Arte, estética y belleza 2016
- 1. Facultad de la Cultura LICENCIATURA EN GESTIÓN CULTURAL Y ECONOMÍA CREATIVA Curso: ARTE I Prof. Fernando Rodríguez Compare
- 2. ESTÉTICA: ARTE Y BELLEZA “El viaje más hermoso no es aquel en el que se visitan nuevos lugares, sino aquel que visitás los mismos, para mirarlos con otros ojos.” Marcel Proust Alexei Butirskiy (Moscú – 1974)
- 3. CUESTIONES FUNDAMENTALES EN LA DISCUSIÓN ESTÉTICA Y LA FILOSOFÍA DEL ARTE: • - ¿QUÉ ES LA EXPERIENCIA O LA VIVENCIA ESTÉTICA? • - ¿QUÉ ES LO BELLO? Y ¿HAY DIFERENTES TIPOS DE BELLEZA? • - ¿TODO LO BELLO ES ESTÉTICO? • - ¿PUEDE EXISTIR UNA COSA ESTÉTICA Y AL MISMO TIEMPO FEA, DESAGRADABLE, HORROROSA, ETC...? • - ¿QUIÉN O QUIÉNES DEFINEN SI ALGO ES BELLO?
- 5. LA OBRA DE ARTE: • - ¿EXPRESA SENTIMIENTOS, IDEAS, PENSAMIENTOS? • - O ¿ES EL AUTOR QUIEN LOS EXPRESA A TRAVÉS DE ESA OBRA? • - O ¿ES EL ESPECTADOR U OBSERVADOR EL QUE LOS PONE O INVENTA? • - SI LA NATURALEZA ES BELLA, ¿PODEMOS DECIR QUE LA NATURALEZA EXPRESA ALGO?
- 7. PARA DISFRUTAR DEL ARTE: • - ¿HAY QUE SER ARTISTA? • - ¿HAY QUE TENER UN "DON" ESPECIAL O UN "GUSTO" ESPECÍFICO? • - ¿EL "GUSTO ESTÉTICO" ES UNIVERSAL O SÓLO DE UNOS POCOS? • - ¿HAY QUE TENER CONOCIMIENTOS ESPECIALES? • - ¿HAY ÉLITES "CONOCEDORAS? • - ¿SE PUEDE EDUCAR ARTÍSTICAMENTE?
- 9. Todo, absolutamente todo en el universo posee una belleza (hasta lo feo). Desde las artes, pasando por la naturaleza y las máquinas, la obra más perfecta y bella es el cuerpo humano. Éste ha sido materia de investigación desde diferentes disciplinas. A través del tiempo, se ha tratado el tema de la estética, no sólo desde las artes, sino desde la literatura, la filosofía, e incluso desde la medicina. Ambos términos logran estar juntos en diferentes épocas de la historia, hablando desde diferentes perspectivas.
- 10. DEFINICIONES DEL TÉRMINO: E S T É T I C A Etimológicamente, la palabra “estético” deriva del griego aistêtiké (de aisthesis = sensación, sensibilidad), de lo que inferimos que la Estética cubre un vasto campo de la representación sensible, el ser humano tiene una imagen de sí, toma conciencia de sí: se ve. “La estética es la ciencia que estudia e investiga el origen sistemático del sentimiento puro y su manifestación, que es el arte”, según afirma Kant en su "Crítica del juicio". Se puede decir que es la ciencia cuyo objeto primordial es la reflexión sobre los problemas del arte.
- 11. LA EXPERIENCIA ESTÉTICA • Es la experiencia valorativa que tiene todo ser humano ante la belleza de los objetos de su entorno. Tiene 2 elementos: • Sujeto: es el agente que valora con goce la presencia de un objeto considerándolo como bello o feo. • Objeto: es aquello que tiene la función de hacer aparecer en la consciencia de hombre imágenes que son apreciadas o despreciadas – Tipos: » Naturales – montaña, valle, flor » Sociales – guerras, revoluciones, fiesta patronal » Obras de Arte – poema, escultura, drama, melodía
- 12. La reflexión sobre el arte fue asunto de interés para muchos de los filósofos clásicos griegos. Si el arte tiene una historia que se remonta a los orígenes del ser humano, la reflexión filosófica sobre el arte nos deja más cerca, en el siglo VI antes de la era cristiana.
