Fauvismo, expresionismo y cubismo

PRIMERAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS:
FAUVISMO, EXPRESIONISMO Y CUBISMO

El arte del S.XX experimentó una revolución total, en consonancia con los
grandes cambios derivados de la transformación del mundo contemporáneo,
los avances científicos y tecnológicos, la evolución del pensamiento y
acontecimientos históricos de gran impacto, como la I Guerra Mundial y la
revolución rusa de 1917.
HERIDO, (BATALLA OTOÑAL DE 1916, BAPAUME), SERIE
DE LA GUERRA, OTTO DIX (1924)
LIBROS. CONOCIMIENTO EN TODOS LOS CAMPOS,
ALEXANDR RODCHENKO (1924)

Desde principios de siglo cambió la
concepción de la naturaleza y del hombre y el
arte tradujo estos grandes cambios:
- pérdida del optimismo y fin de la idea del
progreso indefinido
- crisis del racionalismo
- las teorías psicoanalíticas de Freud
pusieron de manifiesto el mundo del
inconsciente en el desarrollo de la
personalidad
- los descubrimientos científicos, como la
teoría de la relatividad de Albert Einstein,
que modificó los principios generales de la
concepción del universo, rechazando los
conceptos de tiempo y espacio absoluto,
creando el principio de la indeterminación
de ciertos fenómenos naturales y por tanto
la incertidumbre de la ciencia.
- Los avances técnicos se pusieron al
servicio de la destrucción de la humanidad
en las dos guerras mundiales.

Los artistas reflejaron estos cambios en
sus obras, en las que proyectaron sus
preocupaciones intelectuales, sus
angustias, la crítica social o el intento de
escapar de una realidad desasosegante.
La obra de arte se impregna de
subjetivismo, se convierte en creación
individual, ajena a los gustos sociales.
Los artistas continuaron la línea iniciada
en el S.XIX de alejamiento de los gustos
convencionales y reivindicación de su
libertad creadora y lo hicieron
cuestionando la tradición y las
convenciones vigentes desde el
Renacimiento.
ANSIEDAD, EDVARD MUNCH, 1894

La ruptura con la tradición se inició en
la primera década del S.XX y provino
principalmente del campo de la
pintura, que había iniciado su
alejamiento de la realidad objetiva a
partir del impresionismo.
Las distintas corrientes pictóricas
surgidas en la 1ª mitad del S.XX se
agrupan bajo el calificativo de
“vanguardias”, por su carácter
rompedor, de avanzadilla en la
transformación del arte.

Principales puntos en común:
- alejamiento de la representación objetiva de
la realidad, puesto que no podían competir con
la fotografía y el cine,
- innovación y la experimentación constante
- cuestionamiento de la tradición artística
- uso del arte como vehículo de denuncia social
o crítica política. El artista abandona
definitivamente su papel de testigo de la
sociedad de su tiempo para convertirse en
intérprete de la realidad.
- visión subjetiva del artista
- corta duración: los nuevos movimientos son
como estallidos, fragmentos cortos, rápidos,
múltiples y simultáneos. Su corta duración
hace que se superpongan en el tiempo y que
los artistas pasasen muchas veces de un
movimiento a otro.
PAISAJE DE L’ESTAQUE, GEORGES BRAQUE, 19
GUITARRA Y VASO, GEORGES BRAQUE, 1917

El dominio de la burguesía y el desarrollo del
capitalismo marcaron también una
transformación en el papel reservado a la obra
de arte en la sociedad:
- La mercantilización y la especulación
entraron a formar parte del mundo del arte.
Los mecenas de épocas anteriores pasaron
a ser sustituidos por marchantes y
galeristas, encargados de poner a los
artistas en contacto con el público.
- El papel de los críticos de arte pasó a ser
decisivo para la valoración de la obra
artística y en muchas ocasiones sus
apreciaciones contribuyen a poner de moda
o revalorizar determinados estilos o
artistas. Esto explica que artistas o estilos
denostados en el pasado hayan alcanzado
cifras récord en subastas de arte.
DANIEL- HENRY KAHNWEILER,
MARCHANTE DE ARTE
LOUIS VAUXCELLES, CRÍTICO DE ARTE QUE
DIO NOMBRE AL FAUVISMO Y AL CUBISMO

