silueta
evoluciona:
desde
la
V
invertida
hasta
la
S
-‐
tipo
reloj
de
arena-‐
que
será
característica
de
otro
estilo,
el

Modernismo
o
Art
Nouveau.
Predomina
la
cintura
de
avispa,
muy
ceñida
y
ajustada.

*La
indumentaria
femenina
básica
del
Romanticismo
es
el
vestido
enterizo
o
vestido
compuesto
de
falda
y

cuerpo.
En
el
cuerpo
encontramos
la
“cotilla”
–con
un
corsé
interno-‐
que
había
desaparecido
durante
el

Neoclasicismo,
pero
que
ahora
regresa
con
fuerza.
Las
faldas
son
muy
pesadas,
acampanadas,
con
múltiples

enaguas
y
volantes.
Se
evolucionará
desde
la
crinolina
hacia
el
polisón.
La
crionolina
al
principio
eran
sencillas

enaguas
rellenas
de
crin
de
caballo.
Con
el
tiempo
se
fueron
haciendo
más
amplias
y
complejas.

*El
largo
de
la
falda
hacía
que
pareciese
como
si
la
mujer
se
deslizara
más
que
andar.

*
Abundan
los
lazos,
bordados
y
encajes.
Era
habitual
la
presencia
de
amplios
cuellos
y
el
canesú:
pieza
superior

de
la
camisa
o
blusa
a
la
que
se
pegan
el
cuello,
las
mangas
y
el
resto
de
la
prenda.

*Predominan
los
escotes
“barco”
que
dejan
ver
los
hombros,
y
las
mangas
jamón
–muy
amplias-‐,
que
nos

retrotraen
a
la
moda
de
inicios
del
Renacimiento
italiano.

*Sobre
los
trajes
encontramos
chaquetas-‐capas,
chales36
,
y
sobre
la
cabeza
todo
tipo
de
sombreros
y
capotas

cubiertas
con
flores,
plumas
y
lazos. En
invierno
se
suele
recurrir
al
uso
de
redingotes
o
vestidos-‐abrigo.

35

Véase
http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2013/09/el-‐palacio-‐morando-‐museo-‐de-‐la-‐moda-‐de.html.

36

Los
chales
eran
piezas
esenciales
en
todo
el
siglo
XIX
(los
mejores
y
más
caros
realizados
en
cachemira,
tejidos
a
mano).
Cachemira
-‐cashmere
en

inglés-‐,
es
una
lana
de
cabra
procedente
de
la
India.

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

24

*El
prototipo
de
pie
bello
es
pequeño
y
delicado,
por
eso
se
tratará
de
que
parezcan
lo
más
pequeños
posibles.

Utilizaban
zapatos
con
poco
tacón
de
seda
o
crepe
y
botas
o
botines.

*Los
tejidos
más
lujosos
y
sutiles
así
como
los
vestidos
más
escotados,
se
reservaban
para
las
veladas
musicales

de
salones
y
teatros.
En
esas
ocasiones,
las
joyas
eran
el
complemento
perfecto.

*En
los
peinados,
gusta
en
las
mujeres
del
Romanticismo
la
raya
en
medio
con
recogidos
que
dejan
mechones
de

pelo
lacio
sobre
las
sienes
o
con
tirabuzones.

Por
lo
demás,
hay
que
señalar
que
siendo
el
siglo
XIX
muy
aficionado
a
los
revivals
e
historicismos
–como
se

aprecia
en
el
arte,
el
teatro,
las
óperas
y
el
ballet-‐

el
influjo
“neo”
en
sus
múltiples
variantes
-‐
neomedieval,

neorenacimiento,
neorrococó-‐
se
dejarán
sentir
en
la
moda
de
la
época.

Finalmente,
por
lo
que
se
refiere
a
la
indumentaria
masculina,
como
ha
subrayado
el
experto
Pablo
Pena,
,
en

esta
etapa
surge
el
primer
traje
masculino
contemporáneo,
vinculado
a
la
burguesía,
sobrio,
negro
y
elegante.

