C:\Fakepath\Renacimiento Italiano Del Siglo Xvi, Clioen Red

Enrique VALDEARCOS, "El Renacimiento italiano del siglo XVI", Clio 33 (2007). http://clio.rediris.es ISSN:1139-6237
14 El Renacimiento italiano del S. XVI

EL RENACIMIENTO ITALIANO DEL SIGLO XVI

1 Pintura italiana del S.XVI

Existen tres grupos de artistas:
A) Artistas mayores: Leonardo: 1452-1519, Rafael: 1483-1520 y Miguel Ángel: 1475-1564.
De 1495 a 1520 es el periodo del clasicismo italiano, es la cúspide y los genios en esa época muestran
todo lo que se debía mostrar, Es el ideal.
B) Artistas colaboradores y seguidores de estos genios. Hablamos de Romano Julio, fiel
intérprete de Rafael, Andrea del Sarto, fiel de Leonardo, Pantormo de los dos y Primaticio, fiel
seguidor de Rafael.
C) Pintores manieristas: de 1520 al 1600 se da la época llamada de Bajo Clasicismo o
Manierismo, con características propias que definiremos más adelante. Existen tres tipos de
manierismo: de la composición. de la luz, y del color. Existen también tres pintores que representan
estas tres formas de manierismo: el Parmigianino y Antonio Allegri (el Corregio) y el Bronfino.

Aparte de estos tres grupos de artistas existe una escuela que va a evolucionar paralelamente
durante todo el siglo XVI: es la Escuela Veneciana formada por Giorgione, Tiziano, Veronés,
Tintoretto y los Vasano.

1.1 Artistas mayores

1.1.1 Leonardo De Vinci,
Es el ideal de artista integral renacentista aunque Miguel Ángel es más perfecto. El más
especializado de los tres en la pintura va a ser Rafael, aunque en su última etapa pictórica va a dejarse
influenciar por la violencia de Miguel Ángel.

Leonardo representa el ideal de hombre sabio y va a tener por eso una vida artística errante,
Será reclamado por diferentes mecenas. Nació en Vinci, un pueblo muy cercano a Florencia y en esta
ciudad se educó. Empezó sus estudios de Bellas Artes en el taller de Verroquio y ya en 1482 se
presentó al mecenas de Milán. Con él estuvo hasta el año 1499 cuando Milán fue conquistada por los
franceses. De allí volvió a Florencia y después a Roma donde coincidió con Rafael y Miguel Ángel.
Por último, en 1515 Francisco I de Francia lo llamó a Fontainebleau y allí trabaja hasta el 1519 cuando
muere. Este sería pues su último mecenas.

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Él se consideró más como hombre práctico que como pintor. Vivió de sus trabajos varios y no
de su pintura (cuya obra es muy reducida). Hacía diseños artísticos, trabajos científicos, bailes de
disfraces. En escultura siempre buscó dar la sensación de movimiento y sus bocetos iban siempre más
allá de las posibilidades técnicas. En todos los campos persiguió el más difícil todavía y en su pintura
no iba a ser menos.

Leonardo era un excelente dibujante sobre todo a la hora de representar el movimiento, aunque
el movimiento no es muy frecuente en la pintura de Leonardo. El color en su pintura tiene como base
la técnica del "Esfumato" o difuminado: se diluyen los contornos para integrar a la figura en el paisaje
o para representar rostros con sutiles expresiones. En su color se difuminan blancos y grises para
difuminar así el resto de los colores y lograr así aspectos expresivos sutiles, por ejemplo su risa
leonardesca, lo que da a la figura sensación de vida, de poesía, de misterio.

La Virgen de las rocas es un cuadro que no tiene precedente alguno que le sirva de
inspiración. Nunca se habían dado paisajes tan misteriosos e irreales como este. La pintura de
Leonardo aporta conceptos nuevos, tanto en iconografía como en el
paisaje. Las rocas son productos de su imaginación, es decir, una
ambientación realmente innovadora. Tiene dos grandes características:
el dibujo y el esfumato que se ve en los fondos vagos e irreales, las
rocas son de azul grisáceo y blanco pero con una especie de neblina
que lo difumina todo. El contorno de la Virgen no se ve, se mezcla con
el paisaje. En el dibujo consigue una composición muy clásica, tanto
que a partir de ahora el esquema triangular va a ponerse de moda en el
Renacimiento. Una pirámide o triángulo con la Virgen como ángulo
superior. Una composición muy ordenada que refleja un mundo muy
ordenado,, el triángulo recibe la iluminación principal. Las figuras están en reposo pero ciertos gestos
le dan algún movimiento a la escena: las manos señalando cosas por ejemplo, es una conversación de
gestos, es este suave movimiento el que caracteriza a la elegancia clásica, un dinamismo armónico que
está entre el estatismo y el movimiento acusado.

La última cena es su obra maestra. Es posterior a la primera (la Virgen fue realizada en Milán
entre 1483 y 1487 y la última cena es del año 1497). Fue un encargo del mecenas de Milán (la familia
de los Sforza) para el Refectorio del Convento de Santa María de las Gracias. El cuadro está muy mal
conservado por las guerras napoleónicas. Es la obra clásica por antonomasia y todos sus elementos
pictóricos están en armonía. La escena se desarrolla en una sala rectangular y Leonardo elige el
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momento de la acusación a Judas. Lo que busca en realidad es resaltar la figura de Cristo mediante
unas leyes de perspectiva. La habitación se nos muestra en profundidad, en perspectiva, con una serie
de líneas de fuga hacia el centro. Al fondo las tres ventanas dejan ver un paisaje que aumenta el
espacio. La perspectiva se armoniza con el momento, las
líneas de fuga confluyen en la figura de Cristo, el cual
está en el centro de la mesa en forma de triángulo con las
manos extendidas lo que le da sensación de reposo. El
resto de las figuras están agrupadas en grupos de tres y la
figura de Cristo es la anchura que separa dos de estos
grupos. En estos grupos las relaciones gestuales confluyen en la cabeza de Cristo pero cada gesto es
diferente. Judas es el único que muestra un gesto de rechaza hacia Cristo, A Pedro se le ve amenazador
(intenta captar la sicología de cada personaje). Del color no se puede decir nada porque no se
conserva, únicamente percibimos la armonía de los tonos. Cada rostro es perfectamente distinto a los
demás reflejando la sicología de cada apóstol y esto lo consiguió retratando a diferentes personajes de
la calles, vagabundos y pordioseros. Se preocupó por la individualización y la captación de la
personalidad de todos sus personajes.

