ARTEZ-Revista de las Artes Escénicas nº 198

Carlos Gil Zamora
Número: 198 - año 18 · Julio / Agosto 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97
Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com
Portada | ‘En un lugar del Quijote’ de Ron Lalá y la Compañía Nacional de Teatro Clásico
1414 julio
agosto
Como siempre desde hace
poco, no es el momento de
hablar del futuro
E
stamos acumulando tics, ges-
tualidades impostadas, con-
vicciones delimitadas en la au-
sencia de pensamiento crítico,
actitudes que van del oportunismo a
la desidia con escala siempre en el por
si acaso, que nos llevan a ir aplazan-
do lo importante para ir resolviendo o
enquistando, lo urgente. No se busca
una solución, ni siquiera un placebo,
pero el desarraigo y descontextualiza-
ción de la cultura puede convertirse
en un final de trayecto.
No es necesario inmolarse, ni poner-
se al frente de ninguna manifestación,
simplemente atendiendo a la realidad
de nuestras Artes Escénicas, en todos
los territorios del Estado español, de-
bemos convenir que este pasotismo
nos lleva a la más grandiosa inoperancia. Pueden ser sensaciones
de quienes vivimos al margen de las cuestiones oficiales y oficialis-
tas, pero a nuestro entender no avanzamos ni un milímetro, y si se
mira todo desde la atalaya de la experiencia, estamos peor que hace
unos meses. Y sin atisbos de solución. Es más, los signos evidentes
de descomposición en el INAEM debería poner en alerta a todos los
palmeros e incrustados en sus rendijas, porque parece ser que no
tiene mucho más recorrido.
Por suerte hay más actividad que la que genera, protege, promo-
ciona, avala el INAEM. Pero no deja de ser un síntoma muy preocu-
pante lo que está sucediendo con sus unidades de producción, la
suspensión de giras, el malestar entre sus trabajadores que no nos
anuncian nada bueno. Estos problemas internos inciden en la ya de
por sí escasa energía puesta hacia el exterior, por lo que entre las
muchas cosas que son necesarias plantearse, ahora que curiosa-
mente desde el conservadurismo más monárquico se ha puesto de
moda hablar de reformas, la revisión
de todo nuestro complicado sistema
de reglamentos, instituciones, conse-
jerías y ayuntamientos relacionados
con la formación, difusión, producción
y exhibición de las Artes Escénicas. Lo
venimos reclamando tantas veces que
esta obviedad empieza a convertirse
en una retórica.
Decimos que existe actividad fuera
del amparo del INAEM, pero nuestro
sistema productivo hace aguas porque
todo estaba basado en una concep-
ción de circuito cerrado en donde la
circulación de las obras y espectáculos
era por decisión graciosa de cada res-
ponsable de los centros de exhibición.
Y todos esos teatros públicos, enreda-
dos, eran los que generaban un alto
porcentaje de la actividad fuera de las capitales con mayor capa-
cidad demográfica, y en donde tenían cabida las producciones de
medio formato de compañías no institucionales. Roto este circuito,
roto el equilibrio, estamos todos con el culo al aire. No es posible
cambiar de un sistema protegido, es decir de pago de un cachet, a
uno basado solamente en los ingresos por taquilla. Esto es una con-
clusión simple, pero llevamos demasiados meses, quizás años, en
los que se habla de ello, y no se toman soluciones. ¿Ha sido Platea
una solución o un parche?
Esta situación que se va haciendo normal, es decir que costará
cambiar debido a la política de hechos consumados, está provocan-
do efectos que consideramos perniciosos. Por un lado una tenden-
cia a la banalidad, a espectáculos que no compliquen la vida a los
pocos programadores que pueden abrir sus salas, y no solamente
en los productores de siempre, con sus televisivos en el cartel, sino
que muchos otros pequeños productores periféricos, compañías
©Yannis Kalavrianos

Editorial
índice41.65(41º38’)|-4.73(-4º43’)
Opinión
4 - 5 Editorial
6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias
7 Desde la Caverna – David Ladra
66 Luz Negra – Josu Montero
67 Vivir para contarlo – Virginia Imaz
68 - 69 Postales argentinas – Jorge Dubatti
70 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán
71 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud
72 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado
73 El lado oscuro – Jaume Colomer
74 El método griego – María Chatziemmanoui
76 Las lejanías – Carlos Be
Festivales
10 - 11 XV Bilboko Kalealdia
12 - 13 Festival Internacional de Teatro de
Calle de Lekeitio
14 - 15 XX Encuentro Int. de Artistas Callejeros
de Aguilar de Campoo
16 - 17 60 Festival Int. de Teatro Clásico de Mérida
18 - 19 XXX Festival de Teatro Clásico de Alcántara
20 - 21 XXX Festival de Teatro y Danza Castillo
de Niebla
22 IX Fest. de Teatro Clásico en la
Villa del Caballero
24 15 Festival de Teatro Clásico de Olite
26 - 27 XXIX Festival Int. de Teatro Hispano de Miami
28 - 29 XV Festival Int. de Teatro Cena
Contemporânea de Brasilia
31 XIV Festival Int. de Teatro Amateur de Girona
32 - 33 XVII Feria de Teatro de Castilla y León
52 XIII Certamen Internacional de
Coreografía Burgos - New York
54 XXX Mostra Internacional de
Teatro de Ribadavia
55 - 56 Miscelánea de festivales
Suplemento
35 - 50 Festival Internacional de Teatro,
Música y Danza de San Javier
En gira
58 - 63 Programaciones varias
Zona abierta
78 - 79 Escaparate
80 - 81 Crónica de la temporada teatral
neoyorkina de primavera
Esta revista ha recibido
una ayuda a la edición del
Ministerio de Educación,
Cultura y Deporte
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agosto
con una trayectoria más cuidada, han debido buscar en el baúl de
los recuerdos un repertorio mucho más asequible a estos tiempos
confusos. Ello, en el mejor de los casos, conlleva programaciones
que atienden a un segmento de la ciudadanía.
Si se va a los teatros, tanto en Madrid como en otras capitales,
se comprueba que la mayoría de los espectadores son de una edad
que rebasa los cuarenta. Aseguran los que entienden del asunto
que se trata del segmento que tiene poder adquisitivo para pagar
las entradas, y hasta costumbre y hábito de consumo cultural, que
es lo más importante. Pero esto es un síntoma más del estanca-
miento, de la inmediatez, de la falta de perspectivas.
Los jóvenes no se siente concernidos por esas programaciones,
por ese tipo de teatro, salvo excepciones coyunturales con un buen
soporte publicitario detrás o un fenómeno social o mediático es-
pontáneo. ¿Puede ser el teatro clásico el lugar común donde coin-
cidan todas las generaciones? Podría ser, y en estos meses vera-
niegos, es lo que se ofrece de manera más constante. Los grandes
festivales de teatro estacionales, Mérida, Almagro, Olmedo, Olite,
Castillo de Niebla, entre otros, crean un sistema productivo propio,
generan bienes culturales en lugares con patrimonio monumental,
en muchas ocasiones fuera de los circuitos habituales y ofrecen po-
sibilidades de disfrutar de las artes escénicas a amplios segmentos
sociales. Es algo a considerar seriamente, primero para aprender
de sus resortes y fundamentos y después para ver su evolución, la
implicación de las instituciones para que sirva de modelo no sola-
mente en verano.
No todo es teatro clásico, obviamente, existen programaciones
con opciones más contemporáneas, festivales que se celebran en
esta época que recogen un espíritu especial y que se hacen con
la colaboración presupuestaria casi total de las instituciones. Pro-
bablemente en muchas ocasiones añadiendo el festival como una
parte de la oferta turística. Un mal menor. Estas acciones se entien-
den que son buenas para el pueblo, la villa, la ciudad o la comarca,
¿por qué no se extiende esta idea de importancia en planes más
ambiciosos durante todo el año?
Admitimos que el verano, las vacaciones, la movilidad, es tempo-
rada propicia para programaciones al aire libre, populares, que se
cruzan en ocasiones con las fiestas patronales y una tendencia al
teatro menos exigente culturalmente, para niños y niñas, en plazas
y calles, con propuestas de entretenimiento demasiado básico o
con comedietas de risas sin retorno. Sea todo bienvenido, bien dis-
frutado, pero reclamemos que se haga dentro de un proyecto más
amplio, que no sea todo tan efímero, tan casual, tan desmadejado
y sin mucho criterios más allá de lo cuantificable.
Debería ser una exigencia jerárquica, pero en estos meses se
mueven, como todo el año, muchos planos de la realidad contrac-
tual. Hay empresas que ofertan las totalidad de las fiestas y meten,
lo más barato, sin escrúpulos. En otros lugares se rellena, literal-
mente, una plantilla de Excel. A cada cual según sus posibilidades.
Pero que alguien marque bien el terreno de juego. Y con reglamen-
to cultural, común.

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w w w . a r t e z b l a i . c o m
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Rondas escénicasMaría-José Ragué-Arias
TNC, fin de temporada con
Flotats y Pitarra
avier Albertí se ha tomado muy en serio lo que tiene
que ser un Teatro Nacional, ha llenado la Sala Tallers
–donde también se hacen espectáculos– de actividades
culturales en torno a la programación de la temporada. Ha reivin-
dicado el teatro catalán con estrenos importantes como “Ocells i
llops” de Sagarra y en la Sala Tallers ha mostrado obras de Pita-
rra, un autor catalán olvidado y erróneamente menospreciado por
su uso y abuso de lo popu-
lar. Y, como acto reivindica-
tivo de muchas conciencias
inquietas, ha conseguido
que se restituya a Flotats
en el lugar del que nunca
tenía que haber salido del
modo que las instituciones
catalanas impusieron.
Josep Maria Flotats
(1939) tiene ya la catego-
ría de mito. Tras años de
formación en Francia, des-
de 1959, con una carrera
fulgurante, en 1981 ingre-
só en La Comédie Françai-
se. Lo último que interpre-
tó –y que tuve la suerte de
poder ver– fue “La secon-
de surprise de l’amour” de
Marivaux. Luego, en 1983 vino al Liceo de Barcelona con el “Don
Juan” de Molière. Allí empezó una relación político teatral con la
Generalitat. En 1984 se hacía cargo de la dirección del Teatro Po-
liorama donde pudimos ver fantásticos espectáculos, entre ellos
su “Cyrano”. En 1997 sería nombrado primer director del futuro
TNC… Empezó entonces una extraña historia que concluye con el
Conseller de Cultura de la Generalitat, Pujols, obligándole a dimitir
unas horas antes del primer gran estreno del TNC: “La gavina”,
protagonizada por Flotats y Nuria Espert. Desde entonces Flotats,
en teatros privados nos ha mostrado grandes espectáculos. Pero
cuando Xavier Albertí llegó a la dirección del TNC decidió que Flo-
tats volviera al TNC y, tras acordar una reparación política y públi-
ca con un acto, presidido por Artur Mas, le propuso que dirigiera
un espectáculo esta temporada. Y eligió Marivaux, su último autor
en la Comédie: “Les jeux de l’amour et de l’hasard”, según dijo es
un ejercicio de estilo que intenta conectar con la tradición. Una
obra en la que amos y criados intercambian sus papeles podría
ser un tema transgresor sobre la libertad del amor de no estar tan
condicionado por su marco del 1730 francés en que la escribió su
autor. Y, por un resultado final en que todo vuelve a sus cauces.
Flotats, sabiamente, ha marcado el estilo social de los personajes
con independencia de su cambio de papeles pero Marivaux no
es el autor más adecuado para atraer al público de Barcelona,
aunque los aplausos del público de pie el día del estreno fueron
memorables.
El gran monográfico de la temporada ha sido Pitarra. Xavier Alber-
tí ha tenido la idea de darlo a conocer, ha organizado alguna puesta
en escena, conferencias y
otros actos y lecturas dra-
matizadas. En la Sala Tallers
del TNC vi un divertidísimo y
muy profesional espectácu-
lo: “Liceistas y cruzados”,
la controversia entre parti-
darios del Liceo recién inau-
gurado y los del Teatro del
Hospital de la Santa Creu y
de Sant Pau, los antiguos y
los modernos.
El espectáculo es sencillo,
claro, de gran perfección y
fuerza, hilarante también en
su estilo. Es una puesta en
escena muy moderna en su
forma y desarrollo, alejada
de tópicos convencionales,
clara en sus planteamientos
escénicos. Y además, en un verso bien marcado, dicho con sor-
prendente naturalidad. Lo dirigió admirablemente Albert Prat…
Es un enfrentamiento entre la tradición de los cruzados, los del
teatro de siempre, los del Hospital de la Santa Creu y los nuevos
liceístas, los del Liceo recién construido, los nuevos burgueses,
fabricantes de poco prestigio… Es la Barcelona que está cam-
biando, una ciudad que empieza a amar la ópera. Y yo me digo
¿por qué no vemos más Pitarra?
Todo comenzó con la conferencia del propio Xavier Albertí, “Fills
de wifredo el pelut (això vol dir catalans)”. Frederic Soler “Pitarra”
desmitifica el catalán y lo lleva a los escenarios, hablado como
solía hablarse en la calle, en los ambientes populares. “Sin Pitarra
el catalán sería una lengua alejada de la praxis” dijo Xavier Albertí
el día en que presentó esta temporada que casi acaba ya.
No, no ha sido una mala idea dedicar atención a Pitarra. No
cabe duda que el teatro de Pitarra contribuyó grandemente a la
estabilización de la lengua catalana y también al resurgir del tea-
tro y a su normalización en medio de la popularidad.
El inicio de Xavier Albertí como director del TNC, ha sido cohe-
rente. Es mucho.
X
Xavier AlbertíJosep Maria Flotats

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Desde la caverna David Ladra
El teatro en mi barrio
É ste es mi barrio. Aquí nací. En la calle del Fúcar, en una
casa de corrala que fue propiedad de Lope de Vega y
que hoy ocupan unas instalaciones de Telefónica. Como
hacen los grandes paquidermos al final de su vida, al cabo de los
años volví aquí y me instalé en un edificio de apartamentos de la calle
Cervantes, un poco más abajo, yendo hacia el Prado, de la que es hoy
casa-museo del monstruo de las letras más arriba citado (¡qué gran
revancha la de don Miguel, ganarle por la mano el nombre de la calle
a su rival, al que viera pasar triunfante tantas veces desde el balcón
de su modesto piso en la antigua calle de los Francos –hoy homónima
suya– haciendo esquina con la del León!).
Jueves, 12 de junio, por la tarde. Cae plomo fundido sobre la capital.
El cielo está cubierto y se barrunta una de esas tormentas que luego
no acaban de cuajar. Como estoy firmemente decidido a no abando-
narme a la molicie que brinda el aire acondicionado, me lanzo sobre la
Guía del Ocio a ver qué ponen por el barrio. Claro que podría pasarme
por la Corsetería de Sanchis Sinisterra en Tirso de Molina, detrás del
Nuevo Apolo, pero hoy no estoy para un taller por muy interesante
que sea. Veo programada en La Puerta Estrecha una obra de Eva
Redondo, Se vende. Siendo de Eva, una espléndida actriz y dramatur-
ga, seguro que está bien, pero no la dan hasta el sábado ¡manque de
pot! También Las plantas de Pablo Messiez, que la ponen en doctor
Fourquet, no es más que sábados y domingos. Y la cartelera del Tea-
tro del Arte puede conmigo. Se me cruzan los horarios con las fechas
y los ojos me hacen chiribitas. Hasta que encuentro al fin algo que
me apetece y que además está en la calle Huertas, justo aquí al lado,
tomando San Agustín a la izquierda y bajando la cuesta de las Trini-
tarias. Allí se encuentra La pensión de las pulgas, el segundo espacio
de teatro doméstico pergeñado por José Martret tras La casa de la
portera. Y hoy se reestrena en él Mbig (Mc Beth International Group)
tras el éxito que obtuvo en su presentación. Claro que a estas horas
el aforo (35 personas) echa un poquito para atrás. Llamo al teléfono
indicado pero nadie responde. Sin pensarlo dos veces, me echo a la
calle y paso por allí: es como andar por Marte sin escafandra. Esta vez
tengo suerte, un chico que hay a la puerta me pone en contacto con
taquilla y consigo una entrada para las ocho y media. Hasta entonces,
vuelvo a la base a todo correr.
Al salir de la función me pregunto que tendrá Macbeth para es-
tar tan de moda. Tanto el Mc Beth de Martret como el Mácbez de
Cavestany en el CDN adaptan el drama a nuestro tiempo, haciendo
la primera hincapié en la rapiña neoliberal a la que nos somete el
capitalismo “avanzado” y la segunda en las instituciones y persona-
lidades políticas que facilitan este expolio (en Mácbez, la acción ya
no sucede en la brumosa Escocia del rey Duncan y sus facinerosos
cortesanos sino en la no menos anublada comunidad gallega regida
por sus caciques y la Xunta). Y es que el personaje de Macbeth es hoy
un paradigma de la ambición, codicia y falta de escrúpulos de ese con-
junto de psicópatas que domina el mundo financiero (una tesis que se
enuncia sin mayor subterfugio en el Boomerang de Blanca Doménech
que acaba de ponerse en el María Guerrero). En cualquier caso, no es
su carga reivindicativa –un tanto fallida en ambos montajes– la que
les confiere interés sino el hecho de ser, teatralmente, dos versiones
de Macbeth atractivas. La primera, dirigida por Andrés Lima y con una
espléndida escenografía de Beatriz San Juan, destaca por la excelente
interpretación de todo el elenco, que encabezan Carmen Machi y Ja-
vier Gutiérrez. Y la segunda, por la singularidad de su puesta en esce-
na en una casa familiar del XIX que con su enrevesado entramado de
estancias, pasillos, puertas y rincones bien podría albergar un drama
de Galdós. Convenientemente guiados, los espectadores van pasando
de recinto en recinto sentándose en las sillas que hay alrededor. Y los
actores interpretan en el centro del corro que forma el respetable y
poco menos que encima de él. Con esta disposición escénica, no hay
“cuarta pared” ni “espejo reflectante” que resista. Cada miembro del
público se ve reflejado no en las tablas sino en el espectador que tiene
enfrente. Y puede comprobar sus reacciones al ser éste arrollado por
los propios intérpretes cuando, de vuelta al castillo de Inverness tras
las profecías de las brujas, un exultante Macbeth copula con su espo-
sa con la lubricidad y el realismo que tal acto demanda. Lástima que la
proximidad con el público solamente se explote en tan comprometido
momento y no en el resto de la función, cuya impronta interpretativa
está más cerca de la vehemencia romántica que de la posible per-
formance que la prieta distribución de la audiencia alrededor de los
actores pudiera sugerir. Francisco Boira y Rocío Muñoz-Cobo le echan
arrestos a sus respectivos roles protagonistas e Inma Cuevas, ade-
más de encaminar nuestros pasos por los distintos aposentos, está
sensacional en su papel de pedagoga de escuela de negocios en las
breves piezas didácticas que fraccionan la acción.
Y al día siguiente, viernes y trece, ídem de lienzo. El objetivo hoy
es el Teatro del Barrio, la cooperativa que lidera Alberto San Juan y
se ha instalado hace unos meses en el local de la antigua sala Trián-
gulo. Llamo para reservar por teléfono y me explican que tengo que
hacerlo en una dirección de Internet. Como no llevo un ordenador
siempre encima y mi móvil es antediluviano, pregunto si hay entradas.
Me dicen que no saben ¡me cago en…! Así que aquí me ven bajando
por la inclinada cuesta de la calle Zurita mientras pienso cómo voy a
subirla si no encuentro localidad. Pero sí que la hay y así puedo acce-
der al salón de la entrada oportunamente engalanado con una gran
bandera republicana. En cartel Ruz-Bárcenas de Jordi Casanovas, di-
rigida por Alberto San Juan. “Teatro documental” dice el programa,
y efectivamente lo es y del mejor, del que no viene contaminado por
una trama superpuesta que lo dramatice innecesariamente y le res-
te valor testimonial. Tras su mesa de despacho, el juez Ruz (Manolo
Solo) toma declaración a quien fuera tesorero y senador del PP, Luis
Bárcenas (Pedro Casablanc), sentado frente a él con un micrófono de
por medio. Unas escuetas proyecciones ponen al espectador en ante-
cedentes. Al cabo de los cincuenta minutos que dura la función, el pú-
blico sabe más del caso Gürtel que todos sus protagonistas. Sencillo,
efectivo y verbatim como las tribunal plays que el periodista Richard
Norton-Taylor y el director Nicolas Kent montaron hace un tiempo en
el Tricycle de Londres sobre las causas públicas (public inquiries) que
se llevan a cabo en el Reino Unido. Indispensable.
Éste es el teatro que se hace en mi barrio. De acceso a veces un
pelín tortuoso pero con los ojos bien abiertos y los pies plantados en
el suelo.

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U
n año más Bilbao hace un hueco
a las artes de calle transformando
el casco viejo y diferentes rincones
de la villa en un escaparate teatral
gracias a una nueva edición de Kalealdia
que tendrá lugar del 1 al 5 de julio. Multitud
de compañías profesionales provenientes
de diversos países conforman la programa-
ción, cada año más intensa y variada tanto
en estilos como en disciplinas, aportando
así una mayor calidad y presencia del sector
en esta cita que contará con agrupaciones
artísticas procedentes de Francia, Euskadi
y el resto del Estado en su mayoría, aunque
no solamente, ya que países como Italia,
Holanda o Japón también se han sumado
a esta edición que ofrecerá un total de 59
funciones en los escenarios habituales si-
tuados en torno al Arenal, la Plaza Nueva,
el Arriaga y el Palacio de la Diputación, tal y
como viene siendo habitual.
Poco a poco es cada vez más notable el
compromiso y la labor que está realizando
el festival en una apuesta clara por impul-
sar el circo contemporáneo y por eso a lo
largo de este encuentro cabe destacar el
peso específico de algunos espectáculos de
esta índole que se caracterizan por su vir-
tuosidad y excelente manejo de las técnicas
circenses en su conjunto bien de la mano
de artistas consagrados o emergentes.
La Mini Compagnie vuelve a Bilbao esta
vez con su delicada pieza Envirez-vous,
destacada por la frescura y agilidad de sus
jóvenes componentes en escena, Baptiste
Abraham, Bernard Bonnet, Lise Cluzaud y
Julien Vieillard proponen un poema acróba-
ta y musical muy especial. Por su parte la
formación galo portuguesa O Ultimo Momen-
to presentará Ce qui reste, un trabajo que
combina danza, música y vídeo a cargo de
Joao Paulo Dos Santos y Guillaume Amaro
que además de dar un significativo prota-
gonismo al mástil chino como suelen hacer
en todos sus espectáculos, han querido ir
más allá y contarnos la historia de un hom-
bre sin memoria, estancado en un momento
en constante cambio y vacío de sentido con
esta propuesta multidisciplinar contemporá-
nea. Idéaux Beurre Noi –Le Ring da nombre
a la pieza de la Cie 100 Issues, un combate
de circo, danza, y beat box donde la cuerda
y el acero serán los principales protagonis-
tas. Mencionar también el taller whorksop
experimental de 220 Vols Et toi c´est quoi
ton genere que invita al público a visionar el
resultado de un trabajo colectivo de circo en
el que se abordarán temas como el género
y la identidad, el disgusto y el fantasma de la
diferencia o la norma y la libertad, un arries-
gado espectáculo que parece interesante.
Por último, no podemos olvidarnos del ar-
tista catalán Manolo Alcántara. Recientemen-
te premiado en la Umore Azoka de Leioa,
estará presente con dos de sus piezas, la
galardonada Rudo, una delicada e íntima
creación dotada de una escenografía elabo-
rada con pesadas cajas de madera, con las
que construye y destruye torres y figuras en
precario equilibrio, en la que Alcántara apa-
recerá acompañado por dos instrumentistas
actrices en directo con las que consigue
dejar al público todavía más impresionado.
Alcántara también pondrá en escena la pieza
corta Paquita de plecs en la que muestra el
empleo de la báscula con un juego de baile y
equilibrio a cada paso.
Citas ineludibles
Otra de las características de esta cita
es la posibilidad de vislumbrar en espacios
al aire libre propuestas más arriesgadas
y de gran formato nada usuales durante
el resto del año. Por eso son cuatro tra-
bajos los que llaman particularmente la
XV Bilboko Kalealdia
Experiencias escénicas
irrepetibles
Con un amplio recorrido profesional en el mundo del circo pero con vistas al futuro llegarán los artistas
europeos protagonistas de las dos galas circenses que tendrán lugar el día 5 en el muelle del Arenal apostando
El Kalealdia por este nuevo formato de exhibición. Seleccionados por el programa europeo transfronterizo de
colaboración denominado Caminos emergentes, destinado a favorecer la presencia del nuevo circo y la creación
de sinergias y experiencias profesionales entre jóvenes artistas, llegan hasta esta cita Barbara Govan, Juana
Beltrán, el espectacular Dúo Laos y Tempo D’La Balle en la primera sesión, para a continuación dar paso a Na-
cho Ricci, la compañía Les Capgirades, Hotel Iocandi y Amanda Righetti en segundo lugar. Cada uno de ellos
especializado en una técnica en concreto, como por ejemplo cuerda lisa, trapecio, escalera, mástil o verticales
mostrarán al público un breve número que seguido uno de otro recordarán a un cabaret.
Nuevas oportunidades
La Salamandre

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julio
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atención en este sentido. El primero de
ellos es Marée basse de Saceckripa un
ingenioso trabajo de gags clownescos en
el que Benjamin De Matteïs y Mickael le
Guen juegan con la manipulación de obje-
tos y situaciones absurdas para hablar de
temas graves y profundos. Adquiere tam-
bién un protagonismo especial el Yo-Yo de
Naoto Okada, proveniente de Japón este
virtuoso maneja con perfecta sincroniza-
ción, precisión absoluta y una velocidad
de vértigo este juguete convirtiéndolo en
el eje principal de su gran show. A conti-
nuación, colgados del Teatro Arriaga vere-
mos a los miembros de compañía italiana
de danza vertical Eventi Verticalli, que con
la combinación de video proyecciones ins-
piradas en los cómics y los videojuegos
de los años 80 y una coreografía aérea
presentarán una animación virtual de lo
más original. Y encargada de clausurar
el festival, llega Essat cuyo significado
en etíope es fuego, una propuesta de la
compañía La Salamandre que habla de
los flujos migratorios, la multiculturalidad
y la identidad. El fuego, la pirotecnia y los
instrumentos creados por ellos mismos se
propagan por las diferentes escenas que
conforman esta performance artística que
nunca antes había visitado Bilbao. Gran
espectacularidad y emoción aseguradas.
Con acento propio
Acabamos teniendo siempre presentes
cómo no podía ser de otra manera los pro-
fesionales vascos de la presente edición de
esta cita estival. Ganso y su Walkman, la
danza en diferentes estilos de la mano de
Gelajauziak último proyecto de Kukai que
ha contado con la colaboración del coreó-
grafo y bailarín Cesc Gelabert, Ertza con
4x4 y Carneros de la compañía Organik
junto a Malas Compañías y su Txatarra
completan la programación.
Especial es el caso de Hortzmuga Tea-
troa que será la compañía encargada de
presentar su estreno absoluto en el festival,
Nola, un espectáculo que persigue envolver
a los más pequeños en los límites de la
fantasía y la realidad. Toma para ello como
punto de partida la incomprensión ante la
diferencia frente a los demás, tema elegido
con el afán de crear una conciencia crítica
entre los niños y niñas. Dirigido por Arantza
Goikoetxea e interpretado por Izpiñe Soto,
Estibaliz Villa, Iñaki Aginaga, Alex Antunez
y David Otaegi presentan este espectáculo
que apuesta por un nuevo formato de calle
basado en la elaboración de una estructura
cerrada que podrá ser visitada por grupos
de 20 personas en sesiones de 15 minu-
tos de duración. Tras una larga andadura
y experiencia en propuestas de calle, casi
una treintena de producciones a lo largo de
su carrera profesional, la compañía bilbaína
aseguran que vuelven a escena “para bus-
car en el interior de cada persona aquello
que les hace única e irrepetible”.
Envirez-vous de Mini Compagnie

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julio
agosto
L
a presente edición del Festival In-
ternacional de Teatro de Calle de
Lekeitio se torna muy especial ya
que cumple su 25 aniversario y
como no podía ser de otra forma además
de ofrecer una cuidada programación será
complementada con diversas actividades
paralelas. Del 11 al 13 de julio las calles,
muelles y plazas de la localidad costera
se verán envueltas en un ambiente festivo
teatral.
Cosecha propia
Entre todos los espectáculos previstos
tendrán una destacada relevancia las co-
producciones que el festival ha diseñado
junto a tres compañías vascas en colabo-
ración con otras citas como es el caso del
espectáculo Danbor Talka-Les Choc des
Tambours a cargo de Deabru Beltzak y
la prestigiosa compañía gala Commandos
Percu, en el que el Festival de las Artes de
Libourne y el Instituto Francés entre otros
muchos patrocinadores, también han toma-
do parte. Ambas formaciones, con años de
experiencia en las artes de calle y vincula-
das a un formato caracterizado por la com-
binación de percusión, pirotecnia y fuego,
presentan esta propuesta de gran formato
resultado de la fusión de sendas culturas.
Garbitxu y Raymond Gabriel han sido los en-
cargados de diseñar la música y puesta en
escena de este espectáculo exterior noctur-
no itinerante cargado de espectacularidad.
La segunda propuesta diseñada para la
ocasión nace de la vinculación de Mikel La-
boa al pueblo de Lekeitio, en el cual residió
durante su infancia y que ha estado siempre
presente en su creación musical. Basándo-
se en los temas del músico donostiarra Dan-
tzaz Konpania propone Itsaslaboa, Txoriak
Zoroen Itsasoa, un espectáculo de danza
contemporánea compuesto de diferentes
coreografías que serán interpretadas so-
bre la playa, repitiendo así esta experien-
cia creativa tal y como hicieron hace dos
ediciones con el espectáculo ‘Sarritsasoa’.
El elenco de jóvenes bailarines de Dantzaz
ofrecerá un trabajo dirigido por Josu Mugi-
ca y musicalizado gracias al asesoramiento
del pianista Iñaki Salvador. Este homenaje
cuenta con todos los ingredientes necesa-
rios para emocionar al público visitante y
lekeitiarra.
La tercera de las sorpresas llegará
de la mano de la veterana compañía de
marionetas Kukubiltxo y la formación de
txalapartaris Oreka TX. Se trata de un
pasacalles que recordará la figura de los
emblemáticos músicos del folklore vas-
co Maurizia, Leon y Fasio por un lado y
los también txalapartaris Zuaznabar y
Goikoetxea por otro. Titulado Gure musika-
ri handiak, Aupa Maurizia! cinco grandes
marionetas realizarán una acción de calle
recuperando los ritmos vascos más tra-
dicionales. Ideado por Josu Cámara, este
proyecto da sus primeros pasos en el valle
de Arratia donde se llevó a cabo un taller
de marionetas para convertirse finalmente
en un gran espectáculo.
Divertido y provocativo
El humor, imprescindible en cualquier en-
cuentro o celebración de este tipo será el
eje principal de varios montajes clownescos
de teatro gestual. Espectáculos retomados
de nuevo que vuelven a Lekeitio tras dejar
en su día recuerdos inolvidables. Rico, rico,
rico de la mano de la compañía bilbaína
Salitre Teatro con Josu Bilbao al frente pre-
senta un rimake del trabajo estrenado en
1993 que nació con ese aire provocativo,
incorrecto y divertido consiguiendo un re-
sultado de lo más impactante que ellos mis-
mos denominan “guarriclown”. También el
argentino Loco Brusca encarnará otra vez
a un antihéroe deseado por todas las mu-
XXV Festival Internacional de Teatro de Calle de Lekeitio
Aniversario de las artes
de calle en Lekeitio
Danbor Talka-Les Choc des Tambours de Deabru Beltzak y Commandos Percu