El primer movimiento de vanguardia fue el
expresionismo francés, denominado fauvismo.
Su nombre surgió en la exposición del Salón de
Otoño en País en 1905, en la que el crítico de
arte Louis Vauxcelles, tras contemplar las gamas
cromáticas estridentes y agresivas de los
trabajos expuestos, denominó "fauves"(fieras
salvajes) a los artistas que expusieron sus
cuadros.
Todos ellos habían partido del
neoimpresionismo y compartían su admiración
por Cézanne y su forma de descomponer las
imágenes en planos de color relativamente
uniformes. Entre sus antecedentes hay que citar
a Van Gogh y Gauguin, que se habían
decantado por un estilo libre y personal,
impulsivo y pasional, a la vez que apostaron por
un uso expresivo del color. Entre los
antecedentes lejanos cabe mencionar a Goya y
especialmente sus Pinturas Negras.
FAUVISMO
Sala nº 7 de la exposición, donde había 2 esculturas
en estilo clásico. Vauxcelles dijo “!Donatello entre
las fieras!”

Los orígenes del fauvismo se encuentran en un
grupo de tres pintores: Maurice de Vlaminck,
André Derain y Henri Matisse.
Influidos por el arte primitivo que habían
conocido a través de las máscaras africanas,
decidieron imprimir a su pintura un nuevo
rumbo, privilegiando el color y la expresión
emocional por encima de la representación de
la realidad.
En el verano de 1905 pintaron una serie de
cuadros caracterizados por:
- la importancia expresiva del color
- el uso de colores puros, saturados,
principalmente planos, realzados por la línea
de los contornos y sin relación con el tema
- gran simplicidad formal
- se eliminan la perspectiva tradicional y el
claroscuro y el modelado de los volúmenes.
- Reaccionaron contra la importancia que los
impresionistas habían dado a la luz a costa de
la pérdida del color.
Estos artistas consideraban que el arte es una
creación de la mente. Su lema era “La exactitud
no es verdad” y pretendieron utilizar el color
como medio de expresión de sentimientos.
HENRI MATISSE,
AUTORRETRATO
CON CAMISETA
DE RAYAS
RETRATO DE DERAIN POR
MAURICE DE VLAMINCK
AUTORRETRATO DE
MAURICE DE VLAMINCK

VENTANA ABIERTA
MAÑANA DE VERANO JAPONESA
BAÑISTA, LUEGO DENOMINADA LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD
Algunas de las obras de
Matisse expuestas en el Salón
de Otoño de 1905.

MUJER CON SOMBRERO
Este cuadro causó un gran escándalo,
porque representó la cara como una
máscara africana y sin fondo. Fue
comprado por el coleccionista Leo Stein,
que también compraría a Matisse La
alegría de vivir.

VISTA DE COLLIURE, DERAIN
SECADO DE VELAS, DERAIN
BARCOS EN COLLIURE, DERAIN RESTAURANTE LA MACHINE DE BOUGIVAL,
DE VLAMINCK

El Fauvismo no fue un movimiento
conscientemente definido, pues careció de
un manifiesto. Fue un mosaico de
aportaciones en el que cada pintor
acometía sus obras como una experiencia
personal cargada de espontaneidad y de
frescura. Les unió la actitud violenta con la
que se enfrentaron a los
convencionalismos de la época rechazando
las reglas y los métodos racionales
establecidos. Al igual que los
impresionistas, les gustaba pintar al aire
libre y representar la vida moderna. Sus
temas eran también muy parecidos a los
impresionistas: retratos, bodegones,
paisajes, escenas interiores…
EL SENA EN CHATOU, VLAMINCK
LA CALLE ENGALANADA O LA FIESTA DEL 14 DE
JULIO EN EL HAVRE, 1906, RAOUL DUFY

Se formó en el taller del simbolista Gustave
Moreau y copiando obras en el Louvre. En Londres
quedó fascinado por las obras de Turner. Se inició
en el neoimpresionismo, con obras como Lujo,
calma y voluptuosidad (1904) y después
evolucionó hacia una pintura de colores muy
planos, influido por Gauguin, como se observa en
obras como La alegría de vivir, La habitación roja
(Armonía en rojo), Retrato de la señora Matisse o
La raya verde y La danza.
En sus obras los colores se reparten en masas muy
planas, llegando a eliminar toda referencia de
perspectiva. Mantuvo una relación de competición
con Picasso que llevaría al origen del cubismo.
Matisse deseaba crear “un arte de equilibrio, de
pureza, que no inquiete ni turbe”, un arte tan
confortable “como un sillón”. Su pintura transmite
alegría de vivir, pasión por el color, optimismo, sin
ningún contenido político o social.
HENRI MATISSE
LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD (1904)
Matisse y Picasso