Nunca
antes
había
sido
tan
diferente
la
vestimenta
masculina
de
la
femenina
y
es
que
todo
elemento

indumentario
ha
pasado
a
ser
sexualizado.37

Los
hombres
tendrán
sus
propios
tejidos,
prendas,
ornamentos
y

adornos.
La
imagen
del
hombre
es
de
tal
seriedad
y
uniformidad
que
la
indumentaria
masculina
a
partir
de
1850,

desaparece
de
las
revistas
de
moda.
Solo
se
escapan
de
esta
generalización,
los
dandis
-‐estetas
y
decadentes-‐

que
buscan
la
máxima
belleza
y
extravagancia
a
través
de
su
indumentaria.
Buscan,
así,
desmarcarse
del
resto
de

la
sociedad.
Imitaban
un
estilo
de
vida
aristocrático
aunque
procedieran
de
la
burguesía.
Elegancia,
refinamiento,

pasión
por
el
arte,
la
filosofía
y
la
literatura,
son
sus
rasgos
distintivos
así
como
un
egocentrismo
bastante

acusado.
El
dandismo
surgió
en
Gran
Bretaña
y
en
Francia
desde
finales
del
siglo
XVIII.

George
Bryan
“Beau”
Brummel
(1778-‐1840)
fue
el
creador
del
dandismo.
Fue
un
referente
de
la
moda
del
siglo

XIX.

Según
Baudelaire,
Brummel
no
tenía
otra
profesión
que
la
elegancia,
siendo
la
búsqueda
de
la
belleza
su
religión.

Entre
sus
seguidores
destacan
Oscar
Wilde,
Barbey
d´Aurevilly
y
Lord
Byron.
Solían
llevar
sombrero
de
copa,

camisa
con
cuello
alto,
chaqueta
(frac,
levita,
Spencer…),
pañuelo
anundado
al
cuello
“cravate”,
bota
alemana,

guantes
y
bastón.
Y
nunca
rechazaban
algún
elemento
excéntrico
en
su
porte
e
indumentaria.

37

Véase
su
espléndido
blog
y
sus
publicaciones.

http://pablopenagonzalez.blogspot.com.es/search/label/traje%20contemporáneo%3A%20ROMANTICISMO%20%28art%C3%ADculos%29

25

Mobiliario
y
decoración
de
interiores
vinculada
a
la
época
del
Romanticismo:
estilo
Regency
y
Napoleón
III

Fruto
de
la
ruptura
del
paradigma
clásico,
en
el
siglo
XIX
se
produce
la
recuperación
de
movimientos
artísticos

del
pasado,
que
ya
se
había
ido
gestando
a
lo
largo
del
siglo
XVIII.
Predomina
la
falta
de
un
auténtico
estilo
ya

que
lo
que
impera
en
toda
la
cultura
europea
es
el
eclecticismo
de
revivals
e
historicismos.
Todo
se
vuelve
“neo”:

neogótico,
neomudéjar,
neobarroco,
etc.
Recordemos
que
en
la
esencia
del
Romanticismo
se
halla
la

reivindicación
de
culturas
nacionales
y
en
especial,
la
fascinación
por
la
Edad
Media.

La
pluralidad
de
propuestas
en
el
mobiliario
y
la
decoración
de
interiores
de
la
época
del
Romanticismo
no
se

agota
en
los
historicismos.
Se
suceden,
además,
diversas
tendencias
estéticas
según
los
países
como
el
estilo

Imperio,
Luis
Felipe
y
Segundo
Imperio
en
Francia;
Regency
y
Arts
&
Crafts
en
Gran
Bretaña;
en
los
países

centroeuropeos
el
estilo
Biedermeier38
;
en
España
el
isabelino
(por
la
reina
Isabel
II)
etc.
Por
lo
demás,
las

influencias
orientales
(japonesas,
chinas…)
y
moriscas
son
rastreables
en
el
mobiliario
y
en
la
decoración

interiorista.

