colectivo no inscripto.Un relevamiento metodológico de investigación en artes
- 1. Un relevamiento metodológico de investigación en artes. Año 2013 COLECTIVO NO INSCRIPTO Arte Argentino Contemporáneo. La reactivación colectiva en diferentes disciplinas del arte se puede casi fechar si nos remitimos a la historia presente. Los procesos sociales, culturales y políticos acaecidos en nuestro país a partir de la última dictadura militar, la vuelta a la democracia, las recetas económicas neoliberales, su fracaso y luego la caída y renuncias de sucesivos presidentes en el año 2001, formó parte del corolario del pueblo argentino y de sus expresiones culturales en los últimos tiempos. Parece ser que el surgimiento de colectivos sociales de toda índole, para hacer frente a la crisis (que aún hoy es agenda de la coyuntura política y económica nacional e internacional), no deja de lado a los productores o creadores artísticos (no vamos a definir las diferencias) que también forman parte del conglomerado social que se resiste a la desintegración. El legendario enunciado “que se vayan todos” en relación a la política y sus representantes y en repudio y descreimiento a las instituciones, conjugaría sustantivamente otra manera de organizarse y de repensar los relatos y las prácticas, en este caso particular, la creación artística.1 Andrea Giunta considera que: “La figura del artista creando aislado en su taller perdió, por un tiempo, legitimidad; para inscribir su nombre este tenía que actuar desde un colectivo”.2 1 La mayor parte de los participantes de dichas protestas fueron autoconvocados, que no respondían a partidos políticos o movimientos sociales concretos. Su lema popular fue: "¡Que se vayan todos!". En los hechos murieron 39 personas por las fuerzas policiales y de seguridad, entre ellos 9 menores. 2 Giunta, Andrea. Arte de Poscrisis. Pag.26. editorial siglo veintiuno. 2009.
- 2. Teniendo en cuenta que la obra visual que analizaremos posee en principio dos etapas como colectivo, creemos importante periodizar las mismas para un mejor seguimiento. Si bien el colectivo en un primer período fue conformado multidisciplinarmente con músicos y artistas plásticos de la ciudad de Chascomús (Prov. de Bs. As) nuestra investigación será abordar sólo las imágenes visuales. Si existe análisis de las obras estos serán globales, sin ánimo de interpretar la iconografía o el mensaje exhaustivamente, ya que el mismo es una construcción constante, y los autores y artistas que forman parte de esta publicación no quieren dar por concluida ninguna interpretación que interfiera en la libertad subjetiva de cada uno de los espectadores o lectores a quien le pueda llegar este texto. Al decir de Susan Sontag suele suceder en la interpretación que se domestique la obra y pierda la esencia mas allá de la cuestión iconográfica. Es cierto que la figuración se presta para una lectura, a veces, más lineal de interpretación y análisis, cabe decir, las representaciones del colectivo no son mimesis de la realidad. En las manifestaciones en general subyacen cuestiones que serian imposible de encasillar como un hecho o una verdad. Con lo cual este trabajo, atento al espíritu que lo mueve, no tiene ánimo de encorsetar subjetividades ni formar, ni dirigir una opinión cerrada. Cada una de las etapas del sistema capitalista tuvo una representación estética, pasó en la modernidad con todos los estilos que forjaron de alguna manera la estética de hoy y la manera en que la historia y la filosofía las abordó. En esta época posmoderna no se desecha en bloque los antecedentes (se los utiliza) pero tampoco se los idolatra, sino que se los resignifica contextualmente, al menos en las artes cuyo soporte bidimensional contiene. Hoy desde las disciplinas clásicas no podemos hablar de revoluciones o rupturas, creemos que se pueden dar en otros planos donde lo relacional y situacional no logocéntrico es más directo, pero así y todo, en ello se podría hallar antecedentes genéricos en las vanguardias del S.XX ., salvando las distancias y los compromisos sociales de los artistas de cada época.