VISTA DE COLLIOURE (1906)
LA ALEGRÍA DE VIVIR (1905)
LA RAYA VERDE O RETRATO DE LA
SEÑORA MATISSE

ARMONÍA EN ROJO (1908)
BODEGÓN CON MANTEL AZUL (1909)
LOS PECES (1914) MANZANAS SOBRE LA MESA SOBRE FONDO VERDE

Aunque su pintura fue tachada
de intrascendente y
decorativista, tuvo una enorme
influencia en el arte del S.XX.
Uno de sus encargos más
importantes fue La danza y La
música (1909-1910) donde
volumen y ritmo se conjugan
armoniosamente. Usa tres
colores para imprimir
movimiento a los bailarines que
parecen flotar con ritmo.
https://www.wikiart.org/es/he
nri-matisse

La mayor parte de su producción
de época fauvista son personajes
campestres y urbanos, como
Puente de Londres (1906) y
muestran colores puros, a
menudo aplicados sobre el lienzo
directamente con el tubo,
pinceladas irregulares y
despreocupación por la
perspectiva o por la
representación realista.
ANDRÉ DERAIN (1880-1954)
PUENTE DE LONDRES, 1906
WESTMINSTER, 1905

LA CATEDRAL DE SAN PABLO DESDE EL
TÁMESIS
EL PUENTE DE CHARING CROSS
EL PARLAMENTO DE LONDRES

Hacia 1908 comenzó a experimentar
con otros estilos. La influencia de
Cézanne le llevó a un colorido más
sosegado y a un mayor control en sus
composiciones. En Las bañistas (1908)
intentó combinar las innovaciones de
los pintores anteriores, como Monet y
Cézanne.
Le influyó el cubismo, produciendo
obras geométricas como El puente
viejo de Cagnes y el primitivismo de
la escultura africana. Sus últimas
obras, posteriores a 1912 muestran
cada vez más la influencia de estilos
diversos.
LAS BAÑISTAS, 1908
EL VIEJO PUENTE DE CAGNES
https://www.wikiart.org/es/andre-derain

MAURICE DE VLAMINCK
RESTAURANTE DE LA MACHINE EN BOUGIVAL ( 1906
ÁRBOLES ROJOS
Fue autor de paisajes dramáticos que se inspiran
directamente el colorido y la pincelada de Van
Gogh. Sus obras fauvistas producen brillantes
contrastes cromáticos, como Árboles rojos (1906).
Básicamente paisajista, realizó también bodegones,
cuadros de flores y algunos retratos. Algunas de sus
obras más destacadas son El pueblo e Interior de
cocina.
EL PUEBLO
INTERIOR DE COCINA, 1904

EL CIRCO (1906)
RETRATO DE MUJER
(1906) FLORES, SINFONÍA
DE COLORES (1907)
EL SENA EN CHATOU
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RAOUL DUFY
Temas favoritos: barcos de vela, las
carreras de caballos y otras actividades al
aire libre en lugares de moda
CARTELES EN TROUVILLE (1906) EL 4 DE JULIO EN LE HAVRE (1906)

Estilo surgido en Alemania que trata de dar al
espectador una visión de los sentimientos del
artista.
-Contexto: atmósfera agobiante que precedió a
la I Guerra Mundial.
-Forma, color y textura están al servicio de la
transmisión de los estados de ánimo del autor.
- Uso de líneas curvas, quebradas y angulosas ,
esquematización de las formas, colores
exaltados que dan a las obras un carácter
agresivo y angustioso.
-Supuso el inicio de la pintura abstracta en
sentido estricto, ya que la pintura se desvincula
por fin del referente. Es una pintura subjetiva
que deforma y exagera.
- Influencias: Goya, el Greco y otros más
cercanos en el tiempo como Van Gogh, el belga
James Ensor y el noruego Edvard Munch.
EXPRESIONISMO
http://www.ultimorender.com.ar/funkascript/expresionis
mo/solo_texto.htm
DANZA ALREDEDOR DEL
BECERRO DE ORO, NOLDE

ATARDECER EN EL PASEO KARL JOHAN (1882)
EDVARD MUNCH
Personalidad atormentada, que se plasmó
en sus obras.
Edvard Much y James Ensor se consideran antecedentes inmediatos de la pintura expresionista,
tanto por el tratamiento de los temas como por el uso expresivo del color.
En 1885 descubrió a los pintores
simbolistas en París y de ellos tomó el
gusto por la expresión de sentimientos
extremos. Su primera exposición en
Berlín en 1892 causó un escándalo y
fue clausurada, pero sus obras
estimularon el desarrollo del
expresionismo alemán. Su pintura
rechazó los temas neutros del
impresionismo y se dedicó a la
expresión de estados de ánimo
intensamente subjetivos, morbosos y
turbadores.