- 13. IDEAS ESTÉTICAS PRINCIPALES REPRESENTAN TES EPOCA ANTIGUA P. Arcaico: HOMERO – HESÍODO – Poetas líricos (Píndaro, Safo, Solón) P. Clásico: Filósofos: PITÁGORAS – HERÁCLITO – SÓCRATES – SOFISTAS – PLATÓN – ARSITÓTELES. P. Helenístico: EPICUROS – ESCÉPTICOS – CICERÓN. EDAD MEDIA SAN AGUSTÍN – SANTO TOMÁS ÉPOCA MODERNA ESTÉTICA S. XV – NICOLÁS DE CUSA S. XVI – ALBERTI – LEONARDO – RAFAEL – DURERO – VASARI – PALLADIO S. XVII - DESCARTES - LIEBNIZ S. XVIII – LOCKE – HUME – DIDEROT – BAUMGARTEN - KANT ÉPOCA CONTEMPORÁNEA S. XIX – HEGEL – NIETZSCHE – GOETHE – SCHOPENHAUER – HEIDEGER – CROCE – ORTEGA Y GASSET S. XX – FOUCAULT – DIDI-HUBERMAN – DANTO – ADORNO – BARTHES – FORMAGGIO HISTORIA DE LA ESTÉTICA
- 14. Si bien junto al Arte, la Belleza ha constituido históricamente el objeto de análisis de la Estética, es indudable que hoy es el Arte, y no la Belleza, el que delimita el campo de la Estética. La belleza ha perdido el rol protagónico que tuvo en otros momentos.
- 15. Puesto que la recepción de algunos fenómenos estéticos exceden el ámbito de lo sensible a favor del concepto, deberíamos definir a la Estética como disciplina que estudia la experiencia estética no partiendo necesariamente de la sensación, como lo dicta su etimología. Hegel sostiene que el término Estética no define lo bello en general, sino puramente lo bello en el Arte. La expresión más adecuada para esta ciencia sería la de “filosofía del arte”, y más específicamente, “filosofía del arte bello”.
- 16. Según Hegel, desde el punto de vista del sentido común, el arte de lo bello se puede examinar a partir de los siguientes supuestos: 1) el arte no es un producto de la naturaleza sino que es una actividad humana. 2) se dirige hacia los sentidos recurriendo a lo sensible 3) tiene un fin en si mismo.
- 17. Ya en el siglo XIX, Hegel advirtió la existencia de obras de arte que apelaban más al pensamiento que a las sensaciones, que invitaban más a “la consideración pensante”, lo que acercaba indudablemente a los requerimientos del arte conceptual del siglo XX.
- 18. NACIMIENTO Y EVOLUCIÓN DEL CONCEPTO DE ESTÉTICA Existen obras de arte desde la Prehistoria, sin embargo, la Estética como disciplina autónoma es más contemporánea. Desde la Antigüedad a Edad Media hubo reflexiones sobre la belleza y el arte, pero no existía la Estética como tal. Dichas reflexiones provenían de la Filosofía y más específicamente, de la Metafísica. Platón sostenía que el Arte era fruto de la Metafísica, fundándose en la bipartición del mundo en dos: el Mundo de las Ideas (verdadero, inteligible, inmutable) y el Mundo Sensible (copia o imitación del mundo de las Ideas). A este mundo ilusorio y cambiante pertenece la obra de arte.
- 19. El nacimiento de la Estética en el siglo XVIII es un acontecimiento mayor en la historia del pensamiento occidental. Es consecuencia del lugar de privilegio que adquiere el hombre autónomo de la Ilustración: el hombre deviene sujeto, contra la idea de creatura propia del medioevo, donde era considerado dentro del grupo de entes creados por Dios.
- 20. MODERNIDAD ESTÉTICA SUBJETIVIDAD YO MISMO Y MIS ESTADOS PASAN A SER LO PRIMERO HOMBRE GUIADO POR LA RAZÓN QUE ILUMINA Y POR EL PRINCIPIO DE LIBERTAD SUJETO DUEÑO DE SÍ MISMO
- 21. La estética como disciplina autónoma es la consecuencia teórica del avance de un arte autónomo, desligado tanto de la utilidad como de la función educativa o religiosa.