La Gioconda es el retrato de una mujer real: Mona Lisa, tercera esposa de Giocondo de
Florencia. Cuando la pintó tenía treinta años. Su pose es sencilla y lo
más importante de esta obra es esa imperceptible y poética sonrisa, es
una misteriosa sonrisa que refleja toda una personalidad. Es una obra
representativa del estilo de Leonardo, y podemos observar las
principales características de su pintura, el esfumato en el paisaje de
fondo envuelto en neblinas con rocas fantásticas. Todos los colores
están trabajados a base de blancos y grises que diluyen las formas e
integra a la figura dentro del paisaje. Son tonos aterciopelados, medios
tonos difuminados. Esa sonrisa ha sido el paradigma de la pintura desde
siempre. Fue estudiada por todos los pintores incluso por Froid. Precisamente fue Froid quien reveló el
carácter homosexual de Leonardo a través de esta expresión. Sólo alguien que siente como una mujer
pudo convertir toda la esencia de lo femenino en una sonrisa. Leonardo supo captar la esencia de la
psicología del eterno femenino. Es una sonrisa ambigua que rebosa felicidad como si degustara con
una cierta maldad interior todo lo que había conseguido, es decir, casarse con una de las personas más
ricas y ser admirada en toda Florencia.

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El retrato de Leonardo no buscaba sólo el parecido sino conseguir que el retrato siga viviendo
fuera de su original, captando su psicología y su esencia interior. Eso es lo que consigue Leonardo en
este retrato.

1.1.2 Rafael
A pesar de su corta vida, realizó una obra es muy extensa (sus obras y las de su taller). Nació
cerca Urbino y murió a los 37 años en Roma. Su vida artística tiene 4 etapas:

A) La etapa de Urbino, hasta los 18 años
B) La etapa de Perugia, del 1501 al 1504, donde acusa el influjo de la escuela de Umbría y
del Perugino en particular
C) La etapa de Florencia, de 1504 a 1508, donde acusa el influjo de Leonardo
D) La etapa de Roma, de 1508 a 1520. Allí es llamado por el Papa para decorar el palacio
papal y es su época más fructífera,

Rafael es el que mejor representa la perfección del Clasicismo en la pintura. Realmente no es
original en sus temas pero él realiza la síntesis creadora que convierte todos sus cuadros en rafaelescos.
Se dejó influir por Leonardo y Miguel Ángel pero no plagió a ninguno de los dos. Esa síntesis creadora
la realiza a través de un dibujo perfecto y un total dominio del color. Sus colores son claros,
esmaltados y delicados. Para cada tema presenta una gran variedad de recursos compositivos.

De las dos primeras etapas no veremos nada por que su obra es es-
casa e infantil en cierto modo. De la tercera etapa es el tema de las
madonas (hizo en total 15 madonas). Por la repetición de este tema se
consideró a Rafael un pintor dulzón y hortera, con poca imaginación, pero
hay que tener en cuenta que el tema de las madonas gustaba en Florencia.
La familia de los Médicis habían vuelto después de la rebelión
protagonizada por el predicador Savonarola y con ellos el arte vuelve hacía
unos tintes afables, agradables, no comprometidos y sin iconografías
complicadas, es decir, una pintura bella sin demasiados trasfondos. Por
eso Rafael pinta en esta época todas estas madonas. Pero a pesar de todo
Rafael, que en este tema se presta tan poco, emplea casi siempre la composición triangular dentro de
una gran variedad, dándole al conjunto una sensación de reposo y equilibrio muy clásicos. La Madona
del Gran Duque tiene un rostro parecido a la Mona Lisa, por eso el influjo de Leonardo aquí es
evidente. Inclinación del eje de simetría para dar esa sensación de reposo y de ternura a la vez.

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La Madona de San Sixto tiene un color más real y la escena es
más teatral, con unos arcos que cumplen la función de telón, Aparecen
dos niños juguetones y tiernamente humanos. Los colores son más
opacos, con más fuerza, De nuevo nos encontramos con esa composición
triangular tan equilibrada, tan clásica.

El retrato del Cardenal es un
ejemplo de retrato psicológico. Nos
demuestra Rafael su completo dominio del color en ese rojo brillante de
la túnica del cardenal, un rojo con una calidad táctil que muestra in-
confundiblemente la seda. El rostro aparece anguloso, altivo, distante,
inteligente, no familiar, severo, de un joven cardenal político de dura
personalidad. Sus ojos asimétricos mirando en diagonal manifiestan su
vida interior.
La escuela de Atenas es una obra de la época romana. Aquí nos encontramos con el Rafael
más grande y más clásico. El Papa lo llama para que decore algunas estancias del Vaticano,
exactamente son 4 y las 4 forman un conjunto jerarquizado de frescos en las paredes. Es un auténtico
complejo mural el que forman estas cuatro estancias que son: El incendio, La asignatura, De Heliodoro
y de Constantino. El fresco de la Escuela de Atenas está en la estancia de la Asignatura.
El conjunto está concebido con armonía, con una
fuerte jerarquización de las figuras, con un clasicismo
perfecto. Los amplísimos espacios abovedados son la
escuela en sí. El marco arquitectónico es monumental y
tiene el sentido de monumento a la sabiduría de los clásicos,
monumento al clasicismo en sí y por lo tanto monumento a
la humanidad. Refleja una planta centralizada ( entonces en
arquitectura era la estructura más perfecta y más clásica). Es un templo imaginario y simbólico de la
sabiduría. Los personajes que aparecen son científicos desde la Antigüedad hasta su época (aparece
Platón. Aristóteles, etc) pero pintados con rostros contemporáneos e individualizados. Por ejemplo
Platón está pintado con la cara de Leonardo ya bastante anciano. Aristóteles y Platón están en el
centro y rodeados de otros filósofos. Rafael quería representar las dos tendencias filosóficas opuestas:
método ideológico o método científico. Hay otros grupos rodeando a los maestros. Los rostros son
individualizados pero serenos, bellos en su senectud y muy clásicos. Los gestos son variados,, el color
armónico y el dibujo y la anatomía perfecta. El canon para las figuras es también el clásico en sus
proporciones. Es el culmen del clasicismo.
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En el Incendio del Vorgo es donde empieza Rafael a decantarse por un cierto manierismo.
Rompe el equilibrio armónico entre el fondo y la forma ya que emplea técnicas manieristas. Expresa
un hecho histórico, un incendio que sofocó milagrosamente
el Papa. Deja a un lado el clasicismo y acude a fórmulas
manieristas como relegar la escena principal a un segundo
plano o a un lateral. La escena del incendio se encuentra en
un lateral y apenas se ve. Además existe una
descomposición de espacios. Al fondo está sentado el Papa,
rodeado de una multitud que lo aclama. Es pues otra escena
principal que también va al fondo, en un segundo plano. Después hay un espacio vacío de gente y en el
primer plano a la derecha la gente se amontona. Está creando esa angustia de espacio tan característica
del manierismo que sirve para expresar una tensión. Los gestos son sin energía vital; se les ve un cierto
desencanto vital propio también del manierismo. En cambio el dibujo y los estudios anatómicos son
perfectos, como siempre, Emplea ya cánones de un manierismo incipiente, cuerpos alargados y
reduciendo el tamaño de la cabeza. Estos detalles manieristas serán exagerados por los discípulos de
Rafael, llegando así al manierismo pleno.