14
13
julio
agosto
jeres y admirado por los más
pequeños que dejará al públi-
co boquiabierto y le obligará
a participar muy activamente
a lo largo de todo su espec-
táculo denominado Speerman.
Este trabajo es uno de los
espectáculos con los que más
éxitos ha conseguido y más
lugares ha visitado alrededor
del mundo entero. Su estilo
interactivo de clown y circo di-
vierte y sorprende ofreciendo
un resultado en el que puede
fusionar en cualquier momento
pantomima, bufón, monociclo,
malabares, globoflexia, pirofa-
gia o danza si así lo requiere.
Por si no fuera poco ade-
más completan el programa
Mr, Banana Show este artista
norteamericano que ofrece un
trabajo gestual acompañado
de malabares y equilibrios,
una toma de contacto con el
nuevo circo que busca el hu-
mor naif. No lejos de este estilo
se encuentra la formación Tout
Samba’l cuatro actores locos,
exiliados y poéticos interpre-
tarán Exilod. Un recorrido que
quiere recuperar la utopía y
abrir una puerta a la imagina-
ción. Sus maletas evocarán re-
cuerdos y sueños del presente
y el pasado. Tal y como Maite
Agirre de Agerre Teatroa se ha
propuesto en Izertia, Itsas Ant-
zertiola fruto de la colabora-
ción con la asociación Albaola,
un apasionado colectivo por
el patrimonio marino que ha
conseguido recuperar las
leyendas de Blas de Lezo
en un alegre pasacalle con
el mar como telón de fondo
que recorrerá diferentes
puntos de Lekeitio. Para fi-
nalizar sólo queda destacar
una animación muy marine-
ra que amenizará a ritmo
de verbena al público fami-
liar, Eidabe propone Sardina
freskue, palabra clave que
dará pie al baile, la fiesta, el
juego y la danza.
Acciones paralelas
El Festival ha querido en
este 25 aniversario animar
a la participación e involu-
crar a diferentes colecti-
vos de la localidad costera
y para ello ha propuesto
dos actividades o acciones
paralelas que ayudan y
promueven la visibilidad de
esta cita. Por un lado nos
referimos al “Concurso de
escaparates para tiendas,
tabernas y hoteles” que re-
flejarán el ambiente de las
artes de calle en multitud
de establecimientos. Y por
otro, la exposición titulada
“25 años Faro de las artes
de calle” que podrá visitar-
se del 1 al 13 de julio en la
Sala Barandiaran.Speerman de Loco Brusca
Exilod de Tout Samba’l

14
14
julio
agosto
O
rganizado por la Concejalía de Cul-
tura del Ayuntamiento de Aguilar
de Campoo, del 15 al 17 de agosto
se celebra la vigésima edición de
AR.CA, el Encuentro Internacional de Artistas
Callejeros con una programación compuesta
por diez compañías que pondrán en escena
espectáculos para todo tipo de públicos y de
diversas disciplinas escénicas como el circo,
el teatro o la danza acompañadas en mu-
chos casos por el humor.
La Plaza España de la localidad palentina
se convertirá durante tres días en un esce-
nario al aire libre en el que poder disfrutar
de espectáculos como Téte de Pioche de los
franceses Heyoka Théâtre, una obra en cla-
ve de clown y humor burlesco protagonizada
por un empresario de la construcción y su
aprendiz, dispuestos a construir una “vivien-
da de alquiler moderado” aunque… todo
se acelera y los dos personajes tendrán que
enfrentarse a todo tipo de catástrofes.
Dos son los protagonistas de Les demi
frères Grumaux de los también franceses
Carnage Productions; dos artistas que
realizan asombrosas proezas en forma de
gags a medio camino entre los hermanos
Marx y Mad Max (un salto mortal en moto
sobre una mesa de fuego, precisión con láti-
go en blanco humano…).
La energía y el riesgo protagonizan la
propuesta de los belgas Cirq´ulation Lo-
cale, Tampoline Mission 3, una combinación
de saltos acrobáticos imposibles, impresio-
nantes caídas sobre una cama elástica de
grandes dimensiones, malabares y teatro de
calle. Los dos artistas se lanzan y vuelan por
el aire cuyo único límite es el cielo.
La acróbata Serena Vione presenta Iter,
un espectáculo en el que funde la expresión
corporal, la danza, el circo y el teatro para
ofrecer una historia que su protagonista
transforma en una gran aventura a través
de un lenguaje artístico de gran emotividad
que conecta a la artista con el público. El
dúo de acrobacia y danza Cía. Jordi Vidal
XX Encuentro Int. de Artistas Callejeros de Aguilar de Campoo
Fiesta teatral para celebrar
veinte años de festival
El Festival Internacional de Teatre i Animació Al Carrer de Vi-
ladecans celebra su veinticinco aniversario los días 4, 5 y 6 de julio
con una edición en la que destacan algunos espectáculos retrospec-
tivos que se han podido ver en años anteriores tales como Carbón Club
de Markeliñe, o el espectáculo de danza dentro del agua Ai, que me mullo!
de Factoria Mascaró. También se podrá disfrutar con Papers! de Xarx a
Teatre, compañía de Vila-real muy vinculada al festival y de espectá-
culos llegados de circuitos internacioanales como los franceses Cie.
Isis o los canadienses Hand to Bike. El género del clown vuelve a estar
presente en el festival de la mano de Pepa Plana y Toti Toronell que
presentan ante el público de Viladecans Despistats al igual que Ganso
& Cia. La danza también tendrá su protagonismo con espectáculos como l´ombre de Coré de la compañía francesa
Bakhus o Heart Wash de Cia. de Dansa Mar Gómez además de las propuestas de las compañías locales Le Danse, Dreambox
y Caviga. Además, esta edición continúa en la línea iniciada el pasado año con la que el festival apuesta por la
construcción de un espacio profesional de reflexión y debate a través de las jornadas profesionales que tendrán
lugar el 4 de julio. Una edición especial por tanto la de este año con una extensa programación que esconde más
de una sorpresa para todos los públicos que se acerquen hasta la localidad catalana.
Racines de Les Krilati @stefanoborgui.com
Papers! de Xarx a Teatre @Josep Gil

14
15
julio
agosto
expresa con Chrysalis la evolución de una
pareja (el encuentro, la pasión, las discor-
dias, el nacimiento de un bebé…) en un
trabajo de gran suavidad y ternura que no
dejará indiferente a nadie.
Capicua por su parte fusiona el teatro
gestual, el circo y la danza con la manipu-
lación de objetos para narrar, en Entredos,
la historia de un personaje atormentado que
despierta en un mundo fantástico; una pro-
puesta que acerca a los públicos la realidad
del mundo de los sueños a través de una
propuesta fresca y visual.
Carroussel des moutons de los belgas
D´Irque & Fien es un espectáculo impreg-
nado de la espontaneidad del teatro calleje-
ro, la intimidad de una cajita de música y la
fuerza del circo. Ante el público un hermoso
piano de cola, elemento angular de una pro-
puesta en la que se funde la música, los ma-
labares y las acrobacias más increíbles.
Y la música en vivo, junto con el teatro y el
circo son los ingredientes principales de Ca-
baret errante, una obra presentada a modo
de cabaret por Cia. Jean Philippe Kiko-
las, un espectáculo que ofrece una atmósfe-
ra cercana cargada de poética y nuevo circo.
Y circo también, pero dramático y poético a
la vez que tierno y cruel es Racines de los
franceses Les Krilati. La poesía se une a
un relato sin palabras en una representación
puramente física de mástil chino, equilibrios,
trapecio, cuerda, mano a mano... todo ello
acompañado de un fino humor.
Completalaprogramacióndeestaediciónla
reposicióndeunclásicodelaescenacallejera,
La cabra de El espejo negro. La compañía
andaluza vuelve con la divertida “troupe de
marionetistas gitanos” irrumpiendo en la calle
entre palmas y música de raza. Estos parti-
culares artistas de la calle se buscan la vida
pidiendo con desparpajo; música en directo y
enlatada de cantes flamencos, discotequeros,
zapatedos… marionetas y actores dan vida a
un singular “clan familiar” que sorprenderán y
divertirán a todos los públicos.
La cabra de El espejo negro

14
16
julio
agosto
D
eclarado recientemente
Acontecimiento Excepcional
de Interés Público por el
Congreso de los Diputados
a instancia del Gobierno de la Junta
de Extremadura, a la postre organi-
zador del festival junto al INAEM, las
diputaciones de Cáceres y Badajoz,
Ayuntamiento de Mérida y Caja de
Badajoz, por tercer año consecutivo
está gestionado por Pentación y di-
rigido por Jesús Cimarro, que se ha
fijado el objetivo de que “la reflexión
en colectividad que procura el teatro sea el
legado que nos deje a todos esta edición”.
El núcleo de la programación –las activi-
dades que tienen lugar en el Teatro Roma-
no– está compuesto por un total de nueve
producciones de diferente corte: teatro –co-
media y tragedia–, danza –ballet flamenco–,
ópera –dos producciones– y este año tam-
bién cine. Y es que se quiere conmemorar
los citados hitos con la producción de una
película documental que se proyectará el día
20 de julio bajo el título de ‘Mérida, el gran
teatro del mundo’, y que parte del histórico
teatro de Mérida para recorrer los escena-
rios de todo el Estado español, los edificios
y todo lo que en ellos se ha representado en
los últimos 80 años. Actores, autores, direc-
tores, productores, técnicos… todos tienen
cabida en este documental dirigido por Ma-
nuel Palacios que no solo pretende hablar de
teatro, sino que lo que busca es mostrarlo
en todas sus facetas.
Y bien lo haría con sus compañeras de
cartel, si no fuera porque en su mayor
parte son estrenos absolutos o, cuando
menos, estrenos en España, al estar mu-
chos de ellos coproducidos por el propio
festival. Es el caso de la ópera que abre
la programación, Salomé (2-6 de
julio) de Richard Strauss en libreto
de Oscar Wilde con dirección musical
de Álvaro Albiach, dirección escéni-
ca de Paco Azorín, quien ha optado
por poner el acento de su propuesta
sobre la nocturnidad y la influencia
de la luna sobre los protagonistas,
y coreografía de Víctor Ullate, encar-
gado de crear el sensual baile de los
siete velos que Salomé, la protago-
nista, interpreta ante la mirada de su
padrastro.
No en vano, junto a la ópera, la danza ad-
quiere un protagonismo destacado en este
arranque del festival, al tomar el relevo Sara
Baras con Medusa, la guardiana (9-13 de
julio). Ella misma dirige y protagoniza esta
obra de ballet flamenco, encarnando al te-
mido monstruo que convierte en piedra a
todo aquel que ose mirarla a los ojos, pero
que en su origen era una bella mujer. Porque
Medusa era una joven que tras ser violada
por Poseidón, hubo de pagar por la infamia
sufrida, ya que Atenea decidió castigarla a
ella. Junto a la gaditana, protagoniza la obra
José Serrano, en la piel de Perseo.
LX Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida
Dos mil más sesenta
Aun siendo el pilar sobre el que se asienta la cita estival, el Festival de Mérida se extiende por otros
puntos de la ciudad, en los que ofrece muchos y variados alicientes. Algunas de ellas son de gran tradición,
como el trabajo que desarrolla TAPTC? Teatro en diversos puntos y que este año se realiza bajo el lema “Augus-
to en Mérida”; otras más recientes, pero con una gran entidad, como es la celebración de los Premios Ceres de
Teatro, cuya gala tendrá lugar el 28 de agosto; diversas representaciones en la calle, entre las que cabe señalar las
representaciones circenses que ofrecerán este año Albadulake y Asaco producciones; la exposición con la que se
conmemoran las 60 ediciones del Festival y los 75 años de la Agencia EFE, que se materializa en una muestra de
fotografías de lo más destacado de las sesenta ediciones del festival; conferencias, encuentros...
El Festival de Mérida alcanza este verano un nuevo
hito. Con la que ya está preparada y a punto de co-
menzar van a ser sesenta las ediciones desde que na-
ció en el año 1933 con la representación de Medea de
Séneca de la mano de la actriz Margarita Xirgu y en
versión de Miguel de Unamuno. El milenario Teatro
Romano volverá a rebosar vida en escenario y gradas,
ofreciendo nueve producciones que podrán verse del
2 de julio al 28 de agosto justo cuando se cumplen
dos mil años de la muerte de quien fundó la ciudad,
el emperador Octavio Augusto. Es precisamente a él,
además de a la Xirgu y a Unamuno, a quienes ha que-
rido recordar el director del festival,Jesús Cimarro en
la presentación de esta edición:“Fue deseo de Augus-
to, uno de los mejores estadistas de la antigüedad, que
las ciudades fundadas bajo su gobierno, dispusieran de
un teatro en pro de un nivel cultural conveniente para
sus habitantes”.

14
17
julio
agosto
La Ilíada al completo
La tercera de las producciones en
ocupar el escenario del Teatro Ro-
mano esta edición es la ópera Dido y
Eneas de Henry Purcell, a cargo del
recién creado Taller de Ópera del
Conservatorio Superior de Ba-
dajoz “Bonifacio Gil” (15 de julio).
Con dirección musical de Santiago
Pereira, dirección coral de Sara Ga-
vín y dirección escénica de María Je-
sús Delgado, la apuesta combina los
elementos propios característicos de
esta pieza, como es la mezcla de ele-
mentos bucólicos, con grotescos y cómicos,
que devienen en la inevitable tragedia.
Uno de los hitos de la actual edición será
sin duda la presencia de un espectáculo
como la Ilíada que ha dirigido Stathis Liva-
thinos. Y es que se ha enfrentado a la labor
de dirigir los 24 libros del relato homérico.
Reformulada como drama, se somete a una
mirada artística moderna con la intención
de reflexionar sobre una pregunta clave en
nuestros días, como es el sentido del heroís-
mo. Esta producción podrá verse los días 18
y 19 de julio, y se representa en griego con
subtítulos en castellano.
Tiempo de comedias
Tras un contundente inicio, llegan días de
distensión con la puesta en escena de varias
comedias, entre las que no podía faltar alguna
de Aristófanes. De hecho, no será una, sino
dos, las que se puedan ver de forma conse-
cutiva. Del 23 al 27 de julio el director Juan
Dolores Caballero, el Chino, presenta su pro-
puesta sobre Las Ranas. Protagonizado por
Pepe Viyuela y Miriam Díaz Aroca, se trata de
una obra trufada de enredos, exageraciones
grotescas, mitología burlesca y metateatro, en
la que el autor envía a Baco a buscar a Eurípi-
des dada la mala situación del teatro –cuando
en realidad Aristófanes lo acusaba de ser res-
ponsable de su degradación–.
A esta le seguirá Pluto, dirigida por Magüi
Mira e interpretada, entre otros, por Javier
Gurruchaga, Marisol Ayuso, Marcial Álvarez
y Jorge Roelas. Situada la acción en Atenas
hace 25 siglos, Pluto, es la historia de una
utopía, del sueño del reparto justo de la
riqueza, del dinero. Y es que como recuer-
da la directora de este montaje que podrá
verse del 30 de julio al 3 de agosto, “a Aris-
tófanes era un tema que le preocupaba en
un país mediterráneo donde la democracia
perdía pie, donde la corrupción de sus po-
líticos era alta, alto el nivel de pobreza y
baja, muy baja, la posibilidad de conseguir
al menos un plato de lentejas”.
También caras conocidas son las que se
pueden ver en El Eunuco (6-10 de
agosto), de Terencio. Pepón Nieto,
Anabel Alonso y Alejo Sauras son al-
gunos de los intérpretes que dirige
Pep Anton Gómez en una puesta en
escena que cuenta con la composición
musical de Factoría Madre Constriktor
y Asier Etxeandia y coreografía de
Chevy Muraday. Y es que su apuesta
es partir del teatro clásico grecolatino
para llegar al musical, la comedia de
situación y el vaudeville.
Producción extremeña
El teatro isabelino también tiene lugar en
esta cita con un Shakespeare, eso sí, con
una de sus obras integradas en la trilogía
romana. Fermín Cabal firma esta versión de
Coriolano (13-17 de agosto) que dirige Eu-
genio Amaya para el festival, en coproduc-
ción con la extremeña Arán Dramática, y
que según anuncian, aprovechará las carac-
terísticas del Teatro Romano y respetará la
base histórica de la obra sin actualizaciones
ni anacronismos.
Cierra la programación en el Teatro Roma-
no otra producción extremeña, realizada en
colaboración con Teatro del Noctámbulo.
Dirigida por Denis Rafter y basada en la ver-
sión de Miguel Murillo, un elenco encabeza-
do por José Vicente Moirón, Memé Tabares
y Gabriel Moreno escenificarán Edipo Rey de
Sófocles (20-24 de agosto), que al igual que
lo hiciera Edipo, se han puesto en manos del
destino para llevar a cabo esta desgarradora
historia, con el objetivo de ofrecer al público
una construcción del drama de Sófocles des-
de el más absoluto respeto y admiración.

14
18
julio
agosto
E
ste año se cumple la XXX edición
del Festival de Teatro Clásico de
Alcántara que tendrá lugar del 6
al 10 de agosto con una progra-
mación que se centrará en visualizar el
valor escénico del Siglo de Oro. Los cinco
montajes previstos se llevarán a cabo en
el Conventual de San Benito de la locali-
dad extremeña, así como las actividades
paralelas consistentes en un taller de ‘Or-
ganización de materiales de creación para
el actor’ y de ‘Esgrima escénica’.
La Compañía Nacional de Teatro Clásico
arrancará la programación , el día 6, con
la obra Las bandoleras de Lope de Vega.
Carmen Portaceli dirige esta propuesta
que tiene a las dos bandoleras protago-
nistas como estandarte, en homenaje a
todas las mujeres fuertes, heroínas ejem-
plares en sagacidad, fuerza y determina-
ción, que transitan por toda la obra del
dramaturgo del Siglo de Oro. Interpreta-
das por Carmen Ruiz y Macarena Gómez,
ni son terribles, ni deformadas ni agresi-
vas, solo tienen rabia de haber sido insul-
tadas y engañadas, sin ninguna oportuni-
dad de restablecer su “honor” que no sea
la venganza, la única vía que su entorno
les permite. Son listas, vitales y graciosas,
pero sobre todo llenas de ilusiones frus-
tradas, de las que se desquitan centrando
toda su decepción en el escarnio contra el
género masculino.
Morfeo Teatro escenificará La escuela
de los vicios, obra de Quevedo escrita a
principios de 1600 en la que critica los
abusos de ministros, magistrados, ban-
queros y mercaderes sin escrúpulos. Tal
y como señala la propia compañía este
espectáculo es “un concentrado de la
mejor irreverencia del genio del Siglo de
Oro, escritos que en su momento lograron
el éxito, provocando diversas polémicas,
entre las que no faltaron acusaciones de
obra subversiva contra el gobierno”.
Morfeo apuesta por una puesta en esce-
na de fina comedia con tintes sardónicos,
presenta a un extravagante diablo Cojuelo
esperando a dos necios a los que espera
cautivar con su “escuela de los vicios”,
la única en que los alumnos cobran por
aprender. Los tres acabarán recitando, en
un cáustico baile de máscaras de carna-
val, el “poderoso caballero es don dinero”
con claros ecos a nuestro tiempo actual.
Tragedias y comedias
Fernando Sansegundo es el autor y di-
rector de Barrocamiento de SioSi Teatro,
en la que se recrea la vida de tres mag-
níficas autoras del siglo de Oro: María de
Zayas y Sotomayor, sor Juana Inés de la
Cruz y Feliciana Enríquez de Gúzman, que
se atrevieron a competir sin complejos a la
hora de tomar la pluma y la palabra. SioSi
no pretende hacer un relato de biogra-
fías a través de esta obra aunque parta
de ellas. Se trata más bien de una mirada
sobre estas mujeres, representativas de
otras que intentaron un camino similar,
que vivieron su siglo, alcanzaron notorie-
dad y fueron casi olvidadas.
En lugar de viajar en el tiempo han tras-
ladado a estas tres mujeres, que consti-
tuyen los tres personajes de la obra, a la
realidad de hoy. Pero para no asustarlas,
han provocado a sus espectros, y para
que no se despisten, les han hecho creer
que cada vez que aparecen es la noche
de las ánimas.
La Compañía Teatro Clásico de Sevilla
por su parte representará La estrella de
Sevilla de López de Vega dirigida y adap-
tada por Alfonso Zurro. Esta obra es una
de las tragedias referenciales del teatro
del Siglo de Oro. Una pieza contundente
que narra unos supuestos sucesos histó-
ricos acaecidos en Sevilla. En el siglo XIII,
el rey Sancho el Bravo llega por primera
vez a esta ciudad y queda prendado por la
belleza de Estrella Tavera. La desea y hará
todo lo posible para conseguirla.
La obra no esconde su posición crí-
tica con el soberano en subterfugios ni
barroquismos. Es directa, clara, sin am-
bigüedades. Esta propuesta ofrece un
planteamiento escénico donde frente al
poder absoluto medieval aparece la con-
cepción moderna del ciudadano. Porque
los súbditos empiezan a exigir sus dere-
chos ante las arbitrariedades despóticas
de sus monarcas.
La programación de esta trigésima edi-
ción finalizará con la pieza, en clave musi-
cal y de humor, Siglo de oro, siglo de ahora
(foliá) de Ron Lalá. En esta ocasión la com-
pañía presenta su revisión contemporánea
de la folía, folla o fiesta barroca de piezas
XXX Festival de Teatro Clásico de Alcántara
Luces, sombras y algo más del
Siglo de Oro
La escuela de los vicios de Morfeo Teatro

14
19
julio
agosto
La programación del trigésimo séptimo Festival de Teatro Clásico de Almagro se
desarrollará entre el 3 y el 27 de julio, donde Shakespeare y Lope de Vega vuelven a
ser protagonistas. Cada autor cuenta con 10 textos llevados a escena. Entre las co-
medias del madrileño se encuentran El castigo sin venganza o El perro del hortelano,
ambas de la Fundación Siglo de Oro (Rakatá). Del inglés se representarán Los Má-
cbez, versión de Macbeth de Juan Cavestany dirigida por Andrés Lima, Amleto, sobre
Hamlet, dirigido por Andrea Baracco, Otelo, dirigido por Eduardo Vasco o Un cuento
de invierno, por Carlos Martínez-Abarca. Tras ellos, subirán a escena seis obras de
Cervantes, como ¡Gaudeamus!, adaptación libre de El licenciado vidriera, cuatro de
Calderón de la Barca y cuatro de Molière. Destacable también la presencia de la
Compañía Nacional de Teatro Clásico que entre producciones propias, coproduccio-
nes y apoyados por la Joven Compañía, dentro de la programación oficial, llevará a
escena cinco piezas: Donde hay agravios no hay celos de Rojas Zorrilla, El caballero
de Olmedo (con el Teatre Lliure), La cortesía de España y Las dos bandoleras de
Lope de Vega, y En un lugar del Quijote, una adaptación libre de la obra de Cervantes
realizada junto a la compañía Ron Lalá. Entre todas suman 24 funciones, es decir,
una cuarta parte de las 98 representaciones de la muestra de la presente edición.
Además de las obras previstas, las actividades paralelas tendrán un peso específico
dentro del programa del festival con nada menos que cuatro exposiciones, las jorna-
das formativas en el Palacio Valparaíso que acogerán el ‘2º Encuentro Internacional
de Crítica y Gestión Teatral’ y la décima edición de la Escuela de verano de Almagro.
El hábito de la lectura: un enfoque multidisciplinar así como las XXXVII Jornadas del
Teatro Clásico de Almagro: el dinero y la comedia española. También hay que destacar
los talleres y la tercera edición del Barroco infantil, una programación hecha a medida
para los más pequeños. Asimismo, señalar que continúa adelante la cuarta edición del
Certamen Internacional Almagro Off, iniciativa que la organización Fundación Festival
de Almagro puso en marcha en 2011 enfocado a dar cabida a las compañías de
teatro más jóvenes del panorama internacional, con el fin de propiciar y favorecer la
creación contemporánea, nuevos lenguajes y propuestas innovadoras de la dirección
escénica de teatro dramático sobre el Barroco.
Festival de Teatro Clásico de Almagro
La estrella de Sevilla de Compañía de Teatro Clásico de Sevilla
breves; una colección de entremeses, jáca-
ras, mojigangas, romances y canciones.
Con espíritu dialéctico entre tradición y
modernidad, recrean las estructuras, per-
sonajes, situaciones, metros y ritmos del
entremés tradicional (desde los pasos de
Lope de Rueda hasta los sainetes de Ra-
món de la Cruz, pasando por los grandes
entremesistas y dramaturgos áureos) para
imprimirles un carácter contemporáneo, y a
la vez homenajean numerosas obras, esce-
nas, poemas y fragmentos de los grandes
autores del Siglo de Oro, tanto españoles
como europeos, dando paso a un espec-
táculo directo, burlesco y dinámico a la vez
que culto y popular.

14
20
julio
agosto
E
l Castillo de los Guzmanes volverá a
ser el epicentro del Festival de Tea-
tro y Danza Castillo de Niebla cuya
trigésima edición tendrá lugar del
12 de julio al 16 de agosto. Para celebrar
los treinta años del festival Niebla acogerá
tres exposiciones, ‘Miradas de escena’ con
fotografías de María Clauss, ‘Poemario na-
tural’ con obras del artista Sergio Cruz y
una tercera de Antonio Pallero.
La programación escénica de esta edi-
ción se compone de seis espectáculos y
dará comienzo con Los Mácbez una versión
libre del ‘Macbeth’ de Shakespeare escrita
por Juan Cavestany y dirigida por Andrés
Lima que traslada la historia de la Escocia
Medieval a la Galicia de provincias de hoy.
Carmen Machi y Javier Gutiérrez dan vida al
matrimonio protagonista de esta coproduc-
ción de Siamesas, Carallada Show, Mama
Floriana y Asuntos Culturales con el Centro
Dramático Nacional y el Pazo da Cultura de
Narón, lugar donde tuvo lugar su estreno
el pasado 21 de marzo; una obra sobre la
corrupción y la ambición.
La hermosa Jarifa que lleva a escena
GG Producciones, en coproducción con el
Festival Internacional de Teatro Clásico de
Almagro, ha sido seleccionada por los so-
cios de Niebla 2.0. Borja Rodríguez es el
autor y director de esta versión de ‘Historia
del Abencerraje y de la hermosa Jarifa’, de
Antonio de Villegas en una propuesta en
la que una voz del siglo XVI es capaz de
hablar a los hombres y mujeres del siglo
XXI, mediante una mecánica narrativa que
invita a divertir maravillando.
India. El sueño de Anantapur de la com-
pañía Miguel Vargas Flamenco Dance Thea-
ter es un espectáculo a beneficio de la Fun-
dación Vicente Ferrer en el que se funden
XXX Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla
Los grandes clásicos llegan al
castillo en versiones de hoy
La hermosa Jarifa de GG Producciones
Aunque comenzó el pasado 12 de junio hasta el 6 de julio se po-
drá disfrutar en el Festival Clásicos en Alcalá con los estrenos de
dos obras de Shakespeare Un cuento de invierno de SioSi Teatro
y Much ado about nothing de David Espinosa y el Local Espacio
de Creación. Otro Shakespeare, Otelo, de Noviembre Teatro, Mi-
sántropo adaptación de la obra de Molière por Miguel del Arco
para Kamikaze Producciones o el concierto de Ara Malikian y la
Orquesta en el Tejado son algunas de las propuestas. Del 5 al 26
de julio tendrá lugar el XVII Festival de Teatro Clásico Castillo de
Peñíscola que se inaugurará con el espectáculo itinerante El ciego
del Lazarillo de la Compañía Ando Creando. Los clásicos cómicos
de Teatro Corsario, Tartuf de Molière en versión del Centre Dra-
matic Vila-real, otra adaptación, en este caso a cargo de Ricardo
Iniesta de la universal obra de Fernando de Rojas, Celestina,
la tragicomedia, de Atalaya y de
La flauta mágica de Mozart por
la Compañía Dei Furbi completan
la programación.
El Teatro Romano será el cen-
tro de Sagunt a escena espacio
en el que del 27 de julio al 24
de agosto se podrá disfrutar,
al aire libre de una veintena
de propuestas entre las que
destacan Revolución de Arden
Producciones, La metamorfosis
de Proyecto Titoyaya o Anfitrión de Culturarts Teatre i Danza
además de una programación off denominada ‘Off Romà’.
De Ruta por otros festivales
Misántropo ©Eduardo Moreno

