Escultura griega

CARACTERES DE LA ESCULTURA GRIEGA
• 1) La escultura tuvo como protagonista al ser humano.
• 2) Los escultores griegos trataron de plasmar la belleza física del cuerpo humano, por tanto, a
los hombres y mujeres se tendió a representarlos desnudos o usando técnicas que insinuaban
la anatomía humana (Ej. Paños mojados de Fidias).
• 3) Se dio una inclinación a la idealización del cuerpo humano. Se trató de reflejar la belleza
idealizadamente, sin defectos. Aunque en la época helenística de dio un giro hacia el realismo,
al aparecer las figuras tal como eran en su aspecto natural.
• 4) La belleza se entendía como la armonía entre medidas, de proporción entre las partes del
cuerpo. La belleza residía en la relación numérica de cada parte con la inmediata y de todas
con el conjunto.
• 5) Los artistas griegos no se limitaron al exterior de las figuras sino que trataron de
exteriorizar estados de ánimo (expresiones del espíritu) desde la impasibilidad de las
esculturas de la época arcaica, a la serenidad de la estatuaria de la época clásica, hasta llegar a
gestos de dramatismo, de dolor y desesperación de ciertas obras de la época clásica pero sobre
todo helenística.
• 6) Otra preocupación fundamental fue la plasmación del movimiento. Partiendo del
hieratismo (falta de movilidad) de las representaciones escultóricas arcaicas, se llegaba a los
movimientos serenos y contenidos de la época clásica (apolíneo) hasta desembocar en figuras
que se agitaban, retorcían convulsivamente, se movían violentamente o estaban en
disposiciones forzadas (dionisíaco), como ocurrió en los momentos finales del clasicismo y en
la etapa helenística.
• 7) Era una escultura policromada. Las obras escultóricas (hechas en terracota o mármol) se
cubrían de colores, aunque este aspecto no se puede apreciar en la actualidad por no haberse
conservado pinturas en la mayoría de las estatuas (además muchas de ellas son copias
romanas). Con ello acentuaban el sentido de realidad

• 8) Los materiales utilizados fueros diversos:
*Terracotas (figuras de barro cocido). Sobretodo en la época
arcaica. Las acróteras de los templos se solían hacer en este material.
*Caliza.
*Mármol. Fue el material más empleado y en el que están hechos
los mejores ejemplos de estatuaria griega.
*Bronce.
*Oro y marfil. Esculturas crisoelefantinas.
• 9) Los griegos hicieron tanto esculturas de bulto redondo como
relieves (altos y bajos).
• 10) Función. En un origen la esculturas griegas estaban destinadas a
los templos, bien al culto de los dioses o como exvotos (ofrenda que se
le ofrecía a la divinidad como agradecimiento de un don recibido); y a
tumbas. También fueron frecuentes las representaciones de atletas
desnudos, de damas haciendo una ofrenda, escenas mitológicas o
hazañas guerreras.

PERÍODO ARCAICO
(siglos VII al VI a.C.)

• Escultura en caliza y mármol.
• Rigidez: dificultad para doblar dedos y extremidades.
• Ausencia de movimiento.
• Las figuras son auténticos bloques: dificultad para separar los brazos del cuerpo.
• Ojos almendrados que sobresalen debajo de una frente estrecha.
• Pelo ordenado en superficies geométricas (recuerda al “peinado de pisos”).
• Expresión hierática (solemne) fruto de la herencia oriental.
• A la falta de expresividad contribuye la “sonrisa arcaica”, una sonrisa un tanto injustificada
• figuras dominadas por la ley de la frontalidad y la ley de la simetría: el cuerpo está realizado
para ser contemplado exclusivamente de frente y dividido en dos mitades exactamente iguales por
un plano que pasaría por la nariz-ombligo; exige el reparto del peso del cuerpo por igual entre
ambas piernas (algo que también encontramos en Egipto y Mesopotamia)
• Figuras claramente influidas por la plástica egipcia dado el notable frontalismo, la
geometrización del cuerpo humano, la falta de expresividad y la ausencia total de movimiento.
• Carácter votivo (son ofrendas a los dioses) de las esculturas, lo que recorta sus posibilidades
evolutivas.
• Durante la edad arcaica encontramos dos tipos básicos, ya realizados anteriormente, pero que
ahora alcanzan su máximo desarrollo:
– a) el kouros (kouroi en plural): jóvenes desnudos, de aspecto atlético, con función religiosa
(exvotos). Como ejemplos tenemos: KOUROS ANAVISSOS.
– b) la koré: mujeres vestidas con una túnica y velo denominado peplo dórico, frecuentemente
sacerdotisas (korai en plural). Como ejemplos tenemos la KORÉ DEL PEPLO y la HERA
DE SAMOS.