En
ocasiones,
los
muebles
y
los
motivos
decorativos
son
literalmente
copiados
de
los
modelos
precedentes,

aunque
con
proporciones
menos
elegantes.

El
arquitecto
Pugin
fue
uno
de
los
mayores
defensores
de
este
estilo.
Diseñó
junto
con
Charles
Barry
el

neogótico
Parlamento
británico
(el
Palacio
de
Westmister)
e
influyó
en
toda
una
generación
de
diseñadores.
Sus

muebles,
casi
siempre
destinados
a
las
casas
proyectadas
por
él
mismo,
tienen
generalmente
una
estructura

sencilla
y
un
aspecto
macizo
(arcos
apuntados,
rosetones,
pináculos,
etc.).

Otros
ejemplos
destacados
de
estilo
neogótico
en
Gran
Bretaña
son
Strawberry
Hill
y
Fonthill
Abbey39
.

El
Romanticismo
en
el
mobiliario
y
la
decoración
de
interiores
tiende
a
un
cierto
recargamiento
heredero
del
arte

barroco
y
el
rococó.

Y
es
que
siendo
la
clase
rectora
de
la
época
la
burguesía,
se
imponen
sus
gustos
que

tienden
a
interiores
muy
recargados,
confortables,
y
acogedores,
repletos
de
pequeños
objetos
decorativos
-‐
los

bibelots-‐
y
de
un
vastísimo
despliegue
textil
(cortinas,
alfombras,
cojines,
etc.)
de
rico
colorido.

38

El
estilo
Biedermeier
se
desarrolla
en
la
primera
mitad
del
siglo
XIX
en
los
países
centroeuropeos,
fundamentalmente
en
Austria
y
en
países
de
lengua

alemana,
pero
también
en
Hungría,
en
países
escandinavos
y
en
Rusia
e
Italia.
Es
el
estilo
burgués
por
excelencia,
siendo
hoy
en
día
muy
apreciado.

Comenzó
como
una
variante
del
estilo
Imperio,
para
en
los
años
siguientes
tener
características
propias.
Es
un
estilo
sobrio,
pero
de
carácter
práctico
y

funcional,
con
líneas
sinuosas
en
ocasiones,
que
parecen
anticipar
el
Modernismo.

39

Fonthill
Abbey
era
la
casa
del
excéntrico
escritro
William
Beckford.
A
pesar
de
su
nombre
no
era
ninguna
abadía,
pero
presentaba
bóvedas
de
abanico,

tracería,
vidrieras,
carpetas
rojas,
cortinas…
En
1825
el
edificio
fue
destruido
por
una
tormenta.

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

26

El
Estilo
Regency
–Regencia-‐
se
desarrolla
en
Inglaterra
en
paralelo
al
estilo
Imperio
en
Francia
o
al
“fernandino40
”

en
España.
Se
denomina
así
por
un
periodo
de
la
historia
de
Inglaterra
que
se
extiende
durante
los
años
1811-‐20

coincidente
con
la
regencia
del
príncipe
George
IV.
Reinó
entre
los
años
1820-‐30
y
fue
un
gran
mecenas
de
las

artes.
El
mobiliario
Regency
se
basa
en
los
elegantes
diseños
grecorromanos
pero
también
adopta
elementos

eclécticos
tomados
del
arte
del
antiguo
Egipto.
Thomas
Hope
fue
uno
de
los
principales
diseñadores
de
este

estilo.
Fue
un
verdadero
erudito,
coleccionista
de
arte
y
esteta
de
su
época.
Los
diseños
más
sencillos
de
Hope

fueron
popularizados
por
el
ebanista
George
Smith
y
muy
copiados
a
principios
del
siglo
XIX.