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21
julio
agosto
cultura, religión, tradición, literatura, danza
y música de la India con la fuerza del len-
guaje del Flamenco. Seis piezas coreográfi-
cas conforman un espectáculo en el que se
recorre la belleza de la cultura india.
Uno de los textos fundamentales de la
literatura universal se presenta en versión
libre y musicalizada, nos referimos a En un
lugar del Quijote, coproducción de Ron Lalá
y la Compañía Nacional de Teatro Clásico
que dirige Yayo Cáceres. En ella recrean
una gran biblioteca imaginaria, el hidalgo
de la triste figura vive sus hazañas mientras
Cervantes va escribiendo su obra maestra.
Una divertida adaptación con música inter-
pretada en directo.
Otra adaptación en este caso de Fran-
cisco de Quevedo con el título La escuela
de los vicios es la propuesta de Morfeo Tea-
tro realizada “in memorian a Javier Leoni,
maestro y amigo, cráneo privilegiado” tal y
como señalan los miembros de la compa-
ñía. Escrita y dirigida por Francisco Negro,
esta obra esta basada en los discursos po-
líticos y las sátiras de uno de los grandes
autores del Siglo de Oro. Sobre el escenario
dos necios y el diablo Cojuelo que espera
cautivar con una “escuela de los vicios” en
los que adentrarlos en los conocimientos
de mentir, engañar, robar y medrar.
El eunuco de Terencio en una versión de
Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez, quien
también se encarga de su dirección llega
a Niebla tras su estreno en el Festival de
Teatro Clásico de Mérida. Caras conocidas
como Anabel Alonso y Pepón Nieto enca-
bezan un elenco formado por los nueve
intérpretes de esta versión divertida y
de enredo coproducida por Festival In-
ternacional de Teatro Clásico de Mérida,
Mixtolobo, Labasca 64 y Ciclán. Sobre el
escenario nueve personajes enloquecidos
por el amor, el dinero, la pasión, el orgullo,
los celos y los equívocos. Una propuesta
en la que se entrecruzan el teatro clásico
grecolatino con el musical, la comedia de
situación y el vodevil. Humor y diversión
sobre las tablas para poner la guinda a la
trigésima edición del festival.
Los Mácbez de Siamesas, Carallada Show, Mama Floriana y Asuntos Culturales ©Luis Castilla

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julio
agosto
L
ope de Vega vuelve a ser pro-
tagonista de la novena edición
del Festival Olmedo Clásico
que tendrá lugar del 18 al 27
de junio y se presenta con una pro-
gramación con once espectáculos de
otras tantas compañías y en la que
también tienen cabida las novenas
Jornadas sobre teatro clásico que
este año tendrán como título ‘La fuer-
za del Fénix: últimas novedades y re-
novaciones de Lope de Vega’ que se
centrarán en los montajes realizados
de la obra ‘El caballero de Olmedo’ los
últimos años y en otras obras menos
conocidas del autor como la comedia ‘Mu-
jeres y criados’ recuperada recientemente.
Este año las Jornadas rinden homenaje a
José Luis Alonso de Santos que incluye la
presentación del último libro de la colección
del festival, ‘El mundo, el demonio y mi car-
ne’ del dramaturgo homenajeado.
El Curso de Análisis e Interpretación
“Fernando Urdiales” dirigido por Esther
Pérez Arribas incluye en su novena edi-
ción clases de interpretación y técnica del
verso a cargo de la propia Pérez Arribas
y clases de Espacio Escénico e Indumen-
taria e introducción al contexto del teatro
español del Siglo de Oro impartidas por
Rosario Charro y Germán Vega respecti-
vamente. Las actividades paralelas del
festival se completan con dos exposicio-
nes, ‘Sembrando a los Clásicos’, un re-
corrido fotográfico por la edición anterior
de Pío Baruque Fotógrafos y ‘Entremeses
áureos’ en colaboración con el Centro de
Documentación Teatral y los festivales de
Chinchilla y Getafe.
La Corrala Palacio Caballero de Olmedo
será el espacio en el que tendrán lugar las
once representaciones de los espectáculos
con los que se podrá disfrutar este año que
darán comienzo con La cortesía de España
de la Joven Compañía Nacional de Teatro
Clásico, con versión de Laila Ripoll de esta
obra de Lope dirigida por Josep Maria Mes-
tres a la que le sigue una adaptación libre
de la obra universal de Cervantes En un lu-
gar del Quijote, coproducción de la CNTC y
Ron Lalá dirigida por Yayo Cáceres.
Otra obra de Cervantes, en este caso
El coloquio de los perros de la compañía
colombiana Laboratorio Escénico Univalle
con dirección de Ma Zhenghong y Alejan-
dro González Puche. Desde Cuba
llega a Olmedo Mephisto Teatro con
El burgués gentilhombre de Molière
bajo la dirección de Liuba Cid y des-
de Japón, uno de los platos fuertes
de esta edición, la versión de Yoichi
Tajiri de El caballero de Olmedo, diri-
gida por Kei Jinguji para la compañía
Ksec-Act.
Alfonso Zurro firma la versión
y se encarga de la dirección de La
estrella de Sevilla, obra atribuida a
Lope de Vega que presenta Teatro
Clásico de Sevilla y Rebeca Sanz
hace lo propio con La boba para
otros y discreta para sí, también de Lope
y a cargo de La Finea Teatro. La hermosa
Jarifa, en versión y dirección de Borja Ro-
dríguez de la novela morisca del siglo XVI
que pone en escena La Morgue, Saga Pro-
ducciones y GG Distribución; un clásico de
Shakespeare, Otelo, en versión de Yolan-
da Pallín y dirección de Eduardo Vasco de
Noviembre Teatro y el último espectáculo
de Teatro Corsario, Clásicos Cómicos (En-
tremeses de burlas) a partir de obras de
varios autores del Siglo de Oro completan
la programación de este año junto con el
espectáculo para público familiar Sonetos
entre todos de Pie Izquierdo Teatro y El
amor enamorado a cargo del alumnado de
la Escuela Superior de Arte Dramático de
Valladolid (dentro del programa Clásicos
en Víspera), y ambos escenificados en el
Centro de Artes Escénicas San Pedro.
IX Festival de Teatro Clásico en la Villa del Caballero
Lope de Vega siempre vuelve
a Olmedo
El caballero de Olmedo de Ksec-Act

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24
julio
agosto
L
aCavavuelveaserelescenario
principal del Festival de Teatro
Clásico de Olite cuya decimo-
quinta edición se celebrará
entre el 18 de julio y el 2 de agos-
to. La programación de este año se
presenta dividida en dos tipos ‘Joyas
del Palacio’ que incluye a las compa-
ñías del ámbito estatal y ‘Clásicos de
aquí’ con propuestas de compañías
de teatro de Navarra además de los
espectáculos de teatro de calle, map-
ping y dos talleres dirigidos a actores
profesionales en colaboración con la
Universidad Pública de Navarra.
El programa Joyas del Palacio dará
comienzo con La Banda de Lázaro,
espectáculo que recrea la historia del
Lazarillo de Tormes de La Cantera
Producciones Teatrales junto con la
anda Municipal de Música de Olite y
que inaugurará el festival. El último
trabajo de Morfeo Teatro, La escuela
de los vicios de Francisco de Queve-
do es una comedia ácida con dramaturgia y
dirección de Francisco Negro en la que se
recrea una escuela con titulaciones como
bachiller de mentir, licenciado en engañar,
doctor en robar o catedrático en mediar.
Otra adaptación, en este caso de la uni-
versal novela de Cervantes bajo el título
En un lugar del Quijote, coproducción de la
Compañía Nacional de Teatro Clásico y Ron
Lalá: una aventura que funde el teatro, la
palabra y la música en directo.
También es una adaptación libre en este
caso del ‘Macbeth’ de William Shakespeare
la que firma Juan Cavestany y dirige Andrés
Lima, Los Mácbez. La ambición y el poder
tan bien expresadas en la obra del drama-
turgo inglés es presentada en la Galicia
contemporánea con un elenco encabezado
por Carmen Machi y Javier Gutiérrez.
Dos obras de Lope de Vega, Fuenteove-
juna, a cargo de la Compañía José Estruch-
RESAD en una versión de Rocío Bello y
dirección de Pedro Casas y Las dos
bandoleras coproducción de la Com-
pañía Nacional de Teatro Clásico y
Factoría Escénica Internacional. Con
dramaturgia de Marc Rosich, esta
propuesta es un “homenaje a todas
las mujeres fuertes, heroínas ejempla-
res en sagacidad, fuerza y determina-
ción que transitan por toda la obra de
Lope” en palabras de Rosich y la di-
rectora del montaje, Carme Portaceli.
Completa este programa Así es, si así
fue (España: de los Trastámara a los
Austrias) una obra de Juan Asperilla,
sobre textos de Torres Naharro, Mar-
qués de Santillana, Cervantes, Lope
de Vega y Calderón que dirigida por
Laila Ripoll para Producciones An-
drea D´Orico plantea un viaje por los
reinados de Juan II, Enrique IV y los
Reyes Católicos.
El programa ‘Clásicos de aquí’ por
su parte incluye las obras El pleito de
Areúsa o gallina vieja hace buen caldo
de Lope de Vega con versión y dirección
de Miguel Munárriz de La Nave Produccio-
nes Teatrales y Limboescena; una de las
obras más conocidas y representadas de
José Sanchis Sinisterra, Ñaque, o de piojos
y actores a cargo de Iluna Producciones;
la shakesperiana Sueño de una noche de
verano del Taller de Teatro Kilkarrak y una
adaptación contemporánea de El gran tea-
tro del mundo de Calderón de la Barca de
Puntido Teatro.
XV Festival de Teatro Clásico de Olite
Los clásicos desde la visión
profesional y aficionada
En un lugar del Quijote de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Ron Lalá

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26
julio
agosto
E
l Teatro Avante junto con el Adrien-
ne Arsht Center for the Performing
Arts, el Teatro Prometeo del Miami
Dade College (socio en producción y
gestión pedagógica) y el Miami-Dade Coun-
ty Auditorium presentan la vigésima novena
edición del Festival Internacional de Teatro
Hispano de Miami que tendrá lugar entre el
10 y el 27 de julio en diversos locales del
condado de Miami-Dade. Dentro de su pro-
gramación se han previsto catorce espectá-
culos de compañías procedentes de Brasil,
Chile, España, Estados Unidos, México y
Argentina, haciendo un especial hincapié en
este último país, al que le dedican la presen-
te edición con objeto de honrar y celebrar su
contribución a la cultura iberoamericana. Por
primera vez también el festival arrancará su
programación con un musical y presentará
un ‘café concert’ barroco, ambos llegados
directamente de Buenos Aires.
En el marco del festival también se in-
cluye un programa educativa bajo la direc-
ción de Beatriz J. Rizk, PhD, con la colabo-
ración del Centro de Literatura y Teatro, y
el Koubek Centre del Miami Dade College,
dando paso a coloquios inmediatamente
después de cada estreno, con conferen-
cias, mesa redonda de directores, pre-
sentación de libros de teatro, lecturas
dramatizadas, exposiciones de fotografías
y talleres. Asimismo, el Festival celebrará
el popular ‘Día Internacional del Niño’ pa-
trocinado por TARGET, en el InterAmerican
Campus del Miami Dade College el domin-
go 20 de agosto.
Premio honorífico
A colación con la especial atención que
el festival dedicará a Argentina, en esta
ocasión el ‘Premio a una vida dedicada a
las Artes Escénicas’ será otorgado en la
jornada inaugural, el 10 de julio, al maestro
argentino Eduardo ‘Tato’ Pavlovsky, drama-
turgo y médico orientado al psicodrama,
justo después de la representación del mu-
sical Calígula de Pepe Cibrián Campoy y Án-
gel Malher, un trabajo que trata del poder
sin límites, un absoluto canto a la libertad
del hombre frente a la opresión del poder
omnipotente, omnipresente y asesino.
En la jornada inaugural también se pre-
sentará en el Carnival Studio Theater Lo-
bby la exposición fotográfica ‘Argentina en
el Festival’ donde se recogen instantáneas
realizadas por Asela Torres contando con
el diseño e instalación de Ernesto Padilla,
que estará abierta hasta que finalice el fes-
tival el 27 de julio.
Dos montajes más de manos de com-
pañías argentinas. Por un lado, el Tea-
tro Musical Contemporáneo escenificará
Bromas y lamentos, escrita y dirigida por
Marcelo Lombardero, en colaboración con
Florida Grand Opera y Miami-Dade Coun-
try Auditorium, con una puesta en escena
contemporánea, donde Lombardero propo-
ne el diálogo entre la música del Barroco
temprano e ideas teatrales de vanguardia.
Banfield Teatro Ensamble, por su parte,
dará a conocer El loco y la camisa, escrita
y dirigida por Nelson Valente donde se pre-
gunta ¿Quiénes son los locos y quiénes los
sanos? No existe mayor locura que la de
vivir en la continua mentira. La irrealidad
enloquece y pervierte.
Las compañías locales Teatro Prometeo,
Teatro Avante y Adriana Barraza Black
Box & Nobarte de Miami, presentarán La
conducta de la vida y Volvió una noche;
Años difíciles y Federico... ¡Ay, clavel! res-
pectivamente. La primera se centra en la
política, el poder y los derechos humanos
en una historia donde el conflicto domés-
tico refleja la violencia y Volvió una noche
muestra la lucha entre los cambios que
XXIX Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami
En honor a la contribución
cultural de Argentina
Bromas y lamentos Teatro Musical Contemporáneo El loco y la camisa ©Leandro AllochisCalígula © Nacho Lunadei

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27
julio
agosto
los individuos se proponen y el mantenimiento de las tradicio-
nes que imponen las generaciones anteriores. Mario Ernesto
Sánchez con Teatro Avante escenifica una historia donde las
alusiones y metáforas abundan, pasando por el absurdo y el
humor negro, y a veces, cayendo en la hipocresía que oculta
y por último, veremos como dos mujeres se reinventan en una
lucha feroz por un espacio que a las dos les corresponde, en
duelo eterno entre poesía y danza, entre personaje y música
en Federico... ¡Ay, clavel!.
Una o varias
Desde México DF acudirán dos compañías, la primera en actuar
será Teatro de Babel que llevará a escena el texto de Juan Carlos
Rubio Arizona, dirigida en esta ocasión por Ignacio García, sobre
las fronteras, la migración, la estupidez humana y los límites de
su manipulación. Un tragicómico retrato del alma de dos seres
humanos perdidos en el desierto de la vida. Cacumen Teatro en
El panfleto del rey y su lacayo, de Cutberto López, refleja en for-
ma burlesca y desenfadada, el mundo de quienes nos gobiernan
mostrando la lucha descarnada por el poder.
Brasil también estará representada en esta vigésimo no-
vena edición de manos de Teatro Cena que representará Di-
nossaurus de Santiago Serrano dirigida por Guillherme Reis,
pieza que habla de la sensibilidad y la búsqueda de la felicidad,
en un mundo que es cada vez más opresor, como dinosaurios
que, para no desaparecer, necesitan inventar un futuro posible.
Desde Chile acudirá también una única compañía, esta vez la
seleccionada ha sido la Compañía de Teatro Viajeinmovil que
presentará una versión libre de una de las tragedias de pasión
más famosas de todos los tiempos, Otelo de Shakespeare, cen-
trada en el asombroso y sincronizado trabajo corporal entre
sus dos intérpretes.
La programación se completará con tres trabajos de compa-
ñías españolas, la primera en representarse será Cádiz en mi
corazón de Albanta, un viaje imposible hacia lugares descono-
cidos, a través de postales para retornar al pasado, a inventar
lo que no fue y ser dueña de su destino. Por su parte la com-
pañía murciana Periferia Teatro presenta Guyi Guyi, propuesta
de títeres para niños y niñas, donde reflexionan sobre la bús-
queda de identidad, el miedo a la diferencia y los prejuicios que
arrojamos sobre aquellos que se comportan de manera distin-
ta a lo que esperamos. Por último, los madrileños Uroc Teatro
presentarán La visita propuesta que muestra lo grotesco de un
encarnizado combate entre la moral y la codicia. Los principios
éticos pasan a un segundo plano por la doctrina implacable del
beneficio económico.
Arizona de Teatro de Babel ©José Jorge Carrera

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28
julio
agosto
E
l Festival Internacional de Teatro de
Brasilia- Cena Contemporânea que
se celebrará del 19 al 31 de agos-
to con la curadoría y dirección de
Guilherme Reis, es una realización de Cena
Promoções Culturais y Fundação Athos Bul-
cão, con el patrocinio de Petrobras, copa-
trocinio del Banco do Brasil y Funarte, y
cuenta con la presencia de veintitrés espec-
táculos provenientes de España, Francia,
Escocia, Argentina y Brasil. Para esta edi-
ción se apuesta por los jóvenes creadores
y por el debate de temas que cuestionan la
identidad, el envejecimiento y la utopía.
Entreslosespectáculosdestacadossepue-
de señalar la presencia del celebrado bailarín
y coreógrafo francés Jérôme Bel, en dúo con
el tailandés Pichet Klunchun, nombre destaca-
do de la danza en su país, que ofrecerán Pi-
chet Klunchun and myself un espectáculo que
se asoma a temas como la interculturalidad, la
globalización y el eurocentrismo.
Llega por primera vez a Brasil el recono-
cido y premiado espectáculo La función por
hacer, una especialísima versión de ‘Seis
personajes en busca de autor’ de Luigi
Pirandello realizada por Miguel del Arco y
Aitor Tejada por la compañía española Pro-
ducciones Kamikaze.
También se podrá ver, de primera mano,
la impresionante reflexión sobre el envejeci-
miento que se ofrece en Tomorrow, produc-
ción del grupo británico Vanishing Point, bajo
la dirección del inglés Matthew Lenton, hecha
en co-producción con el Festival de Brighton,
el festival Cena Contemporânea y el Tramway,
tradicional espacio de creación artístico de
Escocia. El espectáculo es el resultado de un
proceso de creación de cinco semanas entre
diciembre de 2013 y enero de 2014 y da
continuidad a un taller realizado por Matthew
Lenton en el Festival brasiliense en 2013.
Otra obra esperada es La Chica de la
agencia de viajes nos dijo que había piscina
en el apartamento, a cargo de la compañía
española Conde de Torrefiel con texto y di-
rección de Pablo Gisbert que narra las pe-
ripecias de dos mujeres en unas vacaciones
muy especiales en donde partiendo de una
estética muy pop, se van introduciendo si-
tuaciones excepcionales que llevan a otros
temas y discursos sobre el propio progreso.
El argentino Gabriel Chamé Buendía es
un clown especializado en William Shakes-
peare formado en la Compañía Argentina
de Mimo y discípulo de Etienne Decroux, en
París que ofrecerá una delirante versión de
Othelo realizada y dirigida por él mismo con
la actuación de Matías Bassi, Julieta Carre-
ra, Hernán Franco y Martín López Carzolio,
una auténtica investigación sobre el humor
en este texto clásico que se ofrece íntegra-
mente y que logra un espectáculo total.
Cierra la programación extranjera Cuar-
teto del Alba, un texto de Carlos Gil, di-
rigido por Lander Iglesias, donde cuatro
entes escénicos van describiendo una
generación marcada por la lucha por las
utopías revolucionarias, destruidas por las
drogas, con un grito de esperanza final
que se proyecta en el presente como una
plataforma para el futuro.
Como es habitual en Cena Contemporâ-
nea hay una amplia presencia del teatro
brasileño. Es esta edición se podrán ver
espectáculos como Conselho de Classe
de Jô Bilac por la Cia dos Atores de Río
de Janeiro y la dirección de Bel Garcia e
Susana Ribeiro.
Elefante por Probástica Cia de Teatro de
Río de Janeiro, con dirección de Igor Ange-
lkorte; De Sâo Paulo llega A Feia Lulu de
Fause Haten, Fábio Retti, Gregory Slivar,
Francisco Carlos, Marina Caron e Ondina
Castilho con la actriz invitada Olivia Martins;
Calango Deu! Os causos de Dona Zaninha
a cargo de la compañía de Río de Janeiro,
XV Festival Internacional de Teatro - Cena Contemporânea de Brasilia
Con la mirada crítica puesta
en los sueños utópicos
Veintitrés espectáculos teatrales, cuatro de ellos inspirados en la
obra de Luigi Pirandello forman la programación de este 2014
Othelo ©Gianni Mestichell

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29
julio
agosto
Caititu con dirección de Isaac Bernat, escrito e interpretado por
Suzana Nascimento.
De Sâo Paulo es el actor Cacá Cravalho que ofrecerá la Trilogía
Pirandello con dirección de Roberto Bacá con dramaturgia de Stefa-
no Geracciy que engloba O homem com a Flor na Boca, A Poltrona
Escura e umnenhumcemmil. Un auténtico maratón teatral de uno de
los más reconocidos autores brasileños.
A bicicleta do poeta de Emmanuel Marinho es un espectáculo
de intervención urbana resultado de una investigación con la pa-
labra poética y el teatro de calle que convoca a todos los públicos
para descubrir el placer de crear.
El teatro brasiliense también tiene su lugar, y se podrán ver,
Adaptaçao, con texto, dirección, escenografía, vestuario e in-
terpretación de Gabriel F con el Teatro do Açúcar; Autópsia del
Grupo Sutil Ato con dirección de Jonathan Andrade a partir de
cinco textos de Plínio Marcos; Hipóteses para Shakespeare a éu
aberto de BR S.A. Coletivo de Artistas, con dramaturgia de Lidia-
ne Araújo y dirección de Denis Camargo; Carriola de Um Teatro
do Riso na Rua - Celeiro das Antas Roteiro de Micheli Santini,
Hyandra Lo e José Regino con dirección y actuación de José
Regino; Misanthrofreak de Desvio Theatre Company dirección
e interpretación de Rodrigo Fischer, estrenado en diciembre de
2013 en Nueva York e inédito en Brasil inspirado en ‘O inomi-
nável,’ de Samuel Bechett.
También estarán Fios de histórias con concepción de Mariza
Vargas y dirección de Miriam Virna; Mundareu de la Companhia
Dois Tempos / Poéticas do Corpo con la adaptación de Alexan-
dre Ribondi y la dirección de Alice Stefânia; Perdona-me por
me traíres de Nelson Rodrigues de la Cia Novos Candangos y la
dirección de Diego de León y Noctiluzes de Santiago Serrano por
la Cia. Plágio de Teatro y la dirección de Sérgio Sartório.
Además de estos espectáculos, se programan una serie de es-
pectáculos musicales de primer orden, así como diversos talleres
(como el del dramaturgo argentino Santiago Serrano), y confe-
rencias y mesas de debate que confieren a Cena Contemporânea
una entidad singular de primer nivel.

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31
julio
agosto
D
el 26 al 30 de agosto, se cele-
brará en Girona y su comarca,
la décima cuarta edición del
Festival Internacional de Teatro
Amateur, FITAG, que según su director
Martí Peraferrer: “es una herramienta de
promoción y dinamización del sector de
las compañías de teatro amateur gerun-
denses a través de la convivencia y del in-
tercambio global”. Además considera que
“el amateurismo es un bien inmaterial que
se debe cuidar, puesto que es la base de
la cultura de los pueblos”. Concluyendo de
manera rotunda: “un festival no debe ser
un escaparate, sino un punto de encuen-
tro de personas de todo el mundo”.
Además de la amplia programación se
realizan múltiples actividades, como un
censo de los grupos amateurs de la co-
marca y se solicita que todas las compa-
ñías aporten un cuadro realizado sobre
una tela de algodón de un metro cuadra-
do con sus características para formar el
Gran Telón del teatro amateur gerunden-
se. También se realizará el proyecto es-
pecial “Cápsulas de Miniteatres’, abierto a
todos las grupos de la comarca de Girona
y también se recibirá el sello de calidad de
Escena Amateur, la asociación que agrupa
a nivel estatal a festivales, certámenes,
agrupaciones y compañías.
Las representaciones se realizan en diver-
sas salas y localidades gerundenses y entre
sus apartados está el intercambio interna-
cional en el que participan: la Cia.Maru-Jasp
de Alcalá de Henares, (Madrid) Cia.Tquatre
de Figueres, (Catalunya) con la obra Metro;
La Cia. Grotesque de Surgut (Rusia) y Col.
lectiu teatral d’actors/ius de Lloret de Mar,
(Catalunya) con La historia de una locura. Y
con la dirección de Graziella Sureda (Argen-
tina) la Cia Pedres i sospirs de Girona pre-
sentarán Una mujer inquietante.
La inauguración oficial tendrá lugar el 26
de agosto en el Teatre Municipal de Girona
con la compañía Afrogironis i Cor Akan, que
ofrecerá Caricies de pedres y aigües que se
hace en catalán, español, jula y japonés y
tendrá otra actuación el día siguiente.
Por diferentes salas se ofrecerán espec-
táculos del interés de For Freelanc Lover
de la compañía checa Reversing Door que
se hará en checo e inglés; la compañía de
Slovenia Theatre Schoolprva Gimnazija
Maribor con la obra Relation According to
Beckett que se hace en eslovenio e inglés.
Los catalanes de Increixendo presentará
Donessss, la altra cara del mirall en cata-
lán y español, el grupo gerundense Grup
de Gènere i Interculturalitat con Tres relats
de vida, mientras la compañía mallorquina
Vomar Teatre presentará Lokus.
De Puebla, México, llega el Centro Cul-
tural Jalil Gibran con dos obras, Otra vez
Fausto y Llega el día en que el hombre. De
Tel-Aviv, (Israel) Yoram Loewenstein Ating
School con la obra Short Memory of Fish
Balls. Los belgas de Compagnie Trioson
con Les cerises Rouges. De Túnez, Theatre
of youngers con Zouz; los croatas de Thea-
tre Group Punjosipak ofrecerán Neckar.
También estarán presentes los gru-
pos: Dansa-Teatre Apsaràh con Cartes de
Seda; Dosdedeu con Primera plana; Cia.
PLUS65 con Sense Pietat; los andaluces
de Gata Teatro con Cómicos sin rumbo; El
Mirall con Parole, parole; La Gespa con
Dues dones que ballen; Calamiclown con
Extemporani; Primer Vol con Isabeau; Los
andorranos de An-danda-ra con La Casa
de Bernarda Alba; Els cantaires de Sarrià
con Els maldecaps del Senyor Qualsevol;
los asturianos de Teatro Kumen con Las
Troyanas; Mésmèdia Cultural con El mèto-
de Grönholm y Los getxotarras de Ékoma
Teatro con Rosalinda sous le ciel.
En el escenario Fitag de nits, se ofrece-
rán varios espectáculos en la trasnoche,
entre ellos el de los chilenos de Maria la
Culpa Boca de perlas.
Muchos motivos para engancharse a
esta propuesta teatral.
XIV Festival Internacional de Teatro Amateur de Girona
El teatro sigue enganchando

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32
julio
agosto
L
os datos de la décimo séptima edi-
ción de la Feria de Teatro de Castilla
y León que se celebrará del 26 al
30 de agosto en Ciudad Rodrigo son
claros: De las 948 propuestas recibidas han
sido seleccionadas 41 compañías que mos-
trarán 42 de montajes en 50 representacio-
nes y 12 de ellos serán estrenos absolutos.
Destaca de esta nueva edición la diversidad
de formatos teatrales y géneros escénicos
así como la procedencia de las compañías
participantes o los espacios en los que ten-
drán lugar las representaciones. Diverso es
también el formato de las propuestas escéni-
cas, de los públicos a los que se dirigen y las
actividades paralelas organizadas como cur-
sos, talleres y workshop además de jornadas
de trabajo y reuniones técnicas de los pro-
fesionales del sector, o las programaciones
específicas como el programa de animación
infantil ‘Diverteatro’.
El dramaturgo y director Alfonso Zurro
será el encargado de ofrecer el discurso de
apertura de esta edición que organiza un
año más la Consejería de Cultura y Turismo
de la Junta de Castilla y León y coordina la
Asociación Civitas.
Doce estrenos
De las 14 propuestas de compañías de
Castilla y León seis serán estrenos abso-
lutos. Es el caso de Equilibuá, espectáculo
protagonizado por el equilibrio de sus artis-
tas de Maintomano, Sofá de Escai, obra en
clave de clown con tres estudiantes atrapa-
dos por su sofá de Mercucho Producciones,
Cualquiera que nos viera de Zanguango Tea-
tro, y dos obras dirigidas al público infantil
A pelo de Baychimo Teatro y el reestreno
de La ramita de hierbabuena de Teloncillo,
Premio Nacional de Teatro para la Infancia
2014. Destaca también un estreno singular,
Del Lazarillo un trabajo de teatro de objetos
de La Chana, una coproducción de la ‘Red
Esmark’ formada por la propia feria junto
con el Festival Internacional de Expresión
Ibérica (FITEI) de Oporto, y el Festival Don
Quijote de París red que también estrena la
coproducción Vecindario de Candelita de las
francesas Cavaluna y Zorongo.
Un año más se reanuda la colaboración de
la feria con el Gobierno de Extremadura con
el estreno de El secuestro de la banquera
de la veterana compañía Suripanta y Desafío
en la jungla de Z Teatro y Zirkus Animación.
También estrenan en Ciudad Rodrigo los ca-
talanes Colabse Mesa para 2, y dos espec-
táculos llegados de Andalucía, Malgama 1.1.
de Choni Cía. Flamenca y Varuma Teatro y
Big Dancers de El Carromato.
Pero la programación de esta edición
tiene en su haber propuestas contemporá-
neas de autores clásicos universales. Es el
caso de Teatro Clásico de Sevilla que in-
augurará la feria con La estrella de Sevilla
de Lope de Vega en versión y dirección de
Alfonso Zurro; Teatro Corsario y su particu-
lar versión de algunos entremeses del siglo
de oro español con Clásicos Cómicos. Una
obra de Shakespeare, Coriolano a cargo de
Aran Dramática y Los Gemelos de Plauto
de Verbo Producciones, obra ganadora del
Premio Ceres del Público del Festival de
Mérida del pasado año.
Y mucho más
Dos espectáculos sobre la Guerra Civil,
Penal de Ocaña, versión teatral de la nove-
la del mismo título escrita por María Josefa
Canellada, “un calco de su propio diario de
XVII Feria de Teatro de Castilla y León - Ciudad Rodrigo
Oxígeno teatral renovado para
aliviar el calor estival
41 compañías participan en una edición que destaca por su diver-
sidad y cuyo discurso de apertura correrá a cargo Alfonso Zurro
Ligeros de equipaje. Crónica de la retirada de Producciones Viridiana