PARALELISMO ENTRE LA ESCULTURA EGIPCIA
Y LA GRIEGA DEL PERÍODO ARCAICO
ESTATUAS
BLOQUE

LA ESTATUA-BLOQUE
TRÍADA DE
MICERINO
(3000 a.C.)
KUROS DE
ANAVISSOS
(SIGLO VI a.C.)

COMPARACIÓN DEL MODELO
ICONOGRÁFICO MASCULINO:
KUROIS ARCAICOS EGIPCIO Y EL GRIEGO

CABEZA DO KUROS
•Prototipo de “kuros”.
•Geometrización en el cabello.
•Sonrisa arcaica.
•Ojos almendrados.
•Simetría bilateral

KUROS DEL MUSEO METROPOLITANO DE
NUEVA YORK
Respecto de la primera figura (Kouros. Metropolitan Museum
New York. Hacia 600 a.c.) Mármol. dice R. Wittkower : “Los
perfiles de una figura como ésta revelan la forma que tenía el
bloque original. Frente a la obra ya terminada tenemos una
seguridad aún mayor de que, mientras trabajaba en la parte
anterior, en la posterior y en los lados, el escultor tuvo que
orientarse en todo momento por las figuras que antes de empezar
dibujara en el bloque : al enfrentarse a cada una de las caras de
sus estatuas, el escultor griego de esta época razonaba como un
delineante (...). La consecuencia es que la estatua tiene
necesariamente cuatro vistas bien diferenciadas (...)
Una figura así está lejos de ser una obra realista en el sentido
moderno de este término, pese a lo cual posee una asombrosa
vitalidad, esta rebosante de la energía de la vida. Tiene además
una superficie de calidades suaves y cálidas, casi aterciopeladas.
Ello se debe no solamente a las características del mármol griego,
sino también (...) a las infinitas muescas producidas por el puntero
que, aunque luego se las suavice por medio de abrasivos, crean,
por así decirlo, una serie de vibraciones bajo la superficie, que
evocan la sensación de una piel palpitante”.
WITTKOWER,R : La escultura procesos y principios

MODELO
ICONOGRÁFICO
FEMENINO: “KORÉ”
KORÉ DE QUÍOS KORÉ DEL PEPLOS

• Durante este periodo en la escultura perviven algunos rasgos arcaicos (rigidez, sonrisa arcaica...)
junto con los nuevos valores que se implantaron en el clasicismo (movimiento, expresión de
sentimientos, naturalidad, etc.)
• Obras:
1- Relieves del frontón del templo de Afaia en Egina. (s. V a. C.). Eran esculturas que estaban
en relación al marco arquitectónico en el que se inscribían, por tanto, la composición se adaptaba a
la forma triangular del frontón, apareciendo desde figuras erguidas en el centro hasta arrodilladas
inclinadadas, tumbadas a medida que nos acercabamos a las esquinas. La escena muestra a un
grupo de guerreros en plena lucha, donde el dinamismo de sus cuerpos nos indica el camino hacia
el clasicismo mientras la sonrisa arcaica nos remite a la época arcaica.
2-Relieves del frontón del templo de Zeus en Olimpia. Desarrolla temas como el de un grupo
de mujeres que estaba siendo atacado por centauros y que tratan de evadirse de sus captores. El
movimiento está representado con gran maestría.
3-El Auriga de Delfos (s. V a. C.). Es una estatua de bronce. Formaba parte de un grupo
escultórico mayor. Se trata de una figura rígida (de pie), con sonrisa forzada. La túnica del Auriga
se compone de pliegues que caen de forma vertical que han sido comparados con las acanaladuras
del fuste de una columna. El caballo lo presenta con rizos ordenados geométricamente y en
disposición geométrica (no natural). Representaba a un auriga que sostenía las riendas de los
caballos.
4- El trono Ludovisi. Son varios relieves. Combinan rasos arcaicos y clásicos. Resaltar las formas
anatómicas más onduladas y la mayor sensación de movimiento. Temas: a) El nacimiento de
Afrodita; composición simétrica, vestidos que sugieren las formas anatómicas, pliegues poco
naturales. b) Figura de mujer tocando la flauta.
5-Zeus lanzando el rayo. Estatua de bronce que se encontró en el mar cerca del cabo Artemisón.
La movilidad de piernas y brazos contrasta con el arcaísmo de la cabeza y el rostro.

