La vida 2
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La obra La Vida, pintada por Picasso en 1903, representa simbólicamente la complejidad de la pareja entre amor y sexualidad e incompatibilidad. Muestra a una pareja desnuda abrazada y a una mujer con un bebé, sugiriendo el fruto de la unión física. La pintura fue influenciada por el suicidio del amigo de Picasso y explora temas de dolor y vida sin esperanza a través de figuras rígidas y una paleta dominada por el azul.
La vida 2
- 1. LA VIDA AUTOR: PABLO PICASSO Año: 1903 Medidas: 196,5 X 123,2 cm Soporte: Óleo sobre lienzo Estilo: Postimpresionismo (Periodo azul) Género: Figura Localización: Museum of art de Cleveland Tema: Simbólico
- 3. Comentario de la obra Obra que fué pintada en Barcelona, de grandes dimensiones y es una de las más ambiciosas de Picasso, de gran simbología. Se conocen dos bocetos preparatorios a pluma y a lápiz. En los bocetos la figura masculina se parece a Picasso, en el definitivo tendrá rasgos de su amigo Casagemas. Quiere representar la gran complejidad que existe en la parejas entre amor sexual e incompatibilidad entre vida. También puede interpretarse la obra como la fuente de vida que es la pareja, mostrándose el fruto de la unión física, que es el bebé que sostiene en sus brazos la mujer envuelta en un manto. Composición Es sencilla y simétrica, las figuras poseen una rigidez casi estatuaria. Al fondo entre los dos grupos de figuras aparecen dos estudios de desnudos, como si la escena se desarrollara en el estudio del pintor. El tema del 1er plano es el amor eterno, los dibujos de atrás parecen querer recordar al espectador que la vida es dolor. Estricta simetría, donde el mayor volumen de la pareja de la izquierda compensa con una mayor intensidad en los colores de la madre. Tanto el habitual sentido de la mirada occidental como el leve gesto de hombre nos dan una leve dirección hacia la derecha que cerraría solemnemente la figura hierática de la madre. El proyecto original de la obra era más complejo.
- 4. Algunos cuadros de su etapa azul
- 5. Contextualización Se conoce como período azul de Picasso al que transcurre entre 1901 y 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que dejó a Picasso lleno de dolor y tristeza. Se trata del primer estilo personal del pintor tras el academicismo juvenil (muy influido por su padre) y las experiencias postimpresionistas que tomaban el mundo del cabaret de Toulouse Lautrec o Degas. En torno al principio del siglo, y envuelto en una vida pobre y miserable en el luego famoso Bateau Lavoir de París, Picasso da un giro a su producción anterior para buscar unos temas y una técnica claramente reconocible. Toma para ello el mundo de los marginados (pobres, mendigos, locos, prostitutas, deformes) ya habitual en la pintura de Toulouse para envolverlos en una atmósfera densa de un azul dominante y profundo que comunique soledad y melancolía.
- 6. El soporte El lienzo tiene numerosas rectificaciones, dejando algunos lugares inacabados por donde se puede ver el carboncillo. La línea prevalece sobre el color. Dibuja contundentes contornos, aunque en el interior de los desnudos maneja una pincelada mucho más suelta que matiza muy suavemente la luz. Como es típico de cada época, todo se encuentra dominado por una monocromía azul (relacionada con la melancolía) con apenas unas zonas marrones en su centro.
- 7. La perspectiva Es casi abolida por completo y solo en la parte baja encontramos un suelo diferenciado del fondo, aunque bastante alzado como señalan los pies danzantes de las figuras. Según ascendemos visualmente, la pared deja de tener referencias espaciales haciendo resaltar las figuras sobre él, como si se tratara de un relieve. La luz Aunque naturalista en su conjunto y muy marcada en los pliegues de la madre, tiene una extraña reflexión en los cuerpos desnudos, creando planos discordantes en su piel desnuda. En la pareja proviene de la izquierda y en la madre pareciera que el foco estuviera colocado a la derecha.
- 8. Las figuras Mantienen un canon muy alargado y presentan un fuerte carácter hierático y estático que se contrapone con el movimiento y el dramatismo de la escena de la pared. Es claramente perteneciente al periodo Azul de Picasso que en los primeros años del s. XX dominó su pintura (tonalidad, personajes, sensación de angustia, hieratismo, canon). En torno al principio del siglo y envuelto en una vida pobre y miserable en el luego famoso Bateau Lavoir de París, Picasso da un giro a su producción anterior para buscar unos temas y una técnica claramente reconocible. toma para ello el mundo de los marginados (pobres, mendigos, locos, prostitutas, deformes) ya habitual.
- 9. Análisis conceptual Las interpretaciones han sido muy variadas, y el propio Picasso nunca quiso corroborarlas o negarlas, aunque es evidente la contraposición del amor carnal (la pareja) con el maternal (la madre), así como el paso de uno a otro a través del sexo visto de una forma ambivalente. Picasso con este cuadro superará el dolor y la culpabilidad ante el suicidio de su amigo Casagemas. Este estaba enamorado de Germaine una modelo que tras una tormentosa relación le abandona y comienza una relación con Picasso. Picasso en los bocetos previos se retrata así mismo como el hombre desnudo que abraza a la mujer, pero en el cuadro definitivo sustituye su figura por el rostro de su amigo. Una pintura en exceso literaria (aunque en este cuadro no conozcamos su historia, pero siempre está presente la idea de fracaso, de vida arruinada y sin esperanza), que se continuará en la pintura rosa (aunque con mayor optimismo y un cambio de personajes acercándose al mundo del circo) y se romperá definitivamente en su periodo negro, en donde Picasso se alejará de esta pintura sentimental para centrarseen cuestiones más formales (color, planos geométricos) que le llevará hasta sus Señoritas de Avignon y el descubrimiento del cubismo.
- 10. Como es habitual en Picasso, las influencias son muy variadas, pues pocos pintores como él han tenido en la Historia del Arte la capacidad de digerir y reelaborar la pintura anterior hasta hacerla por completo propia. Tanto el canon alargado como las distorsiones de perspectiva y focos de luz se han puesto en contacto con el Greco que en esos momentos se estaba redescubriendo (influirá también en Munch). Por otra parte tanto el gesto de la mano como alguna de las formas de sus desnudos pueden incluso recordarnos al renacimiento (Adán y Eva de Masaccio, Miguel Ángel), así como la madre y sus ropajes a la cultura griega arcaica. Todo este cúmulo de influencias, junto a las de Toulouse o Degas, llegará a conformar esta obra enigmática pero central en su primera etapa aún figurativa que, en el plano personal, es un homenaje a su amigo íntimo Casagemas, que se suicidó por amor y aparece representado en la figura del hombre.