- 3. Freud considera que: “… (En) la vida psíquica nada de lo que una vez formado puede desaparecer jamás; todo se conserva de alguna manera y puede volver a surgir en circunstancias favorables, como por ejemplo mediante una regresión de suficiente profundidad” 3 . Este concepto puede ser extendido a las artes plásticas como una especie de evocación o reminiscencia que existió y existe en nosotros pero aparece de una manera diferente. En ocasiones, también sostenido por apreciaciones psicoanalíticas, se considera al arte como una distracción que mantiene la vida anímica anclando en la belleza tradicional y no como una válvula crítica que pueda generar a su vez conocimiento, más allá del dato psicológico individual. Los designios nos dicen que hoy casi todo se puede relativizar, salvo la LIBERTAD y su búsqueda constante. Las dualidades de la modernidad en el cual se apoya este sistema son palpables, pero está en nosotros en mantener o no las utopías que ésta época posmoderna soslaya. EL COLECTIVO NO INSCRIPTO O EL DISPLACER PLÁSTICO La imagen como proceso permanente . Lo relativo en cuestión: Otra vez la belleza. Hans Belting sostiene que toda imagen se construye a través de una evocación del pasado reconfigurada y re significada acorde a un nuevo entorno o contexto que le da nacimiento a una nueva imagen.4 La estandarización platónica /aristotélica / tomista del arte, en este caso de la forma humana y su poiesis irrumpe en el imaginario colectivo y en las estructuras occidentales que educaron una manera de percibir e idealizar la forma. De esta manera existe en el imaginario colectivo, también estandarizado, una idealización de la representación pura (“realista”) unida, en este caso, una pintura pura (matérica). Si bien desde la modernidad estas posturas figurativas ideales comenzaron a deformarse en analogía a la conciencia social y contextual, la mirada sobre la belleza en las artes sigue siendo en un punto platónica. El contenido queda supeditado a la técnica vaciando de sentido epistemológico la obra. 3 Freud, Sigmund. El malestar en la cultura. Pag 14. ED. Folio 2007 4 Beltin, Hans. Antropología de la imagen. blog estética. UBA.
- 4. Las imágenes internas (las sentidas, subjetivas) y externas (las impuestas por el medio) confrontan dialécticamente entre lo que el sujeto /productor vive como ser social y político y lo que le es impuesto por el medio como una producción tecnológica mecánica estandarizada de propaganda (la imagen real intenta emular la imagen ficcional creada o modificada por ordenadores, o programas), que también muta dentro de sus propias leyes históricas, culturales, políticas y comerciales. La figura es tomada como rehén. La figuración y la imagen subjetiva a representar puede de esta manera cuestionar y marcar terrenos antagónicos entre una imagen ficcional, tomando a esta, como producto exterior impuesto por el medio y por otro lado la imaginación subjetiva que siendo parte de medio la apropia y la re significa dando carácter o lugar a otra estética o contra estética. Desde el sistema de explotación social imperante, y como paradigma cultural, la imagen del cuerpo ficcional es totalitario, subyuga al cuerpo real, le informa, lo forma, le impone, lo tecnologiza, lo modifica, lo agrede, lo patologiza, lo enferma, lo institucionaliza, lo mata pero la imagen siempre esta y se instala socialmente, dispuesta a reproducirse.