• Será ya en el siglo V cuando se produzca el máximo esplendor del clasicismo, como consecuencia
de la consolidación de los rasgos que se habían iniciado en la época de transición:
– a) Dominio de la anatomía.
– b) Aplicación del canon de belleza: proporción matemática entre las diferentes
partes del cuerpo. Con ello consiguen dominar las proporciones.
– c) Logro de la symetría: relación armoniosa de unas partes del cuerpo con otras.
– d) Se consigue plasmar el movimiento, aunque todavía contenido, acabando
definitivamente con la “ley de la frontalidad". Esto supone el triunfo del
“contrapposto” (se inventa en Grecia para romper la “ley de la frontalidad”: supone
la oposición rítmica de las partes simétricas del cuerpo humano; mientras una pierna
avanza la otra se mantiene rígida y cargada, si un hombro se levanta el otro
desciende, etc).
– e) Con la misma función se utiliza el escorzo (disposición de un objeto, un cuerpo
o un miembro de forma perpendicular al plano del cuadro), con unos miembros que
se mueven con naturalidad, adoptándose a distintas posiciones. Así, los brazos se
despegan del cuerpo y se colocan en diferentes posturas.
– f) Representación del ethos (la personalidad del personaje).
– g) Tratamiento más delicado de la piel.
• Con el desarrollo de estas características se consigue la máxima perfección y serenidad,
alcanzándose el IDEAL DE BELLEZA GRIEGO, aunque todavía con reminiscencias arcaicas
(todavía no se alcanza plenitud en el movimiento ni en la expresión).
• La escultura de este período se puede analizar a través de la personalidad de sus tres artistas más
destacados: Mirón, Policleto y Fidias.

MIRÓN
• MIRÓN se caracteriza por:
- La pasión por el movimiento, predominando en sus
obras composiciones en arco de círculo.
- Y la peculiar concepción de la escultura como
imagen de un instante fugitivo (capta el movimiento en el
momento de máximo esfuerzo del ejercicio atlético, con lo
que plasma el máximo desequilibrio del cuerpo).

Mirón de Eléuteras, discipulo de Hageladas, (...) es autor de un discóbolo (lanzador de
disco). Parece que fue el primero que aumentó considerablemente el realismo de sus tipos ; era
más armonioso en el arte y más exacto en las proporciones que Policleto, y sin embargo él, que
era muy cuidadoso en las formas de los cuerpos, no fue capaz de expresar los sentimientos del
alma. Tampoco representó la cabellera y el pubis con más acierto del que había logrado la
tosca antigüedad.
Con figuras y estatuas (...) se han ennoblecido una cantidad casi innumerable de artistas,
pero por delante de todos sobresale Fidias el ateniense por su Jupiter Olímpico. Se dice con
razón que fue el primero que mostró y enseñó el arte de cincelar.
Policleto de Sición, discípulo de Hageladas, esculpió un diadumenos (el que se aplica una
banda) como un joven aún no totalmente formado, que se hizo célebre por su precio de 100
talentos. También es obra suya una estatua que llaman el cánon (regla) y donde buscan como
una especie de código las líneas de su arte. Se considera que este escultor es el que ha llevado
a su apogeo el arte de la estatuaria y el que ha contribuido a su perfeccionamiento, ya que
Fidias fue su inventor.
Praxiteles también fue muy hábil trabajando el mármol y a esto se debe sobre todo su
celebridad, aunque también hizo obras bellísimas de bronce. Hizo también un Apolo
adolescente que con una flecha en la mano persigue un lagarto que le sube por el costado ; se
le llama el sauróctonos (matador de lagartos).
PLINIO EL VIEJO : Historia Natural.