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33
julio
agosto
la Guerra Civil” en palabras de Ana Zamora,
directora de la obra y de Nao D´Amores, y
Ligeros de equipaje. Crónica de la retirada
de Jesús Arbués que narra la historia de
dos miembros del ejercito republicano que
huyen al final de la guerra en una propues-
ta de Producciones Viridiana. Avanti Teatro
por su parte pone en escena en El encuen-
tro a Alfonso Suárez y Santiago Carrillo 37
años después de la guerra del 36.
La controvertida poetisa argentina Ale-
jandra Pizarnik es la protagonista de Pro-
hibido mirar el césped de Guetto 13-26 y
mujeres son también las protagonistas de
Verano en diciembre, espectáculo que pone
sobre el escenario la historia de una saga
matriarcal de La Belloch Teatro escrita por
Carolina África. Maki Escénica por su parte
presenta en Hoy, última función a Ramón
Barea e Itziar Lazkano como Nicéforo y
Semíramis, un matrimonio de veteranos ac-
tores que se encuentran preparados para
representar su última función.
Desde Francia llega a la feria una propues-
ta muy especial, Palabras de actor, un espec-
táculo conferencia de Maurice Durozier, actor
del Théâtre du Soleil de Ariane Mnouchkine
desde 1980 con el que ofrece al público un
paseo por su largo recorrido como actor.
Y también especial es la propuesta que los
portugueses Companhia do Châpito hacen
del Edipo de Sófocles gestualizando la co-
nocida tragedia griega de forma cómica
para poder escapar de su trágico destino.
El humor es también el ingrediente principal
de Mix de Spasmo Teatro y de muchas de
las propuestas de teatro de calle como A su
servicio de Tiritirantes Circo Teatro y Los se-
cretos de Mr. Estromboli de El que ma queda
de Teatre y L´Avalot Teatre.
The Cross Border Project parten del
clásico Peter Pan para reflexionar sobre el
paro y futuro de la juventud de hoy en Per-
didos en nunca jamás, una obra dirigida al
público juvenil y abundantes serán también
las propuestas dirigidas a los más peque-
ños y al público familiar. El Ballet Contem-
poráneo de Burgos ofrecerá el espectáculo
de danza La Danza y su pequeño público;
La Quimera de Plástico por su parte pon-
drá en escena un texto de Luis Matilla, En-
tre pícaros anda el juego y Teatro Gorakada
llega con la versión de un clásico, Aladdin.
Otro cuento clásico, El traje nuevo del em-
perador de Xip Xap Teatre y propuestas
educativas como Pintamúsica de Unics Pro-
duccions o Pinta, pinto de Ruido Interno.
Danza, música y multimedia se funden en
Burbujas de papel de Bácum Artes Escéni-
cas y Visuales y para los bebés o primera
infancia, La mar de vida de La Monda Li-
ronda Teatre, Chíos de Teatro da Semente
y Tarará - Tchim! de Passos e Compassos.
La programación se completa con Pere-
grinación y Cindy, ambas de la compañía
portuguesa Lafontana y dos propuestas
musicales, Canciones de Titiriteros de
los veteranos Titiriteros de Binéfar y Peu
Meurray Los Tambores de Neumáticos de
los brasileños Favelacult.
Además cabe destacar los ‘III Premios
Rosa María García Cano’, creados en me-
moria y recuerdo de la que fuera directora
de la feria y que tienen como objetivo poner
en valor el trabajo de los profesionales del
sector en tres modalidades: la promoción
de las artes escénicas para la infancia y la
juventud, en la gestión cultural y en la vi-
sibilidad y promoción del sector que serán
entregados durante la feria.
Del Lazarillo de La Chana

MIÉRCOLES 6
22,30 h.
SERGIO
DALMA
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
VIERNES 8
22,30 h.
INSATISFECHAS
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
DOMINGO 10
22.00 h.
PETER PAN
EL MUSICAL
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
LUNES 11
22.30 h.
LA
MALQUERIDA
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
MIÉRCOLES 20
22.30 h.
EL
ENFRENTAMIENTO
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
VIERNES 22
22.30 h.
EL
EUNUCO
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
DOMINGO 24
22.30 h.
LA BELLA
DURMIENTE
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
LUNES 25
22.30 h.
LOCAS
DE AMAR
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
VIERNES 15
22,30 h.
AL FINAL
DE LA
CARRETERA
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
SÁBADO 16
22,30 h.
RAPHAEL
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
DOMINGO 17
18.00 y 19.30 h.
MINUTOS
TEATRO DEL CENTRO CÍVICO
DE SANTIAGO DE LA RIBERA
LUNES 18
22.30 h.
UBÚ REY
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA
MIÉRCOLES 13
22.30 h.
GAGFATHER
AUDITORIO PARQUE
ALMANSA

3
artez
Llevamos varios años enfrentándonos a
esta feliz labor de hacer un suplemento del
Festival Internacional de Teatro, Música y
Danza de San Javier, lo que nos coloca en
el privilegio de saber con cierta anticipa-
ción lo que va a suceder en la canícula en
esta bella localidad murciana.
Cuando llegamos a este punto específico
de escribir este saluda, sentimos un ca-
lambre interior porque tenemos acumu-
ladas imágenes y anécdotas, pero en esta
ocasión lo que nos ha vuelto a una realidad
palpable y extraordinaria es que estamos
ante la edición cuadragésima quinta. Cua-
renta y cinco ediciones, una detrás de la
otra, configuran en sí mismas una historia
del teatro. Una revisión de sus contenidos
nos aclararía de manera fehaciente el de-
sarrollo, la evolución programática de este
evento singular, y ello nos llevaría, no a la
nostalgia, sino a entender que los tempos
han ido cambiando a un paso no siempre
parejo, no siempre sincronizado con otras
realidades paralelas.
Pero de nuevo San Javier se abre a las ex-
periencias escénicas de toda índole, con un
estreno de la compañía murciana Alquibla,
con exponentes de la comedia refrescante,
la presencia de un histórico de la escena,
Arturo Fernández, propuestas de música
pop, musicales, para toda la familia y ta-
lleres de formación. Una oferta variada,
encaminada a buscar diferentes públicos
para cada programación, pero que en su
conjunto busca interesar al máximo nú-
mero de conciudadanos que encuentren el
tiempo para el entretenimiento y el disfrute
de las actividades culturales.
Carlos Gil Zamora
Cuarenta
y cinco
37
Este suplemento acompaña a la revista
Artez 198 de Julio / Agosto 2014
Portada:
Fotografía de la obra:
La malquerida de Jaciento Benavente de
Alquibla Teatro tomada por: Pepe H
www.artezblai.com
04-05 | Presentación general
06-07 | La Malquerida
08 | El eunuco
09 | Insatisfechas
Al final de la carretera
10 | Enfrentados
11 | Gagfather
Minutos
12 | La bella durmiente
13 | Peter Pan
14 | Ubú rey
Locas de amar
15 | Sergio Dalma
Raphael

4
artez
38
un clásico del siglo veinte, revisitado para llegar a los públicos
actuales.
Por otra parte, como es habitual la ESAD de Murcia presenta un
espectáculo con los alumnos de tercero, Ubú Rey de Alfred Jarry
con versión y dirección de Gelen Marín, y por último el Grupo de
Teatro San Javier, presentarán Locas de Amar de Paloma Pedrero
dirigida por Leonor Benítez.
Una gran producción que recorrerá los escenarios de los grandes
festivales, y que hace su presentación en San Javier, es El Eunu-
co de Terencio en versión de Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez y
dirección de este último y con un amplio reparto encabezado por
Anabel Alonso y Pepón Nieto, donde parece garantizado el humor.
Y directamente como propuestas de humor nos encontramos con
Gagfather de Yllana, la compañía con un estilo y un lenguaje escé-
nico donde la comicidad explota a un ritmo trepidante, en un ho-
menaje al cine negro y los gánsters y dos comedias ligeras, como
son Insatisfechas con Miriam Díaz-Aroca y Belinda Washington
con dirección de José Luis Iborra y Al final de la carretera de Willy
Rossell con dirección de Gabriel Olivares y versión de Juan Carlos
Rubio con Melanie Olivares.
Casi como un género propio, en esta ocasión asumiendo toda la res-
ponsabilidad, Arturo Fernández presentará El enfrentamiento de Bill C.
El Parque Almansa será el centro de la actividad
teatral que del 1 al 25 de agosto convertirá a San
Javier, en el Mar Menor, en una cita obligada para
los amantes de todas las artes escénicas. Una
nueva edición que llega a la cifra de cuarenta y
cinco y lo hace enmarcada en el mismo criterio
general que su directora Inmaculada García ha
dado a este evento y que se debe atender a una
población veraniega creciente, lo que le dota de
una excepcionalidad programática, con el deseo
de poder equilibrar la balanza de gastos ingre-
sos.
Una de las principales características de este
evento murciano es la colaboración con las com-
pañías locales para la coproducción de un espec-
táculo, que este año ha sido con Alquibla Teatro,
que además cumple treinta años de existencia, y
que se presentará con el estreno de La Malqueri-
da de Jacinto Benavente, con dirección de Antonio
Saura, que narra una tragedia familiar construida
entorno a un triángulo amoroso de carácter in-
cestuoso. Un teatro del acerbo cultural español,
Una ventana abierta
para que entren los
mejores aires escénicos

5
artez
39
Davis, como actor y director junto a David Boceta.
Para todos los públicos hay varias ofertas, la úni-
ca que no se hace en el Parque Almansa, que se
realizará en el Teatro del Centro Cívico de Santia-
go de la Ribera, Minutos, un espléndido y delica-
do espectáculo del payaso catalán Marcel Gros.
Un musical Peter Pan a cargo de Innova Music
con dirección de Fiorenza Ippolito y un Ballet, La
Bella Durmiente, que trae la compañía aragone-
sa LaMov con coreografía de su director artístico
Víctor Jiménez, que junto a las actuaciones es-
telares de dos grandes iconos de la música pop
española, Sergio Dalma y Raphael, completan un
programa que en sus detalles podrán ver en las
páginas siguientes y que cuenta como es habitual
con otras actividades paralelas.
EL TRABAJO DEL ACTOR: ESCENARIO Y CÁMARA
Este año se ofrecerá del 4 al 6 de agosto, un taller
de interpretación de carácter fundamentalmente
práctico dirigido a personas interesadas en las
artes escénicas en general y en la interpretación
en particular, que en principio no tengan la posi-
bilidad de asistir a enseñanzas más regladas de
escuelas de arte dramático y que deseen formar-
se en el ámbito de la interpretación.
En este curso pueden aprender directamente de
profesionales que darán clases magistrales donde
les hablarán del entrenamiento actoral así como
del desarrollo de los personajes que realizan. Como
Carlos Santos y Cristina Alcázar, que facilitarán
conceptos básicos de la interpretación frente a la
cámara y podrán conocer el proceso de preparación
y presentación a un casting de audiovisual.
Juan Meseguer y César Oliva Bernal introducirán
a los alumnos al método de las acciones físicas
de Stanislavski y las claves de la interpretación
teatral que ha evolucionado hasta el modelo
que actualmente se sigue en el Actor´s Studio.
Mientras Fulgencio Martínez Lax y Juan Pedro
Campoy, analizarán conceptos y procedimientos
que afectan al actor desde la escritura dramática
hasta la puesta en escena.

6
artez
40
Una gran tragedia para
celebrar treinta años sobre
los escenarios
Tres décadas o treinta años son los que cumple Al-
quibla Teatro sobre los escenarios, en la carretera.
Una efeméride que la compañía murciana celebra
con el estreno de un nuevo espectáculo, el 32 en su
larga y fructífera carrera. Tras poner en escena a
autores como Brecht, Shakespeare, Lorca, Büchner
o Beckett y más cercanos como Emilio Carballido,
Francisco Nieva, Ernesto Caballero o Lorenzo Píriz-
Carbonell sube a los escenarios La malquerida, de
Jacinto Benavente en versión de Alba Saura y bajo la
dirección de Antonio Saura.
Coproducida junto con el Festival Internacional de
Teatro de San Javier y el Teatro Circo Murcia, esta
obra pone en escena una tragedia familiar construida
en torno a un triángulo amoroso de carácter inces-
tuoso (madre, hija y padrastro). El elenco formado
por Esperanza Clares, Allende García, Lola Martínez,
Manuel de Reyes, Julio Navarro, Luis Martínez Arasa
y Óscar Albert además de un coro en off, interpretan
a unos personajes extraídos del mundo rural y telúri-
co en una situación emocional límite que mostrarán
la historia de una pasión y sus consecuencias.
La mujer es la protagonista de la acción por la di-
mensión trágica de sus personajes femeninos aun-
que pertenezcan a “un mundo de hombres”. Y es
que tal y como apuntan desde Alquibla Teatro “en su
génesis trágica aparece la edípica búsqueda de la
verdad de Sófocles, el amor incestuoso de la ‘Fedra’
de Eurípides o el amor fraternal de la ‘Electra’ de
Esquilo, así como temas heredados de los dramas
del siglo de oro español: la honra, la justicia, los ce-
los, la infidelidad y el que dirán tan español”.
La Malquerida es pues la historia de un enfrentamien-
to entre la pasión prohibida de un amor incestuoso y
las convenciones sociales y morales de una época que
hacen imposible satisfacer ese deseo. La obra escrita
LA MALQUERIDALUNES 11 de agosto

7
artez
41
mismo escénico; arrebatadoras interpretaciones que sitúan al actor
en una situación límite; primacía del “hacer” artaudiano sobre en
“decir” benaventino; la energía invisible a través de la fisicidad; im-
pactantes imágenes; tratamiento universal del conflicto alejándolo de
localismos; búsqueda de la emoción que golpee al espectador; crea-
ción de un ritual de confrontación de ideas, emociones y sensaciones
y primacía del teatro de la emoción sobre el teatro de la evasión”.
El equipo artístico de La Malquerida esta formado por Salvador Mar-
tínez, encargado de la música, el vestuario es de Carola Vintage y la
escenografía de Adrián Liza y Cristina Laleggia mientras que el dise-
ño de iluminación ha sido creado por Antonio Saura, director de este
espectáculo y de Alquibla Teatro desde su fundación en 1984.
Fructífera trayectoria
Desde su fundación Alquibla Teatro ha demostrado su fiel compro-
miso con el hecho escénico y ha creado 32 espectáculos de autores y
temáticas diversas. Sus dos primeras obras fueron de Luis Federico
Viudes ‘En un café de la unión’ y ‘Los amantes de Beniel’. En 1988
volvieron a poner en escena una obra de Viudes, ‘Contra Lujuria’ tras
‘Yamilé’ de Lorenzo Píriz-Carbonell, ‘¡¡¡Ochentamanía!!!’ del propio
Saura y ‘Fuera de quicio’ de José Luis Alonso de Santos. A partir de
1990 llega el turno de obras de autores universales como ‘Woyzeck’
de George Büchner, ‘Baal’ de Bertolt Brecht, ‘Estos fantasmas’ de
Eduardo de Filippo, ‘Esperando a Godot’ de Samuel Beckett, ‘Cuento
de invierno’ y ‘El sueño de una noche de verano’ de William Shakes-
peare, ‘El fantasma de Canterville’ de Oscar Wilde, ‘Las amistades
peligrosas’ de Choderlos de Laclos, clásicos grecolatinos como ‘Ores-
tíada. Cenizas de Troya’ de Esquilo, Sófocles y Eurípides o ‘Anfitrión’
de Plauto y de autores españoles como ‘Bodas de Sangre’ de Federico
García Lorca. Los 32 espectáculos son, en definitiva una carta de pre-
sentación que no necesita mayor explicación. Treinta años sobre los
escenarios y con muchos más por delante para poder ofrecer gran-
des espectáculos de autores contemporáneos y universales.
por Benavente, comienza con el asesinato del novio
de Acacia el día de la petición de mano. La madre de
la novia, de nombre Raimunda, intenta esclarecer lo
ocurrido y sus investigaciones le llevan a descubrir
una verdad que se le hará insoportable.
Ahora, Benavente
Los motivos de elegir esta obra son múltiples. Para
Alquibla Teatro Benavente es uno de los más impor-
tantes dramaturgos españoles de la primera mitad
del siglo XX, “alabado por unos y denostado por
otros, creemos que, pasados ya sesenta años de su
muerte es hora de desechar inaceptables prejuicios
(...) Benavente ha sido uno de los dramaturgos más
influyentes en el teatro contemporáneo. que como
diría Buero Ballejo, fue maestro de los que le han
seguido y de los que le han negado. La Malqueri-
da habita cada una de las obras de la trilogía de la
Tierra de Federico García Lorca” afirman desde la
compañía para añadir que “desde nuestra mirada
contemporánea, este clásico abre interrogantes a
los que, de momento, somos incapaces de dar res-
puesta: ¿Dónde está el límite de lo aceptado/ per-
mitido/ posible? Qué argumentación utilizaríamos
en la respuesta, fuere cual fuere, y con relación a
qué condicionantes sociales o éticos, en el caso de
que fuésemos capaces de responder”.
En lo que la puesta en escena se refiere, Alquibla
Teatro ha mantenido las constantes escénicas que
ha desarrollado a lo largo de sus treinta años de tra-
yectoria como compañía y con Antonio Saura como
director al frente que no son otras que “el equilibrio
entre la tradición y la innovación; gran ritmo y dina-

8
artez
42
Clásico entre los clásicos El eunuco de Terencio
llega al festival tras su estreno en el Festival Inter-
nacional de Teatro Clásico de Mérida. Coproducida
por el propio festival extremeño junto a Mixtolobo,
Labasca 64 y Ciclán y bajo la dirección de Pep Anton
Gómez, pone sobre el escenario a actores y actri-
ces de reconocida trayectoria como Anabel Alonso,
Pepón Nieto, Alejo Sauras, Jorge Calvo, Antonio Pa-
gudo, Marta Fernández Muro, Eduardo Mayo, Jordi
Vidal y María Ordóñez.
El cuadro artístico se completa con Chevy Muraday
y Asier Etxeandia y Tao Gutiérrez encargado de la
coreografía el primero y de la composición musical
los dos restantes mientras que el diseño de ilumi-
nación, escenografía y vestuario ha sido realizado
por Miguel Ángel Camacho, Eduardo Moreno y San-
dra Espinosa respectivamente.
Jordi Sánchez y el propio Gómez son los autores de
esta versión, una adaptación que ha convertido el
clásico griego en una comedia en la que el humor
y el disparate empapan la historia, ubicada en Ate-
nas, desde principio a fin.
El protagonista es un joven fogoso con las hormo-
nas a flor de piel que se enamora de una escla-
va... Hasta ahí todo es normal si no fuera porque
la esclava pertenece a una cortesana que tiene un
amante que no es otro que el hermano mayor de ese joven fogoso que
a su vez quiere hacerle un regalo muy especial a su amada. Un regalo
verdaderamente especial, tan especial que es un eunuco. He aquí el
comienzo del enredo.
Y es que el joven fogoso decide hacerse pasar por el eunuco “de re-
galo” para poder conquistar a la deseada esclava. Pero aún hay más.
Porque a todo esto hay que añadirle un criado que no quiere, una cria-
da que no se entera, un soldado enamorado de un general, el gene-
ral que tampoco se entera “si quiere carne o pescado”... Conclusión:
esta versión dista considerablemente de la obra original de Terencio y
la convierte en una divertida comedia, trepidante y “felizmente libre”
como destacan Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez.
Sobre el escenario nueve personajes locos, más bien enloquecidos
por el amor, el dinero, la pasión, el orgullo, los celos y sobre todo...
los equívocos, muchos, tal vez demasiados equívocos que se con-
vierten en la salsa y el perejil de la historia. Nueve personajes y
otras tantas historias que se entrecruzan para conformar un es-
pectáculo que transita, sin rubor ni complejo alguno, por el teatro
clásico grecolatino y el musical. Porque este particular Eunuco está
también a caballo entre la comedia de situación y el vaudeville.
Nueve personajes, nueve historias paralelas y entrecruzadas; un ritmo
vertiginoso y endiablado. Y sobre todo humor, mucho humor. Un cúmu-
lo de factores que persiguen un único objetivo: convertir esta obra en
una fiesta para el público desde el primer minuto, hasta el final de la
misma. Una visión desenfadada de una época. Una versión disparada
de un clásico. Una cita llena de diversión y risas a raudales.
Humor desenfadado desde
la Atenas Clásica
El Eunuco Viernes 22 de agosto

9
artez
43
Una amistad sobre ruedas
Sin rastro de
la visa soñada
El trío formado por Miriam Díaz Aroca, Belinda Washington y Rubén
Sanz protagonizan Insatisfechas, una aventura cómica dirigida por
José Luis Iborra en el que vemos como dos amigas íntimas y casa-
das hace años, sienten que la vida no es como ellas pensaban, la
felicidad es una gran mentira, el matrimonio es un aburrimiento y
el sexo una rutina. Se sienten atrapadas en un estado de ansiedad
constante que les va destruyendo poco a poco y les hace tomar una
decisión drástica..
Ante esta desesperada situación toman la decisión radical de
cambiar sus vidas: hacer un viaje ellas solas al estilo ‘Telma y
Louise’. Huir, darse un respiro, dejar atrás el pasado y su pre-
sente e intentar buscar un nuevo futuro. Y qué mejor que coger la
autopista con destino a Benidorm, y poner en marcha allí todos
sus planes para comenzar una nueva vida... aunque finalmente,
que sentimos al darnos cuenta que la vida no es, ni por asomo, como
la habíamos soñado.
A lo largo de una intensa y caótica noche los cuatro personajes protagonis-
tas encarnados por los actores Melanie Olivares, Marina San José, Manu
Baqueiro y Raúl Peña, irán poniendo las cartas sobre la mesa hasta asu-
mir, no sin resignación, que aunque no tengas la vida que habías soñado
quizá la que te ha tocado vivir en suerte no sea tan mala como creías.
Rafa cumple cuarenta años y su mundo se desmorona ¿cómo esca-
par de esa vida “perfecta” que has construido? Mujer, hijo y chalet
adosado con jardín. Aparentemente la vida ideal. La vida perfecta en
nuestra sociedad. Pero la visita de sus disparatados vecinos, mara-
villosamente integrados en la mentira de la sociedad, y la insistencia
de su mujer en que cumpla con sus obligaciones serán la gota que
colma un vaso ya a punto de rebosar desde hace tiempo. Rafa no
puede más y se avecinan cambios insospechados.
Gabriel Olivares dirige Al final de la carretera a par-
tir de la versión de Juan Carlos Rubio de la divertida
y amarga comedia de Willy Russell, autor de obras
aclamadas y representadas en todo el mundo como
‘Educando a Rita’ o ‘Shirley Valentine’, maestro en
mostrar las miserias del ser humano sin apenas
darte cuentas, con una ligereza que termina sacu-
diendo lo más profundo de nuestro ser. Esta obra
nos habla de la crisis que padecemos o más bien la
AL FINAL DE LA CARRETERA VIERNES 15 DE AGOSTO
Insatisfechas viernes 8 de agosto
no llegan ni a Albacete.
La aparición de un hombre, que se ha visto obliga-
do a vender su cuerpo para sobrevivir a la crisis,
hace tambalear la amistad entre las dos muje-
res. De pronto, en lugar de tranquilizarlas, ya que
podría ser un estupendo remedio para satisfacer
sus “inquietudes” carnales, se convierte en el es-
pejo donde ellas se ven reflejadas. Y el reflejo que
ven no les gusta nada, absolutamente nada.
El viaje será un desencuentro constante, toda una
aventura donde no tienen cabida los sueños fan-
tásticos sino la realidad, aunque esa realidad no
tiene porque ser sinónimo de insatisfacción sino
más bien todo lo contrario.

10
artez
44
La aparición de un joven seminarista en la vida de
un sacerdote que trastocará su rutina. Este es el
argumento de Enfrentados espectáculo que pre-
senta la Compañía Arturo Fernández y que prota-
goniza y dirige el artista asturiano. Escrita por el
norteamericano Bill C. Davis en 1980 con el título
‘Mass Appeal’, esta obra fue estrenada por vez pri-
mera ese mismo año en Broadway y galardonada
con el Premio del Círculo de Críticos. Estrenada en
Londres dos años después con Rupert Everett como
protagonista, fue también llevada al cine por Gleen
Jordan con Jack Lemmon en el papel principal.
Ahora Arturo Fernández hace lo propio y da vida al
Padre José María Fanjul, un sacerdote católico de
una parroquia situada en un barrio acomodado, un
cura de gran carisma admirado y querido por sus
feligreses.
Pero el Padre José María comparte sus tareas en la
iglesia con un programa televisivo en que todas las
semanas debate sobre temas de actualidad, temas
que prepara a conciencia y a los que le siguen de-
bates abiertos tras su exposición. Además el Padre
José María tiene un gran sentido del humor y fina
ironía y entre sus aficiones destaca su gusto por
el buen vino del que está bien surtido gracias a los
regalos que le hacen sus adinerados parroquianos.
El Padre José María representa los valores tradicio-
nales de la iglesia católica aunque dado su talante
abierto y tolerante es permeable a las demandas de
cambio de la sociedad o de los sectores más pro-
gresistas de la propia iglesia. Pero... hasta cierto
punto claro. Y es que la llegada de Tomás de la Casa, un joven se-
minarista apasionado y rebelde pondrá “patas arriba” la Parroquia
de Nuestra Señora llevando al Padre José María a enfrentarse con
el joven en una divertida lucha impregnada de humor. El permanente
duelo interpretativo entre Arturo Fernández y David Boceta perma-
nece a largo de toda esta comedia en la que el humor y la ironía se
entremezclan con mensajes profundos.
Al término de la representación Arturo Fernández recibirá, de manos
del alcalde el Premio del 45 Festival Internacional de Teatro, Música
y Danza de San Javier galardón con el que se pretende distinguir, el
palabras de la concejala de Cultura y directora del Festival, Inmacu-
lada García, “su calidad como actor, y reconocer su exitosa carrera
profesional en cine, teatro y televisión”. Y es que Arturo Fernández ,
conocido sobre todo por sus papeles de galán, lleva en el mundo de la
interpretación más de 60 años durante los cuales son innumerables
sus trabajos tanto en teatro como en el cine o la televisión.
Duelo
interpretativo
entre la
veteranía y la
juventud
Enfrentados miércoles 20 de agosto

11
artez
45
Desde los bajos
fondos con humor
Las pequeñas cosas de la vida
esencia del payaso, que puede tener la ironía de un bufón y el contacto
con el público de un showman. En Minutos, durante aproximadamente
una hora, el artista catalán deleitará al público con un trabajo que fu-
siona el arte del clown con el teatro de objetos, dando paso a este viaje
hacia un mundo minúsculo, diverso y divertido. En él juega a imaginar
árboles, animales y curiosos personajes. Cada escena es tratada por el
artista como si fuera un pequeño cuento, los objetos son manipulados
para darles vida, cada detalle adquiere la importancia que debe darse a
las pequeñas cosas. Un espectáculo para disfrutar en familia en la que la
esencia del clown hará las delicias de pequeños y mayores.
A diferencia del resto de la programación que se es-
cenificará en el Auditorio Parque Almansa, el clown
Marcel Gros presentará su montaje Minutos el 17 de
agosto en el Teatro del Centro Cívico de Santiago de La
Ribera ofreciendo dos funciones, a las 18:00 y 19:30.
Después de vivir diversas experiencias en el mundo
del espectáculo como cantante, incursiones en el
teatro de calle o en la televisión, Marcel Gros inició su
camino en solitario en 1991 lo que le ha permitido una
gran libertad de creación, sin perder nunca de vista la
Yllana Producciones, compañía con más de 20 años en escena
proponiendo montajes en los que han tratado diversidad de temas
y situaciones pero con el humor como denominador común en to-
dos ellos, presenta Gagfather, todo un homenaje al cine negro y de
gangsters donde su protagonista, un honesto ciudadano, se verá
envuelto de forma fortuita en una rocambolesca trama de corrup-
ción, apuestas ilegales y dinero sucio.
David Ottone y Francisco Ramos dirigen esta propuesta interpretada
por Fidel Fernández, Juan Francisco Ramos, Luis Cao, Juan Fran
Dorado y Jony Elías, un elenco que invitará al espectador a adentrar-
se en los bajos fondos de una urbe, llena de personajes disparatados
y situaciones delirantes, que permiten retratar desde el humor, pero
no exenta de reflexión y sarcasmo, valores como el dinero, el poder y
el valor de la amistad. Un tema universal para un espectáculo que, a
través de gags e skteches, pretende hacer reír sin descanso y contar
una historia de mafia y corrupción realizando una severa crítica al
sistema en el que vivimos.
MINUTOS DOMINGO 17 DE AGOSTO
Gagfather miércoles 13 de agosto

12
artez
46
La peculiar forma de acercarse a las historias
clásicas vuelve a quedar patente en La bella dur-
miente de LaMov Compañía de Danza. Al igual
que ya lo hiciera con ‘La cenicienta’, en la que se
combinaban el ballet clásico con la danza neoclá-
sica, en esta adaptación del cuento clásico de
Perrault revisado por los hermanos Grimm el di-
rector artístico de la compañía aragonesa, Víctor
Jiménez ha creado una coreografía acompañada
por la música de Tchaikovsky. Un espectáculo en
el que propone una nueva visión del universal
cuento por todos conocido, en el que la bella jo-
ven se pincha con una aguja y cae en un profundo
sueño que solo podrá despertarse con el beso
mágico que le dará un príncipe, con un lenguaje
clásico pero renovado.
El cuento por excelencia para describir el amor
romántico es abordado por Jiménez desde
la calidad técnica y artística y desde el estilo
neoclásico que caracteriza a la compañía. Tal y
como señalan desde LaMov “el amor soñado y
verdadero se reflejará en un beso, porque sólo
un beso real hará que la bella atormentada y
hechizada despierte. Pero, ¿cuántos besos le
darán hasta que se despierte?, ¿cuántos besos
falsos harán falta para que llegue el verdadero
amor?” y es que desde la compañía afirman que aunque suene a
copla en esta Bella Durmiente “pasará algo así: la española cuan-
do besa...”.
Durante los 60 minutos que dura la obra el elenco de bailarines
(todos ellos con un alta base técnica enriquecida con la formación
en otros estilos coreográficos) formado por Vinnie Prisbey, Mattía
Furlán, Elena Gil, Antonio Ayesta, Lura Lopez, Bianca Alcocer, David
Valls, Lucía Muñoz, Pere Bodi y Ángel Cubero bailaran este cuento
clásico entre los clásicos conduciendo al público del mundo real al
onírico y expresando alegría, miedo al mal, inquietud producida por
la larga espera y por último, la búsqueda de la felicidad y sobre todo,
la esperanza ante la vida.
LaMov Compañía de Danza nació en Zaragoza en 2008 bajo la dirección
artística de Víctor Jiménez, quien ha trabajado con Maurice Béjart y
ha sido bailarín solista de la Ópera de Lyon y de la Compañía de Víctor
Ullate. Desde sus comienzos la compañía ha consolidado una trayec-
toria basada en el trabajo intenso, el rigor, la innovación, la vocación
de globalidad y una profunda creatividad que le han llevado a crear
espectáculos como ‘El trovador’, ‘Payasos divinos’ (formada por las
piezas, ‘Payasos divinos’, ‘Como o vento’ y ‘Forget-Forgot-Forgotten’),
‘La cenicienta’ y esta ‘Bella durmiente’, todos ellos coreografiados por
el propio Jiménez además de ‘Con nuestro cuerpo’, piezas del propio
Jiménez junto con las de Antonio Ruiz y Davy Brun, ‘Dos’ de Jiménez
y Francisco Lorenzo, ‘Momenta’ con piezas de Anthony Missen y Kevin
Edward e Itzik Galili y ‘Babel’ otra creación realizada mano a mano en-
tre Jiménez y Francisco Lorenzo junto con una pieza de Itzik Galili.
En busca del
beso mágico
a ritmo de
Tchaikovsky
la bella durmiente domingo 24 de agosto