- 5. Tinta sobre papel. 4 x 2m. S/titulo Lo bello y lo feo sigue instalado. Hay un cuerpo y una imagen del mismo, conforme y ordenado y otro cuerpo que no entra en esos cánones (Schafeer)5 . Desde esta visión el cuerpo bello es dios y se le debe imagen y semejanza. La confrontación al modelo ficcional en este sentido forma parte de la realidad y de la imaginación. En el campo imaginativo la imagen creada confronta y dialoga con la realidad (y la falsa conciencia en cuestión impuesta), la indaga, la analiza creando una nueva imagen decodificada de la ficción y la realidad. La deformación surge como resistencia metafórica y como alternativa a la teoría especulativa del arte y de la imagen cuyo formalismo se encorseto en la clásica historia del arte. La imagen plasmada, deformada o no conforme interpela el yo del artista que será confrontado y expuesto a las subjetividades de los espectadores q 5 Schaffer J.M. Cuatro ensayos sobre estética. ED Biblos.2012
- 6. completan el sentido de la obra, más allá de un juicio estético que convoque al gusto. La imagen no conforme como acto creativo posiciona al contenido por sobre la técnica. En términos de Schaffer no sacraliza el arte, lo cognitiviza.6 Umberto Eco en Historia de la Fealdad concluye que:“Decir que belleza y fealdad son conceptos relacionados con las épocas y con las culturas (o incluso con los planetas) no significa que no se haya intentado siempre definirlos en relación con un modelo estable. Se podría incluso sugerir, como hizo Nietzsche en el Crepúsculo de los ídolos , que "en lo bello el hombre se pone a sí mismo como medida de la perfección" y "se adora en ello El hombre en el fondo se mira en el espejo de las cosas, considera bello todo aquello que le devuelve su imagen Lo feo se entiende como señal y síntoma de degeneración Todo indicio de agotamiento, de pesadez, de senilidad, de fatiga, toda especie de falta de libertad, en forma de convulsión o parálisis, sobre todo el olor, el color, la forma de la disolución, de la descomposición todo esto provoca una reacción idéntica, el juicio de valor ´feo ¿A quién odia aquí el hombre? No hay duda: odia la decadencia de su tipo”.7 El método como fundamento del CNI El anonimato colectivo de los artistas, la temática, la economía de los materiales como comunicador, son pautas, aunque queda de manifiesto que las personas quienes conforman el CNI poseen, además, afinidades técnicas, metodológicas, estéticas e ideológicas que le dan forma a la imagen a la hora de plasmar un contenido. Por otro lado la figura humana (fragmentada) trabajada de manera directa sin bocetar es la protagonista. Lo caótico de la realidad presente, signada por la ambivalencia de pertenecer o salir, donde teóricos y filósofos sostienen la existencia del apocalipsis en todos los órdenes (culturales, ideológicos, históricos, estéticos, de clase, etc.) donde la imagen y la aparición de estas manifestaciones visuales en forma de 6 Schaffer J.M. . Cuatro ensayos sobre estética. ED Biblos.2012 7 Eco umberto. Historia de la fealdad.
- 7. colectivo plástico reafirmarían estas postulados teóricos posmodernos. Citando a Jameson quien sostiene que“…la incapacidad de organizar el pasado y el futuro coherentemente lleva a pensar en las producciones culturales de un sujeto en “montones de fragmentos” y una práctica de lo heterogéneo y lo fragmentario al azar así como de lo aleatorio.”8 Tinta sobre tela. 4 x 1,50m. S/t El CNI no niega el pasado, cuestiona sus tradiciones y considera que el presente es lo importante. Desde este posicionamiento también puede articularse la imagen con la estética Street y premisas del punk como uno de los movimientos contraculturales surgidos en esta posmodernidad, la cual también es cuestionada. Las producciones bidimensionales iníciales (2011) del colectivo, realizadas sobre papel de envolver de grandes dimensiones en blanco y negro tienen la característica (posmoderna?) de la desaparición de un estilo personal/individual de autor por uno nuevo. Surge lo colectivo sublimando las individualidades y la autoría, se privilegia el contenido en libertad perdiendo el egocentrismo del creador artista. Las obras producidas no son mercancías y por ese motivo los nombres personales de los artistas que componen el colectivo es lo menos importante. No hay propiedad individual de autoría. La cuestión social de las obras y la construcción de las imágenes poseen aun cierta oscilación entre lo moderno/posmoderno al plantearse temáticas (por lo 8 Jameson. La estética posmoderna.