POLICLETO
• POLICLETO destaca como broncista y constructor de
exvotos atléticos. Se centra en conseguir:
– - La anatomía idealizada: glorifica los torsos y los
músculos (cuerpos ideales).
– - Las soluciones a los problemas de estabilidad.
– - Las proporciones numéricas ideales: escribe el
“Canon”, en el que establece el canon ideal de “un
cuerpo igual a siete cabezas”.
• Se centra por lo tanto en el carácter anatómico de las
figuras, ignorando la plasmación de cualquier
sentimiento: trata las cabezas como esferas inexpresivas.

POLICLETO: BÚSQUEDA DEL CÁNON IDEAL
La estabilidad se une al movimiento
Actitud de avanzar.
“Contraposto”
Canon: el cuerpo mide siete
cabezas.
Todos los costados presentan
calidades distintas pero armoniosas

FIDIAS
• Está considerado como el máximo paradigma del clasicismo.
Trabajó junto a sus ayudantes y discípulos en la decoración
escultórica del Partenón.
• Los caracteres de su obra escultórica son:
-La belleza idealizada de sus figuras, con expresiones en los
rostros que no traslucen ni sufrimiento ni gozo.
-Centrar el interés en el estudio de la anatomía humana.
-La naturalidad en el drapeado- los pliegues de las telas- que
adquieren un carácter móvil y difuso frente a la geometrización
propia del arcaísmo.
-La invención de la técnica de los “paños mojados”
(drapeado). Daba a las figuras vestidas (femeninas) cierto sentido
de desnudez al sugerir debajo de los ropajes, que se adherían al
cuerpo, las formas de este.

• Obras que efectuó en el Partenón:
• -Relieves:
1-Friso de las Panateneas. Se trata del friso que estaba en los muros
exteriores de la naos del Partenón. Representaba una procesión de atenienses,
que llevan el “jitón” bordado por ellos mismos a Atenea en las fiestas
panatenaicas. Estos aparecen al lado de los dioses a los cuales van a honrar. En
estos relieves se da una mayor flexibilidad de los pliegues, movimientos suaves
de brazos y piernas y posturas elegantes. Tiene 160 m de longitud.
2-Metopas. Representan personajes mitológicos en escenas de lucha,
como el enfrentamiento entre los lapitas y los centauros en tiempos de Teseo,
mítico rey de Atenas. Destacan las expresiones de dramatismo en los rostros de
los personajes. Igualmente se muestran : Amazonas, Gigantes o escenas de la
guerra de Troya.
• Frontones:
1- Oriental. Tema del nacimiento de Atenea, asistida por la Parcas. Las
figuras se disponen con toda naturalidad (movimiento, actitudes) pese a ceñirse
a los límites del espacio que ocupaban. También llaman la atención los ropajes
con pliegues que se arrugan y se adaptan a la forma de la figura con un
tratamiento más real.
2-Occidental. Tema del enfrentamiento entre Poseidón y Atenea por el
control de Atenas.