EL GRITO
Su finalidad era explorar el mundo interior de la
conciencia humana. Sus temas preferidos fueron la
enfermedad, el alcoholismo, la dolorosa soledad de
la adolescencia y la vejez, el miedo, el ansia de amor
insatisfecho, la decepción, la angustia. La
profundidad psicológica de estos temas no podía ser
expresada con una técnica realista y por ello utilizó
colores puros (uso expresivo del color), distorsionó
las líneas de las figuras, empleó líneas ondulantes en
el paisaje y diagonales rectilíneas que acaban en el
horizonte, aumentando la sensación de angustia.

LA DANZA DE LA VIDA
DESNUDO LLORANDO
EL ASESINO EN EL CAMINO

MELANCOLÍA AMOR Y DOLOR
CENIZAS CELOS

LA ENTRADA DE CRISTO EN BRUSELAS
AUTORRETRATO CON MÁSCARAS
JAMES ENSOR
LA MUERTE Y LAS MÁSCARAS
Influido por el Bosco, Brueghel y los
impresionistas, desarrolló temas como los
festejos multitudinarios de Ostende, que
le producían repulsión y rechazo.
Representaba a la humanidad como algo
estúpido, amanerado, vano y odioso,
retratando a los individuos como payasos
o esqueletos y reemplazando los rostros
por máscaras de carnaval. Usaba colores
estridentes, pinceladas violentas y
bruscas para potenciar el aspecto
agresivo de sus temas.

Ensor pintó desfiles fantasmales de
personajes enmascarados y caricaturescos.
La máscara se convierte en la expresión de
lo amenazador y lo desconocido que refleja
la ironía sobre la condición humana. Usó
colores estridentes, pinceladas violentas y
bruscas para potenciar el aspecto agresivo
de sus temas.
EL ASOMBRO DE LA MÁSCARA WOUSE
ESQUELETO QUERIENDO CALENTARSE LOS BORRACHOS

DIE BRÜCKE (EL PUENTE)
Se desarrolló entre 1905 y 1913, en Dresde. Eran un
grupo de estudiantes de arquitectura que pretendían
tender un puente que uniera a todos los elementos
agitadores y revolucionarios y rechazar el arte
contemporáneo alemán.
- Admiración por Van Gogh y Munch.
- Influidos por el uso del color de los fauvistas,
aunque prefirieron los tonos oscuros.
- Objetivo: plasmar las angustias interiores y
preocupaciones existenciales del ser humano.
Trataron de lograrlo usando colores planos y
arbitrarios, el alargamiento de las figuras, las
coincidencias temáticas (desnudos, animales,
bailarinas...), los contornos negros y la fuerza de la
línea.
Mediante la deformación de las expresiones,
querían representar la "realidad real", es decir, la
esencia de las cosas, lo que no puede verse, sino sólo
sentirse.
Artistas más destacados: Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde y Karl Schmitt-Rotluff.
EXPRESIONISMO ALEMÁN

ERNST LUDWIG KIRCHNER
POTSDAMER PLATZ
MUJER CON BLUSA VERDE
DOS MUJERES EN LA
CALLE
Intentaba demostrar con su paleta estridente y sus trazos angulosos los oscuros deseos que laten en
el fondo de los seres humanos.

MUJER DEL BUSTO DESNUDO CON
SOMBRERO
CALLE CON BUSCONA DE ROJO
AUTORRETRATO
http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=6028

AUTORRETRATO COMO SOLDADO
ESCENA DE CALLE DE BERLÍN

CALLE DE BERLÍN ARTILLEROS EN LA DUCHA

AUTORRETRATO CON MODELO TEATRO DE VARIEDADES
Sus temas son generalmente escabrosos, en sintonía con la forma expresiva de mostrarlos:
prostitución, locales nocturnos de dudosa reputación, calles angostas con personajes
trajeados...