- 8. general críticas sociales al sistema de explotación y consumo, a la violencia y a la estética misma) partiendo de imágenes populares reconocibles como metáfora. En el primer período del CNI, la utilización de imágenes recortadas de revistas o artículos de diarios que luego van a ser re significadas era una característica. Existe la pauta de la temática, los materiales y una técnica libre a utilizar que por lo general se va a mantener hasta las obras más actuales. “…en apariencia se suprimen las dualidades, las obras vacilan entre pinturas dibujadas o dibujos pintados disipándose el carácter académico por la utilización de los materiales o por mantener esas disciplinas puras. Los dibujos de un artista eran intervenidos por el otro y así se creaba y se perdía la individualidad, que a la vez está presente, pero prima otra identidad colectiva horizontal sin jerarquías”.(CNI)9 Loredana Niculet en su texto posestructuralismo y estética al analizar métodos creativos se remite a Barthes quien “desmitifica, de este modo, el acto creativo único, original e irrepetible, al señalar que un texto (una obra de arte, una pintura) es constituido de un tejido polisémico de signos donde lo más importante no es el momento de la inspiración, sino las acciones menos grandilocuentes de seleccionar, escoger y combinar. La consideración, por parte de Barthes, de la polisemia como percepción diferenciada de los significados de la obra es un avance en relación a la postura estructuralista clásica, que pretendía una explicación unívoca de la obra.”10 La utilización de imágenes recortadas de revistas o artículos de diarios que luego van a ser re significadas (a modo de la nave de Argos de Barthes), sin caer en el pastiche o collage, servían como método de registro. 9 Colectivo No Inscripto (CNI) 10 Niculet Loredana. Posestructuralismo y estética.
- 9. Tinta s/tela . 4x 1,50m. s/t Las obras en su mayoría de gran formato tanto en papel como en tela sin preparar, en blanco y negro limitándose a lo básico como comunicador, pintando las veces con gruesos pinceles o con las manos y dedos directamente, son expuestas en la vía pública o en recitales independientes de música alternativa, acompañando las imágenes con fanzines de poesía y reproducciones de pinturas y grabados repartidos al público, orientando al mismo a realizar sus propias producciones caseras (literarias, pictóricas, musicales, etc) sin intermediarios institucionales o académicos. El viejo slogan setentista contracultural de “hágalo usted mismo” rememora el quiebre de la modernidad con la posmodernidad, por otro lado los artistas convocan a los espectadores a formar parte del colectivo o a realizar otras acciones colectivas independientes, “otra manera de hacer las cosas”: “…Crear un mundo donde quepan otros mundos…No solo estéticos… en esta deformación creativa (que corre el riesgo de ser tachada de mala praxis plástica, mediocre o no) les abrimos las puertas a todos… Todo el que ingresa al ámbito de creación del colectivo tiene la posibilidad de intervenir la obra sin necesidad de saber pintar, o dibujar, les decimos q pueden hacerlo sin pensar en la reprimenda retiniana. Dejando de lado lo correcto y lo incorrecto en las artes.”(CNI)11 Volviendo a Niculet en su relación posdernismo y estética nos dice que: “precisamente en esta polisemia residiría la posibilidad de la resistencia de 11 Colectivo no inscripto