1.1.3 Miguel Ángel
Se consideraba más escultor que pintor. Pintó menos que esculpió y siempre a la fuerza. Pero
todo lo que pinta es monumental gigantesco y escultórico. Trabajó mucho y le agobiaron siempre pero
él siempre creó arte.

Su estilo proviene de su escultura. Se desentiende del paisaje y de lo anecdótico. Tiene un
concepto de la pintura monumental. Pinta grandes héroes, arquetipos de Mesías, hombres grandes en
cuerpo y en alma.

La Capilla Sixtina le costó 4 años, desde 1508 a 1512. Según el encargo, debía pintar la
historia del Universo en 9 grandes paneles sobre el techo. El encargo era del Papa Sixto IV y una vez
concluida le encomendó la decoración del Testero en la misma sala. Tuvo que trabajar en condiciones
muy duras, echado sobre los andamios y pintando figuras monumentales, dos veces el tamaño natural.
Tuvo que tomar una perspectiva adecuada para ser vista desde abajo. Son 9 paneles inspirados en el
Génesis y se leen desde el altar y hacia los pies de la capilla. El tema va desde la creación de la luz
hasta la embriaguez de Noé (alegoría del pecado), pero él empezó al revés y ello explica que el final
tenga más figuras que el principio en el altar (porque se cansaba).

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Hay elementos ficticios arquitectónicos, unos
triángulos monumentales que enmarcan unas figuras
monumentales. Estos elementos sirven para dividir las
escenas y a la vez para crear espacios sobre los que situar
figuras que no entran en ninguna escena. Es precisamente
en estas figuras donde Miguel Ángel desarrolla los
primeros elementos manieristas de su pintura. Desarrolla
el equilibrio inestable del manierismo entre figuras que se
sientan mal en estructuras insuficientes, posiciones antiestáticas que provocan una tensión, parece que
están a punto de caer.

Dios y Adán describe el tema de la creación del hombre como una prolongación de Dios. Los
dos están unidos por un dedo. Encontramos ese aspecto
hercúleo y monumental de todas las figuras de Miguel
Ángel. El color es austero y de carácter escultórico porque
él piensa como escultor. Pertenece a una escena de la parte
primera (por lo tanto del final del trabajo) y por eso hay
pocas figuras de carácter monumental. Prescinde del
paisaje y lo reduce a una mínima expresión.

El Testero es la última obra pictórica de Miguel Ángel (1535-41). Podemos observar un
cambio total. El color es más sombrío, más agrio, con un predominio de azules y con una visión muy
tenebrista del juicio final. Los rostros son severos y la figura central es la de Dios. Éste aparece
castigador, condenador y atormentado. Lo representó
desnudo y después se le puso un velo. Miguel Ángel lo
quería desnudo para hacerlo semipagano, es decir, una
idea encerrada en un cuerpo material y pagano, el de
Júpiter. En otras figuras del mismo conjunto sí
permitieron los desnudos. En definitiva es un arte más
tremendo y con un concepto más dramático del Juicio
Final: un torrente de cuerpos desnudos que caen al
fondo infernal. Las figuras están agitadas, desproporcionadas, de gestos muy duros, de cuerpos
excesivamente alargados, casi expresionistas.

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1.2 El Manierismo

Durante el resto del siglo XVI se producen cambios estilísticos notables que se apartan del
clasicismo, incluso van contra él, pero que tampoco se acercan al Barroco. Es la etapa manierista, un
arte refinado, amanerado, muy elitista, que exagera los defectos finales de los maestros clásicos. Este
estilo refleja una sociedad en crisis, es el declive del equilibrio renacentista, y frente al orden de un
mundo racional, se empieza a imponer el desorden de un mundo irracional.

El origen del término se encuentra en la expresión italiana de crear arte “a lla maniera di”, es
decir, pintar, esculpir o construir a la manera de los tres grandes maestros pero amanerando y
exagerando su estilo y sobre todo exagerando los elementos finales de cada uno de estos maestros, los
elementos anticlásicos. Refleja la crisis cultural del clasicismo. Es un arte refinado, ingenioso,
minoritario y cortesano. Refleja también el antivitalismo de una época, acentúa un despliegue de
fuerzas pero sin vigor espiritual: son figuras que trabajan mucho para no hacer nada.

Pero no podemos entender este arte si no analizamos un poco la coyuntura histórica que lo
rodea. Estamos en una encrucijada de cambios políticos y religiosos que impiden la convivencia
desahogada del optimismo humanista. Italia se ha convertido en un campo de batalla ya que Francia y
España se disputan el dominio de la zona. El punto álgido de la contienda se da en el saqueo de Roma
por las tropas de Carlos V. Por otra parte la Reforma Protestante agudiza la crisis al poner en tela de
juicio la supremacía de Roma.

Características:
A) Liberación del culto a la belleza clásica, a la serenidad al equilibrio y a la claridad del
Renacimiento. A veces se trata de hacer lo contrario de lo que se hacía en el Renacimiento.
B) Alejamiento de la realidad. Las obras reflejan una tensión interior que termina en el
irrealismo y la abstracción olvidando la fidelidad a la realidad del Renacimiento.
C) Es un arte intelectual, refinado y cortesano, por eso no tuvo expansión en las clases
populares y quedó reducido a ciertas élites.

En pintura las características propiamente dichas son:

A) Angustia del espacio. Se descompone el espacio racional clásico y se desequilibra. Zonas muy
vacías junto a zonas muy llenas, composición irregular y descompensada, sin ejes de simetría

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B) Inestabilidad de las figuras. No están en reposo pero tampoco en movimiento. Están en un
equilibrio inestable, a punto de caerse.

C) El dibujo es deformador de la realidad. Se imponen las curvas largas, la línea "serpentinata” de
doble curva. Dibujo sofisticado y artificioso para acentuar los gestos y los escorzos.