13
artez
47
El universal clásico de James Matthew Barrie, Pe-
ter Pan, sube a los escenarios en formato de musi-
cal de la mano de Innova Music en una adaptación
y dirección de Fiorenza Ippolito, directora de escena
especialista en ópera lírica italiana.
Dirigido al público familiar este musical es una ver-
sión libre del clásico de Barrie, un espectáculo en
el que se recrean las aventuras del conocido per-
sonaje infantil y en la que confluyen, al igual que en
el original, la fantasía y la realidad, una historia en
la que es protagonista la inocencia infantil del niño
que se resiste a entrar en la vida adulta.
La historia de este Peter Pan comienza cuando
Wendy y sus dos hermanos conocen a Peter Pan un
niño que tiene la capacidad de volar y que nunca
crece. Juntos volarán hasta la isla de Nunca Jamás
donde vivirán apasionadas y divertidas aventuras
con maravillosos personajes como los Niños Perdi-
dos, Campanilla y los Piratas y tendrán que luchar
contra las maldades del temido Capitán Garfio.
Tal y como explica Ippolito, “todos los juegos, in-
cluso sus normas, para poder disfrutarlos son
muy serios, de no ser así no sería divertido. Saber
creer con todo tu corazón es la especialidad que
identifica y delata la autenticidad del niño que vive
en nosotros. Sufrir cuando perdemos, gozar cuan-
do ganamos, no es solo eso, lo que nos intriga más bien es la capa-
cidad del trasporte total de la emoción, proporcionando a nuestra
versión una extraordinaria energía”.
Para poner estas ideas ante el público, esta propuesta utiliza ele-
mentos que cobran vida, algo muy característico en la imaginación
de los más pequeños. Para los niños y las niñas, cualquier ser vivo no
humano puede hablar o cantar, incluso todo elemento y objeto inani-
mado puede cobrar vida. Y al igual que en los juegos de la infancia,
en este espectáculo todo es posible. Esta visión es la que proporciona
a esta puesta en escena agilidad y dinamismo que hacen posible el
desarrollo de todas las acciones en escena.
El elenco formado por diez artistas –cinco sopranos, dos tenores, un
barítono, un niño y una bailarina de danza clásica-, darán vida a los
quince personajes de este Peter Pan, personajes conocidos por el pú-
blico como los inolvidables Peter Pan, Wendy, Campanilla o el Capi-
tán Garfio y los no por ser tan conocidos menos maravillosos como
los hermanos pequeños de Wendy, Juan y Miguel, los niños perdidos,
Lamparita, Spunka y muchos más. Destacan de este espectáculo tam-
bién la música y las canciones que se convierten en el motor de la
historia. Canciones como ‘Mama Wendy’, ‘Queridas lamparitas’, ‘Pue-
des volar’, ‘Somos niños olvidados’, ‘Los Piratas’, ‘Un niño quiero ser’
o ‘Conmigo puedes volar’, harán que la emoción brote en el ambiente.
Un espectáculo para disfrutar en familia en el que las niñas y los niños
podrán disfrutar de la imaginación de un mundo lleno de fantasía y los
más mayores tendrán la oportunidad de sacar al niño que llevan dentro
y hacer realidad, por un momento el mundo de los sueños.
Un cuento clásico en
formato musical para
disfrutar en familia
Peter pan el musical domingo 10 de agosto

14
artez
48
Corrupción y abuso de poder
Rupturas que abren caminos
Ubú que, empujado por su ambiciosa esposa, mata al rey de Ñapania
para ocupar su lugar, con el claro objetivo de enriquecerse. El grupo de
Poderosso ‘rescata’ el país y coloca al Príncipe Alelao en el trono.
Esta pieza dirigida por la alumna del tercer curso de Dirección Escé-
nica de la ESAD Gelen Marín está protagonizado por alumnos de la
misma. La propuesta fue la ganadora del Creajoven 2014 de Murcia el
pasado mes de mayo. ‘Ubú Rey’ fue estrenada por vez primera por el
propio Jarry el 10 de diciembre de 1896 en el Théâtre de L’Oeuvre de
París. A partir de este estreno, el teatro experimentó cambios definiti-
vos, rompiendo así con una fuerte tradición al renovar tanto la escritura
dramática como los conceptos de puesta en escena, desde la ilumina-
ción, el vestuarios, la utilización de máscaras y la gestualidad actoral.
matrimonio, desesperada ante la actitud de su madre, decide contratar
a un psicólogo llamado Carlos, para que ayude a su madre a superar
la ruptura. Con la ayuda del doctor Eulalia descubrirá una nueva forma
de ver el mundo y la vida. Conocerá rincones de su cuerpo y de su
alma que hasta entonces desconocía descrubiendo su fortaleza inte-
rior. Las relaciones entre los propios personajes, junto con la figura
del mayordomo filipino de nombre Leonilo, darán lugar a disparatadas
situaciones que hacen que el humor esté presente a lo largo de toda
la representación. El poderío de la mujer, convertida en una persona
independiente, con seguridad adquirida y mucho más delgada, hará
que Eulalia encuentre su propia fuerza como “señora de nadie”. Un
mensaje positivo para reforzar la autoestima de las mujeres.
El Grupo de Teatro de San Javier se encargará de
clausurar el Festival con la puesta en escena de la
comedia Locas de amar de la dramaturga, directora
y actriz madrileña Paloma Pedrero y bajo la dirección
de Leonor Benítez. En ella se da paso a una historia
de una venganza de mujer, uno de los grandes temas
de la dramaturgia universal que se convierte aquí en
un delirio cómico.
Locas de amar cuenta la historia de Eulalia, una mu-
jer de mediana edad, tradicional, que se ve abando-
nada por su marido, Paco. Dolida por esta situación
planea la venganza dejando de comer. Rocío, hija del
Los alumnos de interpretación y dirección de la
ESAD, Escuela Superior de Arte Dramático de Mur-
cia, escenificarán una versión de la obra Ubú Rey de
Alfred Jarry, montaje que muestra un mundo lleno
de corrupción y abuso de poder, circunstancia que
guarda gran paralelismo con la situación actual.
Esta adaptación parte de la farsa, un género que per-
mite jugar con la teatralidad, explorar lo grotesco,
lo exagerado y las contradicciones desde el humor.
Todo ello sin perder de vista la verdad teatral, bus-
cando que tanto las acciones como los personajes,
resulten creíbles. La obra cuenta la historia de Padre
UBÚ REY LUNES 18 DE AGOSTO
Locas de amar Lunes 25 de agosto

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artez
49
Al amor en toda
sus fases
Nueva gira con temas históricos
y desamor. Arreglos actuales, sorprendentes, vibrantes, con marcadas
diferencias entre sí (algunos de ellos grabados con la Orquesta Sinfó-
nica de Radio Televisión Española), que acompañan a Raphael en esta
enésima aventura cuya producción ejecutiva corre a cargo de su hijo
Manuel Martos.
La gira continuará por innumerables teatros y auditorios, entre ellos
cinco conciertos del 8 al 12 de octubre en el Teatro Falla de Cádiz, otros
cinco del 15 al 19 en el Teatro Cervantes de Málaga, tres del 23 al 25
en el Auditorio Fibes de Sevilla, así como en el Palacio de Festivales
de Cantabria de Santander, el Kursaal de Donostia o el Palacio Eus-
kalduna de Bilbao. Y tras muchas otras fechas por confirmar, como
broche final, entre el 26 de noviembre y el 20 de diciembre estará en el
Teatro Compac Gran Vía de Madrid. Asimismo, en 2015 tiene previsto
continuar con la gira por diversos países de América..
la actuación en el festival será una de las citas esen-
ciales de la gira de conciertos De amor y desamor de
Raphael que comienza oficialmente el 10 de agosto.
A punto de cumplir la cifra de 55 años sobre los es-
cenarios, el veterano artista quiere volver a brindar al
gran público con nuevas versiones de canciones im-
prescindibles o temas históricos de su larga carrera
profesional. Son tres los músicos que se han encar-
gado de los nuevos arreglos y producción: Jacobo
Calderón (“Qué sabe nadie’, ‘Amor mío’, ‘Ámame’),
Paco Salazar (‘Será mejor’, ‘Provocación’, ‘No puedo
arrancarte de mí’), y Fernando Velázquez (‘En car-
ne viva’, ‘Desde aquél día’, ‘Frente al espejo’), hasta
completar los quince temas que componen De amor
Es Festival Internacional de Teatro, Danza y Música de San
Javier arrancará con el concierto de Sergio Dalma, intérpre-
te musical inmerso en una gira en la que presenta al público
su nuevo trabajo, Cadore 33 un disco reposado y dedicado por
completo al amor (en todas sus fases) y que parte de esas can-
ciones con las que a lo largo de sus 25 años de carrera ha ido
conformando su viaje profesional.
Para la creación de ‘Cadore 33’, el disco número 16 de su ca-
rrera, ha tenido que realizar mas kilómetros que nunca para
dar con las 11 composiciones perfectas. Vía Dalma y Vía Dalma
II han ocupado casi cuatro años de su vida, disfrutando de un
éxito que le ha dado mucho tiempo para buscar, pero al mismo
tiempo colocaron el listón muy alto. Este último disco también
se ha gestado en Milán, donde ha grabado sus tres últimos
disco con el productor italiano Claudio Guidetti. En ‘Cadore 33’,
Sergio Dalma ha fabricado el disco que reúne todo lo que trae
a la espalda, todo lo hecho hasta ahora, con lo aprendido en
estos viajes recientes, lo que le ha llevado a vestir un ramillete
de canciones entre las que se encuentran ‘Si te vas’, ‘Tu mi
bella’, ‘Recuerdo crónico’, ‘Volar sin ti’ entre otras.
sábado 16 de agosto
Miércoles 6 de agosto

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52
julio
agosto
D
el 23 al 25 de julio se celebrará
la XIII edición del Certamen Inter-
nacional de Coreografía Burgos-
New York, organizado por el Ballet
Contemporáneo de Burgos y el
Instituto Municipal de Cultura
y Turismo del Ayuntamiento de
Burgos, con la colaboración del
Ministerio de Educación, Cultura
y Deportes de España y la Fun-
dación Siglo para el Turismo y
las Artes de Castilla y León. Esta
iniciativa mantiene los rasgos y
contenidos que han configurado
sus señas de identidad en años
anteriores, defendiendo un perfil
de “creador de movimiento” que
sea capaz de aportar a la danza
del siglo XXI aquellas líneas de
trabajo, investigación y desarro-
llo que permitirán el avance de
este arte entre los coreógrafos
del mundo. Esta cita también
posibilita el encuentro entre pro-
fesionales, organizando mesas redondas y
conferencias, así como talleres de iniciación
a la danza, proyecciones de vídeo-danza,
cursos, exposiciones y otra serie de activida-
des, dando forma a una cita consolidada en
el circuito nacional y europeo de festivales.
creadores noveles
Un porcentaje destacado de las pie-
zas presentadas a concurso es obra de
creadores noveles, muchos de los cua-
les han encontrado en el Certamen una
buena plataforma y escaparate para la
exhibición de su trabajo. Distintos estilos
y tendencias, y otras propuestas en clave
de vanguardia y experimentación se dan
la mano en alguno de los tres apartados
de la competición. De hecho, el Certamen
mantiene una apuesta clara por la danza
urbana y sus manifestaciones juveniles
próximas como la danza vertical y el gra-
fiti, exponentes que sirven para acercar el
arte del movimiento a la juventud y per-
mitiendo captar nuevos púbicos para la
danza. El Teatro Principal, Teatro Clunia,
Paseo del Espolón, Plaza Mayor, Sala de
Exposiciones Caja-Circulo y Plaza Virgen
del Manzano serán los espacios donde se
escenificarán y desarrollarán las diversas
actividades contempladas en esta decimo-
tercera edición.
El Certamen otorga
anualmente distintos ga-
lardones a las mejores
obras presentadas en las
diferentes categorías a
concurso. Para la presente
edición han tenido que re-
bajar la cuantía económica
de los premios otorgados,
de esta forma, el primero
de los galardones pasa de
los 9.000 a los 7.500€. La
concesión de estas distin-
ciones es realizada por un
Jurado Internacional en el
que participan destacadas
personalidades del mundo
de la danza. Presidido por
José Carlos Martínez se
encargan de darle la gran
proyección nacional e internacional que
tiene esta competición.
La presencia en el festival de progra-
madores, productores y gestores de artes
escénicas permite a los coreógrafos parti-
cipantes en el Certamen mostrar sus últi-
mas creaciones. Asimismo, el espectáculo
‘Coreógrafos del XXI’ reúne desde hace
años una selección de obras vencedoras
en el Certamen para girar por la Red de
Teatros de Castilla y León, fuera de circui-
tos y redes convencionales.
XIII Certamen Internacional de Coreografía Burgos-New York
Escaparate de tendencias
coreográficas en Burgos

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54
julio
agosto
L
a MIT de Ribadavia cumple
su 30 aniversario del 19
al 26 de julio y se presenta
con la musicalidad –de ob-
jetos, palabra, ritmos, coreografías
etc.– como artefacto para generar
nuevas formas escénicas y capturar
la atención del espectador exigen-
te, crítico e inconformista. Además
esta edición quiere ahondar en la
experiencia que supone el teatro de
proximidad con tres espectáculos
Que vaya bonito de la catalana Tea-
tro de Cerca, Diante do espello de
Fran Godón –Premio Abrente 2013–
a cargo de Uttópico Teatro y A 20 de nov-
embro de Lars Norén en una propuesta de
la portuguesa Artistas Unidos.
La compañía Voadora será la encargada
de inaugurar el festival con el estreno de
su particular versión -ecléctica y contempo-
ránea– de La Tempestad de Shakespeare,
una coproducción de la MIT con la que se
une a las celebraciones del 450 aniversario
del nacimiento del bardo de Avon. Otros de
los platos fuertes de la muestra son UBU
ROI, adaptación del clásico de Jarry realiza-
do por la compañía que dirige Declan Done-
llan, Cheek by Jowl y Le sorelle Macaluso, de
la reconocida directora italiana Emma Dan-
te en una coproducción del Teatro Stabile
di Napoli, Théâtre Nacioanl de Bruxelles y
los Festivales de Avignon y Folkteatren de
Götenborg además de los espectácu-
los Sudado y Alemania de los jóvenes
autores y directores argentinos Jorge
Eiro y Nacho Ciatti respectivamente.
Premio del Público MIR 2011, Jash-
gawronsky Brother vuelven a Riba-
davia para presentar Trash! al igual
que Chévere que pondrá en escena
su último trabajo, Viaxe ao país dos
ananos y Ron Lalá hará lo propio con
su particular versión musicalizada de
la universal obra de Cervantes, En un
lugar del Quijote. Pero habrá mucho
más con lo que disfrutar: espectácu-
los para el público infantil y familiar
como DOT de Maduixa Teatre o Una niña de
La Rous, el programa de apoyo a nuevas
compañías con las propuestas de Babalu-
va, Títeres Cascanueces y Títeres Alakrán y
Triatreros, la entrega del Premio de Honra
“Roberto Vidal Bolaño” al mérito a las artes
escénicas y como guinda a esta edición, un
Espectáculo musical de clausura do 30 ani-
versario da MIT a cargo de Os da ría.
XXX Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia
Tres décadas de un festival
referencial en Galicia
UBU ROI de Cheek by Jowl © Johan-Persson

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55
julio
agosto
C
on objeto de desarrollar el circo contemporáneo en el
espacio pirenaico se creó Pirineos de Circo, proyecto
europeo de cooperación transfronterizo que actualmen-
te reúne diez socios del Estado francés y español: Midi-
Pyrénées, Aragón, Aquitania, Euskadi y Nafarroa. Dentro del
mismo se desarrollan un conjunto de acciones e iniciativas, que
se están llevando a cabo desde 2012 y que finalizan en 2014,
para la formación, la creación y la difusión destinados a los pro-
fesionales del circo. Para este último año el proyecto Pirineos de
Circo ofrece un generoso programa que incluye ‘Trashumancia’
con tres espectáculos programados y diez eventos de circo, la
‘Gira Caminos Emergentes’ que recorre la red de festivales de
ambos estados, ‘Masterclases y Workshops’ para los artistas
emergentes y ‘Encuentros transfronterizos’ para profundizar la
colaboración con un nuevo proyecto.
Tres de los cuatro momentos claves de Pirineos de Circo ten-
drán lugar a lo largo de la época estival tras el L´Européen de
Cirques que se ha llevado a cabo del 23 de mayo al 8 de junio
en Balma y en la Toulouse Métropole. Hablamos de Kalealdia del
2 al 6 de julio donde participará Cabaret Caminos Emergentes y
se dará paso al workshop con la compañía francesa 220 Vols.
Diversos municipios navarros acogerán del 27 al 31 de agosto
el programa del Festival Más difícil todavía donde contarán con
números que corresponden a Caminos emergentes y por últi-
mo cabe destacar Circus campus del 16 al 20 de septiembre en
Montseny, Catalunya, en el que se dará paso a una universidad
de verano original para los alumnos de las escuelas de circo en
formación profesional.
Pirineos de Circo prepara el terreno para nuevas colabora-
ciones para las artes circenses en el espacio transfronterizo
y más allá. Una de ellas es el proyecto Autopistes: Circus dis-
semination (2013-2015) financiado por el programa cultural
de la Unión donde reúne a La Granerie, el Institut Ramon Llull
de Catalunya y Suptopia en Estocolmo además de La Tohu de
Montreal con idea de reforzar las redes de difusión en estas
capitales para el circo.
Circo
sin fronteras

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56
julio
agosto
m i s c e l á n e a
Bajo el lema ‘31 años en el alambre’ se presenta la última
edición de la Feria de Teatro en el Sur que una vez más
tendrá lugar en Palma del Río, con la participación de un
total de 29 compañías de teatro de calle, circo, cabaret,
flamenco, danza y teatro de sala más vanguardista del 1 al
4 de julio. Las compañías andaluzas siguen apostando por
la Feria para presentar sus producciones, es el caso de La
calabaza teatro y El artefacto, Compañía Maravillas y
Sub, el mundo de los ocultos, Dos lunas teatro y La
niña que riega las albahacas, Mago Migue y M, Esce-
noteca y Los viajes de Guilliver, Teatro del Velador y
Natta, o La Phármaco y La voz de nunca entre otros.
El programa se completa con actividades paralelas que in-
cluyen, entre otras, las Jornadas Internacionales de Artes
Escénicas o las exposiciones ‘Andalucía viste su escena’ y
otra con los carteles de la compañía Los Ulen.
Feria en Palma del Río
La localidad lusa de Almada, situada en la margen sur
del río Tajo, pegada a Lisboa, acogerá nada menos que
la XXXI edición del Festival de Teatro, una de las grandes
citas de la escena portuguesa, que este se desarrollará
entre el 4 y 18 de julio. El teatro argentino más contem-
poráneo, presentado de la mano de seis jóvenes creado-
res, será uno de los principales atractivos de este año.
Ignacio de Santis, Sergio Calvo, Bernardo Cappa, Nacho
Ciatti y Jorge Eiró mostrarán por primera vez sus espec-
táculos acompañados por Romina Paula, quien cuenta ya
con experiencia en los escenarios europeos. Pero la cita en
su conjunto reunirá cerca de una treintena de piezas de
compañías de Alemania, Croacia, España, Francia, Italia,
Portugal y Reino Unido. Coloquios, conciertos, sesiones de
cine y exposiciones completan la programación.
Festival de Teatro Almada
Desde el pasado 27 de junio y hasta el 6 de julio se llevará
a cabo la XXXI edición de la Mostra Internacional de Teatro
Cómico y Festivo de Cangas de Morrazo, cita anual que
propone una programación con propuestas de sala en el
Auditorio y en espacios alternativos, así como en la calle, al
tiempo que actividades paralelas que incluyen talleres de
interpretación actoral tales como el impartido por Andrés
Lima, la exposición ‘Acordaros de nosotras’ o las diversas
entregas de premios. En julio, dentro de las propuestas
previstas en el Auditorio se podrá disfrutar de O ocrocho
de Ningures Producción el día 2, el 3 se dará paso a
Tempestad de Barco pirata y el 4 a One hit wonders
de la Compañía de Danza Sol Picó. El 5 Companhía do
Chapitô escenificará su adaptación del texto de Shakes-
peare Macbeth y Chévere clausurará el programa el día 6
con Ultranoite no pais dos ananos.
Mostra Cangas de Morrazo
Fringe14 tendrá lugar del 4 al 27 de julio en las instalacio-
nes de Matadero de Madrid. La tercera edicición de este
festival, que busca ser escaparate de lo más arriesgado
que se está creando en el panorama escénico, ha recibido
más de 500 propuestas de 32 países diferentes de las que
se han seleccionado 60, una programación en la que ade-
más de las puestas en escena de la programación oficial
tienen cabida actividades paralelas y gratuitas como varios
talleres y charlas, Fringe Palabra (ciclo dedicado a la pala-
bra en sus diferentes formas), la emisión de audiovisuales,
conciertos y espectáculos para los más pequeños en Fringe
Kids. Esta edición refuerza además su interés por la crea-
ción dramatúrgica motivo por el que durante el festival ac-
tores, directores y dramaturgos crearán piezas en diversos
talleres y algunas de ellas se representarán junto al resto
de la programación.
Fringe14 de Madrid

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58
julio
agosto
C
omo es habitual durante las fiestas
patronales son los espectáculos de
humor o musicales o ambos a la vez
los que protagonizan las programa-
ciones teatrales. Como muestra de ello es
The Hole que durante los meses de julio
y agosto se podrá ver durante las fiestas
de San Fermín (del 2 al 13 de julio) en el
Teatro Gayarre de Pamplona, del 16 al 20
de julio viaja a Donostia, al Teatro Victoria
Eugenia para trasladarse del 30 de julio al
2 de agosto al Teatro Principal de Vitoria-
Gasteiz y llegar a Bilbao, al Teatro Arriaga
como plato fuerte de la Aste Nagusia del 14
de agosto al 6 de septiembre.
“Un show fresco y descarado, mezcla de
cabaret, teatro, burlesque, circo, música y
humor, en un tono divertido, canalla, provo-
cador y muy sensual. Una experiencia inigua-
lable,unagranfiestaquepondrápatasarriba
las noches de más de una ciudad, subiendo
la temperatura y el ánimo a sus espectado-
res”. Así presentan Yllana, Lets Go y el actor
Paco León impulsores de este espectáculo,
The Hole en el que la música impregna el
ambiente mientras se van sucediendo suge-
rentes stripteases, números circenses y una
historia de amor dinamizada por un peculiar
maestro de ceremonias encargado a su vez
de organizar toda esta fiesta en su mansión,
a la que acudirán sus invitados que serán
agasajados por la Madame, los mayordomos
y el personal de servicio. Todo ello con un
objetivo: hacer pública su relación amorosa
que... es poco convencional.
El maestro de ceremonias, la Generala
Madame, Pony Loco, María del Mar, Las
supernenas, los mayordomos, Almon, y
los camareros son los personajes que irán
desfilando sobre el escenario junto con
los artistas invitados, que varían según la
ocasión para ofrecer una velada en la que
disfrutar con un show total.
Pero la escena bilbaína ofrece también
otras propuestas para el público a partir
de mediados de agosto, en torno a la Aste
Nagusia. En auditorio Euskalduna se po-
drán ver espectáculos como Confesiones de
mujeres de 30, una comedia protagonizada
por Mónica Pérez, Meritxell Huertas y Ota
Valdés compuesta por monólogos de hu-
mor hormonales políticamente incorrectos
basados en el texto del brasileño Domingos
Oliveira. Carlos Hipólito y Luis Merlo por su
parte protagonizan El crédito, obra de Jordi
Galcerán dirigida por Gerardo Vera y pro-
ducida por Trasgo Producciones, que narra
la historia de un encargado de una oficina
bancaria y un cliente que acude a solicitar
un crédito. Txalo Producciones presenta Al
final de la carretera una comedia amarga
de Willy Russel (autor de ‘Shirley Valentine’
o ‘Educando a Rita’) protagonizada por
Melanie Olivares, Marina San José, Manu
Baqueiro y Raúl Peña. Disparate y sentido
El humor toma protagonismo
en escena durante las fiestas
The Hole ©Pedro Gato

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59
julio
agosto
común en una historia de un
hombre que cumple 40 años
y... su mundo se desmorona.
La programación del audito-
rio Euskalduna se completa
con el musical Los Miserables
y la zarzuela Los Gavilanes.
El Teatro Campos Elíseos
también ha preparado una
programación para el mes
de agosto que dará comienzo
el día 14 con el show By the
way de Goyo Jiménez monó-
logos de humor con un único
objetivo: hacer reír al público.
Le seguirá la presentación de
una comedia de Miguel Mihu-
ra, Maribel y la extraña familia bajo la di-
rección de Gerardo Vera y Misión Florimón
de Sacha Danino y Sebastien Azzopardi que
dirigida por Yllana cuenta la historia de el
Rey Carlos 2 “El Hechizado” que necesita
un heredero para asegurar su dinastía...
pero solo le queda una esperanza, Flori-
món, el mejor de sus agentes o por lo me-
nos el único que le queda.
Barakaldo y Santurtzi
Localidades cercanas como Barakaldo y
Santurtzi también celebran sus fiestas patro-
nales, en ambos casos a mediados de julio y
ofrecen una programación en la que la co-
media vuelve a ser la principal protagonista.
El plato fuerte del Teatro Barakaldo es
Taintantos, un espectáculo unipersonal es-
crito por Olga Iglesias y dirigido por Coté
Soler en el que se aborda la lucha constante
en nuestra sociedad contra el paso del tiem-
po, el deseo de controlarlo de que pase más
rápido, más despacio o incluso se detenga.
La obra, una coproducción encabezada por
el Teatro Lara, está interpretada por Nuria
González que da vida a una mujer de me-
diana edad, una bloguera de éxito y madre
en estado de estrés y nerviosismo casi
permanente. Y es que Susana ha cumplido
“taintantos” años y se da cuenta que se está
haciendo mayor. Le acaba de dejar su novio
y se da cuenta que le está pasando lo que
ha criticado durante toda su vida ya que ha
llegado el momento de enfrentarse a im-
portantes preguntas como ¿Quién soy?, ¿a
dónde voy? o ¿quién es esa señora que me
mira desde el espejo? Una comedia divertida
y ácida por momentos en la que se cuestio-
na el hecho de vivir agradando a los demás
sin, en realidad, quererse a si misma. Otra
de las propuestas con las que disfrutar en
Barakaldo es La gran ilusión, un espectáculo
de ilusionismo poco convencional para todos
los públicos de la Cía. Antonio Díaz.
juegos de manos originales y jamás
vistos serán el pretexto para contar
una historia que viaja en el tiempo en
la que no faltarán magia visual, gran-
des ilusiones, magia de cerca y la te-
letransportación. Además el Orfeón
Baracaldés presentará la conocida
zarzuela Katiuska con dirección escé-
nica de Eduardo Domíguez y musical
de Mónica González.
En Santurtzi por su parte y en
torno a la festividad de el Carmen se
han previsto espectáculos tanto de
calle como de sala. En Serantes Kul-
tur Aretoa Metatarso Producciones
presenta Las amistades peligrosas
la conocida obra escrita por Pierre Cho-
derlos de Lacios y que fue llevada al cine
con gran éxito sube a los escenarios en una
versión de Javier L. Patiño y Dario Facal con
dirección del propio Facal y con Carmen Co-
nesa, Cristóbal Suárez e Iria del Río como
principales protagonistas. Una historia de
seducción y sexo, manipulación, conspira-
ciones y crueldad.
El Rey del Merengue por su parte es una
ópera rock de Teatro Encrucijada en el que
la protagonista es la parte más oscura el ser
humano. Una tragicomedia en la que los pro-
tagonistas irán mostrando sus debilidades y
miserias sin pudor alguno en un ambiente
descarnado y lleno de misterio aderezada
con una trama policial con 16 actores sobre
el escenario y música en directo. Las calles
de Santurtzi serán también escenario de las
obras Potted de Cía. La Trocola Circo y En-
tredós de Cía Capicúa. Circo y buen humor
para todos los viandantes.
Las amistades peligrosas de Metatarso Producciones ©Ana Himes

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60
julio
agosto
V
arios éxitos de la temporada teatral
estatal se concentran en la progra-
mación veraniega de Donostia. En
el Teatro Victoria Eugenia se podrá
disfrutar de espectáculos como The Hole
(del que se informa en páginas preceden-
tes) o La importancia de llamarse Ernesto
de Oscar Wilde en una producción de la Fun-
dación Teatro Gayarre. Dirigida por Alfredo
Sanzol, que también se ha encargado de la
adaptación del texto, la obra se presenta
en una atmósfera divertida y catastrófica
en la que queda patente el fino humor de
Wilde con el que parodia las normas y la
moral de la época.
¿Qué pensarían Beethoven, Mozart o
Rossini si escucharan a Queen, The Beat-
les o a Iron Maiden? ¿Qué pensarían los
compositores barrocos si tuvieran la opor-
tunidad de hacercarse al mundo del rock?
Barrockeros responde a estas preguntas
presentándose como “una premonición
musical”, un espectáculo musical que funde
el rock con la música clásica y barroca. El
monologuista y cómico Goyo Jiménez pon-
drá en escena En verdad os digo yo, un es-
pectáculo mordaz y con grandes dosis de
humor que ofrecerá al público una visión de
la realidad y de como nos engañan cons-
tantemente de forma muy personal.
Tras ser estrenada en el Teatro Arriaga
el pasado otoño y haber recorrido los tea-
tros de muchas ciudades, llega a Donostia
El crédito, una comedia escrita por Jordi
Galcerán y producida por Trasgo Produc-
ciones en la que sus dos protagonistas,
encarnados por Carlos Hipólito y Luis Mer-
lo, se enfrentan a un duelo interpretativo
con una historia de candente actualidad: la
crisis económica, la necesidad de créditos
bancarios y la dificultad de conseguirlos.
Dos son también los protagonistas princi-
pales de El estanque dorado, interpretados
por dos grandes de la escena teatral: Lola
Herrera y Héctor Alterio bajo la dirección de
Magüi Mira y producción de Pentación. Una
obra que habla de la edad, el amor, la so-
ledad o la risa desde la perspectiva de dos
personas de avanzada edad. Una valiosa
reflexión sobre lo difícil que es conseguir
relaciones positivas. Y el amor es el nexo
de unión con el espectáculo Hoy: el diario
de Adán y Eva. El Cuervo en Milán y Penta-
ción Producciones han llevado a escena la
versión de ‘El diario de Adán y Eva’ de Mark
Twain en versión de Blanca Oteyza, Miguel
Ángel Solá y Manuel González que sube a
los escenarios protagonizada por Ana Milán
y Fernando Guillén Cuervo bajo la dirección
del propio Solá. La historia transcurre en
dos estudios de radio a los que separa una
cincuentena de años, diferentes agobios y
esperanzas pero un único dilema: el amor.
Con un gran éxito de público y crítica se
presenta ante el público donostiarra El in-
térprete de Factoría Madre Constriktor. Al
frente Asier Etxeandia, que ofrece un viaje
musical interpretado en directo de can-
ciones de músicos que han marcado una
Comedias para disfrutar de un
marco incomparable
ElTeatroVictoria Eugenia y elTeatro Principal de Donostia acogen
producciones de éxito entre las que destacan las comedias
La importancia de llamarse Ernesto de Fundación Teatro Gayarre