- 10. la obra de arte frente a la industria cultural y a la institucionalidad oficial, cuestionaron el principio de representación (sustentado en las ideas de autor, originalidad y plena autonomía), siendo ejemplos inmediatos de obras inorgánicas, antiestéticas o anti modernas, en las que se sobreponen una multitud de escrituras”.12 La obra actual o segundo período del colectivo(2012 hasta la actualidad) Posee rasgos que seguirían vinculándolo a ciertas características estéticas posmodernas, ya que la fragmentación subjetiva en cuanto a las individualidades está más presente que en primer período y se ve plasmado en la metodología de creación plástica. Si en la primera etapa del colectivo la utilización de imágenes o artículos ya existente ancla como referencia objetiva en algún punto, el valerse de elementos exteriores, y pautarse una temática aunque se resignifique como explicamos más arriba, aseguraba una producción no tan compleja de leer, si bien se utilizaban técnicas expresionistas e imágenes caracterizadas como lo que podría emparentarse con el neoexpresionismo13 . En este segundo período se llega a los temas casi por accidente aunque a menudo son recurrentes, la crítica a la institución arte, al sistema de explotación, la sociedad política, el consumo, el humor y la burla a la imposición de una imagen estandarizada, el cuestionamiento de identidades 12 Niculet, Loredana. Posestructuralismo y estética. 13 “La consecuencia en el tiempo de la nueva figuración, es la aparición a fines de la década del setenta de una nueva imagen. Esta nueva imagen llamada transvanguardia en Italia, pintura salvaje en Alemania o expresionismo en EEUU, es un fenómeno universal…” Usubiaga, Viviana. Imágenes inestables.pag 260. ed Edhasa. 2012. Por otro lado, la estética neoexpresionista en los relatos teóricos posmodernos es criticada, puesto que se descontextualiza tomando la crítica una postura europeizada, sobre todo en Alemania, extendiéndola a todo el globo. Donde se cree que el neoexpresionismo resurge como memoria del expresionismo alemán dando carácter a este de arte nacional como reivindicación histórica en contraposición al nazismo que lo tachaba de arte degenerado. Hoy, teóricos como Benjamin Buchloh, para categorizar y posicionar otro tipo de arte relacional no logocentrico, performativo, etc. da por tierra el surgimiento de la “nueva imagen” expresionista internacionalmente, considerando a esta conservadora en sus formas, arraigada a lo nacional y al gusto conservador burgués. Esta discusión en argentina se toma( a partir de los años 80) pero se discute descontextualizadamente, perdiendo de vista qué dice la obra, qué hace, qué provoca. La cuestión de si el arte neoexpresionista fue un espaldarazo de la burguesía como manera de acumular obra volviendo al cuadro es una discusión que puede estar ajena a los artistas que están afuera de ese sistema de producción de bienes de consumo, neoexpresionistas o no. En este sentido la estética neoexpresionista forma parte de mucho del arte callejero que nada tiene que ver con el consumo de obra en el sentido económico. (nota de autor).
- 11. impuestas forma parte de la iconografía dominante como así también, citando a Danto, hay cierta inclinación por esta “Kallifobia” 14 o aversión a una belleza exterior q esconde lo que esencialmente se es o se siente como explicamos mas arriba en el apartado “La imagen como proceso permanente”. Theowald D´Arago Fiol “En adiós a la estética” considera que lejos de ser un ocaso de ésta, es plantearla como renacimiento, ya que lo que se quiere es interpretarla fuera de su doctrina, en la medida de lo posible. Es de analizar la estética y la imagen desde un punto de vista holístico, no solo teniendo en cuenta los conceptos o preconceptos de los clásicos teóricos sino también, pudiendo convocar las subjetividades desde una percepción sensible, más allá de los relatos de los relatos metafísicos. Es un llamamiento a desobedecer, de alguna manera los prototipos mentales incorporados durante todo nuestra existencia en este sistema cultural, conducido por una industria de la misma, que nos indica entre otras cosas: como mirar, como escuchar, como leer, como hablar y nos dirige el gusto mas allá de lo que pueda trasmitir la obra, la persona, el cuerpo. El displacer en la obra del CNI subyace. Mas allá del goce estético, del intercambio, de sus propuestas caóticas a la hora crear. Existe en la producción un placer negativo comunicativo que de alguna manera es elegido. La creación in situ es catártica mutando humores (otro rasgo posmoderno?), se derrama. Las influencias son urbanas, lindando con el grafiti callejero aunque tenemos en cuenta la historia social y la historia del arte, en este sentido utilizamos todo lo que nos haga falta para expresarnos y comunicar algo, entendiendo ese algo no como un panfleto. (CNI)15 14 Danto Arthur. Que es el arte?ed.Paidos.2012. 15 Colectivo no inscripto