D) El colorido está pensado sin valor plástico, no sirve para modelar sino para decorar. Los
colores preferidos son molestos, agrias combinaciones de azul y verde, de diferentes amarillos
sucios, son colores inarmónicos, ácidos y fríos, todo lo contrario al color suave del Renacimiento
clásico.

Existen diferentes características de manierismo para cada arte pero eso lo veremos cuando
veamos escultura y arquitectura manierista. También existe una literatura manierista. En realidad es
un movimiento global que abarca todas las facetas de la cultura.

En pintura lo más característico es el Parmigianino y la obra más
claramente manierista es su Madona del cuello largo. La deformación
aquí es total y producida principalmente por el dibujo. El niño esta
ridículamente alargado y la figura de la Virgen es lo más anticlásico que
existe, de cabeza pequeña, cuello desmesuradamente largo y un cuerpo
que se agranda progresivamente y vuelve a disminuir en forma de rombo.
A la derecha hay un montón de gente y a la izquierda un paisaje infinito y
desierto de gente. El punto de vista es muy bajo y así la Virgen aparece
monumental ocupando todo el cuadro, como si no tuviera suficiente
espacio. La línea serpentinata aparece en el niño y en la Virgen. El
concepto de este cuadro era muy revolucionario, sobre todo cuando la gente aún estaba acostumbrada a
las formas renacentistas. El color, el dibujo, la composición, todo en esta obra es manierista.

1.3 La Escuela Veneciana. (s. XVI)
También ella sufrirá la misma evolución hacia el manierismo pero con matices distintos. Se
dejó influir por los grandes maestros pero ella también influirá en toda la pintura italiana e incluso
europea: en Alberto Durero, en los españoles, el Greco, por ejemplo. En su etapa final es el precedente
de las escuelas barrocas por ejemplo en España, donde llegan dos corrientes: Caravagio y la escuela
veneciana. También influye en el Barroco flamenco, en Rubens, etc. Sus obras fueron muy cotizadas y
sus autores salieron a Europa. Así hoy su obra esta esparcida por todo el continente
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Características
• Desarrollan las dos técnicas, óleo sobre lienzo y pintura mural al fresco. Las dos tienen las
mismas características pictóricas.

• Tienen gran afición por el lujo, vestidos suntuosos, composiciones numerosas donde
abundan los objetos de la vida cotidiana. Es la expresión del alto nivel de vida
veneciano, algo de lo que estaban muy orgullosos y de lo que hacían gala siempre que
podían. A veces llega hasta tal punto que los detalles esconden la escena principal que
suele ser religiosa.

• Un sentido lujoso también del color, calidades táctiles de una gran densidad, colores
cálidos, más propios para este ambiente opulento.

• Importancia protagonista del paisajes, con una visión poética y romántica, donde el
paisaje es la escena principal pero siempre vista a través de un prisma de luces tamizadas que la
convierten en idílica.

1.3.1 Giorgione

Tiene unas características que coinciden plenamente con las generales de su escuela. Giorgone
nace en 1476 y muere en 1510. Toda su obra se desarrolla en Venecia. Creó un taller donde Tiziano
fue discípulo suyo y colaboró en algunas de sus obras. Es el pintor más comprometido con el paisaje
veneciano.

En La tempestad, (1503-04) el tema en sí es un enigma. No
se sabe lo que representa. Aparece una mujer amamantando a su niño
y un caminante al otro lado. No se sabe siquiera si quiere decir algo o
sólo es una escena anecdótica y sin importancia. Lo que está claro es
que el protagonista es el paisaje, más propiamente la tempestad, ella
es la que da el tono cromático a todo el conjunto, una gama de verdes
azulados en tonos oscuros. La tormenta es también la que crea esa
iluminación irreal producida por el rayo y el relámpago. Las figuras están ajenas a la tempestad,
iluminadas como el resto del paisaje pero de una forma independiente. Recorta las casas y las siluetas
de los árboles con una luz imaginaria, casi tenebrosa.

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El Concierto campestre parece un cuadro mitológico. Aparecen dos muchachas desnudas y
dos hombres hablando entre sí y tocando el laud. De nuevo nos encontramos con un tema anecdótico,
esta vez mucho más frecuente y clásico, pero lo más
importante es el paisaje. Hay en esta obra una mayor variedad
cromática, tonos dorados de los cuerpos para modelar unos
cuerpos femeninos que siguen el canon de belleza del
Renacimiento, rojos aterciopelados propios de la escuela
veneciana y los densos verdes. Todos ellos crean esa
sensación de armonía, de atmósfera densa, cálida, sensual y
muy clásica.

1.3.2 Tiziano

Es el pintor más representativo de la escuela. Vivió 89 años de plena actividad pictórica (1487-
1576). Se formó en el taller de los Bellini y fue un pintor de éxito y fama. Fue solicitado por todas las
cortes italianas: 1509 en Padua, 1516 en Venecia donde fue pintor oficial, 1523 en Ferrara, 1545 en
Roma al servicio del Papa, l547 en AIemania al servicio de CarlosV, etc, La última etapa de su vida la
pasó en su Venecia natal.

La Alegoría del amor sagrado y el amor profano es una obra de juventud. Aquí podemos
hacer un estudio profundo de iconografía. El amor sagrado se asocia con la figura desnuda y el amor
profano o vanal con la figura del
vestido luminoso. El desnudo en esta
época y desde la sociedad griega es
el reflejo de la belleza ideal y de la
franqueza, de la pureza, es el amor
sublime de la razón. En contra está
el amor material, carnal y pasional, adornado para gustar más. Las dos figuras están sentadas sobre un
estanque y detrás hay un cupido agitando el agua como diciendo que lo que fecunda todo es el amor.
El paisaje del fondo también es moralizante y alegórico: detrás del amor profano hay un paisaje
campestre con un castillo que representa a la ciudad terrenal y detrás del amor divino hay un paisaje
más bucólico con una iglesia al fondo. Esto nos muestra el nivel de cultura humanista que había en
Venecia, un humanismo sensual representado por el lujo, la calidad y el refinamiento.

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La gran bacanal es el típico cuadro mitológico y pagano. Representa la alegoría del vino con
el dios Baco. Al autor le interesa destacar la belleza de este mito y la Bacanal le interesa por dos
cosas: representar a las figuras y después representar un
paisaje que se fusione con ellas. El protagonista es el vino y
por eso lo pone en el centro de esa composición triangular
una composición subyacente no tan clara como en el cuadro
anterior. Hay una gran visión de profundidad en el paisaje.
Por estas características Tiziano se sitúa paralelamente a la
perfección clásica de Rafael.