14
61
julio
agosto
época como Lucho Gatica, Chavela Vargas,
David Bowie, Rolling Stone...
Además en el denominado Victoria Euge-
nia Club se podrá disfrutar de los uniper-
sonales Oroitza-Penak y Futbolisto baten
konfidentziak de los conocidos intérpretes
vascos Joseba Usabiaga y Zuhaitz Gurru-
txaga y de Nick Maritxu, Nick Bartolo con
Ylenia Baglietto y Ugaitz Alegria.
Teatro Principal
También llamado Antzoki Zaharra será
el lugar en el que se podrán en escena
espectáculos en los que el humor es el
principal protagonista. Es el caso de En-
frentados, una comedia protagonizada
por el veterano Arturo Fernández que da
vida al Padre José María, un sacerdote de
gran carisma y buen talante que se verá
en más de un aprieto con la llegada de un
joven, apasionado y rebelde seminarista.
Enrique San Francisco, Denny Horror y
Javier Navares protagonizan Pasen y Be-
ban, adaptación de la comedia ‘Thinking
drinkers’ que produce Santiago Segura.
Una divertida reflexión sobre la influencia
del alcohol en la historia, la literatura, el
arte, el amor... y la vida.
Y gamberra es también Una boda feliz,
en la que Roberto, un soltero empedernido
que se enfrenta a una difícil situación: para
recibir una jugosa herencia de una tía lejana
debe casarse en el plazo de un año... por lo
que decide dar el paso y concertar un ma-
trimonio de conveniencia con su gran ami-
go Lolo. Agustín Jiménez y Txabi Franquesa
son los protagonistas de esta comedia que
se convertirá en una gran pesadilla.
Completa la programación escénica de
los meses de julio y agosto de Donostia la
versión en euskara de una obra de Juan
Carlos Rubio, 100m. Karratu. Ramon Agi-
rre, Iñake Irastorza y Ana Elordi dan vida
a los tres protagonistas de esta comedia.
Y es que Sara por fin ha encontrado la
casa que lleva tanto tiempo buscando. Ha
decidido comprarla pero en el contrato
hay una cláusula especial: su dueña, de
65 años de edad, vivirá en ella hasta su
fallecimiento. Una comedia llena de hu-
mor, situaciones divertidas, emoción y
amistad.
Barrockeros ©Luis Malibran

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63
julio
agosto
T
ras su paso prácticamente por to-
dos los festivales de teatro clásico
del panorama estatal Morfeo Teatro
rematará el verano con una estan-
cia durante algo más de un mes, desde el
26 de julio y hasta el 31 de agosto, en el
Teatro Nuevo Apolo de Madrid para repre-
sentar su último montaje La escuela de los
vicios, estrenado a primeros de este mismo
año. La propuesta está basada en las ‘Sáti-
ras y Discursos políticos’ del genio del Siglo
de Oro Francisco de Quevedo, escritos que
en su momento lograron gran éxito, pro-
vocando diversas polémicas, entre las que
no faltaron acusaciones de obra subversi-
va. Los propios integrantes de la compa-
ñía destacan que “cuatro siglos después no
hemos cambiado tanto. A él le llevaron a
la cárcel por sus escritos... a nosotros, a
hacer un espectáculo”.
Tres personajes protagonizan esta ácida
y mordaz comedia con tintes sardónicos,
que presenta a un extravagante diablo
cojuelo esperando a dos necios a los que
cautivar con su “escuela de los vicios”, la
única en la que los alumnos cobran por
aprender. Las titulaciones serán: bachiller
en mentir, licenciado en engañar, doctor
en robar y catedrático en medrar. Los dos
necios se meten de lleno en el aprendizaje
por el generoso acuerdo propuesto, con-
siguiendo excelentes resultados, y mucho
más allá de sus expectativas lograrán ser
nombrados ministro y magistrado respec-
tivamente, aunque el diablo tiene una últi-
ma y sorprendente enseñaza...
Teatro Morfeo en el Nuevo
Apolo de Madrid

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66
julio
agosto
Luz negraJosu Montero
Lecturas para el verano
o que me propongo hacer aquí, es proponerles una serie
de libros con que disfrutar este veranito.
“Niebla” y “Platero y yo”. Se cumple un siglo de la publi-
cación de estos dos libros señeros. Del primero os animo
a leer al menos esas páginas casi finales tan conocidas pero tan
poco frecuentadas en las que el protagonista, Augusto Pérez, acu-
de al domicilio de su creador, Don Miguel de Unamuno, buscando
respuestas, pidiendo explicaciones por el fracaso de su existencia
(ficticia). Del libro del burrito suave y peludo de Juan Ramón os reto
a leer esos poemas en prosa intentando que su lirismo un tanto
excesivo no tape la crítica a las instituciones establecidas, al borre-
guismo popular y a los desmanes de la industria en la tierra y en
las gentes. De la dramática muerte de Antonio Machado se cumplen
75 años; más allá de su siempre poderosa poesía, os invito a echar
un vistazo a su teatro, escrito al alimón con su franquista hermano
Manuel: “La Lola se va a los puertos” o “La Duquesa de Benamejí”,
con un encanto un tanto kitsch; o las más serias “Las adelfas” o “El
hombre que murió en la guerra”.
En 1904, hace 110 redondos años, murió Antón Chejov. No hace
falta, espero, animar a nadie a leer su escueta producción teatral o
sus magistrales relatos; os voy a animar, eso sí, a leer un relato de
otro autor de cuyo nacimiento se cumplen 75 años, me refiero a Ra-
ymond Carver, uno de cuyos últimos y mejores cuentos narra con ex-
quisita delicadeza las últimas horas de la vida de Chejov. “Tres rosas
amarillas” es un relato de belleza sutil, lleno de detalles luminosos.
También en 1904 publicó otro dramaturgo la que es seguramente
su mejor novela: “El difunto Matías Pascual”, de Luigi Pirandello; la
historia de un hombre, un triste bibliotecario, privado de identidad,
que intenta volverse a construir desde cero, el muy iluso. También os
recomiendo los tres tomazos de su obra cumbre narrativa: “Cuentos
para un año”; intentó escribir 365, pero la muerte se lo impidió. El
siciliano, proteico y multiforme, en estado puro. Hace también un
siglo que Joyce publicó “Dublineses”, un libro de relatos que se cie-
rra con el inolvidable y conmovedor “Los muertos”: háganme caso,
léanlo. Jhon Huston dedicó sus últimos días de vida a convertir este
cuento en un pedazo de película.
“No tengo dinero ni recursos ni esperanzas. Soy el hombre más feliz
del mundo. Hace un año pensaba que era un artista. Ya no lo pienso,
lo soy. Esto no es un libro. Es un libelo, una calumnia, una difamación,
un insulto prolongado. Voy a cantar para vosotros; desentonando un
poco tal vez, pero voy a cantar”. En 1934, hace 80 años, Henry Miller
publicó “Trópico de Cáncer”; más allá de los asuntos del sexo, es una
novela plena de energía verbal y vital. A no perdérsela.
Joseph Roth murió en 1939, hace 75 años; doblemente apátrida,
exiliado de casi todo, salvo del alcohol y de la literatura, vagabun-
do terminal en aquel París de preguerra, aferrado a una mesa del
Café Tournon, escribió esa miniatura maestra que es “La leyenda del
santo bebedor”, y que Ermano Olmi llevó al cine con fortuna. “Érase
una vez una patria, una patria verdadera, a saber: una patria para
los apátridas, la única patria posible”. Brindemos por él. Os propon-
go ahora un reto difícil pero absolutamente gozoso. El mexicano Oc-
tavio Paz vino al mundo hace exactamente un siglo; más allá de sus
brillantes y audaces ensayos, Paz es ante todo poeta: os invito a leer
los 584 endecasílabos de uno de sus poemas más luminosos. “Pie-
dra de sol” es el poema total, en busca de una plenitud existencial
que atraviesa también las oscuridades; un desafío al lenguaje y a la
razón porque sólo la poesía puede decir lo esencial: vislumbrar en el
cambio la identidad. Y os propongo completar este viaje de Paz con
el de otro poeta; se cumplen 70 años de la publicación de la obra
cumbre de T.S.Eliot, “Cuatro Cuartetos”: “The Dry Salvages”, “Burnt
Norton”, “East Coker” y “Little Gidding”; otro fascinante intento de
atravesar y anular el tiempo.
Volvemos a USA. Hace 75 años escandalizó Steinbeck a sus com-
patriotas al publicar ese tremendo alegato contra el capitalismo más
explotador y abyecto, “Las uvas de la ira”, la gran novela sobre
aquella otra Gran Depresión; en su condado californiano natal pro-
hibieron y quemaron la novela. John Ford la llevó al cine, y hace nada
Miguel del Arco triunfó con su versión teatral de otra novela del
americano: “De ratones y hombres”. “Al principio escribir fue muy
divertido. Dejó de serlo cuando descubrí la diferencia entre hacerlo
bien y mal; luego hice otro descubrimiento más alarmante todavía:
la diferencia entre escribir bien y el arte verdadero; es sutil, pero
brutal”. Esto lo escribe Truman Capote, tan soberbio –en los dos
sentidos del término- como genial. Capote nació hace 90 redondos
años y murió hace justo 30. Lo escribe en el prólogo de un libro
más que recomendable, una de las obras fundacionales del Nuevo
Periodismo: “Música para camaleones”.
En un accidente de tráfico cerca de Gasteiz falleció en 1964, hace
50 años, uno de los grandes transformadores de la narrativa espa-
ñola del siglo XX, Luis Martín Santos. Donostiarra de adopción y re-
sidencia, a este médico psiquiatra le bastó una novela, ese rupturis-
ta ejercicio de lujuria verbal y narrativa que es “Tiempo de silencio”.
Un viaje rápido a Latinoamérica. Cortazar nació hace justo un siglo y
murió hace 30 años. Leer a Julio es una fiesta de las palabras y de
la imaginación. Les animo a hojear al menos alguna de esas obras
audaces en las que llevó a la práctica eso de la crisis de los géneros:
“La vuelta al día en 80 mundos”, “Último round” o “Los autonautas
de la cosmopista”. Y uno sólo de sus relatos, no uno de los más co-
nocidos, un prodigio titulado “La isla a mediodía”. Búsquenlo. Onetti
murió en su legendaria cama hace 20 años; esa cama en la que casi
sin abandonarla pasó sus últimos años. Leyendo, bebiendo y fuman-
do. En su humilde piso de la Avenida de América de Madrid. Exiliado
de todo y rodeado de un mundo hostil, en medio del deterioro; como
tantos de sus personajes, el Brausen de esa joya titulada “La vida
breve”, un fascinante y terrible juego de espejos, historias dentro
de historias, personajes creados por otros personajes: al borde del
abismo sólo nos salva buscarnos en el hondo y oscuro pozo de
la creación. No se pierdan tampoco relatos como: “El infierno tan
temido” o “Tan triste como ella” o “Justo el treintaiuno”.
A esta poliédrica y aleatoria lista de libros para el asueto veraniego
podría sumársele según gustos: “La insoportable levedad del ser”, de
Kundera, que cumple 30 años; “Buenos días, tristeza”, de la Sagan,
que cumple 60; “El sueño eterno”, de Chandler, 75; “La montaña
mágica”, de Mann, 90 años. O cualquier obra de genios como Kafka,
fallecido hace 90 años; o Marguerite Duras, nacida hace un siglo. Que
les aproveche.
L

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julio
agosto
Vivir para contarlo Virginia Imaz
La bertsolaritza en la Maratón
de Cuentos de Guadalajara
l Maratón de los Cuentos de Guadalajara 2014 cerró su
vigésimo tercera edición el pasado 15 de junio con un ba-
lance más que satisfactorio en afluencia de público. Durante
46 horas ininterrumpidas, miles de personas escuchamos
cuentos. En esta edición se han contado casi 800 historias y alrededor
de 1.300 personas, entre profesionales y aficionados, hemos pasa-
do por el escenario del Palacio del Infantado para contar un cuento.
Como en ocasiones anteriores la presencia internacional fue un verda-
dero lujo: Brasil, (Contacausos), Chile (Sandra Burmeister), Alemania
(Mónica Klose), Reino Unido (Simón Talbot) e incluso una española
afincada en Finlandia (María Seerano) llenaron el viernes en el ciclo
«Narradores Inauditos» junto con nuestros Inés Bengoa, Ppepepérez,
M. Ángel Montilla o Teresa Arnedo. El sábado durante el Festival de
Narración Oral, se escogieron cuatro apuestas muy diferentes entre
sí. El catalán Ignasi Potrony, en su faceta de artista interdisciplinar
(teatro, títeres, coordinador de actividades culturales, ciclos de na-
rración, entre otros), presentó en Guadalajara el espectáculo ‘Así fue’,
donde recopila relatos de la tradición oral. Por su parte, el franco-cos-
tamarfileño Adama Adepoju, presentó su espectáculo ‘H2O Palabras
de Agua’ lleno de vitalidad y alegría. Bajo el apodo de ‘Taxi-Conteur’
(contador de taxi), recitó, bailó y cantó en francés, traducido al caste-
llano por el narrador Carles García. La conmovedora Michèle Nguyen
nos presentó su espectáculo ‘Vy’ donde abriendo el gran libro del
pasado “recordó” ficcionalizada sin duda, pero con una honestidad
emocional más allá de las palabras, una infancia arrullada por la feroz
presencia de su abuela. Y para acabar, el rapero Chojin puso el cierre
al XVIII Festival Internacional de Narración Oral rapeando a propósito
de la historia de esta peculiar forma de repentizar en verso.
Mientras, el maratón de cuentos continuaba en el Palacio del Infanta-
do y se sucedían los maratones paralelos, como el de fotografía, gracias
a la Agrupación Fotográfica de Guadalajara; el radiofónico, con Radio
Arrebato emitiendo el Maratón de los Cuentos a todo el mundo o el
de la ilustración. Además de la muestra de cine con el ciclo de Reque-
tecortos ofrecida por el Fescigu. Y también la palabra viajera, cuando
los cuentos salen de su Palacio y van a hospitales, residencias… etc.
El fin de semana del maratón cerró además el maratón viajero donde
cuenteras y narradores como Eugenia Manzanera, Légolas, Carlos Alba,
AnaGarcíaCastellano,MercedesCarrión,AliciaMerino,PabloAlbo,Charo
Jaular, Emma López o la Compañía del Saco fueron a contar cuentos a
13 pueblos de la provincia de Guadalajara. Y más, todavía hay más,
los Monucuentos o dícese de algunos monumentos de la ciudad, que
se convirtieron una vez más, en lugares encuentados. Charo Jaular, La
Caperuza Roja, A. Hurtado. La Perla, Patty Yerovi, Aurora Maroto o Joxe
Mari Carrere contaron en palacios, capillas y criptas. Y mientras espec-
táculos en la calle para chicos y grandes: música, pasacalles, libros, ar-
tesanía, talleres, magia… Y la Chimenea de los cuentos en los jardines
del Palacio, para espontáneos.
Este año, el tema era el agua y la organización del Maratón desta-
caba cuánto se parecen los cuentos y el agua. Ambos han fluido y flu-
yen desde las raíces de la Tierra y desde el comienzo de los tiempos. Y
los cuentos, como el agua, muestran muy diferentes formas según los
lugares en los que se cuentan aunque esencialmente apelen en todos
los rincones del Planeta a la misma necesidad que tenemos los seres
humanos de contarnos al mundo y de contarnos el mundo. Tanto el
agua como los cuentos están siempre cambiando, así que de la misma
manera que Heráclito decía que nunca te puedes bañar dos veces en
el mismo río, tampoco puedes volver a escuchar el mismo cuento dos
veces. La segunda vez que escuchamos el cuento o el propio cuento
ha cambiado o nuestra percepción lo ha hecho. Escuchar el cuento la
primera vez ya nos ha cambiado.
Especialmente hermosa y conmovedora, ligada con el tema de este
Maratón fue la exposición Cuaderno de Olas: caracolas y palabras de
la extraordinaria narradora Estrella Ortiz. Se trata de una colección de
poemas visuales donde cada pieza guarda el rumor del poema que
le ha servido de inspiración. La exposición estaba acompañada de
forma intermitente por una “pieza oral”: la narración en directo de las
historias y poemas por parte de la autora.
Para mí lo que pasa en Guadalajara durante el Maratón de cuentos
siempre tiene algo del orden de lo “milagroso”, de lo paranormal.
La maravilla se sucede, se desarrolla, se multiplica… y a veces me
parece que me voy a desmayar ante tanta belleza. Una intensidad
poética tan alta y mantenida durante tanto rato me agita, me agota y
al mismo tiempo me carga la pila. Como lo que ocurrió en la sección
de conferencias, un espacio teórico para activar la reflexión en torno
a la narración oral. El sábado 14 Blanca Calvo presentó la película do-
cumental Bertsolari de Asier Altuna. Yo ya la había visto, pero me emo-
cioné hasta las lágrimas en varias ocasiones, especialmente por estar
viéndola en el contexto de … ¡el Maratón de cuentos de Guadalajara!
En mi opinión, este encuentro entre diferentes actividades emblemáti-
cas de la oralidad fue histórico. El desconocimiento sobre el hacer de
los y las bertsolaris es muy generalizado y claro, mucho más fuera de
Euskal Herria, y sin embargo, narradores y cuenteras compartimos
con la bertsolaritza el objetivo de emocionar tan solo con palabras y
silencios. Miren Amuriza intervino en el coloquio posterior y también
en el Palacio del Infantado realizando una pequeña muestra de re-
pentización bertsolarística, traducida por Jose Mari Carrere. Estuvo
regia. Fue uno de los momentos más emocionantes de este Maratón,
cuando menos para mí. En los silencios antes de lanzar cada bertso,
podía sentir el aliento del auditorio tan conmovido e impactado como
yo misma, la piel de gallina, la mirada encendida y húmeda, la risa
preparada, el aplauso entusiasta… y el latido del corazón a punto de
salírseme del pecho. Mi corazón latía de orgullo y de intensa gratitud
por este reconocimiento a una práctica de oralidad tan ancestral como
desconocida. ¡Mil gracias Guadalajara!
E

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julio
agosto
Jorge Dubatti
Literatura transformada
en Teatro
E n esta temporada 2014 dos espectáculos teatrales de Bue-
nos Aires se apropian, de diversas y creativas maneras, de
textos literarios: El viaje de Hervé, de Bruno Luciani, es una
versión de la novela Seda de Alessandro Baricco; Café irlandés, de Eva
Halac, reelabora de forma muy original la novela Santa Evita de Tomás
Eloy Martínez y el cuento Esa mujer de Rodolfo Walsh.
No sería preciso ni justo caracterizar El viaje de Hervé como una
simple adaptación teatral de la novela Seda de Alessandro Baricco.
En realidad se trata de un espectáculo nuevo y original “a partir”
del texto del gran escritor italiano, cargado de diferencias. El viaje
de Hervé se vale de los recursos del teatro del relato, del teatro de
títeres y objetos y del teatro musical para contar a un puñado de
veinte espectadores, de otra manera, la historia de Hervé Joncour,
Baldabiou, Madame Blanche y “el camino de la seda” desde el pe-
queño pueblo francés de Lavilledieu. El teatro no es mero soporte o
vehículo de la literatura: es un fin en sí mismo.
Entonces El viaje de Hervé no es ni una puesta en escena ni una
ilustración del texto de Baricco; es una inteligente ampliación, mul-
tiplicación y redimensionalización de su universo en direcciones in-
éditas, que lo hacen ciertamente insoslayable. No alcanza con leer
la novela: hay que ver El viaje de Hervé e intervenir en la singular
zona de experiencia que funda como acontecimiento teatral. El gru-
po Ladrones de Quinotos -integrado por el director Bruno Luciani,
la actriz Rita González, el actor-titiritero Gerardo Porión y el músi-
co Maximiliano Cánepa, junto al equipo creativo de Valeria Narváez
(coreografía), Mariano Pirato Mazza (música original), Isabel Gual
(vestuario y escenografía), Luli Fliess (caracterización) y Rocío Gó-
mez Cantero (asistencia de dirección)- propone un acontecimiento
teatral único en el que el espacio de Querida Elena, una antigua
casa del barrio de La Boca intervenida artísticamente por el plástico
Eduardo Spíndola, es otro gran protagonista.
La primera diferencia destacable es la forma teatro del relato, es
decir, el trabajo con la combinatoria de narración y escena, con una
vuelta de tuerca singular: quienes cuentan la historia de Hervé son
nada menos que los personajes de Baldabiou y Madame Blanche
(que en el texto de Baricco, según recordamos de la lectura de la
novela, no aparecen en contacto directo). Como si la novela Don
Quijote nos fuera contada teatralmente –por ejemplo- por el bachi-
ller Sansón Carrasco y Aldonza Lorenzo encarnados en personajes
teatrales.
La nueva estructura teatral genera en El viaje de Hervé un jue-
go textual y de planos imaginarios de gran potencia, por el que
el espectador puede desplegar especulativamente algunos interro-
gantes muy productivos para la ficción: ¿Baricco escuchó contar la
historia de Hervé a sus otros personajes?, ¿es El viaje de Hervé una
“continuación” o “segunda parte” de Seda con muchos elementos
implícitos, en la que Baldabiou y Madame Blanche se han relaciona-
do para homenajear a Hervé?, ¿han leído los personajes de Baricco
la novela de Baricco y, encarnados, cuentan como juglares la histo-
ria gestada por su creador? El viaje de Hervé es una contundente
constatación de que el espacio poético tiene la capacidad de multi-
plicarse infinitamente.
Cuando se ingresa al primer patio de Querida Elena, traspuestos
el zaguán y la boletería, se entra en Lavilledieu: desde el patio los
espectadores ya pueden ver en una habitación a Baldabiou, el mú-
sico y a Madame Blanche maquillándose y preparándose para la
actuación-narración. Otra vía sensorial, material, para el viaje a La-
villedieu es el delicioso vino especiado (raro “blend” en el que con-
fluyen muchos sabores naturales, elaborado por el mismo Luciani)
con el que se invita a los espectadores mientras esperan, bebida
que –luego lo sabremos- toman los habitantes de Lavilledieu (y que
asume en el teatro el lugar del Pernod de la novela de Baricco).
La segunda diferencia fundamental es la transformación de Hervé
en un títere de rostro neutro, manipulado por Porión (titiritero de
avezada técnica, integrante de otro gran espectáculo titiritesco, Soy
solito, y egresado de la Universidad Nacional de San Martín). El
diseño del títere y su manejo son tan logrados que aparece, pro-
digiosamente, sobre su rostro casi liso, la esperada “mirada” del
títere, la sensación de espiritualización de la materia inerte. Por otra
parte, es un gran acierto transformar a Hervé en títere y ponerlo a
interactuar con los actores, el músico y otros objetos, porque por
su naturaleza el títere propone una “desmaterialización” del cuerpo
orgánico del actor, es decir, contribuye con una mayor abstracción
del cuerpo del personaje, rasgo que afianza la dimensión poética
del viaje esencial del teatro. Animación de la materia muerta y des-
materialización del actor, procedimientos que fascinaron a Maeter-
linck y a Kantor, operan aquí plenamente. Ojalá Alessandro Baricco
pudiera viajar a Buenos Aires –o viajar la obra a Italia- para verlo.
Además Baldabiou saca a Hervé de una valija, hecho que alude al
trabajo trashumante del “teatro de valija”, como el de la misma
compañía Ladrones de Quinotos.
La música, compuesta por Pirato Mazza e interpretada por Cánepa,
aporta la tercera entre las principales diferencias de El viaje de Her-
vé con la novela. La música instala un espesor de acontecimiento
que no “acompaña” meramente las acciones, sino que las transpor-
ta al plano poético como si fuera una alfombra mágica. La música
del espectáculo está plenamente integrada a la estructura rítmica
de la obra, revela el carácter esencial del viaje de Hervé y contagia
a los espectadores, es una metáfora central del espectáculo, mundo
paralelo al mundo, en el sentido original de la palabra metáfora:
transporte, mudanza a otro plano de realidad. Contribuye a fundar
ese tiempo otro –propio de los buenos acontecimientos teatrales-
en el que el espectador siente que ingresa.
Finalmente, como cuarta diferencia, hay que valorar el espacio de

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Postales argentinas
14julio
agosto
Querida Elena, en el que el espectáculo se integra a la dimensión
doméstica de la vieja arquitectura apenas reciclada, el artificio del
arte de Spíndola y la naturaleza de las plantas del jardín (que de
pronto dejan caer sus hojas otoñales sobre la escena). A ese siste-
ma complejo y tan significativo se suma una “dramaturgia del azar”
que proviene del afuera (el barrio de La Boca): sirenas de ambu-
lancias y bocinazos que llegan de la avenida Patricios, el ladrido
de algún perro, la cumbia lejana de la radio de un vecino, que por
contraste revelan más aún la acción poética del espectáculo, sin
afectar la fortaleza de su tiempo propio. En suma, teatro de valor
excepcional, excelente por donde se lo mire.
Coherentemente con su planteo temático, la poética de Café irlandés,
de Eva Halac (en el Centro Cultural San Martín), propone un juego
de apariencias y realidad que atrapa al espectador con excelencia
teatral y narrativa, y lo sumerge (y deja) en un revelador estado de
reflexión. Porque tras su apariencia de “teatro histórico” (sobre el
episodio-fuente del secuestro del cadáver de Eva Perón, que detona
en 1961 la investigación periodística de los jóvenes Rodolfo Walsh y
Tomás Eloy Martínez, quienes más tarde escribirán sobre el hecho el
cuento “Esa mujer” y la novela Santa Evita), y tras su apariencia de
“policial negro” (pregnante combinación de la historia de un crimen
–político- con la historia de una investigación que busca, sin éxito,
desentrañar ese crimen poniendo en peligro a los investigadores),
Café irlandés es, en realidad, una obra filosófica. Pensamiento y
política van aquí de la mano, porque la preocupación central que
encarna Café irlandés radica en iluminar la tensión entre realidad
y ficción, entre historia y mito, entre verdad mentirosa y mentira
verdadera, como materias presentes en el espesor de nuestra exis-
tencia cotidiana y en la construcción de nuestras representaciones
sobre el pasado. Metáfora de un problema sistémico del presente
mundial, consecuencia del neoliberalismo: la realidad usurpada por
la mediaticidad, la sociedad transteatralizada, los comportamientos
humanos determinados por la consumición televisiva de la publici-
dad y los noticieros operadores de las corporaciones.
Café irlandés funciona como un observatorio del ser o no ser de la
realidad y de nuestras existencias. Hemos encontrado este mismo
eje temático, con variaciones, en otros muchos espectáculos del tea-
tro argentino actual: 4d óptico de Javier Daulte, Todo y Apátrida de
Rafael Spregelburd, Fauna de Romina Paula, Mi vida después y Me-
lancolía y manifestaciones de Lola Arias, Cineastas de Mariano Pen-
sotti, también son miradores ontológicos. Lo invariante evidencia
una preocupación recurrente y compartida, que ha transformado el
teatro en un lugar de revelación del espesor complejo del ser: un
teatro que problematiza y muestra la complejidad del acontecimien-
to de lo que llamamos “realidad”, amasada con rumores, creencias
y adhesiones irracionales, ficciones y mitos, lagunas y ocultamien-
tos, enorme desinformación, más cercana a la narración ficticia que
a la supuesta “verdad” empírica comprobable. Materia híbrida que
el buen periodismo desenmascara y que acaba coronándose en la
verdad de la literatura, en un cuento magistral de Walsh y en una
gran novela de Martínez. Parece que el teatro, y el arte en general,
cumplen hoy una función política de reconstitución y comprensión
de la realidad y nos relacionamos con el arte para confrontarlo con
la existencia cotidiana y construir a través de él el sentido que la
realidad mediatizada se empeña en disolver (Spregelburd dixit). Por
eso, creemos, hoy abundan además los espectáculos que, como
Café irlandés, tematizan las relaciones entre el arte y la vida, y en
particular la vida y las miradas de los artistas (escritores, músicos,
plásticos, cineastas, teatristas). Algunos casos en la cartelera ac-
tual: Amadeus (sobre Mozart y Salieri), 33 variaciones (sobre Bee-
thoven), Manzi, la vida en orsái (sobre el gran Homero), Red (sobre
Mark Rothko), Al final del arco iris (sobre Judy Garland), Noches ro-
manas (sobre Ana Magnani y Tennessee Williams), y muchos otros.
En Café irlandés, a decir verdad, los artistas convocados son tres:
la actriz Eva Perón (quien sin duda se valió de su dominio de la tea-
tralidad como magnífica herramienta para multiplicar la potencia de
su carrera política, tan breve como brillante, y para construir mito y
épica) y los jóvenes periodistas-narradores Walsh y Martínez, de 34
y 27 años. Ambos buscan información sobre el destino del cadáver
de Eva Perón para escribir una nota que esperan vender a buen
precio a Paris Match. Acierta Eva Halac al desolemnizar a Walsh y
Martínez, a quienes se muestra (especialmente al segundo) en la
franqueza e informalidad de su relación de amistad, sin eufemismos
y con rasgos “políticamente incorrectos”.
Averiguar quién tiene el cadáver de Eva y dónde está escondido de-
tona la observación del mencionado espesor complejo, las tensiones
entre realidad y ficción, entre posibilidad e imposibilidad de conocer,
entre datos certeros, falsos y carencia de información, entre acuer-
dos, presiones y violencia política. Así, la investigación se amasa entre
la verdad de la historia y la verdad de la ficción, entre la verificación
documental y la invención. “Te va a ir bien –le dice Walsh a Martínez
cuando sale a la busca de información-. Y si te va mal siempre te que-
da la novela”. La expresión “novela” adquiere aquí un valor múltiple:
proyecta hacia el futuro la escritura de Santa Evita; sintetiza el ejercicio
del “novelar”, es decir, de ejercitar una crónica ficcionalizante, de in-
vención fantasiosa. Justamente la década del sesenta se plantea como
el momento de afirmación productiva del borramiento de límites entre
periodismo y literatura, ya sea a través de la non-fiction (A sangre fría
de Truman Capote) o del “nuevo periodismo” (en Estados Unidos, a
lo Tom Wolfe y Gay Talese, y en la Argentina, a lo Walsh y a lo Jacobo
Timerman en Primera Plana). “Novelar” es, finalmente, lo que hace la
misma Eva Halac. Después de todo, su obra no es más, y nada menos
que eso: literatura, teatro.
La complejidad de la realidad llega a su ápice en una escena íntima
entre el coronel y su esposa, acaso la situación más misteriosa de
Café irlandés y que abre una línea de fuga potentísima: el coronel
le pide a su esposa que vuelva a representar a Eva. Momento de
síntesis de sentido, de multiplicación casi metafísica. Uno siente que
quien logre interpretar todo lo que hay en esa escena podrá aso-
marse a una comprensión de la Argentina.
Este “triunfo” final del arte sobre la realidad, esta capacidad del
arte de transformarse en enunciación metafísica de la realidad, no
podría sostenerse como tal sin los excelentes trabajos de los acto-
res Guillermo Pfening (Walsh), Michel Noher (Martínez), Guillermo
Aragonés (el Coronel) y María Ucedo (la esposa). De ese triunfo
habla también la magnífica (como siempre) escenografía de Micaela
Sleigh, que ubica la acción en una sala de cine estallada, con buta-
cas de hileras rotas, escenario y pantalla de proyección, que com-
ponen, subliminalmente, una gran máquina de escribir, con teclas
(las butacas), rodillo (el escenario elevado) y papel (la pantalla): la
máquina de Walsh y Martínez, la de Eva Halac. Café irlandés es un
trabajo inteligente que, como todo el mejor teatro, invita a pensar
grandes cuestiones acuciantes, más allá de la superficie de su relato
y sus personajes.