- 12. Tinta s/tela. 4 x 1,50m. (Duda) Puede existir un discurso en el sentido en que éste forma parte de una estructura histórica y un contexto determinado y por un lenguaje propio de las artes . El significado está compuesto de alguna manera por contrastes explícitos e implícitos, por la hibridación en la construcción de las figuras y los fondos que en situaciones juegan con la reversibilidad al tener (en ocasiones) la misma importancia q las figuras (el concepto de horizontalidad, que nada sobre salga sobre nada está latente). La idea de cultura polimorfa al igual que una estética polimorfa cómo definiría Sontang16 al arte visual o literario posmoderno, da la pauta, que no existiría en sí ninguna jerarquía. También señalaba que en la obra de arte es más importante lo que ésta hace que lo dice. El generar incomodidad estética luego el mensaje. Dando lugar a la sensibilidad y a la corrosión a la utilización de los materiales no de manera conservadora sino subvirtiendo ese orden que limita con lo revulsivo. “El no saber a simple vista si la obra es un boceto o está terminada o inacabada forma parte del proceso creativo, de la misma manera que la incorporación inconsciente del “error”, de la mancha, de la desproporción.”(CNI). 16 Sontang susan. Contra la interpretación.pag 42. Alfaguara 1996
- 13. La tela forma parte de la psicología y del estado de ánimo de los artistas a la hora de crear determinando la manera de realizar las imágenes. Se humaniza la obra, donde se sublima y conviven las dualidades que se presumen cuestionar. “…. El soporte, tela o papel, está ahí colgado esperando que en determinado momento alguno rompa el blanco y como un derrame comienza a suceder la obra…Por lo general no se pauta el tema, pero esta implícito que va a salir de algo que conversamos azarosamente en el transcurso de las reuniones... en este segundo momento del colectivo, no tenemos imágenes previas de nada… es otro orden teniendo en cuenta la primer etapa y se refleja en las obras”.(CNI) Existe en definitiva un nihilismo estético un acto que linda con lo grotesco poniendo en ridículo justamente al arte mismo y a la figura del artista como genio creador. Cuestionando inclusive su propia función social. Nietzsche,sentenciaba, pareciendo anticiparse a la época posmoderna y a su manera de crear : Zaratustra no quiere perder nada del pasado de la humanidad, desea arrojar cada cosa en el crisol” . Esta noción es análoga a la caja de herramientas de Foucault, donde el sujeto puede valerse de todo para crear y fundamentarse, y a la vez generar una respuesta propia que puede ser reformulada constantemente. La iconografía preponderante son cabezas (con mensajes o signos dentro de las mismas), rostros de frente, antrozoomorfos o cuerpos humanos ambiguos que puede poseer los dos sexos, negando la diferencia ( la binaridad) pero a la vez reconociendo esta diferenciación de desigualdad social, de clase, de géneros o elección de los mismos, cuyo tratamiento despojado de realismo y más cercano a una pintura gestual, palimpséstica, rápida y expresiva, espontánea sin bocetar, puede ser analizada como una analogía a la noción de texto esquizofrénico o eufórico propio de las creaciones literarias o pictóricas que señalarían el fin del modernismo estético. Esquizofrenia que también es rasgo que identifica la sociedad capitalista.