EL PARTENÓN: OBRA ESCULTÓRICA
ESCULTURAS
DO PARTENÓN:
FIDIAS E A SUA
ESCOLA

Fidias. Frontón oriental del
Partenón
Nacimiento de Atenea
(recreación)

Fidias. Frontón occidental de
Partenón
Elección del patrono (recreación)

• Esculturas exentas:
1-Atenea Partenós. No se conserva, pero se conoce por
testimonios. Esta escultura que se situaba en el interior de la naos del
Partenón. Estaba hecha con placas de oro y marfil (crisoelefantina).
Medía unos 10 m de altura.
2-Atenea Promachos. Se emplazaba en la Acrópolis ateniense.
Era una enorme estatua de unos 15 m de altura. Representaba a la
diosa Atenea armada con lanza, escudo y un casco sobre su cabeza, en
actitud de defender la ciudad.
3-Atenea Lemnia. Estatua encargada por los ciudadanos de
Lemnos para colocarla en su Acrópolis. Sobresale en ella la elegancia
de los pliegues que revela la esencia divina del personaje.
4-El Zeus de Olimpia. Estatua de gran tamaño destinada para el
templo de Zeus en el santuario de Olimpia, en la que este dios se
mostraba sentado en su trono. Se consideraba una de las siete
maravillas de la Antigüedad.

• El clasicismo del siglo IV muestra algunos rasgos diferentes con respecto al del
V:
– a) Se transforman los ideales anatómicos: canon más esbelto (Lisipo lo establece
con su Apoxiomeno: un cuerpo igual a ocho cabezas, siendo ésta más pequeña).
– b) Se acentúan los movimientos (la Ménade de Scopas).
– c) Se conquista definitivamente el volumen, es decir, la tercera dimensión (el
Apoxiomeno): la disposición de los brazos (con uno en claro escorzo) hace que se
involucre un espacio y que la escultura se pueda contemplar desde distintos puntos
de vista.
– d) Mayor realismo, mostrando actitudes menos heroicas y más cotidianas, con
figuras que se hacen más libres y pierden majestuosidad, acentuándose el
naturalismo en gestos y actitudes.
– e) Esto conlleva la individualización de los retratos.
– f) Mayor expresividad facial: se muestran los sentimientos (pathos). Frente a la
serenidad anterior, se aprecia en estos momentos un humanismo desgarrado,
expresando los sentimientos.
– g) Se prescinde de los pliegues mojados.
– h) Introducción en la iconografía del desnudo femenino integral, lo que supone la
creación de un ideal anatómico de mujer distinto al masculino (las Venus).
• También son tres los artistas más significativos de este período: Lisipo,
Praxiteles y Scopas.

LISIPO
• Fue un artista contemporáneo de Alejandro Magno (fines
s. IV a.C.) , del cual hizo varios retratos, en los que se
muestra a este personaje de manera idealizada.
• Modifica los ideales anatómicos de Policleto, mediante un
canon más alargado (ocho cabezas) y la mezcla de
músculos y grasa en la anatomía.
• Además, sus esculturas reflejan la conquista definitiva de
la tercera dimensión, a través de escorzos y de líneas
transversales cruzadas por delante del cuerpo.

EVOLUCIÓN
DEL CÁNON
LISIPO:
POLICLETO: DORÍFORO (V a.C.) APOXIOMENO (IV a. C.)

PRAXÍTELES
• PRAXÍTELES:
• · Es el escultor de la delicadeza, la elegancia, la belleza y las
superficies suaves, lo que ha llevado a algunos críticos a calificar de
blandas a sus figuras, incluso de afeminadas.
• · También es característico de sus obras la nostalgia en el rostro.
• · Destaca por el gran contrapposto de sus figuras, dando así lugar a la
curva praxiteliana: leve ondulación de la cadera. Tanto que en
algunas figuras como el APOLO SAUROCTONO (Apolo jugando
con un lagarto), el dios necesita un punto de apoyo para no caer.
• · Destacará también por la introducción del desnudo femenino a
través de su AFRODITA CNIDIA, que se convertirá en modelo para
las imágenes posteriores. Presenta a la diosa desnuda en actitud de
salir del baño, siendo considerada por los antiguos como la más
hermosa escultura del mundo.
• Trabaja en mármol y no en bronce.

SCOPAS
• SCOPAS se distingue por:
• · El dramatismo que imprime a sus figuras: Scopas rompe
el perfecto equilibrio del arte clásico a favor de la
exaltación, de la representación de los sentimientos
exacerbados, de lo que se ha denominado Phatos que
queda perfectamente reflejado en el patetismo de las bocas
entreabiertas, angustiosas, y en los ojos anhelantes.
• · Una cierta preferencia por los perfiles helicoidales, con
lo que acentúa el movimiento.