14
70
julio
agosto
Cronicón de Villán... y corteJavier Villán
Natalio Grueso deja el Español
por la novela
provechando que Natalio Grueso programó Novecento,
en el Español, quiero aprovechar este Cronicón para un
desagravio a M. Carmen Fuertes, indignada porque, en
mi crítica de El Mundo omití el nombre de Raúl Fuertes, director del
montaje. Un error involuntario, palabra. Reconocidos quedan aquí
sus méritos en la gran interpretación de Miguel Rellán. Mi crítica a
éste no es generosa, sino justa.
Natalio Grueso se va. Me dedica su novela Soledad y yo le dedi-
co mis últimos libros. “Pon ex director”, me dice. Escribo: “A Natalio
Grueso, una amistad reciente, ex director del Español; de Javier, ex de
todo”. Hace unos días presentó la programación hasta el próximo año.
Fue un acto de director póstumo. No estaba a gusto y tampoco las
autoridades municipales estaban a gusto con él. Sin embargo yo creo
que lo ha hecho bien; todo lo bien que puede hacerse en territorio
comanche asediado. Por lo que deduzco, la experiencia en el aspecto
personal también ha sido fecunda.
La mayor satisfacción del cesante, haber paralizado los instintos
liberales de privatización abrasiva. “No conmigo”, clamó en cierta
ocasión. Un escrito reciente de Natalio me llama la atención, me
intriga. Escribe que en el Español se inició la modernidad teatral
hace unos cuatrocientos años. Que es un orgullo sentirse heredero
de aquella modernidad y que ojalá los que vengan puedan decir lo
mismo. En este deseo es evidente que Natalio Grueso teme por el
futuro y que ese futuro es el que lo aleja del Teatro de la calle Prín-
cipe. Que se vaya plantea la duda de si la privatización va a hacerse
sin él, como respondió algún político a ese órdago.
La programación que, al parecer deja atada, puede discutirse, pero
el acierto o desacierto de un programa solo puede aquilatarse en el
escenario. Vargas Llosa, iniciativa suya hace dos años, como autor dra-
máticoeraysiguesiendodiscutible. Pero internacionaly municipalmente
es un acierto: una baza segura. El compromiso de programar toda su
obra teatral, apuntaló la autoridad de Natalio Grueso. ¿Quién iba a dis-
cutirle, y menos desde un gobierno del PP, la subida del Premio Nobel al
escenario? Ha acreditado una inusual capacidad de maniobra, apoyado
en la calidad de los montajes, de un riguroso eclecticismo. Si le exigen
mayor rentabilidad no lo sé; pero eso llevaría a otra línea programática.
Ignoro el balance económico de los años de Natalio Grueso, aun-
que supongo que no habrá sido más deficitario que anteriores man-
datos. Algunas de sus producciones se las han quedado después,
para su explotación empresarios que las maldecían como iniciativa
pública y las aprovechan como mercado privado. No está escrito que
el teatro público tenga que perder dinero, pero tampoco que haya
de ser manantial de ingresos, sino fuente de cultura. Yo diría que
es obligación suya llegar donde la iniciativa privada no quiere o no
puede llegar. A la iniciativa privada, con frecuencia, le gusta repicar y
estar en la procesión, meter cuchara en el caldo y en las tajadas. La
Administración es perversa salvo si ayuda los intereses privados.
Es preferible ayudar al teatro alternativo y emergente porque en
parte ahí está el futuro. La sala Pequeña del Español ha dado a
menudo acogida a espectáculos de pequeño formato que se inscri-
ben en las proximidades alternativas, pero dentro de la economía
institucional e industrial.
La Argentinita, noche mágica
El día 26 de mayo, nunca estará en los anales del teatro, mas
perdurará en la memoria de muchos aficionados como un suceso
prodigioso: la lectura dramatizada de La Argentinita, de Diana de
Paco Serrano y Javier Villán. Al ser parte interesada de la cuestión,
no debiera pronunciarme sobre el evento, pero no voy a hablar del
texto escrito en colaboración con Diana de Paco Serrano y publicado
por la editorial Artezblai.
La lectura dramatizada que dirigió Santiago Sánchez fue más
que una lectura. Fue un montaje nacido de la mente del director
de Imprebís al que semanas antes había sorprendido en el Café
Gijón con una propuesta insólita y un reparto aún más insólito: Luis
Francisco Esplá, Ignacio Sánchez Mejías; Enrique Ponce, Joselito el
Gallo; María Toledo, Encarnación López Júlvez; María Távora, Pilar
López Júlvez; Antorrín Heredia como Manuel Chacón y sombra de
Belmonte. Santiago Sánchez empezó a darle vueltas al asunto y, al
poco apareció un vídeo de David Bernués, el espacio escénico de
David Loaysa y actrices y actores, vitales como apuntalamiento al
entusiasta trabajo de toreros, doctores como Ángel Villamor, perio-
distas como Esther Alvarado: Isabel Prinz, José Manuel Seda, Isabel
Stofell... El María Guerrero puso el escenario y muchas cosas más;
el entramado de producción y burocracia corrió a cargo de Muro
Producciones; y el viático para tan azarosa travesía, a Beneficio, lo
puso Caixa Bank, Fundación Coca Cola, Hoteles Nh, Café de Gijón e
Instituto Castellano y Leonés de la Lengua. Reventó el patio de buta-
cas del María Guerrero y los bravos y los olés, quizá porque en es-
cena había dos maestros de la torería, sonaban como en las Ventas
o la Maestranza: Ponce y Esplá. La actuación de estas dos figuras
fue de Puerta Grande, licencia taurómaca que me permito pues esta
parte del artículo tiene más de crónica taurina que de reflexión tea-
tral. Santiago Sánchez se inventó una muerte de Encarnación López
Júlvez envuelta en el capote de Esplá y Ponce, Joselito el Gallo, con
intención, cantó una ranchera portentosa: Pero sigo siendo el rey.
La alusión iba, naturalmente, por Juan Belmonte, pero mucha gente,
conocedora del mundo de los toros, la entendió por otro lado y otro
nombre. Noche mágica en verdad en el María Guerrero, como esas
faenas que nacen del fondo de la tierra, levitan, sueñan y ascienden
hasta las nubes para derramarse luego por dehesas y tendidos:
memoria de la tauromaquia, memoria de los toros, memoria de una
mujer trágica: La Argentinita.
A

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71
julio
agosto
Piedra de sacrificio Jaime Chabaud
“Concibo al texto como una
partitura emocional.”
ugo Wirth Nava pertenece a la generación surgida en
principios de este siglo en la escena mexicana. Podría-
mos decir que es un escritor que no ha conquistado
con protagonismo sino con constancia y arduo trabajo
un espacio. Entre sus obras se encuentran: La fe de los cerdos,
El día de la intolerancia… y Constantina no estaba, Los ositos y
el misterio del culo, Virgencitas, Fisting, Despojos para un lunes,
Fotograma, Fragmentos de desastres personales, Tangram, Inter-
venciones, Precisiones para entender aquella tarde, entre otras.
Quizá su obra más representada es La fe de los cerdos que aborda
el tráfico de cocaína escondida en cadáveres de bebés, que fue una
noticia que le dio la vuelta al mundo. Por su texto Precisiones para
entender aquella tarde se hizo acreedor en 2013 del Premio Na-
cional de Dramaturgia UAM-UdeG-SCCM, que se llevará a escena en
noviembre próximo.
Jaime Chabaud: ¿Cuáles son los rasgos que definen a tu generación
dentro del teatro mexicano?
Hugo Wirth: La gran variedad de estilos y la solidez de sus voces.
Durante al menos diez años en los que he leído, visto puestas en
escena y convivido con dramaturgos y dramaturgas mexicanas, he
notado que todos tienen sus propias obsesiones, intereses y bús-
quedas. Y tal vez en algunos casos demasiadas pretensiones en
cuanto a buscar la “vanguardia”, pero creo que es parte de esta ne-
cesidad de buscar nuevas formas de acercarse a otros creadores y
a un público que cada vez se interesa más en el trabajo que realizan
los autores nacionales. También creo que hemos absorbido mucho
lo que nos han enseñado nuestros maestros y creo que eso nos
ha ayudado a entender muchas cosas que generaciones anteriores
tuvieron que buscar en la formación en el extranjero.
J.Ch.: ¿Qué diferencias ves entre los autores de tu generación?
H. W.: Todas. Y creo que eso es muy positivo. Y no me refiero a
sentirme diferente respecto a que me siento único y que lo que hago
nadie más lo hace. La diferencia radica en que cada dramaturgo tie-
ne un universo muy particular en su trabajo creativo. Técnicamente
podemos aplicar herramientas similares en cuanto a construcción
de personajes, estructuras, formas de configurar la ficción, incluso
podemos recurrir a los mismos temas porque nos interesan como
generación. Pero el tratamiento de cada una es muy distinto, se
enfoca de una forma particular y hay visiones más contundentes que
otras o más superficiales pero efectivas. También hay diferencias
en cuanto a cómo te involucras con el trabajo de los colegas. Me
identifico mucho con algunos autores de mi generación en cuanto a
cómo, para quién y para qué hacer teatro pero creo que cada uno
tiene sus propios intereses por los que escriben drama.
J.Ch.: Como escritor de teatro ¿qué crees que te define?
H. W.: Siempre he dicho que mi obsesión es jugar con las estructu-
ras y evito repetir fórmulas. Soy un autor difícil en cuanto a que mis
textos pueden no agradarle a muchos creadores o espectadores, no
estoy hecho para la fama y no me interesa. Así que desde el prin-
cipio he tratado de mantener una congruencia con mi forma de ver
el mundo, de explorar los rincones más oscuros en la conducta de
un personaje, de meter en problemas a los creadores, de inivtarlos
a tomar riesgos artísticos, de meterme en problemas a mí mismo,
reinventándome en cada texto y cuestionándome la forma en la que
se produce teatro. Me interesa captar la atención de un espectador
que tenga el criterio para ir a ver un teatro que no está hecho para
“entretener”. Creo que mi teatro se entiende (no es para iniciados,
tiene un lenguaje coloquial, no uso metáforas), pero no desde el
lado intelectual, sino en lo emocional.
J.Ch.: ¿Cuáles son las obsesiones estéticas que rondan tu teatro?
H. W.: Concibo al texto como una partitura emocional. Tal vez sue-
ne muy anticuado pero la construcción del personaje desde el texto
y la secuencia lógica de sus emociones relacionado con la estructura
del texto es algo en lo que siempre pienso cuando escribo un texto
dramático. Para mí sería complicadísimo escribir drama si no tuviera
como base esta estructura mental. Si esa partitura emocional es
bien entendida por el equipo creativo involucrado en la puesta en
escena, es difícil que el proyecto naufrague. En mis recientes incur-
siones a la dirección para mí es fundamental trabajar un proceso de
laboratorio antes de tener el texto de la obra. Trabajar con los acto-
res para encontrar puntos en común. Desde este punto de partida
me da la libertad de traicionarme a priori como autor y pensar más
en el discurso estético de la puesta en escena.
J.Ch.: ¿Cuáles son los procedimientos de la teatralidad contempo-
ránea que te interesan?
H.W.: Me interesa mucho el teatro que te confronta, el que crea un
universo particular en la ficción aunque la obra sea de lo más rea-
lista o tradicional. Me gusta mucho la capacidad que hay en algunos
creadores para entender la convención teatral y volverla atractiva
para el espectador contemporáneo. La simpleza, la capacidad de
síntesis, las imágenes poderosas y contundentes, el manejo de las
emociones en los actores cuando logran transmitir verdad. Y sobre
todo, la enorme satisfacción que da ver un espectáculo escénico en
el que el discurso estético sea homogéneo en el concepto de puesta
en escena. Aborrezco el teatro donde es evidente la pretensión por
ser transgresor, lo carente de emoción, las metáforas escénicas
que parecen adivinanzas, la palabra hueca, el afán complaciente, o
la necesidad de reconocimiento. Y creo que cada vez soy un espec-
tador más amargado.
J.Ch.: ¿Hacia dónde piensas que va la escena contemporánea?
H. W.: Creo que va en el camino de la búsqueda de opciones.
Se enfrenta a un espectador cada vez más apático, alienado, que
encuentra sus fugas en lo que comercialmente le ofrece lo digerible
e inmediato. El espectador contemporáneo es exigente en el sentido
de que debes mantenerlo interesado, con una mayor disposición
cada vez de arriesgarse a asistir al teatro por gusto, no por com-
promiso.
H

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72
julio
agosto
Noticias desde los fiordosVíctor Criado
En la tangente
a mujer aparenta unos 37 años, su rostro se muestra
desfigurado por la angustia. Más que hablar balbucea
con voz entrecortada, los ojos parecen querer salir de
sus huecos y explotar. La gente que repara en ella poco a poco co-
mienza a darse cuenta de que tiene intención de acabar con su vida.
Alarmado por lo que ve uno de ellos se pone en contacto con las auto-
ridades y una unidad del hospital psiquiátrico mas cercano se persona
en el lugar rápidamente y se hace cargo de la situación.
La vida continúa su curso normal, una anécdota que recordar para
los pocos testigos del suceso.
Sin embargo, días mas tarde aparece una noticia en los periódicos.
El director del hospital psiquiátrico que recibió la llamada denuncia
la falta de ética de una persona que, haciéndose pasar por enferma
mental, ha desperdiciado recursos públicos de modo premeditado.
Sucede que esa mujer de 37 años había escenificado un intento de
suicidio para conocer de primera mano y mas tarde denunciar el trato
que los pacientes mentales reciben por parte del sistema de salud
sueco. El abuso de poder, la absoluta impotencia y el degradante modo
de tratar a estas personas, quizás las más indefensas. No solo eso,
todo este experimento forma parte del proyecto artístico de fin de
carrera que esta mujer ha preparado para concluir sus estudios en la
“Konsthögskola” (Academia de arte).
Lo primero que pensé fue menuda tontería se le ha ocurrido a esa
“artista”, estaba cerca de comprender al director del hospital. Otros
pacientes habrá que necesiten el tiempo y presupuesto empleados en
“ayudar” a esa aparente desequilibrada. Luego pude reflexionar un
poco más, comprendiendo las razones que habían empujado a esa
mujer a hacer lo que hizo. Valor no le había faltado. Riesgo tenía su
propuesta, cercana a la performance, y los involuntarios espectadores
seguro que podrían recordar ahora la anécdota con mayor intensidad.
Los ojos desatados eran parte de su rostro natural, quizás un poco
mas violentos, al igual que sus escupitajos y gritos provocadores al
personal que la trató. Esto sucedió hace cinco años.
El 15 de noviembre del año pasado tuvo lugar en Suecia el estreno de
“Återträffen” (Reencuentro), primer film dirigido por una mujer de unos
42 años, Anna Odell, conocida sobre todo por la polémica que su pro-
yectodefindecarrerahabíageneradoañosatrás.Elfilmfuepresentado
en una sección paralela del festival de Venecia, Horizontes, y obtuvo el
premio de la crítica. No solo esa mujer de ojos intensos había dirigido el
film sino que también era la responsable del guión y la actriz principal.
Después de 20 años un antiguo grupo de alumnos se reúnen para
celebrar… algo. Un reencuentro después de tantos años, anécdotas,
recuerdos y algo más. Nuestra protagonista se levanta en un momento
dado y comienza a acusar, uno por uno, a todos sus ex-compañeros
por los maltratos, tanto físicos como sobre todo psicológicos que había
padecido durante sus años de estudios. Las caras de sus antiguos
compañeros son un poema que rima con vergüenza y sorpresa.
Esteeselresumendelaprimerapartedelfilm.Ella,ladirectora-actriz-
guionista, es la única persona que es real, que se interpreta a si misma,
el resto son actores contratados que escenifican, según sus recuerdos,
los desagradecidos papeles que representaron en el pasado.
Pero en la segunda parte del film, Anna Odell se entrevista, uno
por uno (no con todos evidentemente, solo con los que han accedido
voluntariamente) con los verdaderos protagonistas de sus pesadi-
llas. Cara a cara les muestra la primera parte del film y les pregunta
sin rodeos qué opinan y sobre todo, porqué. Estos encuentros son
grabados, montados y unidos a la primera parte ”actuada” del film.
Juntos forman “Återträffen”.
La crítica es unánime, obra maestra, el mejor film del año, sobre-
cogedor, provocador… Debates en tv, en periódicos, en la calle. Las
fronteras de la ética artística de nuevo en cuestión. Se puede uno
vengardeestemodo,esvenganzapremeditadaonecesidaddedarluz
a algo que permanentemente ensombrece nuestro presente… Recibe
los mas importantes premios de la Academia sueca de cine e imagino
(ya que desconozco el resto) que se sentirá satisfecha de lo hecho.
Quizás sus ojos brillen un poco mas, sigo imaginando.
¿Qué tiene esto que ver con el teatro? No lo se exactamente, algo
tangencial quizás.
El riesgo, el compromiso, los límites cuestionados al servicio de
una denuncia; el de las cosas que no funcionan, que hacen de esta
sociedad un lugar inhóspito, un sitio del que uno se plantea la huida
a donde sea, un lugar en el cual los débiles (aparentemente) o los
más sensibles sufren desprecio, maltrato, abuso. Decidir contar esto
desde la esquina de tu calle, o tu hospital mas cercano, o tu clase,
tiene mucho de político. A mi modo de ver mucho más de lo que dis-
cursos aparentemente comprometidos nos hacen creer. La fuerza de
las palabras en conflicto con la fuerza de los actos, donde sin duda
salen vencedores estos últimos.
Y pienso en la naturaleza teatral, dramática de estas dos propues-
tas. Una, la fingida locura, como herramienta para ir directa a las sen-
saciones que padecen los “verdaderos protagonistas”. La otra, más
compleja, en la cual los niveles de realidad se solapan, en el cual el
juego de roles marcados que trata de denunciar se utiliza como medio
de desnudar a los verdaderos intérpretes de la historia.
Imagino que ahí fuera, en la tangente, se puede explorar, buscar nue-
vas formas de conectar con la realidad ya que a veces el centro del
arte teatral rechina oxidado, caduco, lleno de vacíos discursos que nada
cuentan, o peor aún que cuentan la nada. No me quiero poner estupen-
do, quizás solo sucede que comencé haciendo teatro en provincias, otra
vez en la tangente, lejos de la capital de no sé muy bien qué.
La cosa es que no solo sirve el plantearse querer hablar de la proble-
mática social que nos rodea, lo cual en un principio está bien, pero es
solo el principio del viaje, hay que llegar al límite de lo permitido para si es
posibleynecesariorebasarlo,aúncuandoesotelleveasalirdirectamente
delatangenteynavegarporterritoriosinexplorados.Aestamujerdeojos
ingrávidos le ha ido bien. Quizás decida hacer algún proyecto teatral.
L

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73
julio
agosto
El lado oscuro Jaume Colomer
La “deseada” ley de mecenazgo,
¿espejismo o coartada?
l 15 de mayo del 2012, en Barcelona, el Secretario de Es-
tado de Cultura Sr. José María Lasalle anunció que la comi-
sión delegada de Asuntos Culturales tenía previsto aprobar
el miércoles de aquella misma semana el borrador del proyecto de
Ley de Mecenazgo. Justificó la propuesta con el argumento de que es
urgente desarrollar estímulos adicionales que suplan las dificultades
económicas que pesan en la financiación de la cultura. Añadió que el
mecenazgo “no pretende competir con los poderes públicos ni sus-
tituirlos en su labor de fomento cultural, sino complementar y apoyar
esa actividad a través de una mentalidad benefactora que permita a
la cultura andar más libremente. Concluyó que “con esta nueva Ley,
queremos devolver a la sociedad su protagonismo”. Lassalle apuntó
que “podría estar vigente en el próximo ejercicio fiscal”, dejando claro
que se tratará de un instrumento “complementario y nunca sustituto-
rio de la labor de las administraciones públicas” porque el mecenazgo
no persigue privatizar la Cultura.
En este mismo acto declaró que el borrador se había elaborado
“con la vista puesta en la legislación francesa que, entre 2004 y 2011
y gracias a incentivos fiscales de entre el 60% para personas jurídicas
y el 70% para personas físicas, ha permitido que el mecenazgo en ese
país pasara de 150 a 683 millones de euros”.
En relación a la legislación francesa, un año más tarde, en mayo
2013, Robert Fohr, Jefe de la Misión de Mecenazgo del Ministerio
de Cultura francés, en el marco del Encuentro Franco-español sobre
el Mecenazgo Cultural organizado por la UNIA, hizo un balance de
los primeros diez primeros años de vigencia de la ley (2003-2013).
Dijo que en Francia todos los ministros de cultura, desde André Ma-
lraux, quisieron tener una ley de mecenazgo pero sólo se consiguió
en 2003. Este retraso puede explicarse por el papel del Estado que
siempre tuvo un cierto monopolio en el campo de la cultura. Antes
de 2003 menos de 2.000 empresas hacían mecenazgo en Francia y
ahora son ya más de 25.000 (lo que representa sólo el 1% de todas
las empresas del país). El importe total del mecenazgo era de 150 mi-
llones de euros en 2003 y hoy en día alcanza cerca de 1,3 billónes de
euros. El número de empresas mecenas se ha multiplicado por 10. En
el momento actual, un 25-30% de la cultura francesa está financiada
a través del mecenazgo.
Hay que distinguir el mecenazgo filantrópico de las empresas del
micromecenazgo social o crowdfunding. En el encuentro franco-espa-
ñol citado Olivier Schulbaum, cofundador de Platoniq y vicepresidente
de la Fundación Fuentes Abiertas que opera la plataforma Goteo.org
dijo que el 59% de las campañas de crowdfunding que tienen éxito se
localizan en EE.UU. y el 35% en Europa. En la guía de empresas de
crowdfunding que edita el medio digital Crowdacy hay inventariadas,
en el momento actual, un total de 106 plataformas aunque la mitad
no son activas. Según el portal InfoCrowdsourcing el año 2013 en
España las 53 plataformas activas de crowdfunding recaudaron 19
millones de euros, duplicando la cifra del año anterior. En Latinoaméri-
ca el crecimiento es mucho mayor que en España y casi se cuatriplica
el volumen de negocio de 2012 llegando a 16,6 millones de euros.
Han pasado más de dos años y el proyecto de ley sigue a la espera.
Mientras, el Parlamento de Navarra aprobó el pasado 8 de mayo la
Ley Foral del Mecenazgo Cultural y de sus Incentivos Fiscales de la
Comunidad Foral, impulsada por el Gobierno de Navarra y convertida
en la primera norma de este tipo en España, llamada MECNA, que
establece estímulos a la participación de la sociedad civil en el desa-
rrollo de este sector. Otras CCAA, como Andalucía, están preparando
propuestas parecidas.
Los datos apuntados validan empíricamente las oportunidades del
mecenazgo en la financiación de la cultura, pero los hechos muestran
muchas contradicciones que me llevan a formular varias preguntas. La
primera es sobre los objetivos de la ley. Apunto varias hipótesis:
a. Impulsar el mecenazgo como complemento de los recursos públi-
cos para dar más flexibilidad a la cultura y evitar su cautividad.
b. Implicar a los ciudadanos en los proyectos culturales para impul-
sar la democracia cultural, su participación y empoderamiento.
c. Sustituir la aportación de recursos públicos por fondos pri-
vados para privatizar la cultura considerando que no tiene
valor público.
d. Reducir la tensión provocada por la reducción drástica de recur-
sos públicos, generando esperanza ante un futuro instrumento
de financiación que se ha mostrado efectivo en otros países.
Pero también me surgen algunas preguntas más:
• ¿Realmente el Gobierno del Estado considera la futura ley como
una medida urgente? ¿Hasta cuándo habrá que esperar?
• ¿A pesar de los resultados conseguidos en Francia, cuál será el
impacto de los incentivos fiscales que propone el proyecto de
ley que impulsa el Secretario de Estado de Cultura? El mecenaz-
go filantrópico se impulsa sólo con incentivos fiscales o requiere
una cierta actitud filantrópica de los ciudadanos hacia la cultura?
¿Qué valor tienen las prácticas culturales en nuestra sociedad?
• ¿Qué prácticas culturales podrán beneficiarse de la futura ley?
¿Qué prácticas quedarán fuera?
• ¿Los gestores culturales serán capaces de captar y gestionar
aportaciones en forma de mecenazgo? ¿Los responsables de
la gestión de entidades y proyectos culturales, acostumbrados
a captar fondos públicos, tienen suficientes competencias profe-
sionales para conseguir buenos resultados en esta nueva fuente
de financiación?
Una última pregunta: ¿cuál es la misión del Secretario de Estado de
Cultura y el objetivo de su excelente retórica? ¿Tiene el encargo de
convertir el mecenazgo en un espejismo para mantener el ánimo del
sector y evitar conflictos o, lo que es peor, de utilizar el proyecto de ley
como una coartada para seguir recortando la aportación de fondos
públicos a la cultura? Creo que debemos reflexionar colectivamente
sobre las cuestiones planteadas.
E

14
74
julio
agosto
El método griegoMaría Chatziemmanouil
Abelardo y Eloisa: Te amaré
hasta la última de las lluvias...
uáleselvínculoqueuneunatumbaenelcementeriode
Père Lachaise de Paris, el poeta inglés Alexander Pope,
la película Eterno resplandor de una mente sin recuer-
dos y la función que inauguró el Festival de Atenas de este año? La
respuesta es: todos están dedicados a o inspirados en el trágico amor
medieval entre el gran filósofo Pedro Abelardo y su alumna Eloisa.
Hace 4 años el director griego Yanis Kalavrianós visitó el cementerio
de Père Lachaise en Paris y le llamó la atención una doble tumba
cubierta con flores, cartas de amor, peluches y otras cosas dedicadas
a los muertos enterrados en ella. Nunca antes había oído algo sobre
Abelardo y Eloisa, pero a partir de entonces empezó a recoger infor-
mación sobre su historia de amor que le cautivó. El director convirtió
el material que encontró en la materia prima de una obra teatral estre-
nada el 1 de junio en la sala más emblemática del Festival de Atenas, la
sala D de Piraiós 260 (fue ahí donde unos días más tarde se estrena-
ba Todo el cielo sobre la tierra de Angélica Liddell, el 15 de junio).
Pedro Abelardo (1079-1142) fue un filósofo y teólogo francés, re-
conocido por la crítica moderna como uno de los grandes genios de la
historia de la lógica. Es a la vez autor de numerosos poemas, y dedicó
gran parte de su vida a la enseñanza y al debate. En 1116 conoció a
Eloísa (1101-1164), sobrina de Fulberto, canónigo de la Catedral de
París, quien le confió su educación. Eloísa y Abelardo se convirtieron
en amantes manteniendo su relación en secreto hasta que en 1119,
Eloísa tuvo un hijo, que sería llamado Astrolabio. Abelardo insistió en
casarse con Eloísa, quien se oponía por considerar que un hombre
de ciencia no podría dedicarse a una familia, y finalmente la boda se
celebró en secreto. Sin embargo, Fulberto difundió la noticia y Abe-
lardo envió a Eloísa al monasterio de Argenteuil. Fulberto consiguió
entonces sobornando a un criado entrar con algunos servidores en
el cuarto de Abelardo y lo castraron. Abelardo se escondió humillado
como monje en Saint-Denis, y dispuso que Eloísa se hiciera monja
en Argenteuil. Los dos ex amantes mantuvieron una correspondencia
durante muchos años, hasta la muerte de Abelardo pero no se encon-
traron nunca más. El último deseo de Eloisa fue que la enterraran al
lado de su amado, pero ese deseo no se realizó sino a finales del siglo
18, cuando Josefina Bonaparte se enteró de su historia y quiso unirles
aunque muertos, enterrando sus reliquias juntas.
Yianis Kalavrianós escribió su texto a partir de las cartas auténticas
que intercambiaron los dos amantes y de otras fuentes históricas me-
dievales. Tres espléndidos actores (Eleni Coquidu, Yiorgos Glastras,
Cristina Maksuri) y un coro de 13 aficionados, han compuesto un
poema escénico de alta calidad, bajo la dirección del autor, y acompa-
ñado de las maravillosas canciones –amorosas y tristes a la vez– de
Ánguelos Triantafílu, escritas especialmente para la función. Yorgos
Grastras y Cristina Maksuri interpretan los papeles de los dos aman-
tes, mientras los 13 aficionados se transforman en las personas que
desempeñaron un papel mayor o menor en su historia. Eleni Coquidu
representa un ser poético, que empieza a contar la historia de Abe-
lardo y Eloisa para recuperarse de una pérdida suya. Es ella la que
une los 45 cuadros de la historia, interpretando incluso el papel de
Eloisa al alcanzar su madurez. La escenografía de Eva Manidaki hace
al público sentir como si mirara lateralmente y a escondidas el interior
de una iglesia, aprovechando al mismo tiempo del “video-mapping”
de Stacis Mítsios, que “interviene” a los elementos arquitectónicos
del espacio, es decir de la escena; con los videos que se proyectan
sobre ellos, se transforma totalmente su imagen (las puertas abren,
los muros y las ventanas se derrumban, el techo tiembla etc.) dando
lugar a un efecto visual sorprendente.
No es la primera vez que la compañía Sforaris de Yanis Kalavrianós
participa en el Festival de Atenas. Su montaje Hijos e hijas, una función
sobre la búsqueda de la felicidad se estrenó precisamente en él el
año pasado, antes de trasladarse a una de las salas alternativas más
destacadas de Atenas, el Teatro de Néos Kósmos, con las entradas
siempre agotadas a lo largo de toda la última temporada (octubre
2013-mayo 2014). La obra fue una dramaturgia de Yanis Kalavrianós
a partir del material que la compañía había ido recogiendo por toda
Grecia, preguntando a gente mayor “¿cuál fue el acontecimiento que
marcó su vida?”. Como tela de fondo de las historias que cuentan los
entrevistados, aparece un fresco de toda la historia de Grecia contem-
poránea, a partir de la segunda Guerra Mundial y hasta 2011.
¿C
©Sakis Birbilis