La Crucifixión es un cuadro de la última etapa de su vida cuando su concepción de la pintura
ha variado mucho. Concibe los cuadros como una mancha previa de color para acentuar la
expresividad. Ya no le interesa el clasicismo de su primera etapa. Aparecen las figuras recortadas
sobre un ambiente oscuro. Para dar la sensación de pintura grumosa, con mucho cuerpo, Tiziano
recurre a la técnica de pintar con los dedos. Esta forma de aplicar el color, junto con los tonos oscu-
ros, es lo que contribuye a crear este ambiente dolorido y sórdido.

1.3.3 Veronés
Es el pintor más ilustrador del lujo y de la alegría venecianas. Nació en 1518 y murió en 1588.
Hace sobre todo pintura decorativa de carácter mural y teatral. Decora palacios y casi todas las villas
campestres que construyó Palladio. Opuesto a Tiziano, es mucho más veneciano que él. LLega a
Venecia y se da a conocer como decorador de Iglesias. El concepto de la decoración mural lo traslada
a los lienzos. Sus temas son casi siempre religiosos pero llega a perderse por el volumen de objetos de
lujo y por el marco monumental.

Jesús comiendo en casa de Leví es una obra donde el marco arquitectónico llega a ocultar la
escena. La comida esta ocultada por el arco de
triunfo de Venecia (símbolo del triunfo de la
ciudad y de su economía). El fondo está
compuesto por edificios clásicos, símbolo de la
armonía que reinaba en la ciudad. En el centro
del arco está la comida. En los lados están las
clases altas de Venecia. No tiene nada de religioso y en algunos casos tuvo problemas con la
Inquisición. Muestra los vestidos y objetos de lujo, colores fuertes y composición numerosa.

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1.3.4 Gacopo Robusti (Tintoretto)
Nace en 1518 y muere en 1594. Es el que más evolucionó en esta escuela y se incorpora
plenamente al manierismo. Interpreta temas ya bajo una óptica casi barroca. Por eso es el pintor más
atípico de la escuela. Practica experimentos porque le interesa el dinamismo y la expresión tanto por
el dibujo como por la luz. Su influjo más importante fue el del Greco.

En El lavatorio de los pies, de la escena de la Última Cena, elige lo más trivial, cuando Cristo
lava los pies a sus discípulos. Sitúa a Cristo a un
lado para hacerle perder importancia. Esto
supone un cambio iconográfico muy peligroso.
En el centro pone un perro, que es un detalle
manierista. Ocupa el espacio de una manera
desigual. Hay una gratuidad de movimientos y una movilidad muy manierista. Frente al gran vacío,
sitúa la mesa en perspectiva.

El rapto del cuerpo de San Marcos es una marco irreal,
imaginario y sorpresivo. Hay un cielo de tormenta aborrascado,
figuras que huyen de algo frente a las centrales. Colorido manierista,
el cuerpo de cara al espectador siguiendo el gusto manierista. Gran
vacío en el cuadro y exagera la perspectiva.

1.3.5 Los Bassano.

Tanto el padre como los hijos jugaron un papel importante como difusores de la pintura
veneciana a través de sus cuadros pequeños, que fueron los que más se exportaron fuera. Pero ellos
también marcan el final de la evolución de esta escuela. Se basan en caracteres anecdóticos.
Representan muchos objetos con gran eficacia realista y naturalista: corderos árboles, pero les falta
profundidad de planteamientos.

La Escena del paraíso terrenal es casi todo paisaje, una gran llanura en el lado opuesto a
nuestros primeros padres, representando muchos animales: ovejas, cabras., gallos, etc. Sus cuadros,
como este, pasan por ser escenas de género más que pintura religiosa ya que el tema queda totalmente
encubierto. No son grandes creadores pero influirán mucho en la pintura española del siglo XVII.

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2 Arquitectura del s. XVI en Italia

Representa el clasicismo y la perfección de todos los planes del s.XV. No sólo la perfección
técnica sino también emblemática, el edificio se convierte en emblema. Serán de planta centralizada,
tanto en edificios grandes como en pequeños. Del 1500 al 1525 se dan los años de pleno clasicismo.
A partir de aquí, la arquitectura va a ir por sentidos diferentes y sobre todo la religiosa. A partir de
esta fecha hay que diferenciar entre arquitectura civil y religiosa. La religiosa vuelve a la tradicional
planta longitudinal por influjo del Concilio de Trento. En la arquitectura civil tiene entrada el
manierismo (que en lo religioso es más comedido). Palacios y Villas serán las más manieristas.

Focos: El principal ahora es Roma (y no Florencia), la cual emprende una labor constructiva
imponente sobre todo en el Vaticano. Después Venecia, sobre todo en la segunda mitad del siglo
XVI, encontrando su arquitecto preferido en Palladio, el cual realiza casi todos los palacios y villas
rústicas de Venecia. Después está Milán, la cual mantiene un esfuerzo constructivo desde finales del
siglo XV. Pero Florencia, Mantua y Verona no pueden olvidarse tampoco.

Arquitectos: En Roma trabaja Donato Bramante (1454-1514). Hasta el 1500 trabaja en Milán
y después en Roma. Antonio de Sangallo es una figura que va unida a Miguel Ángel, quizá el principal
arquitecto de este siglo, aunque empieza como arquitecto tardíamente, en 1546. Gacopo Varoci,
Viñola (1507~1573) será con Palladio los teóricos de la arquitectura de este siglo, y en Venecia,
Palladio representa el final reinterpretativo del clasicismo.

2.1 Donato Bramante
Realizó tres obras en Roma: El templo conmemorativo de San Pietro in Montorio, el primer
proyecto de la Basílica de San Pedro Vaticano y la Exedra o belvedere del Vaticano (unir dos alas del
jardín).

San Pietro in Montorio fue mandado construir por los Reyes
Católicos para dedicarlo a San Pedro. Tiene dos niveles, uno inferior que
hace de cripta y otro superior también de planta circular. Observa un
gran purismo arquitectónico sin ninguna concesión a lo ornamental.
Aplicación rigurosa de un módulo pero con una concepción
arquitectónica muy rigurosa y severa, basándola con orden, medida y
proporción. Esto va a servir de idea para San Pedro Vaticano. Realza los

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elementos arquitectónicos con deferentes colores al igual que Brunellesqui, Sigue un orden dórico
perfecto y clásico. Este templo intenta ser la perfección clásica y la demostración de que la planta
centralizada era la más perfecta para dar ese sentido de armonía que tanto interesa en esta época. La
planta centralizada no servía para los ritos religiosos del catolicismo ni se adapta bien para acoger a
las gentes. Pero todo esto no tiene importancia. Aunque el edificio no sirva para hacer las funciones
de templo, sí sirve para plasmar el ideal de armonía y la expresión de la perfección. Tiene un sentido
de edificio griego, realizado más para la contemplación del hombre, para causar un placer estético,
que para que sirva como templo. El piso inferior es como un perístilo de columnas dóricas y el piso
superior está rodeado de una abalaustrada. Se alternan en el muro nichos y pilastras paralelas a las
columnas.