- 22. A partir del Quatrocento italiano, surge el paradigma del artista “humanista”. La regla o el mandato medieval deja paso a la elección – subjetiva – del artista. EL BAUTISMO DE CRISTO GIOTTO - 1302 PIERO DELLA FRANCESCA - 1445
- 23. En el siglo XVIII, durante el desarrollo de la Ilustración , la Estética participa de la utopía, que guiada por la razón, permite al hombre alcanzar la completa felicidad. Se le encomendará la educación del gusto, la armonización de las fuerzas de la naturaleza y del instinto con las leyes de la razón.
- 24. “La bella Antigüedad fue siempre venerable, Pero no creo en absoluto que ella sea venerable. Veo a los antiguos, sin doblar las rodillas; Son grandes, es cierto, pero hombres como nosotros.” Fragmento un poema de Charles Perrault , declamado ante la Academia Francesa en 1687.
- 25. GUSTO, ESTÉTICA Y BELLEZA El filósofo escocés David Hume no utilizaba el término Estética, sino que prefería el de Gusto, como la refinada capacidad de percibir la calidad en una obra de arte. Immanuel Kant, por su parte, también hablaba de juicio de Gusto, pero le interesaba más los juicios sobre el concepto Belleza.
- 26. PROBLEMA DE LA BELLEZA • ¿Qué es la belleza y qué nos lleva a buscarla? • ¿De qué depende? • ¿Depende del estado de ánimo, del deseo, del interés o de los sentimientos del ser humano? • ¿Depende del objeto bello y sus cualidades?
- 27. VIRGEN MARÍA – Chris Ofili - 1999 VIRGEN DEL JILGUERO – Rafael – Siglo XVI
- 28. CRISTO CRUCIFICADO – Velázquez – Siglo XVII PISS CHRIST – Andrés Serrano - 1988
- 29. ¿CÓMO PROBAR QUE UN DETERMINADO GUSTO ES MEJOR QUE OTRO?
- 30. Los debates sobre el concepto de belleza los podemos encontrara ya en la antigua Grecia del siglo V a C a partir de las diferentes posiciones respecto a la tragedia griega: Platón (427 – 347 a c) • Examinó formas del arte como la tragedia, al igual que la escultura, la pintura, la cerámica, la arquitectura, no como “arte”, sino como habilidad artesana. Los consideraba como ejemplos de “mimesis” o imitación. • Criticaba todas las imitaciones, incluyendo las tragedias, por no describir las realidades ideales eternas: “Formas” o “Ideas”. • La tragedia confundía al público acerca de los valores: si los personajes buenos experimentan trágicos fracasos, esto nos enseña que la virtud no siempre es recompensada. Aristóteles (384 – 322 a C) • Defendió la tragedia en su poética argumentando que la imitación es algo natural que agrada a los seres humanos desde temprana edad y de la que incluso aprenden. • No creía que hubiera una esfera aparte de Ideas, como Platón. Para Aristóteles, la tragedia podría educar atrayendo a la mente, los sentimientos y los sentidos de las personas. • Si una tragedia muestra como hace frente a la adversidad una persona buena, genera una purificación o “catarsis” por medio de las emociones del temor y la compasión.
- 31. Según Platón, los que producían las artes de la imitación (los mimetés) estaban alejados de la verdad y de lo real; ellos no hacían cosas útiles (utensilios, muebles, etc.) sino meras ilusiones, fantasmas o simulacros de esas mismas cosas. Mímesis, según Platón, supone no sólo la producción de algo irreal sino también que eso irreal debe dar la ilusión de realidad. BODEGÓN - Joaquín Laporte - 2007 FRASCO CON CANICAS Pedro Campos - 2006
- 32. GUSTO, ESTÉTICA Y BELLEZA EL IMPERIO DEL GUSTO EL JUICIO DEL GUSTO Dos enfoques sobre un mismo tema KANT
- 33. DAVID HUME – 1711 – 1776 «En todas las producciones más nobles de la genialidad humana existe una relación mutua y una correspondencia entre sus partes» «Ni la belleza ni la deformidad pueden ser percibidas por aquel cuyo pensamiento no es capaz de aprehender todas esas partes y compararlas entre sí.» «Un hombre que no ha tenido oportunidad de comparar las diferentes clases de belleza está sin duda totalmente descalificado para opinar con respecto a cualquier objeto que se le presente». «Existe la delicadeza de gusto, pero también la delicadeza de la pasión, relativa la sensibilidad hacia lo bueno y lo malo de la vida.»