Luis
Napoleón
Bonaparte
(1808-‐1873)
fue
el
emperador
del
Segundo
Imperio
francés
(1852-‐1870).
Sobrino
y

heredero
de
Napoleón
Bonaparte,
su
figura
histórica
dio
nombre
en
Francia
a
un
estilo
arquitectónico
y
de

decoración
de
interiores
denominado
Napoleón
III
o
Segundo
Imperio.
La
influencia
de
esta
tendencia
estética

marcará
buena
parte
de
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX
francés,
en
plena
era
de
revivals.
Será
sustituido
por
el

Modernismo
o
Art
Nouveau.

La
esposa
de
Napoleón
III,
la
emperatriz
de
origen
español
Eugenia
de
Montijo,
reinará
casi
tanto
como
su

marido,
influyendo
en
las
artes
de
la
época
y
en
la
decoración
de
interiores41
.
La
emperatriz
era
una
gran

admiradora
de
María
Antonieta
y
le
apasionaba
como
a
ella
la
decoración.
De
hecho,
buscó
los
muebles
que

utilizó
la
reina
austriaca
en
los
castillos
de
St.
Cloud
y
Compiègne
–sobre
todo
de
los
grandes
ebanistas
Riesener

y
Oeben-‐
e
hizo
que
los
copiaran
para
colocarlos
en
diferentes
residencias.

En
el
estilo
Segundo
Imperio
hay
que
destacar
las
residencias
de
Napoleón
III
y
la
emperatriz
Eugenia
en
Biarritz,

en
el
Palacio
del
Louvre
o
en
el
de
las
Tullerías
de
París.

En
este
último
sobresalen
los
tres
salones
que
Héctor
Lefuel
decoró
para
ella:
uno
verde
y
oro,
otro
rosa
y
otro

azul.

El
mobiliario
del
Segundo
imperio
lleva
hasta
sus
últimas
consecuencias
el
eclecticismo
del
reinado
de
la
etapa

de
Luis
Felipe
de
Orleáns
(1830-‐1848).

40

Corresponde
al
reinado
del
rey
Fernando
VII,
el
“deseado
indeseable”.

41

También
fue
un
referente
de
la
moda
convirtiéndose
en
en
cierto
sentido
en
una
especie
de
maniquí
de
las
últimas
creaciones
de
la
industria
textil.
Fue
la

gran
impulsora
de
la
alta
costura,

y
puso
de
moda
el
color
verde
Nilo.

27

Distinguimos
el
estilo
romántico
en
el
palacio
de
Eugenia
de
Montijo
en
Biarritz42

en
la
presencia
de
columnas,
seguramente
recuerdo

del
Ópera
Garnier
de
París,
así
como
en
las
eclécticas
butacas
que
combinan
respaldo
rococó
y
apoyos
neoclásicos.
Recordemos
que
el

palacio
de
la´Ópera
de
París
fue
el
monumento
simbólico
del
Segundo
Imperio
francés.

Fue
un
periodo
de
cierta
confusión
y
solapamiento
de
estilos,
especialmente
los
denominados
Luis
XIV,
Luis
XV,
y

Luis
XVI.
Predominaba
la
fascinación
por
muebles
ostentosos
y
de
decoración
abigarrada.
En
este
periodo
se

concede
mucha
importancia
al
salón
y
por
tanto
a
los
asientos,
divanes,
sillones
y
sillas.
En
estos
muebles
es

donde
se
manifiestan
nuevos
modelos
como
el
indiscret
–asiento
de
tres
plazas
con
una
curiosa
forma

helicoidad;
el
confident
–con
dos
asientos
contrapuestos-‐
o
el
pequeño
asiento
bajo
y
de
forma
redonda,
siempre

acolchado
y
forrado
de
tela
o
piel
denominado
pouf.

Por
otra
parte,
es
una
etapa
en
la
que
la
nueva
clase
burguesa
disfruta
de
un
lujo
antiguamente
solo
reservado
a

las
aristócratas43
.