EMIL NOLDE
CRUCIFIXIÓN GENTE EXCITADA MÁSCARAS
Sus obras se caracterizan por su fuerte cromatismo y su sencillez, con rostros
semejantes a máscaras

DANZA ALREDEDOR DEL BECERRO DE ORO
BAILARINAS ENTRE LAS VELAS
http://lozzanoart.blogspot.com.es/2009/04/emil-nolde.html

KARL SCHMIDT-ROTTLUFF
MUJER CON BOLSO
ERICH HECKEL
HOMBRE Y MUJER JÓVENES
CASA EN DANGAST
http://rocio-arte.blogspot.com.es/2012/11/erich-heckel.html
PASEANTES EN EL LAGO
GRUNEWALD
CASAS POR LA NOCHE
https://www.wikiart.org/es/karl-schmidt-rottluff

DER BLAUE REITER (EL JINETE AZUL)
Se desarrolló entre 1911 y 1914, formado en
Munich, por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee
y August Macke.
- Su pintura es más exquisita, subjetiva y
espiritual, intentando hacer visible lo que no se
ve. Sobre todo Marc y Kandinsky se interesaron
principalmente por la plasmación pictórica de los
sentimientos (expresión subjetiva de lo
espiritual).
- Les importaba más el cómo de la representación
que el qué. Creían que el significado y el sentido
de cada cuadro están en manos del propio
espectador. El artista da forma a la emotividad
en su obra y a su vez el cuadro produce
determinados sentimientos en quien lo observa.
- La representación del objeto en sus pinturas es
secundaria, ya que la belleza residía en la riqueza
cromática y en la simplificación formal. Por eso,
resultará muy importante el simbolismo en el
uso del color y muchos acabarían en la
abstracción, como Kandinsky.

VASSILY KANDINSKY
EL JINETE AZUL (1903)
IGLESIA EN MURNAU (1910)
El nombre del movimiento deriva de un cuadro
pintado por Kandinsky en 1903 y también del
amor que sentía Franz Marc por los caballos y
Kandinsky por los jinetes y la preferencia de ambos por
el color azul.
CALLE EN MURNAU

EL JUICIO FINAL (1911)
Der blaue Reiter se creó como reacción al rechazo del cuadro de Kandinsky titulado El juicio final
en una exposición. Los integrantes principales fueron Kandinsky, Franz Marc y Paul Klee.
LA IGLESIA DE SANTA ÚRSULA
EN MUNICH- SCHWABING (1908)
LA CALLEJA GRÜNN EN MURNAU

COMPOSICIÓN IV
ARCO NEGRO
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La obra de Kandinsky derivó rápidamente hacia la abstracción

JINETE O LÍRICA COMPOSICIÓN VII (1913)
Kandinsky escribió De lo espiritual en el arte, donde defendía un arte auténtico, expresión exterior de
las inquietudes interiores, un pintura como expresión de las emociones a través del color, en muchas
ocasiones inspirada en la música. Su pintura fue derivando hacia el arte abstracto, convirtiendo sus
obras en una sinfonía de manchas y colores.

EL CABALLO AZUL
FRANZ MARC
PEQUEÑOS CABALLOS AZULES
EL SUEÑO
Destacó por sus cuadros de
caballos azules.

FORMAS EN LUCHA
EL DESTINO DE LOS ANIMALES
La I Guerra Mundial destruyó el grupo: Marc murió y Kandinsky regresó a Rusia

AÑOS 20: NUEVA OBJETIVIDAD
No formaron un grupo compacto. Cada autor tuvo sus características, pero compartieron
la meticulosidad para expresar la soledad y la angustia de los individuos tras la guerra y una gran
carga de crítica social.
METRÓPOLIS
GEORGE GROSZ
http://www.abcgallery.com/G/grosz/grosz.html
LOS PILARES DE LA SOCIEDAD

MUTILADOS DE GUERRA JUGANDO A LAS CARTAS NATURALEZA MUERTA CON VELO DE VIUDA
OTTO DIX

LOS DESENGAÑADOS I
EL PUENTE DE HIERRO

EGON SCHIELE
http://www.elarteporelarte.es/otros-focos-del-expresionismo-gustave-klimt-oskar-kokoschka-y-rouault/
LA MUCHACHA Y LA MUERTE
LA FAMILIAAUTORRETRATO
CON LOS DEDOS
EXTENDIDOS
Pintó figuras humanas,
atormentadas, desesperadas
y trágicas

OSKAR KOKOSCHKA
LA NOVIA DEL VIENTO O LA TEMPESTAD
http://arteyartistas.wordpress.com/2008/04/29/oskar-kokoschka-1886-
1980/
AMANTES CON GATO
Perteneció al círculo expresionista vienés. Después de la
guerra, su pintura expresó el asco por la degradación
alcanzada por la humanidad.