- 34. • Hume insistía en la educación y en la experiencia: los hombres de gusto adquieren determinadas capacidades que conducen a un acuerdo en cuanto a qué autores y obras de arte son las mejores. Dichos expertos pueden diferenciar las obras de alta calidad de otras menos buenas. • Los hombres de gusto deben “conservar la mente abierta al prejuicio”, pero pensaba que nadie debía hallar agrado en actitudes inmorales ni “maneras viciosas” en el arte (por ej. obras del arte musulmán). • Hume sostiene que los juicios de gusto son “intersubjetivos”: las personas de gusto tienden a coincidir entre sí. • Se le critica que su concepto de gusto solo se genera mediante adoctrinamiento cultural. DAVID HUME – 1711 – 1776 (Edimburgo)
- 35. 1724 – 1804 «Todo nuestro conocimiento comienza con la experiencia... No por ello todo procede de la experiencia» «El gusto es la facultad de juzgar un objeto o una representación mediante una satisfacción o descontento sin interés alguno. El objeto de semejante satisfacción, llámese como bello " «El gusto es la facultad de juzgar un objeto o un modo de representación, por la satisfacción o el desagrado, de un modo totalmente desinteresado. Se llama Bello el objeto de esta satisfacción»
- 36. • Kant pretendía demostrar que los buenos juicios en estética se basan en rasgos de las propias obras de arte, no sólo en nosotros y en nuestras preferencias. Sostenía que para actuar en el mundo con el fin de lograr nuestros objetivos humanos etiquetamos gran parte de lo que sentimos, a menudo de una manera arbitraria. • Su teoría estética es anti- intelectualista: la razón no es concluyente para emitir juicios, lo válido son las apariencias, la primera impresión sin atender a su forma o composición, sólo a las emociones que despierta ese primer momento que es apariencia, es arte, es juicio. • Los instintos frente a la razón. • Una rosa roja nos agrada, no para comerla, ni siquiera para ponerla en un jarrón. • Kant afirma que algo bello tiene “intencionalidad sin intención”. IMMANUEL KANT – 1724 – 1804 - Prusia
- 37. Kant advirtió que el goce de la belleza era distinto de otros tipos de placer. Si una frutilla madura con su textura, color y aroma nos lleva a comerla, estamos contaminando el juicio de su belleza. Con el fin de apreciar su belleza , piensa Kant que nuestra respuesta tiene que ser desinteresada, independiente de su propósito y de las sensaciones placenteras que produce.
- 38. En definitiva, Kant sostiene que la estética se experimenta cuando un objeto sensorial estimula nuestras emociones, intelecto e imaginación. Estas facultades son activadas en un “libre juego” y no de una manera más centrada y deliberada. El objeto bello atrae a nuestros sentidos, pero de una manera fría y distanciada. La forma y el diseño de un objeto bello son la clave del importantísimo rasgo de la “intencionalidad sin intención”.
- 39. En Kant vemos dos conceptos estéticos: a) Subjetividad universal: es clave para el idealismo posterior de Kant. En este concepto se conjugan distintos ámbitos: el entendimiento y la sensación, la racionalidad y la irracionalidad, lo infinito y lo finito, lo objetivo y lo subjetivo. Todas estas conciliaciones se reducen a conciliación entre entendimiento y sensación. Lo común entre los juicios estéticos y científicos es que produce conocimiento objetivo, universal. La sensación sería irrepetible y única. Se vinculan aspectos en principio opuestos. b) El objeto natural como objeto estético: Son experiencias inmediatas en la cual el objeto natural por no estar mediado es el objeto estético por excelencia, dicho objeto fija nuestra atención inmediatamente, se me impone. El objeto natural es el paradigma. Sin proceso de interpretación no tiene que ser descifrado. No hay autor, no hay interpretación y se impone inmediatamente.