Proyecto de la Basílica de San Pedro. El Papa Julio II encargó a Bramante el proyecto de una
nueva basílica de San Pedro Vaticano. Bramante la diseñó siguiendo
los presupuestos de San Pietro, es decir, de planta centralizada, de
cruz griega, de 4 brazos iguales articulando los espacios
entorno al crucero que sostendrá la gran cúpula y en los rincones
otras 4 cúpulas más pequeñas entre brazo y brazo y con torres en
las esquinas. El proyecto era de lo más clásico que se había
visto, a pesar de que te- nía un defecto: no tenía una fachada principal
ni puertas monumentales. La cúpula constaría de un
tambor columnado y una semiesfera con linterna. Este plano no se llevará a cabo por la muerte de
Bramante pero va a influir mucho en el resultado final. Muerto
Bramante tomó las riendas de la gigantesca obra Rafael, el cual murió
también al poco tiempo. Entonces se hizo cargo Antonio de Sangallo,
el cual vuelve a la planta centralizada (Rafael la quería longitudinal).
Pero Sangallo también murió al poco tiempo (en 1546) y como nadie
quería las obras porque estaban malditas las tuvo que coger el esbirro
del Papa, Miguel Ángel, el cual simplificó el plan para acabar cuanto
antes.

2.2 Miguel Ángel
Sigue fiel a la planta centralizada pero pone una fachada monumental con columnas
gigantescas y unas grandes escaleras. No pone torres en las esquinas y resalta la gran cúpula como
símbolo del cobijo que la Iglesia Católica da a la Humanidad. Deja las 4 pequeñas cúpulas de los
ángulos y deja el final de los brazos en redondo para simular mejor la planta circular.
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También cambió la forma de la cúpula, no respetó la tradición clásica y se inspiró más en la de
Brunellesqui de Florencia (texto). Es una cúpula ligeramente peraltada y apuntada, resalta los gruesos
nervios que así resaltan a su vez el peralte. Tiene un doble tambor y una
linterna. En el primer tambor hay una ruptura de la armonía diseñada por
Bramante hacia lo manierista y monumental con unas grandes columnas
dobles que son el origen de los nervios de la cúpula. Entre esas columnas
dobles pone frontones triangulares y redondos alternantes como si se
tratara de un edificio. El segundo tambor actúa como un gigantesco
entablamento. En la cúpula abre tres filas de ventanas falsas (otra
característica manierista. Cuando acabó Miguel Ángel esta cúpula ya
estaba realizada la cruz griega de la Iglesia pero no su fachada. Todavía falta la aportación de otro
arquitecto: Maderna, pero eso lo veremos más tarde. Ahora seguimos con Miguel Ángel.

El Palacio Farnesio lo empieza a construir
Sangallo y lo termina en 1546 Miguel Ángel. Hace un
palacio muy normal, como todos, palacio bloque y
homogéneo como el típico palacio florentino, Diferencia
los tres pisos por el modo de diseñar los vanos. Miguel
Ángel quiso darle un eje de simetría y quitarle el aspecto
de bloque y por eso puso un almohadillado en el primer piso y en el segundo un balcón como si fuera
de entrada de la casa (era el piso noble) y luego acaba en cornisa. En el primer piso los vanos no
tienen frontón, en el segundo lo tienen triangular y circular alternados y en el tercero son todos
triangulares.

La escalinata de la Biblioteca Laurentina la concibe monumental, utiliza todo el espacio que
se le da y utiliza sólo elementos arquitectónicos, sin ningún
tipo de decoración añadida. Tiene tres tramos inferiores que
se unen en uno sólo superior. La escalera se destaca por su
color gris sobre las paredes blancas. Utiliza también ventanas
falsas, soportes desmesurados y una sensación de agobio por
la utilización del espacio, todo ello son características
manieristas.

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2.3 Vignola
Trabaja mucho con Miguel Ángel. Arquitecto y tratadista, publica en 1562 las Reglas de los 5
órdenes de la arquitectura que será el libro de enseñanza más difundido en el mundo hasta el siglo
XIX. Es un tratado donde resume los principios de la arquitectura del Renacimiento. Hace obras
religiosas y profanas donde ensaya soluciones manieristas.

La Iglesia del Gesú: La portada no es de Vignola sino de Jacomo de la Porta que la hizo más
económica. Pero el resto influyó mucho en Europa. Tiene planta de
cruz latina con una sola nave pero con capillas laterales y con un crucero
muy corto. Una cúpula en el crucero por donde
entra la luz principal. El juego de luces está
estudiado para que dé la impresión de que es una
planta centralizada. La sensación es de
unificación espacial. La luz es un factor
calculado que entra por la cúpula y vanos
laterales, luego hay una penumbra para cortar la nave central y así, aunque es
una Iglesia de cruz latina, su iluminación la convierte en una de planta
centralizada.

El precedente de esta iglesia es San Andrés
de Mantua de Alberti. En las capillas laterales que están comunicadas entre
sí, se podrían realizar misas privadas sin que tengan nada que ver con la
misa principal del altar mayor. Las últimas naves laterales pegadas a la
cúpula central no tienen vanos para que se produzca una zona de sombra
que aísle esa zona central de los pies de la Iglesia. Por encima de las
capillas laterales hay un corredor que rodea la Iglesia con un barandado de
celosía para que los nobles no se mezclen con el pueblo. La decoración
interior que vemos es barroca y posterior a Vignola. La decoración original del autor era más bien
somera y purista.

2.4 Andrea Palladio
Estudió arquitectura en Roma. Es además tratadista y su obra fue amplia. Realizó edificios
religiosos, villas en el campo y edificios civiles como palacios urbanos. Como tratadista tuvo
influencia en toda Europa y en Inglaterra principalmente. Publicó en 1570 Los 4 libros de la
arquitectura que fue el manual para las construcciones renacentistas.
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Su estilo es difícil de definir. No se comporta como un manierista, cuando casi todo el mundo
lo hacía (estamos en la segunda mitad del siglo XVI). Resume el final del clasicismo pero con
imaginación y como una vuelta a la arquitectura romana con toda su pureza, una vuelta al clasicismo
pero con nuevas proporciones y buscando nuevas armonías. Representa para toda Europa y sobre
todo para Inglaterra, el final del clasicismo.