Fuentes
de
documentación,
imágenes
y
webgrafía:

Google.
com

Wikipedia
y
Wikimedia.
Com

Recursos.march.es

42

Hoy
es
el
lujosísimo
Hôtel
du
Palais,
en
Biarritz,
País
Vasco
francés.

43
Por
lo
demás,
durante
el
Segundo
Imperio
napoleónico,
el
barón
Haussmann
llevó
a
cabo
en
París
una
renovación
total
de
la
ciudad
(nuevas
calles
y

bulevares,
reglamentación
de
fachadas,
espacios
verdes,
mobiliario
urbano,
distribución
de
agua
potable
en
los
inmuebles,
equipamentos
y
monumentos

públicos).

Fundamentos
del
Arte
II

Profesora
Ana
Galván
Romarate-‐Zabala

28
Museo
del
Prado,
Madrid

Museo
Victoria
&
Albert
de
Londres

Museo
MET
de
Nueva
York

Museo
de
Artes
Decorativas
de
París

Museo
del
Romanticismo
de
Madrid

Museo
del
Traje
de
Madrid

¿Eres
un
romántico?
https://multimedia.caixabank.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/delacroix/es/romantic_3_3.html

http://www.musee-‐delacroix.fr/

https://multimedia.caixabank.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/delacroix/es/pintura_2_1.html

https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/turner-‐y-‐los-‐maestros/d8598967-‐34a2-‐4de2-‐8851-‐353d9de3fb97

http://www.corazonistas.edurioja.org/haro/recursos/hmusica/romanticismo/INDEX6.htm

http://www.sineris.es/la_vida_de_beethoven_en_el_cine.html

https://en.wikipedia.org/wiki/Beethoven_House

http://es.slideshare.net/jfguillen/obra-‐musical-‐de-‐ludwig-‐van-‐beethoven

http://www.giuseppeverdi.it/vita/biografia/index.html

Youtube:
Wagner
https://www.youtube.com/watch?v=_7oWZq_s_Sk

http://librosymitos.blogspot.com.es/2011/05/wagner-‐y-‐el-‐anillo-‐del-‐nibelungo-‐la.html

http://www.rtve.es/alacarta/videos/this-‐is-‐opera/this-‐is-‐opera-‐bel-‐canto/3097381/

http://openaccess.uoc.edu/webapps/o2/bitstream/10609/7886/1/rgener_TFC_0611.pdf

http://www.danseraparis.fr/la-‐danse-‐classique-‐3-‐.php

http://ccdoc-‐documentacionfotografica.blogspot.com.es/2010/10/introduccion-‐la-‐documentacion.html

https://en.wikipedia.org/wiki/Pictorialism

www.fotosantiguascanarias.org

http://www.girona.cat/web/ic

http://ermundodemanue.blogspot.com.es/2012/05/eugene-‐delacroix-‐obras-‐cuadros-‐pinturas.htmla2014/ponents/textos/id44.pdf

http://sicoppeliavistieradeprada.blogspot.com.es/2014/03/el-‐tutu-‐de-‐carrie.html

https://maisfashionbcn.org/2014/03/05/la-‐falda-‐tutu/

http://tesauros.mecd.es/tesauros/mobiliario/1173101#c619190123

http://www.abc.es/estilo/gente/abci-‐vestidos-‐lorenzo-‐caprile-‐conquistan-‐escena-‐berlinesa-‐201605272004_noticia.html

http://www.mecd.gob.es/mromanticismo/dms/museos/mromanticismo/comunicacion/sala-‐prensa/2015/22-‐06-‐np-‐pasarela-‐xix.pdf

https://multimedia.caixabank.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/delacroix/es/pintura_2_3.html

http://www.museosenfemenino.es/museo_traje/cuerpos-‐modelables/vestido-‐romántico-‐1830

http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2012/04/la-‐libertad-‐guiando-‐al-‐pueblo-‐de.html

http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2013/09/el-‐palacio-‐morando-‐museo-‐de-‐la-‐moda-‐de.html

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