En Francia, Georges Rouault
fue un ejemplo de cómo pasar
del fauvismo al Expresionismo
sin cambiar los aspectos
formales, simplemente con un
cambio en la concepción.
Marc Chagall y Amedeo
Modigliani formaron parte del
grupo expresionista de la
llamada Escuela de París. El
italiano Modigliani destaca por
sus figuras humanas alargadas y
nostálgicas, que recuerdan al
Greco.
CRISTO EN LA CRUZ,
GEORGES ROUAULT
CARNICERO, MARC CHAGALL
MUJER CON EL CUELLO BLANCO,
AMEDEO MODIGLIANI

El Cubismo, creado por Pablo Ruiz Picasso
y George Braque, fue uno de los
movimientos artísticos de vanguardia más
importantes del siglo XX. Surgió en Francia
entre 1907 y 1914 y se extendió
posteriormente por todo el mundo. Fue una
corriente pictórica de carácter formalista,
cuyos creadores estaban interesados en la
pintura desde el punto de vista formal, de
las formas, sin ningún tipo de implicaciones
políticas o sociológicas. Pese al aspecto de
algunas obras cubistas, los artistas siempre
partieron de la forma y nunca cruzaron el
umbral de lo abstracto.
El Cubismo se inició en 1907, fecha en la
que Picasso pintó Las Señoritas de Aviñón,
un cuadro que representa a cinco
prostitutas en un burdel de la Calle Avinyó
de Barcelona.
Braque en su estudio y Picasso vestido con el uniforme
de Braque

La competitividad entre Picasso y Matisse
llevó a la creación de un nuevo estilo.
Cuando en 1906 Picasso vio Mujer con
sombrero de Matisse, respondió con el
Retrato de Gertrude Stein, en colores
terrosos. En esta obra se observa la
petrificación del rostro y la
esquematización arquitectónica de la figura
y es patente la influencia de Cézanne en la
reducción de los volúmenes de los objetos a
unas pocas formas geométricas elementales
En 1906 se celebró una exposición
retrospectiva de Cézanne, a quien Picasso
consideraba su único maestro.
RETRATO DE GERTRUDE STEIN
MUJER CON SOMBRERO

Fue Matisse también quien mostró a
Picasso varias esculturas africanas
que despertaron su interés por el arte
primitivo. A continuación, visitó el
Museo Etnográfico del Trocadero en
París, donde quedó fascinado por las
máscaras africanas y las esculturas
ibéricas y egipcias y provocó uno de
los cambios más importantes en la
historia del arte.

LAS SEÑORITAS DE AVIGNON (1906-1907)
http://www.portaleureka.com/accesible/arte/183-
senoritas-avinon-picasso
Cuadro rompedor, al que Picasso incorporó
las influencias de la geometrización de
Cézanne y las esculturas primitivas.
No hay sensación de profundidad, las
figuras son bidimensionales y sus cuerpos
han sido reducidos a formas geométricas.
Las mujeres, prostitutas que hacen
proposiciones al cliente, sobresalen del
lienzo y sus rostros son como máscaras
africanas.
El cuenco con fruta representa las delicias
humanas en oferta. El espacio queda
definido por los propios cuerpos, el
bodegón y los cortinajes. Se ha suprimido la
profundidad y ha desaparecido el concepto
delante y detrás y el perfil y el frente
conviven en un mismo plano. Con esta obra
la tradición pictórica anterior queda
destruida y se inicia el proceso de creación
de un nuevo concepto espacial: el cuadro
como entidad autónoma al que se supeditan
las formas en él representadas.

En los bocetos preparatorios
aparecían siete figuras, las cinco
mujeres y dos hombres, un
cliente vestido de marinero y un
estudiante de medicina con una
calavera en la mano, símbolo de
la muerte. La intención inicial de
Picasso era una pintura de
carácter moralizante, pero se
dio cuenta de que eliminando
personajes se incrementaba la
potencia visual.

Además de la influencia de las
esculturas ibéricas y africanas, es
evidente la influencia de La
visión del Apocalipsis del Greco y
las bañistas de Cézanne.
Fue el cuadro que abrió el
camino hacia el nuevo estilo.