La Iglesia de San Jorge fue realizada entre 1565 y
1580. Es una Iglesia de planta de cruz latina de tres naves con
una cabecera distinta de ábsides planos. Pero lo que más
importancia tiene es su fachada. Para empezar es un fachada
que parece que sostiene la cúpula que hay casi justamente
encima de ella. Es una fachada de poca altura para que no
resalte de los demás edificios que tiene al lado. Pero el
esquema de fachada es el ensamblaje de dos frontones: uno central y otro idealizado que arrancaría en
los lados e iría por detrás de la fachada. Utiliza una escala particular para las columnas de esta fachada
para que resalten en monumentalidad. Por eso se reconoce a Palladio como el creador de este "orden
gigante"

La Villa Capra. El mayor éxito conseguido por Palladio se debe a sus villas campestres. Son
tratadas como verdaderos templos y consigue además integrar la arquitectura con el paisaje. Esta villa,
también conocida como La Rotonda, es de planta
centralizada y de una simetría rigurosa. Es el resultado de la
aplicación del concepto de planta centralizada (que es
religiosa) a un edificio civil. Tiene una cúpula en el centro
y cuatro fachadas exactamente iguales con un pórtico
exástilo y una escalinata en cada una de las fachadas. El
esquema es sencillo y muy clásico.

En esta época se dio una moda de vivir cerca de la Naturaleza y la nobleza urbana de Roma
sale al campo, proliferando así estas villas de las que Paladio construyó además la Villa Foscani o la
Villa Bárbara por ejemplo. Estas villas con pórticos a la entrada parecen haber originado, a través de
Inglaterra, el tipo de mansión del Sur de los EEUU.

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2.5 Características generales del Manierismo en la Arquitectura.

Hay una ruptura del equilibrio o no correspondencia entre soporte y elemento soportado, entre
apoyo y peso. Hay apoyos frágiles con entablamentos pesados. Hay un uso ambiguo de las formas:
un elemento arquitectónico puede tener a la vez una función de sustentación y otra de enmasca-
ramiento o de ocultación de la estructura interior del edificio, por ejemplo líneas horizontales en la
fachada que no se corresponden con otro piso superior en el interior., columnas que no sostienen nada
o que sostienen un entablamento falsos, solamente representado en un muro.

Hay también una búsqueda intencionada de efectos de discordancia entre forma y función:
ventanas que no sirven para nada por ejemplo. También hay una discordancia entre el espacio interior
y el exterior que lo envuelve, fachadas planas en edificios de planta circular o puertas demasiado
grandes para la pequeña estancia a la que dan acceso.

Hay también un empleo de formas artificiosas, a los órdenes clásicos se añaden otros nuevos,
alterados o muy imaginativos: columnas antropomórficas (cariátides). órdenes rústicos (con las
columnas de mampostería para hacer el edificio deliberadamente pobre), empleo de estípites
(combinaciones caprichosas de pirámides al revés).

La mayor parte de estas normas están dedicadas a trastocar y a poner del revés al clasicismo.
Parece como si los arquitectos se hubieran cansado del clasicismo y lo quisieran ridiculizar haciendo
todo justamente al revés. Muchas de estas formas anteceden ya a lo que será la arquitectura barroca.

3 La escultura italiana del siglo XVI.

3.1 Miguel Ángel
Es prácticamente él. Todos los demás quedan ensombrecidos. Todos están influidos por este
maestro que lo absorbió todo. Hay un grupo un poco posterior a Miguel Ángel que son Cellini, Juan
de Bolonia y otros que se les considera manieristas por que insisten mucho en los detalles manieristas
de Miguel Ángel aunque les falta su vigor y su violencia interior.

Miguel Ángel trabaja primero en Florencia y después se traslada a Roma. Es el máximo genio
de la escultura. Él se consideraba escultor y sólo así podía expresarse al cien por cien. Le tocó vivir
una época favorable, tuvo los mejores mecenas y podía trabajar en libertad. Pero su vida es una lucha

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constante para poder crear en tranquilidad espiritual. Tenía siempre muchos encargos y no todos de su
agrado y sus mecenas le daban prisa para que trabajara más rápido.

Era un hombre de grandes ideas y quería plasmarlas a través de su escultura. Por eso su
escultura es muy intelectual e idealizada. No hizo retratos porque para él eso era demasiado particular.
Él sólo esculpía la salvación, la condena, el espíritu y la carnes, el destino del mundo, es decir,
grandes ideas y siempre desde un punto de vista dramático. Por eso la mayor parte de sus figuras son
dramáticas y tienen ese sentimiento que se ha denominado “La Terribilitá”, esa violencia interior, ese
enfado y esa visión tan catastrofista del mundo. Sus figuras están en ese preciso momento en que el
hombre va a pasar a la acción y se contiene, se contrae y se concentra para ello.

Trabajó sólo el mármol porque para él era el material más noble (y el más difícil). Él iba
personalmente a extraer sus bloques a una cantera muy cerca de Roma: Carrara. Una vez que tenía el
bloque dialogaba con él y conseguía meterse dentro de él para saber que gran idea escondía en su
interior. Cada bloque tenía ya su figura en el interior y sólo había que sacarla, que liberarla. Siempre
entendía la escultura como el arte de quitar lo que sobra en un bloque y odiaba la escultura de añadir o
modelar. Siempre tallaba directamente sin hacer saca de puntos, sin hacer un boceto previo, sin
dibujar nada en el bloque. Llevaba el boceto en su cabeza y tallaba directamente como si sacara su
figura del agua, primero lo que más sobresale, empezando por la parte frontal de lo que será la
escultura y acabando por la parte de atrás. Así, directamente, sacó de bloques de mármol siempre
monolíticos (el ensamblaje también estaba prohibido para é1) figuras como el David, de más de 4
metros de altura.

Siempre trabajaba sólo, por su carácter fácilmente irritable y porque cuando estaba creando no
vivía para nadie ni para nada. Dominó el estilo clásico monumental y sufrió una evolución hacia un
expresionismo cada vez más dramático. Abandonó el clasicismo y empezó a hacer un arte convulsivo,
pasional, dramático, de figuras inacabadas para acentuar el carácter de
provisionalidad de la obra de arte. Su carácter se fue agriando cada vez
más y eso se tradujo en la última fase artística de su vida.

Relieve de Florencia: Se titula La Virgen de la escalera. En su
juventud Donatello marcó su estilo y aquí se ve perfectamente. Poco a
poco va definiendo su estilo: no es narrativo sino anecdótico, buscando
esa anécdota graciosa y elegante dentro del más puro estilo clásico. Poco
a poco encuentra ese gusto por lo monumental y gigantesco.
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Allí en Florencia contacta con los Medici y con la escultura romana y este ambiente tan clásico
le influenciará mucho en esta época de juventud. De Florencia se traslada a Venecia, luego a Bolonia,
va errante por ahí desde 1496 hasta 1501. En ese año va a Roma de la que sólo saldrá una vez a su
Florencia en 1505 para establecerse ya permanentemente en Roma.