- 40. Para Platón existe la Idea del Bien, a la que llama la “Idea de las Ideas”. Mientras las Ideas son únicas (una sola idea de belleza, una sola idea de igualdad, etc.) las que son inmutables, necesarias, universales y eternas; las cosas sensibles son múltiples, mutables, temporales y particulares, todas copias de la única Idea (del griego oidos = ver). En Platón, el término idea hace referencia al aspecto inteligible de las cosas. En el libro X de la República, Platón ilustra esta posición a través del ejemplo de las tres camas: en el mundo empírico existe una multiplicidad de camas, mientras que en el mundo suprasensible encontramos la Idea de cama, única y esencial: • La Idea de cama – por la cual la cama es cama. Primer grado de realidad. • La cama sensible que fabrica el artesano, que es copia imperfecta, una realidad degrada. Segundo grado de realidad. • La imitación que hace el artista de la cama. Tercer grado de realidad
- 41. La descripción griega clásica del arte como imitación influyó en otras áreas de la teoría del arte además de la tragedia. Por ejemplo, Gombrich define a la historia del arte occidental como la búsqueda de maneras cada vez más vívidas de presentar la realidad. Sostiene que existen aún en el siglo XXI muchas personas que prefieren una arte que “se parezca” a aquello por ellos reconocible. Retrato de Eleonor de Toledo con su hijo – Angiolo Bronzino 1545 Bodegón – Willem Kalf 1660
- 42. El artista norteamericano Joseph Kosuth (1945), reflexionó sobre esta postura de Platón, sobre la diferencia entre realidad e ilusión (y también convención) en una de sus obras más emblemáticas de arte conceptual: Una y tres sillas (1965)
- 43. UNA Y TRES SILLAS - JOSEPH KOTUSH – 1965 El objeto real: silla. La 1ª re-presentación de la silla (fotografía) La 2ª re-presentación de la silla (definición del diccionario)
- 44. LA ESTÉTICA EN EL SIGLO XX En la modernidad, la relación de la belleza con las formas sensibles se desconecta de los modelos ideológicos impuestos extendiéndose, hacia finales del siglo XX, un descrédito del uso de la belleza en las producciones artísticas así como un rechazo al uso del concepto en la Estética y como medida del arte. La "muerte de la belleza" en los tiempos modernos es resultado de la crisis histórica de la existencia de un principio estético uniforme propugnando la fragmentación cultural con la diversidad de las representaciones humanas.
- 45. La modernidad se rebela contra todo lo que es normativo, rompe con las tradiciones, tiene la misión de ser siempre innovadora y es en ese sentido donde es efímera ya que necesita reinventarse constantemente o perder su sentido de originalidad, y por lo tanto perder su validez. La negación es su fuerza creadora, negación como ruptura con lo ya establecido, negación como rechazo a lo anterior. Moverse siempre hacia delante, dejando atrás lo que ya se ha hecho antes, lo único realmente valioso es aquello que innova, que es original.
- 46. La dictadura de los paradigmas del Arte Paradigma es un modelo invisible, un juicio previo sobre algún ámbito determinado, un prejuicio cuya función es definir los límites entre lo que es correcto y lo que no debemos aceptar. La adopción del paradigma nos sirve como motivación y como marco de referencia que le da una orientación definida a nuestro pensamiento, pero cuando se lo adopta como una regla inviolable oscurece todo lo que está más allá de sus límites y dificulta su observación.
- 47. El paradigma neoclásico del siglo XIX le impidió a la elite cultural francesa apreciar los valiosos atributos de la nueva mirada que aportaban los impresionistas BOUGUEREAU DEGAS
- 48. El posterior paradigma vanguardista acostumbró al público de arte al desprecio de la pintura figurativa y precipitó el aluvión de prohibiciones y tabúes que atraviesa la historia del arte contemporáneo. Alexei Butirskiy Pablo Picasso
- 49. Las vanguardias de principios del siglo XX, en especial, el dadaísmo y surrealismo, imponen al arte un carácter crítico, negativo, combativo e iconoclasta, donde éste toma partido en la revolución social y política propia de su época. Destruir es crear.