Después de escuchar las opiniones
desfavorables de sus amigos,
Picasso dejó de trabajar en el
cuadro y lo abandonó en su
estudio hasta que el diseñador de
moda Jacques Doucet se lo compró
en 1924.
Georges Braque, que se había
iniciado en el fauvismo, sí apoyó a
Picasso y le mostró en lo que
estaba trabajando. Juntos
cambiarían la historia de la pintura.
El marchante de arte Kahnweiler
dio un estipendio a ambos para
que continuaran trabajando. Sus
investigaciones llevarían a la
creación del cubismo.
GEORGES BRAQUE DANIEL-HENRY
KANHWEILER

CASAS EN L’ ESTAQUE, BRAQUE (1908)
El nombre de Cubismo proviene de un
comentario de Henri Matisse al crítico
Louis Vauxcelles al ver el cuadro de
Georges Braque Casas en L’ Estaque
(1908), en el que Braque había
sacrificado el detalle para
concentrarse más en la composición,
de manera que el paisaje se había
convertido en formas geométricas.
Matisse dijo que Braque había hecho
“un cuadro lleno de cubitos”.
En realidad, no hay cubos en el
cubismo, sino el reconocimiento de la
naturaleza bidimensional del cuadro
y el abandono del intento de crear
una representación tridimensional.

Braque y Picasso miraban los objetos desde
todos los puntos de vista posibles,
mostrando todos los planos de los objetos a
la vez, escogiendo aquellos que describían el
objeto de forma más clara y reconstruían el
objeto en el lienzo mediante planos
entrelazados.
Su objetivo era incluir lo que normalmente
no se ve, ofrecer una representación más
exacta de cómo observamos la realidad de
un objeto, después de haberlo deconstruido
en sus múltiples planos.

- Desaparición de la perspectiva
tradicional: las formas se
representan por medio de
figuras geométricas,
fragmentando líneas y superficies.
Se adopta la llamada perspectiva
múltiple: se representan todas las
partes de un objeto en un mismo
plano (simultaneidad de planos).
Por eso, aparecían al mismo
tiempo y en el mismo plano vistas
diversas del objeto: por ejemplo,
un rostro humano se representa al
mismo tiempo de frente y de
perfil. Ya no existe un punto de
vista único y no hay sensación
de profundidad. Los objetos son
representados como se sabe que
son y no como parecen ser.
CARACTERÍSTICAS DEL CUBISMO
BUSTO DE UNA MUJER
CON FLORES, PICASSO,
1909
PAISAJE CON CASAS, BRAQUE, 1908

- Las formas simples y geométricas (cubos,
cilindros, esferas) dominan en las
composiciones. En ello se observa la
influencia de las esculturas primitivas y
africanas.
- Supresión de los detalles: a veces se
representaba el objeto por un solo
aspecto, como los violines, insinuados
sólo por la presencia de la cola del mismo.
- Los temas son sobre todo bodegones,
paisajes y retratos.
- Se eliminan los colores sugerentes y se
utilizan tonos apagados, como los grises,
verdes y marrones. El monocromatismo
predominó en la primera época del
cubismo, aunque posteriormente se
ampliaría la paleta de colores.
NATURALEZA MUERTA CON
BOTELLA DE ANÍS DEL
MONO, PICASSO, 1909
VASO SOBRE MESA, BRAQUE, 1909
VIOLÍN Y CANDELABRO,
BRAQUE, 1910

FASES
-CUBISMO ANALÍTICO O HERMÉTICO (1908-1912):
pintura casi monocroma, con predominio de colores grises
y ocres. Los colores eran secundarios y el interés se
centraba en la descomposición de las formas en múltiples
planos geométricos. Los volúmenes grandes se fragmentan
en cubos más pequeños. Se denomina también cubismo
hermético porque la gran cantidad de puntos de vista
dificulta la identificación de lo representado.
-CUBISMO SINTÉTICO (1912-1914): incorporación del
collage, realizado con materiales gráficos, como trozos de
periódicos o papeles pintados, partituras, tapicerías,
naipes…. Mayor riqueza cromática y mayor facilidad de
comprensión de lo representado. Los objetos se reducen a
sus atributos esenciales y son más fáciles de reconocer.