- 14. Por otro lado las obras están atravesadas por palabras o textos que pueden acentuar la temática o el mensaje y en otros casos despistan dando lugar a múltiples interpretaciones. Ya las producciones no se pautan a la manera del primer período, el ataque a la tela o al soporte escogido es instantáneo, las imágenes son intervenidas simultáneamente y el mensaje, si lo hay, es un diálogo silencioso entre los signos icónicos. “A veces la música es un disparador no pautado ni reglado, sino que ésta actúa en la emotividad y sensibilidad que le sugiera a cada uno de los artistas. Forma parte de la atmósfera creativa… el pospunk surge en ocasiones como soundtrack de las imágenes y de la estética. Como dice Humberto Eco, la música ritmiza la creación ”. (CNI) Si bien la fragmentación individual y subjetiva es un rasgo característico de la sociedad posmoderna, la obra del colectivo como tantas otras, expresan el síntoma social de la disgregación siendo ellos sujetos y objetos del mundo que transitan. Lo cuestión de la producción colectiva estaría signada o podría representarse de esta manera: Aunque desde las vanguardias los límites de los paradigmas de belleza se fueron ampliando aun hoy parecería que existe en común cierto Contenido: En ocasiones no pautado. Aunque prevalece la critica social y a la estética misma. Técnica: Determinada por la economia de los materiales como medio expresivo. Contexto: Diacrónico (Histórico) y Sincronico (social)
- 15. embellecimiento en las artes donde la ruptura formal fue un símbolo de apertura. Aun si vamos atrás en el tiempo y nos paramos (genéricamente) en las obras de los cristos crucificados pintados en el período bizantino comparado con el arte cristiano italiano del renacimiento, la belleza está cuestionada. En el primer caso el Cristo yaciente demuestra el dolor de la carne, el martirio el castigo no hay belleza en ese dolor, románticamente en el renacimiento ese dolor se vuelve redentor y la representación del martirio, un alivio que nos invita a pensar en “otra vida mejor”, un paraíso. Decimos esto ya que el problema de la belleza estética y el arte desde siglos sigue siendo un tema de discusión aun en el siglo que transitamos. El colectivo que investigamos más que la belleza de una imagen a representar busca la experimentación lúdica de las formas cuyo centro sigue siendo la figura humana y conocer a partir de los mismos rasgos etnocéntricos de una sociedad determinada económica y políticamente. Ahora bien Como conclusión dejamos algunos interrogantes que se contestarán con el tiempo mientras el Colectivo siga circulando. Esta “deformación plástica”, como la llaman sus propios integrantes, podrá tocar fín? se volverá a de alguna manera a producir atisbos donde la seguridad del arte lo dé la belleza o un retorno al embellecimiento? En este mundo posmoderno donde se juzga socialmente por el tener, por el pertenecer, por la institucionalidad, el esnobismo plástico rebelde en sus formas y conservador en contenidos, donde se busca el reconocimiento y su excelencia, el arte que disgusta, que es displaciente con sentido ¿tiene lugar? Danto, considera que lo que “molesta” no es cierta “fealdad” estética sino el tema, lo que inquieta es lo representado, lo que no se quiere ver. Será como dicen los integrantes del colectivo que habrá que crear un mundo donde quepan otros mundos? El No pertenecer, el ser un No inscripto puede ser una posibilidad que nos invita a crear. Corriendo el riesgo de alejarse y negar conceptos filosóficos que inducen y dirigen la mirada, donde lo bello es el gusto universal, quizás la
- 16. belleza resida en detenernos y pensar el arte cognitivamente mas allá de lo sensible, más allá de lo percibido por los sentidos, más allá de superficialidad.
- 17. Bibliografía: Beltin, Hans. Antropología de la imagen. blog estética. UBA. Borgdorff H. (2010) El debate sobre la investigación en artes. Amsterdam School of the Arts. Danto Arthur. (2012) Que es el arte? ed.Paidos. Freud, Sigmund (2007). El malestar en la cultura. Pag 14. ED. Folio Garcia S. y Belén P. (2013) Aportes epistemológico y metodológicos de la investigación artística. Fundamentos, conceptos y diseños de proyectos. Editorial Académica Española, Alemania Giunta, Andrea (2009). Arte de Poscrisis. Pag.26. editorial siglo veintiuno. Hernández Hernández F. La investigación basada en las artes. Propuestas para repensar la investigación en educación. Universidad de Barcelona Schaffer J.M. (2012) Cuatro ensayos sobre estética. ED Biblos. Sontang susan. Contra la interpretación.pag 42. Alfaguara 1996