• 1-La idea de belleza (tendencia a la idealización de la belleza que se
daba en etapas anteriores) y de armonía - que todavía perduraba en
algunas obras (Ejemplo: la Venus de Milo)- tendieron a ser sustituidas
por el concepto de realidad, de reflejar al ser humano tal como era,
sin tratar de esconder sus defectos.
• 2-Si hasta el momento solo apreciábamos la hermosura de cuerpos
juveniles, el tipo de representaciones en la época helenística se amplió
y se mostró al ser humano tanto en figuras de niños, como de viejos –
que exhibían la decadencia física del hombre -. Asimismo aparecen
figuras feas y grotescas que nos enseñan seres deformes, enfermos,
obesos, etc.
• 3-Por otra parte se dio el desarrollo del retrato en conexión con la
línea realista que se estaba imponiendo en la escultura y con la
tendencia al individualismo y a representar figuras notables de la
sociedad griega (desde el s. IV a.C.).

• 4-La elegancia y la serenidad de las posturas de la mayoría de las figuras
de la época clásica dejó paso a un creciente dinamismo, tanto de los
miembros del cuerpo como de los ropajes, llegando a ser desbordado,
tenso e incluso violento (en la línea que había marcado Scopas). Además
se dio una inclinación a representar gestos y actitudes de desesperación
y dramatismo, que contrastaban con las de tranquilidad y equilibrio
que se desprendían de las esculturas clásicas en general.
• 5-Si en la etapa anterior la temática se centró en figuraciones de dioses
y atletas, durante el helenismo se continuaron representando divinidades
pero (en la línea de Praxíteles) sin evidenciar respeto por su condición
divina. Además abundaron temas mundanos y callejeros, así como de la
vida cotidiana.
• 6-Existieron una gran cantidad de obras escultóricas de las cuales, por lo
general, se desconoce el autor que las efectuó, por tanto apenas nos que
da constancia de artistas individuales. De igual modo se produjo una
dispersión de los centros artísticos y las obras para facilitar su estudio se
suelen agrupar por escuelas: Atenas, Rodas, Pérgamo, Alejandría, etc.

ESCUELAS:
• a) Atenas y el Peloponeso .
- Torso Belvedere.
• b) Escuela neoática.
- El “niño de la espina”.
• c) Rodas.
- El coloso de Rodas.
- La Niké o Victoria de Samotracia.
- El Toro Farnesio.
- Laoconte y sus hijos.
• d) Pérgamo. (Ciudad de Asia Menor).
- Relieves del Altar de Zeus y Atenea.
-Galos en lucha/ galo moribundo.
• e) Antioquía. (Ciudad de Asia-zona de Siria-).
- Afrodita (o Venus) Calipigia.
• f) Alejandría. (Ciudad del norte de Egipto situada en el delta del Nilo).
- Representación alegórica del Nilo.
• g) Otras.
-Venus de Milo (Afrodita de Melos).
- Afrodita agachada. La diosa esta puesta de cuclillas al ser sorprendida al darse
un baño.

EVOLUCIÓN DE LA
ESCULTURA
GRIEGA

ARCAÍSMO ESTILO SEVERO CLASICISMO
EVOLUCIÓN DE LA FIGURA MASCULINA

CABEZA DE
KUROI
ARCAICO
EVOLUCIÓN
DEL ROSTRO
ESTILO SEVERO:
AURIGA DE DELFOS
2º CLASICISMO:
HERMES
HELENISMO: LAOCOONTE

EVOLUCIÓN DE LA FIGURA FEMENINA
ARCAÍSMO CLASICISMO HELENISMO

KORÉ
ARCAICA
PRAXITELES:
2ºCLASICISMO
FIDIAS: PRIMER
CLASICISMO
HELENISMO:
VENUS DE MILO
EVOLUCIÓN
DEL ROSTRO

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