14
76
julio
agosto
Las LejaníasCarlos Be
Orgullo y satisfacción por
un país ridículo
se cielo tan alabado de Madrid parece hoy una charca
infestada de sapos. Los helicópteros sobrevuelan la ciu-
dad mientras croan sobre los ciudadanos de a pie en la
víspera de la coronación de Felipe VI, ese rey que es rey, para-
fraseando a los dibujantes que dimitieron de El Jueves la semana
pasada, “por cuestiones de semen”.
Hoy, miércoles 18 de junio, se celebra en el Teatro del Barrio,
antigua Sala Triángulo, la presentación de Orgullo y Satisfacción,
un cómic digital editado por ¡Caramba!
en el que los dibujantes antes citados
le dicen adiós a Juan Carlos I y dan
la bienvenida a Felipe VI porque, tal
como reza en su página web www.or-
gulloysatisfaccion.com, “estas cosas
si te las dejas dentro se acaban en-
quistando”.
Estos artistas, y digo artistas no
sólo por su profesión sino también por
la posición adoptada, la de defender
su trabajo, acaban de cerrar la edi-
ción del cómic a las 11 de la mañana
y ahora, a las 6 de la tarde, irradian
una extraña serenidad, suma sin duda
del agotamiento y la satisfacción. En
apenas siete horas, comenta la mode-
radora del acto, Olga Rodríguez, ya se
han vendido cerca de 15.000 ejempla-
res, algo “histórico” en el mundo de la
edición española.
Paco Alcázar, Manuel Bartual y Luis Bustos acompañan en la
mesa a Rodríguez y conversan a través de skype con Albert Mon-
teys, Pepe Colubi, Manel Fontdevila y Bernardo Vergara. Eldiario.
es emite el encuentro por streaming. Se trata de “un ejemplo a
determinados sectores periodísticos” que permanecen bajo el
yugo de la censura y los poderes fácticos de un país que ha de-
mostrado, en esta ocasión gracias a internet, que se han quedado
a la zaga de la libertad.
Se retiraron de la circulación 60.000 ejemplares de El Jueves.
Esa portada nunca existió en papel, pero corrió por internet a la
velocidad de la pólvora. La censura tropezaba por segunda vez en
la misma piedra de El Jueves. La primera vez fue hace unos años,
en aquella portada mostraban a los príncipes en un intento de
trabajar por conseguir 2.500 euros. La casa real quiso evitar su
publicación y aquello colocó la portada en la palestra pública.
En esta segunda ocasión, los dibujantes cuentan que recibieron
la orden de los editores de RBA de no publicar esa portada en
la que Juan Carlos I le transfiere una corona hedionda a su hijo;
“una portada descriptiva”, apuntillan encogiéndose de hombros
con ironía. La plantilla quedó muy sorprendida. Hasta ahora los
problemas de censura en El Jueves siempre habían sido “pocos y
externos”. Sabían que ellos eran un rara avis dentro de las colec-
ciones que pertenecen a RBA, esa editorial que aconsejaba utilizar
colores pastel en las portadas para vender más en los quioscos,
pero nunca hasta ahora habían roto el pacto verbal de no entro-
meterse en el contenido de El Jueves. La semana pasada les pi-
dieron a la redacción que la excepción
a ese pacto verbal se hiciera efectiva
sólo en el caso de esa portada, el
interior del cómic podía permanecer
intacto. Y empezaron las dimisiones.
El primero fue Monteys y le siguieron
muchos más, entre ellos Bartual, que
no daba crédito ante las falsedades
que estaban difundiéndose y cómo
se intentaba poner en contra de ellos
incluso a los lectores. Aquel Jueves no
era el Jueves que estaba en sus men-
tes y se fueron.
Vergara comenta que Felipe VI
inicia su reinado “en un contexto de
doble imposición”, por un lado el de
la coronación y por el otro el de la
censura. Para el día siguiente se han
prohibido manifestaciones en defensa
de la educación pública, contra la im-
punidad por crímenes franquistas, así como enarbolar banderas
republicanas en el tramo por el que transitarán los monarcas, sin
contar con los arcos de detección de metales y los francotiradores
que han ocupado los espacios públicos todo ello, supuestamente,
para proteger a las multitudes de asistentes que rezan los rótulos
de los telediarios y que aparecen diezmados ante los ojos de la
realidad. La censura sufrida en El Jueves es un precedente muy
peligroso para seguir en esas condiciones, reflexiona Vergara.
“No contemplo la posibilidad de volver.”
Nadie sabe si Orgullo y Satisfacción será un número único o se
convertirá en la nueva revista que acompañe a Mongolia en los
quioscos, esta semana bastante desolada en las estanterías: El
Jueves acaba de salir a la calle con una portada sobre fútbol. Para
la gente de teatro que no lo sepa, el fútbol es un juego competitivo
que consiste en correr tras un balón, aunque ahora no recuerdo si
al balón se le dan patadas o tortazos. Cultura, vamos. En cualquier
caso, esta tarde de miércoles, el escenario de un teatro ha vuelto
a convertirse en un frente activo contra la censura y la mentira.
Esto sí es motivo de orgullo y satisfacción.
E

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77
julio
agosto
L
a Universidad Internacional de la
Rioja UNIR, ofrece la oportunidad
de obtener el título oficial de ‘Máster
Universitario en Estudios Avanzados
de Teatro UNIR (Dirección escénica y escri-
tura dramática)’ de forma online durante
todo un año académico. El máster está diri-
gido a todo tipo de licenciados en cualquier
disciplina de arte y humanidades y la fecha
de inicio prevista es el 4 de noviembre. El
máster se divide en dos cuatrimestres con
asignaturas que abarcan desde investiga-
ción en artes escénicas y espacio escénico
hasta prácticas de escritura dramática o
análisis dramatúrgico.
ESART institución académica creada por
el Grupo Montcau, se ha ido consolidando
desde 1965 como una escuela que abarca
de 0 a 18 años, distinguida por ofrecer una
enseñanza líder y de calidad ha ido crecien-
do en la oferta de educación infantil ade-
más de ofrecer continuidad de estudios su-
periores, abriéndose a las Artes Escénicas,
Música e Imagen. Actualmente ha asumido
el reto de implementar la formación univer-
sitaria oficial en Artes Escénicas con el re-
conocimiento de Pearson Edexcel del Reino
Unido, además trabaja en colaboración con
Bath Spa University (United Kingdom), una
de las universidades internacionales líde-
res en creatividad, cultura y empresa. Exis-
te la posibilidad de cursar un Bachillerato
creativo, Grados Universitarios, Formación
Profesional Internacional o incluso asistir al
Campus de verano donde se ofertan cursos
de teatro, danza, imagen y música.
La Universidad Carlos III ofrece desde
octubre de 2014 a mayo de 2015 un ‘Más-
ter de Creación Teatral’ capitaneado por el
dramaturgo y director Juan Mayorga. Este
máster está dirigido a profesionales de las
artes escénicas, a creadores de otras ar-
tes y a graduados y licenciados que deseen
desarrollar sus capacidades en este medio,
con el fin de dotar al estudiante de herra-
mientas fundamentales en distintos ámbi-
tos para la concepción y el desarrollo de
proyectos escénicos personales, por lo cual
todos los alumnos habrán de cursar la tota-
lidad de las materias impartidas por Alfredo
Sanzol, Andrés Lima, Sol Picó y Blanca Por-
tillo o José Luis García Barrientos. Además
habrán de realizar un proyecto personal de
creación a partir de las propuestas del Ta-
ller de Composición del Espectáculo.
Por su parte la Universidad del País Vas-
co UPV/EHU con la estrecha colaboración
de ARTEBI, la Escuela de Música, Teatro,
Danza y Cine de Bilbao, convoca el ‘Curso
para la formación del actor’ contemplan-
do las áreas de interpretación, creación y
performance que comenzará en octubre de
2014 y finalizará en enero de 2015. Para
poder cursarlo será necesario estar en po-
sesión de las condiciones de acceso a la
Universidad.
Opciones para formarse

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78
julio
agosto
Teoría TeatralTeoría TeatralTeoría TeatralTeoría Teatral
En ‘Texto en acción’, re-
cientemente publicado
por la editorial Fun-
damentos, su autora,
Cicely Berry (direc-
tora vocal de la Royal
Shakespeare Company)
relata y transmite las
investigaciones que ha
realizado sobre la voz
durante los 50 años
de trabajo con actores,
dramaturgos y directores. En este libro la autora ofrece
una completa reflexión, de modo asequible, sobre las
relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo;
sobre la influencia de la lengua en la percepción y el
pensamiento. Y es que además, este volumen no solo es
teórico, sino que incluye ejercicios en los que poner en
práctica la carga teórica de Berry, una mujer “empecina-
da en romper con las convenciones del idioma y batallar
contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro.
Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola
palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta
el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo
teatral”.
La Universidad de
Murcia en colaboración
con el ayuntamiento de
la ciudad ha publicado
dentro de su colección
Editum ‘Ayer y hoy del
Teatro Circo Murcia
(1892-2011), un
libro que trata de la
recuperación de un
teatro para el fin último
que estos espacios
deben tener. Pedro Soler, Vicente Pérez Albacete y Jaime
y María Pérez Zulueta son los autores de los textos que
recoge este volumen de cuya edición y coordinación se
ha encargado César Oliva. En ellos se cuenta la historia
del Teatro Circo Villar, inaugurado en 1892 y que dejó
de funcionar cuando la crisis de las grandes salas cine-
matográficas llegó a Murcia. Pero además de la historia,
los textos quieren ser testimonio “del proceso de su
feliz recuperación, y de la manera como ha rejuvenecido
gracias a la intervención de un grupo de personas que
creyeron en su rescate”. Toda la historia, también la
emocional de un edificio que es a día de hoy patrimonio
cultural de la ciudad.
‘La sustancia de la voz’ de
José Antonio Meca y publica-
do por la editorial Aljibe es
una manual práctico de voz
hablada para locutores, ora-
dores y actores de doblaje. El
autor parte de la necesidad
de conocer la propia voz
en toda su extensión como
forma de conocerse a uno
mismo y ofrece ejercicios que
favorecen su desarrollo de
forma integral.
El título de esta publicación
de la editorial Pre-Textos es
claro: ‘Cómo hacer teatro:
apuntes de orientación
profesional en las artes y
oficios del teatro español’. La
singularidad es que su autor
es Cipriano Rivas Cherif que
desarrolla todo el proceso
del hecho escénico: técnicas
del actor, teoría y práctica
de la literatura dramática,
escenografía, etc.
El INAEM ha publicado
‘Escritos dispersos’, una reco-
pilación de aproximadamente
cien artículos y escritos de
Guillermo Heras dispersos por
programas, periódicos, revis-
tas, libros que se convierten
en reflejo de la actividad
que llevó a cabo durante
sus diez años de actividad el
Centro Nacional de Nuevas
Tendencias Escénicas bajo la
dirección de Heras.
Esdeveniments Ludovit firma
la autoría de ‘Curso de Teatro
discontinuo’ publicado por
la editorial Obvcuas. El pre-
sente volumen se presenta
dividido en cuatro fases en
un orden buscado y concreto:
la Clase, las Anotaciones, la
Bibliografía y los Deberes. El
libro, eminentemente práctico
contiene un CD que amplía la
información que contiene en
sus páginas.
Luciano Sánchez del Águila
es el autor y editor de ‘Mi
pequeño Stanislavsky’ un
libro que de forma novelada
realiza un repaso sobre
la teoría teatral del autor,
director y teórico ruso. El
libro comienza con un relato
ficticio que muestra qué
hubiera pasado si Stanislavs-
ky hubiera viajado a España
y trabajado junto a Federico
García Lorca.
En ‘Cómo montar un espec-
táculo teatral’ se encuentra
toda la información necesaria
para poner en marcha un
espectáculo (cómo escoger
el texto adecuado, la compo-
sición del equipo artístico y
técnico y técnicas para traba-
jar a partir de la improvisa-
ción). Sus autores son Miguel
Casamayor y Mercè Sarrias
y ha sido publicado por la
editorial Ma Non Troppo.
Estantería
Teoría Teatral Teoría Teatral Teoría TeatralTeoría Teatral

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79
julio
agosto
Estantería
Texto Teatral Texto Teatral Texto Teatral Texto Teatral
La editorial Bellaterra ha pu-
blicado ‘El licenciado número
uno, Zhang Xie’ la primera
obra que queda del llamado
Teatro del Sur, descubierta en
1921 por el coleccionista Ye
Gongchuo en una librería de
Londres. Regina Llamas se ha
encargado de su traducción
y del estudio preliminar que
incluye esta cuidada edición
de una importante obra de la
historia del teatro chino.
El número 103 de ‘Por la
Danza’ se ha convertido en
un homenaje a grandes nom-
bres de la danza fallecidos en
los últimos meses como los
bailarines Ivan Nagy y Jean
Babilee, el guitarrista Paco
de Lucía o Gerard Mortier
y Maria de Ávila. También
tienen cabida reportajes
como el realizado sobre la
Fundación Gades o la entre-
vista con Farruquito.
Con ‘Dramaturgas del siglo
XXI’ Cátedra ha publicado
una antología con textos de
algunas de las dramaturgas
más representativas en la
actualidad tales como Lola
Blasco, Antonia Bueno, Diana
de Paco Serrano, Juana Es-
cabias, Beth Escudé i Gallès,
Aizpea Goenaga, Diana I.
Luque, Gracia Morales, Itziar
Pascual, Carmen Resino y
Vanesa Sotelo.
Las crónicas de lo acontecido
en el FIT Carrer de Vila-real,
Umore Azoka de Leioa,
FETEN, Festival de Clown y
payasos de Arrigorriaga y
Trapezi ocupan las primeras
páginas del número 59 de
‘Fiestacultura’. Le siguen
varios reportajes y artículos
de opinión como el realizado
por Manuel V. Vilanova sobre
los problemas de legislar en
materia de las artes de calle.
‘Trinidad’ y ‘Mary Monarca’
son dos obras sobre mujeres
y fronteras de Ana Fernández
Valbuena publicadas por Tea-
tro del Astillero. Tres mujeres
de opción sexual diferente
en la España de los años
sesenta son las protagonistas
de la primera y la frontera
entre México y EE.UU que las
mariposas Monarca cruzan
emigrando cada año es la
excusa para la segunda.
La legendaria revista
italiana sobre artes escénicas
‘Sipario’ que dirige Mario
Mattia Giorgetti incluye en su
doble número 767-768 una
crónica sobre un encuentro
celebrado en Bucarest sobre
el rol de la crítica teatral hoy
a cargo del propia Mattia, el
texto teatral Il Gioco de Davis
Tagliaferro y varios artículos
y reportajes sobre la realidad
teatral italiana y europea,
Kiosko
Por La Danza Fiestacultura Sipario
Javier Villán y Diana
de Paco Serrano son
los autores de ‘La
Argentinita’, el número
92 de la colección
Textos Teatrales de
la editorial Artezblai.
Villán es periodista,
cronista de toros y
crítico teatral y Diana
de Paco es, además de
profesora universitaria,
dramaturga. “A Javier Villán le apasionaba la figura de
la Argentinita, amiga de Lorca que le ayudaba a montar
sus espectáculos, novia de Joselito el Gallo y compañera
de Ignacio Sánchez Mejias (...) A Villán le fascinaba
Encarnación López Júlvez y sabía mucho de su vida pero
no sabía cómo escribir una tragedia sobre ella. Diana de
Paco Serrano no conocía muy bien a Argentinita, pero
sabía, en cambio, cómo escribir una tragedia”. Ante
esta situación ambos se pusieron a trabajar juntos, y
han creado una obra con ese personaje “la mujer más
trágica del sigo XX español (...) Su amistad con Lorca,
barrido por el huracán de la Guerra, y dos toros crimi-
nales, que se llevaron a sus grandes amores”.
El último número
de ‘Primer Acto’, el
346, se presenta con
dos temas centrales
recogidos en los títulos
“Los 50 años del Odin”
y “Rodrigo García
audacia y compromiso”.
El primero arranca con
una entrevista con el
fundador y director de
la compañía danesa,
Eugenio Barba y le siguen artículos escritos por otros
miembros del Odin Teatret como Julia Varley o el propio
Barba además de los firmados por Osvaldo Dragún,
Lluís Masgrau o Raquel Carrió entre otros y se completa
con la publicación del texto teatral ‘Itsi Bitsi’ de Iben
Nagel Rasmussen llevado a escena por el Odin Teatret
en 1991. Para abordar el segundo tema Primer Acto
recoge artículos que sobre el trabajo de Rodrigo García
han escrito creadores y críticos como Óscar Cornago,
Antonio Fernández Lera o Elena Córdoba y se completa
con la publicación del texto ‘La selva es joven y está
llena de vida’ un guión dedicado a Stegano Scodanibbio
y cinco poemas escritos por García.
Primer Acto

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80
julio
agosto
L
a temporada teatral en esta
primavera se ha caracterizado
por la presentación de obras
que marcaron época en su
momento, al denunciar el racismo, la
homofobia y el sexismo de la socie-
dad norteamericana. De este modo,
la producción de A Raisin in the Sun
dirigida por Kenny Leon, actualiza el
lugar icónico que los protagonistas
tienen dentro del imaginario norte-
americano, no solo por ser la primera
obra escrita por una mujer de color
(Lorraine Hansberry) que se produjo
en Broadway, sino porque los episo-
dios reales, en los cuales se basa la pieza,
llevaron a promulgar una ley contra la discri-
minación racial dentro de vecindarios consi-
derados “blancos”.
La intensa interpretación de Denzel Was-
hington como Walter Lee Younger, el padre
de familia buscando progresar en una socie-
dad hostil a las mejoras sociales de la gente
de color, rompe las barreras históricas con-
tra la asimilación de la población negra en
los Estados Unidos, para denunciar formas
de racismo más sutiles, pero no por ello me-
nos dolorosas, en el país de hoy. De hecho,
recientes estudios apuntan a la falta de mo-
vilidad social del contingente afroamericano
y a la enorme proporción de hombres per-
tenecientes a este grupo que se encuentran
encerrados en las cárceles.
Una claustrofóbica puesta en escena,
donde se buscó profundizar en las difíciles
condiciones para la vida familiar dentro de
espacios reducidos, además de justificar
humanamente la mudanza a una casa en
los suburbios de Chicago, contribuyó po-
derosamente a inclinar la balanza hacia el
cambio de paisaje, pese a las presiones de
los vecinos para comprarles la propiedad, a
fin de mantener la homogeneidad racial del
vecindario. La negativa de Lena (LaTanya Ri-
chardson Jackson), la matriarca, a aceptar el
dinero de gente que considera que sus hijos
no tienen el derecho de pisar la misma tierra
que ellos, energiza a Walter quien rechaza la
oferta y, al bajar el telón, dirige a sus seres
queridos hacia la incertidumbre de vivir en
una urbanización donde no se les quiere de-
bido a su color de piel.
“–¿Por qué no te quieren? / –Porque soy
negro. Ellos están jugando cartas allí pero
yo no puedo jugar porque soy negro”. Este
diálogo entre Lenny y Crooks en Of Mice and
Men de John Steinbeck, planeó como una
nube tormentosa sobre la producción del
Longacre Theater de Broadway, dirigida por
Anna D. Shapiro, con James Franco (Geor-
ges) y Chris O’Dowd (Lennie) en los roles
estelares. Y si la novela de Steinbeck atacó a
quienes consideraban como inferior al hom-
bre de color en los años treinta, la obra se
vuelve mucho más urgente hoy, cuando su
situación no ha mejorado cuantitativamente
en los Estados Unidos.
La enérgica dirección de Anna D. Shapiro
logró que los protagonistas desafiaran, con
su complicidad y solidaridad hacia Crooks,
los estereotipos y crearan una zona de apo-
yo mutuo, donde el resto de los personajes
entraba pero no podía romper los lazos que
unían al conjunto. Por otra parte, las dife-
rencias culturales entre Georges y Lenny
no fueron aquí un obstáculo, sino sirvieron
más bien para resaltar la importancia de la
amistad en situaciones límite. Aún el violento
desenlace, donde Georges debe tomar la de-
cisión de darle una muerte más digna
a su compañero para no dejar que los
otros lo linchen, fue concebido como
un escape misericordioso al laberinto
de malos entendidos, presiones y ac-
cidentes multiplicándose en tanto se
desarrollaba la acción.
Lo poético del escenario, puesto a
resaltar la belleza del paisaje del oes-
te americano, actuó como un diorama
plástico contra el cual las pasiones y
los excesos quedaron amortiguados,
a fin de centrar la humanidad de unos
caracteres ampliamente reproducidos
por el cine y la televisión, dado su po-
der para compendiar la soledad del rebelde
y el inadaptado, es decir, el antihéroe. Es en-
tonces el heroísmo de la debilidad lo que la
obra capta en profundidad, pudiendo desde
él extraerse la fuerza para realizar grandes
hazañas. Esta ilusión, dable de alimentar el
sueño americano, es sin embargo destrui-
da aquí, cuando el entorno se devuelve de
manera hostil y amenazante contra quienes
luchan por sobrevivir en medio del horror. Un
horror, que en aquel momento fue la Gran
Depresión y el incremento de los nacionalis-
mos desencadenantes de la Segunda Guerra
Mundial, y en nuestra contemporaneidad se
nutre del terrorismo, la violencia étnica y el
empobrecimiento material y humanístico de
las sociedades, a merced de quienes mani-
pulan, controlan e imponen.
Y no otra producción en esta temporada
ha logrado darle más agresivamente voz a
las incertidumbres y miedos contemporáneos
como Hedwig and the Angry Inch, dirigida por
Michael Mayer. Si John Cameron Mitchell, au-
tor, director e intérprete de la versión original,
ubicó al transexual Hedwig en el panteón del
rock duro, la interpretación de Neil Patrick
Harris aporta el glamur y un sentido de per-
tenencia, apenas apuntando cuando la pieza
debutó off-Broadway 20 años atrás. De he-
cho, la reciente normalización para el público
mayoritario de modelos, cantantes y actores
transexuales le resta a Hedwig el aura como
Temporada Teatral Neoyorkina de Primavera
Obras sobre las intolerancias de
nuestras sociedades
Hedwig and the Angry Inch

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81
julio
agosto
personaje de culto que tuvo entonces,
pero le añade una humanidad y sentido
práctico del cual carecía.
No extraña entonces que Broad-
way hiciera una inversión millonaria
en vestuario, accesorios, decorados y
proyecciones multimedia para consa-
grar al personaje ante el espectador
medio, quien nunca se hubiera acer-
cado a la sala de baile del dilapidado
Jane Hotel, junto al West Side Highway
neoyorkino, que 100 años atrás había
alojado a la tripulación del Titanic, y en los
años setenta fue un club de sexo. El cambio
de locación al Belasco Theater de la calle
44, deslastró al personaje del lado deses-
perado pero contribuyó a su normalización,
volviéndolo más accesible y, por ende, me-
nos enojado con el mundo.
Ello le permitió a Harris regodearse en el
camp de la escena y resaltar lo biográfico
del texto, estableciendo una conexión mucho
más personal e íntima con la audiencia. Con
esta translación, la actuación resultó más
controlada y menos delirante que la de la
versión original, si bien evocó, nostálgica-
mente, un momento cuando la impunidad y
el exceso hicieron de Manhattan el centro de
todas las experiencias, y el laboratorio don-
de obras como esta podían germinar sin ata-
duras. Algo que ni el teatro ni las restantes
manifestaciones artísticas podrían alcanzar
actualmente, cuando el comercialismo se
ha apropiado de los espacios que fueron
contestatarios entonces, y alojan ahora a las
nuevas cadenas de comida rápida, super-
mercados y agencias bancarias.
El regreso de Harvey Fierstein a la esce-
na con Casa Valentina, dirigida por Joe Man-
tello, de cierto modo trae a un primer plano
aquella época, recuperada asimismo en
otras obras suyas como Torch Song Trilogy
y Safe Sex, y en los libretos para La Cage
aux Folles y Kinky Boots. Aquí Fierstein se
devuelve al travestismo de sus inicios, en la
historia verídica de una comunidad de vera-
neo en el estado de Nueva York, compuesta
por padres de familia quienes, a fines de los
cincuenta, se reunían los fines de semana
para vestirse con ropas de mujer y actuar
una feminidad deslastrada, según ellos, de
connotaciones homosexuales. La agude-
za de Fierstein para la sátira y los dobles
entendidos, funciona muy bien en esta
producción, que se nutre de una excelente
puesta en escena y un acertado vestuario
dable de acomodar las peculiaridades de la
mujer que cada uno lleva dentro. Si bien no
hay una elaboración profunda de la psico-
logía de los personajes, el cambio de ropa
trae consigo una alteración de la persona-
lidad palpable en las actuaciones, además
de revisitar la hipocresía, la homofobia y el
tradicionalismo de la sociedad de la época,
que pronto sería barrida por el liberalismo
de la generación siguiente.
De hecho, los movimientos en pro de los
derechos de las minorías quedan esboza-
dos a través de Jonathon (Gabriel Ebert),
el joven entrando por primera vez a aquel
mundo, con un gusto y un ansia de libertad
para la cual los vestidos son solo el prólogo
a una manera de vivir distinta a la de sus
mayores. El placer por impostar lo femenino
se nutre en él de cierta distancia irónica para
con la sociedad de su tiempo, ausente en el
resto del grupo; quizás porque las guerras y
las intolerancias, con las cuales ellos habían
tenido que lidiar, no les dejó mucho espacio
para autoanalizarse.
Para los demás integrantes de la comu-
nidad, el travestismo es solo un escape a
las presiones sociales y personales, de las
que Charlotte (Reed Birney) resulta ser su
mejor exponente, en la seriedad con la cual,
enfundada en un traje Chanel y perfectamen-
te maquillada y peinada, asume el papel de
abanderada de los derechos del grupo, pero
dejando afuera las “perversiones” propias
de otras minorías sexuales. Se hace presen-
te aquí la doble moral del colectivo, pero con
una vuelta de tuerca, pues abrirse al otro,
más allá de la coraza constituida por fajas,
pelucas, tacones y faldas, conlleva reconocer
las propias miserias, temores e indefinicio-
nes. Una certeza para la cual los afeites no
aportan solución alguna.
Una sensación de impotencia similar mo-
viliza Mothers and Sons, dirigida por Sheryl
Kaller, desde el personaje de Katharyne (Tyne
Daly), cuyo hijo murió de sida 20 años atrás.
Cal (Frederick Weller), el amante de entonces,
ha rehecho felizmente su vida adoptando in-
cluso a un niño con la pareja actual. Kathary-
ne, no obstante, lleva a Cal a revivir la crisis,
espoleado por el odio de esta madre contra
la sociedad que le arrebató a su hijo. Como
en otras de sus obras (Andre’s Mother, Lips
Together. Teeth Apart, Love! Valour! Compas-
sion!) Terrence McNally explora las relaciones
dentro de la comunidad gay, sacudida por las
pérdidas a causa del virus, y centra la interac-
ción con familiares y amigos de los des-
aparecidos, donde la homofobia, como
ocurre con Katharyne, es consecuencia
del dolor ante lo inevitable.
El hecho de que recientemente se
haya llevado a la pantalla la pieza de
Larry Kramer, The Normal Heart, don-
de igualmente se documenta el miedo
y la intolerancia de los años iniciales
de la pandemia, pareciera que es par-
te de un intento de los dramaturgos
y cineastas por revisitar los compor-
tamientos de entonces, y censurar la lentitud
de las instituciones gubernamentales norte-
americanas para reconocer la crisis, en ple-
na época marcada por el conservadurismo
del presidente Ronald Reagan. Mothers and
Sons espejea estas preocupaciones, si bien
no aporta soluciones ni permite el cierre de
ese doloroso período hoy, cuando los avan-
ces de la ciencia y una mayor comprensión
de las sociedades desarrolladas ha normali-
zado la existencia de quienes, de uno u otro
modo, conviven con esta realidad.
No extraña entonces que All the Way, diri-
gida por Bill Rauch, haya centrado otro mo-
mento clave de la Historia norteamericana:
el año posterior al asesinato del presidente
John F. Kennedy, marcado por el ascenso de
Lyndon B. Johnson al poder, y su cruzada
para pasar ante el Congreso la Ley de los
Derechos Civiles, donde se reconoció, por
primera vez, la igualdad ante la justicia de to-
dos los ciudadanos, independientemente de
su raza, credo, sexo u orientación sexual.
El extraordinario tour de force de Bryan
Cranston como Johnson, permitió al público
que no vivió aquella época, recobrar con gran
veracidad el punto álgido del macartismo, la
guerra fría y los comienzos del conflicto en
Vietnam, además de constatar la férrea oposi-
ción de la derecha más radical a reconocer los
derechos de las minorías. El laberinto político,
constituido por componendas, saboteos y
chantajes, quedó expuesto con gran tino, me-
diante una expansiva puesta en escena, dable
de acomodar tanto los monólogos de Johnson
como los movimientos de masas durante las
marchas de protesta en pro de la igualdad.
ConellolapiezadeSchenkkan,quienyaha-
bía explorado la mitología del “American way”
en The Kentucky Cycle, condensó parte del
enorme legado del presidente Johnson, y nos
descubrió su capacidad para manipular a los
políticos, a fin de hacer realidad proyectos que
habían parecido hasta entonces imposibles.
Unacertezaque,alavistadeestasobras,nos
devuelve la esperanza y nos hace creer en la
posibilidad de un mejor futuro para las demás
naciones de nuestro convulsionado planeta.
Alejandro Varderi
Casa Valentina

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