CUBISMO ANALÍTICO (1909-1912)
iniciado hacia finales de 1909, caracterizado
por el análisis de la realidad para
descomponerla en múltiples planos
geométricos anchos y simples que sugieren
escasa profundidad y con tonos ocres,
azulados y grises. Los cuadros no tienen
profundidad, sólo formas que descomponen
el objeto y lo presentan desde diferentes
puntos de vista sobre la misma superficie.
Este periodo también se denominó cubismo
hermético, porque la gran cantidad de puntos
de vista dificulta la identificación de lo
representado. Los colores son apagados, con
pinturas casi monocromas.
Ejemplos de esta época son El portugués de
Braque y los retratos de Kahnweiler y
Ambroise Vollard de Picasso.
EL PORTUGUÉS, BRAQUE, 1911

LA GUITARRA (1909) HOMBRE CON GUITARRA (1911)
GEORGES BRAQUE

MUJER CON MANDOLINA (1910) CLARINETE Y BOTELLA DE RON SOBRE UN MANTEL
(1911)

VIOLÍN Y PALETA (1909)
NATURALEZA MUERTA CON ARPA Y VIOLÍN (1911)

RETRATO DE KAHNWEILER (1910) RETRATO DE AMBROISE VOLLARD (1910)
PICASSO

FIGURA DESNUDA (1910) EL POETA (1911)
HOMBRE CON GUITARRA, (1911)

MA JOLIE (1912)
EL AJEDREZ (1911)

CUBISMO SINTÉTICO
Iniciado a partir de 1912, los objetos se
reducen a sus atributos esenciales y son más
fáciles de reconocer.
- Ahora el objeto no se descompone, sino
que se resume (sintetiza) en sus aspectos
más esenciales sin ningún tipo de sujeción a
las leyes de la imitación de la apariencia.
- La aplicación del collage ayuda a formar la
visión sintética de los objetos.
- El color cobra un protagonismo especial.
- Los temas más comunes son retratos,
mesas con objetos cotidianos, como frutas,
pipas, partituras, vasos, botellas…
CARTAS; VASOS Y BOTELLA DE RON
NEGRO: VIVE LA FRANCE, Picasso,
1913
BOTELLA, BRAQUE, 1913

BODEGÓN CON MESA CON
GILLETTE (1914)
MANDOLINA, 1914
VIOLÍN Y PARTITURA SOBRE MESA
(PETIT OISEAU), 1913
BRAQUE
FRUTERO Y JARRÓN, 1912

GUITARRA (1913) MUJER EN CAMISA SENTADA
EN UN SILLÓN (1913)
PICASSO
NATURALEZA MUERTA CON
SILLA DE REJILLA (1912)

BOTELLA, VASO Y VIOLÍN (1912)
GUITARRA, PARTITURA Y VASO DE
VINO (1912)
LA GUITARRA (1913)

LOS TRES MÚSICOS (1921)
MANDOLINA Y GUITARRA (1924)
https://www.wikiart.org/es/paintings-by-style/cubismo-
sintetico#!#filterName:all-works,viewType:masonry

El Cubismo tuvo muchos seguidores y su
influencia fue mucho más allá de la
pintura, con repercusiones en la
decoración de interiores, que se
plasmarían en el Art Déco, la Bauhaus y
el neoplasticismo holandés del grupo De
Stijl.
El comienzo de la I Guerra Mundial
fraccionó el cubismo, que seguiría
subsistiendo en nuevos estilos, como el
constructivismo ruso, el cubo-futurismo
ruso o el orfismo de Sonia y Robert
Delaunay.
EL MOLINILLO DE CUCHILLO (PRINCIPIO DE
GLITTERING), KAZIMIR MALÉVICH
TRES VESTIDOS SIMULTÁNEOS,
SONIA DELAUNAY

FERNAND LÉGER
Tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Le
interesó la vida cotidiana y el maquinismo de la gran
ciudad.
LOS FUMADORES
EL SOLDADO CON PIPA
LOS ACRÓBATAS
LA COSTURERA

LA ESCALERA (SEGUNDO ESTADO), 1914

ROBERT Y SONIA DELAUNAY
Creadores del orfismo o cubismo órfico , tendencia colorista y abstracta del cubismo que
exalta el color y la luz, emparentándolos con Orfeo, el personaje de la mitología griega que, por
su sobrehumano manejo de la lira , representa la conjunción de la música y la poesía.
CAMPO DE MARTE, LA TORRE ROJA RITMO

MERCADO EN EL MIÑO, SONIA DELAUNAY
https://arelarte.blogspot.com/2009/05/robert-y-sonia-delaunay-color-y-ritmo.html
CANTANTE DE FLAMENCO, SONIA DELAUNAY
https://www.wikiart.org/es/sonia-delaunay/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

Fauvismo, expresionismo y cubismo

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