La piedad: En el 1498 realizó esta obra cuando contaba con 23 años. A pesar de su juventud
ya se atreve a romper con la tradición iconográfico en este tema.
Cambia la iconografía y la composición. Realiza una Virgen
adolescente y no madre para acentuar el dramatismo el dolor y para
reforzar la belleza de la Virgen y dotarle de esa eterna juventud. Es un
rostro bello donde se ve el dolor en su interior pero no en su exterior, Por
fuera es un rostro impasible, no doloroso. Es una obra de pleno
clasicismo, con una composición en perfecto triángulo, con el cuerpo de
Cristo adaptado a su relieve, con los dos rostros muy serenos. El
acabado de la figura es de un virtuosismo sin límites, los plegados son de
un realismo perfecto, la anatomía humana llega aquí al culmen de su
perfección. Quizá el cuerpo de Cristo está un poco alargado para acentuar su belleza. El mármol está
perfectamente pulimentado hasta en sus más mínimos detalles. A Miguel Ángel le costaba más el
trabajo de abrasión y pulimentación que el de esculpir propiamente dicho. Nunca estaba contento con
el resultado de sus obras hasta que las dejaba perfectas.

David: Texto. Tallada en bloque, mide 4 metros y 10 centímetros. Es una talla directa. Es una
escultura política encargada por la República de Florencia para que fuera el emblema de la ciudad
(David, conductor del pueblo judío, y daba la casualidad de que los Medici
eran judíos). Lo representa en ese momento de contención, de paso a la
acción, de mirada fija, la onda preparada (para defender a la República),
vigilando a Goliat (el enemigo comercial que podía ser Venecia o
Alemania). El cuerpo esta en tensión, como si fuera a saltar en un
momento dado, con los ojos excavados, el ceño fruncido, los músculos
del cuello tensos, la mano donde se resaltan las venas. La pose parece ser
serena, clásica, pero estos detalles nos reflejan el volcán que se está
preparando en su interior y la velocidad con que la sangre corre en su
cuerpo. Todo ello transforma lo que podría ser una perfecta obra clásica
en una obra maestra totalmente miguelangelesca,

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Tiene un punto de vista más importante que los demás que es el frontal. No es que Miguel
Ángel conciba sus figuras desde un punto de vista frontal. Sus figuras son siempre multifocales, y es
necesario darles la vuelta para ver toda su expresividad. Pero en el caso del David, el grosor del
bloque le impedía hacer una figura en redondo y tuvo que hacer una figura casi plana, con los
miembros pegados al cuerpo y con un punto de vista frontal que es el más importante aunque no el
único.

Moisés: (fil Mec) Era parte del mausoleo del Papa Julio II,
encargo que dicho Papa hizo a Miguel Ángel y que le tuvo ocupado al
artista 40 años, aunque el propio Papa lo distraía con otros encargos.
Miguel Ángel sólo pudo hacer del macro-proyecto el Moisés en 1513 y
dos esclavos.
Situada en una hornacina, concibió la escultura de Moisés como
saliendo del bloque, sin ensamblajes y con una escultura directa de quitar
lo que sobra. Introduce diferentes puntos de vista en la escultura, con expresiones diferentes que
sumadas nos dan el carácter expresivo: un iluminado mirando al Sinaí, con los ojos concentrados, con
la responsabilidad de ser conductor de un pueblo pero con la tragedia de no poder pisar la Tierra
Prometida. Con un ángulo más oblicuo la sensación es de mayor vigor, con un brazo en tensión y de
perfil, se ve la pierna semiflexionada también en tensión. Sumando todo esto vemos la posición
sentada pero a punto de levantarse, inestable, en tensión. El acabado es perfecto como en las demás
figuras, mármol pulido con resalte de tendones y venas en brazos y piernas, con plegados en vestido y
barba realizados a trépano. Es otra obra perfecta, inmortalizando un segundo, un momento antes de
pasar a la acción

Panteón de los Medicis. Tumba de Juliano. Entre 1520 y 1524 Miguel Ángel va a Florencia
para realizar este panteón en una sacristía de la Iglesia de San Lorenzo, realizada
por Brunelleschi. Él diseña todo el interior, clásico, monumental con los
sepulcros de los dos hermanos Medicis, Juliano y Lorenzo, el uno en frente del
otro. En la tumba de Juliano hay dos figuras que
representan el día y la noche y en la de Lorenzo el
crepúsculo y la Aurora. En el centro los retratos de
cuerpo entero de los dos hermanos son prototipos
idealizados, Juliano vestido de romano y Lorenzo de negociante y pensador, re-
flejando el carácter de cada uno, uno guerrero y otro humanista.(fil 10).

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El genio de la Victoria. (fil 9). Pudo ser una nueva versión del David
pero en versión manierista. Se retuerce sobre él mismo de forma helicoidal, el
cuello largo, la cabeza pequeña, la pierna izquierda alargada y la contorsión
violenta. Aparece la nueva técnica de Miguel Ángel, la del Inacabado, el
cuerpo en su parte superior está acabado y pulido pero abajo la piedra no está
trabajada. Quiere expresar cómo la figura nace de la piedra y va saliendo
paulatinamente.

La Piedad Rondanini. (fil 11). Estamos en la
última etapa de Miguel Ángel y su sistema de visión es
ya manierista cien por cien. Aparecen las figuras en una
pose muy poco clásica e incluso irrespetuosa. La Virgen va a caballo de San
José y por esta posición, por el alargamiento de las figuras, por sus movimientos
de cansados y por la técnica del inacabado (realmente no sabemos si la dejó así
porque quiso o porque no tuvo tiempo de acabarla puesto que es la escultura
menos acabada) esta escultura es la más expresiva de toda su obra ,prototipo del expresionismo del
siglo XX.

3.2 Cellini.
Le interesa sobre todo los aspectos técnicos y de acabado.Sus
esculturas son frías pero sus acabados son totales. Es muy manierista y
hubiera sido un buen escultor si no fuera coetáneo de Miguel Ángel

Perseo con la cabeza de Medusa. La figura de Perseo es muy
clásica, incluso su postura, pero en la cabeza de Medusa se recrea en el
morbo de las vísceras y la sangre colgando, lo que resulta manierista y casi
barroco. El acabado es perfeccionista (fil 29)

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