- 50. Déjenlo todo Dejen Dada. Dejen su esposa, dejen su amante. Dejen sus esperanzas y sus temores. Abandonen a sus hijos en medio del bosque. Suelten el pájaro en mano por los cien que están volando. Dejen si es necesario una vida cómoda, aquello que se les Presenta como una situación con porvenir. Salgan a los caminos. André Breton - 1924
- 51. El panorama del arte y las practicas artísticas han sufrido profundas transformaciones, el agotamiento de la modernidad y la incorporación de nuevas tecnologías en las artes, determinan una profunda revolución de las tradicionales practicas artísticas. Un artista visionario de estas problemáticas, fue sin duda, Marcel Duchamp. La profunda revolución que provocan sus ready-made, y su negación del concepto de obra, lo sitúan como un eslabón clave entre la modernidad artística y el arte posmoderno
- 52. El esfuerzo de Duchamp consiste en sustituir la pintura, por la pintura- idea. "El desnudo es un antimecanismo. La primera ironía consiste en que no sabemos siquiera si se trata un desnudo. Encerrado en un corsé o malla metálica, es invisible. Ese traje nos recuerda tanto a una armadura medieval como a una carrocería o a un fuselaje.” OCTAVIO PAZ Desnudo bajando la escalera - 1912
- 53. Las características medulares del ready -made se podrían resumir de la siguiente forma: son obras que remiten a materiales sencillos; son objetos cotidianos; son desechables; no tienen gusto; son objetos neutros. En términos generales, el ready-made es un pretexto para activar una serie de ideas, donde lo central es reflexión por el contexto de la obra, idea que revoluciona la tradicional lectura de obra. En esta lógica, lo que determina finalmente que simples objetos pasen a constituirse en arte, es la pérdida de la función de uso del objeto.
- 54. Si bien, el dispositivo duchampiano del ready-made, produce una profunda interrogante en lo relativo a la obra de arte, y su materialidad. En el ámbito de la estética, surge inmediatamente la pregunta ¿cómo aplicar el concepto de gusto, en una obra que se aleja radicalmente de la noción de obra?. La crítica de Duchamp se instala en la médula de lo que se conoce como "estética ", entendiendo por estética la disciplina que en el siglo XVIII, logra enlazar los conceptos de arte y belleza, que en la persona de Baumgarten toma el nombre de doctrina del conocimiento sensible.
- 55. ¿Cuáles son las características o huellas de la profetizada muerte del arte? Resulta paradójico pensar en la visualización de la citada muerte; sin embargo, hay gestos importantes que ponen en evidencia el fin de una tradición visual occidental. MALEVICH DUCHAMP
- 56. Desde el paleolítico hasta las figuras cubistas, existe la sensibilidad de crear visualidad en función de presentar objetos, ya sea como: mímesis, expresión, espiritualidad etc., sin embargo, a un resultado completamente distinto llegaron Duchamp y Malevich. Estos dos artistas, alcanzaron el denominado grado cero en el arte: se entiende por grado cero, cuando se han violado y transgredido las normas básicas de una determinada disciplina. La radicalidad de estos artistas consiste precisamente en la negación del objeto, Duchamp a través de la presentación del objeto (el ready -made como objeto aestético) y Malevich a través de la no-presentación del objeto, ( cuadro blanco sobre fondo blanco), estas acciones rupturistas pusieron en evidencia la fragilidad de la visualidad moderna , planteando un cambio de época o con otras palabras la caída de los paradigmas estéticos modernos .
- 57. ¿MUERTE O REFORMULACIÓN DE LOS PARADIGMAS? Gracias a un decidido proceso de desconstrucción de paradigmas plásticos heredados del academicismo clásico; desarrollado por el dadaísmo, el cubismo, y otras vanguardias durante la primera mitad del S. XX , se logró apelar, a una nueva forma de percibir la realidad, desentrañando a través de la mayoría de sus pinturas, las diversas realidades formales, que subyacen a la simple apariencia de los objetos. En síntesis, con las vanguardias, la muerte del paradigma, dará paso, a una manera distinta de ver, que permitió formular nuevos significados.
- 58. “De vez en cuando tiene que surgir un artista que mande al diablo nuestra ideas sobre el arte, para que haya de nuevo pintura.” Willem de Kooning (1904 – 1997)
- 59. Arthur Danto (1924 – EEUU), una de las principales figuras de la estética actual, intentó indagar la crisis del concepto (y del completo cambio en la vivencia) de la belleza en el arte contemporáneo. El verdadero terremoto, sostiene, tuvo lugar ya al comienzo del siglo XX, con el emblemático mingitorio de Duchamp y las vanguardias plásticas y literarias que allanaron el camino para la introducción de obras difícilmente aceptables siquiera como arte (es decir, sin considerar su valor estético, bueno o malo, sino su mero estatuto) en los 25 siglos que nos preceden.