Pintura Barroca: Caravaggio
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El documento describe las características del arte barroco y se enfoca en el pintor italiano Caravaggio. Algunas de sus características principales incluyen el realismo, el uso dramático de la luz y las sombras, y la representación de temas religiosos de una manera naturalista que enfatiza a personas comunes. Caravaggio introdujo el tenebrismo, resaltando figuras mediante fuertes contrastes de luz y oscuridad. Su obra tuvo un gran impacto y revolucionó la pintura italiana del siglo XVII.
Pintura Barroca: Caravaggio
- 1. LA PINTURA BARROCA CARAVAGGIO
- 2. CARACTERÍSTICAS GENERALES El interés contrarreformista de la iglesia católica y la monarquía y la valoración de la burguesía protestante de lo individual y lo cotidiano determinan la principal cualidad de la pintura barroca: su vinculación a la realidad, El realismo también consecuencia de una evolución estilística, ya que, cuando en los últimos años del siglo XVI la justificación puramente estética y el consciente antinaturalismo del manierismo agotan sus cauces expresivos, los artistas barrocos usan la novedad formal plasmando en sus obras aquello que el manierismo rechazaba: la realidad y la naturaleza.
- 3. Realismo. Se buscan los modelos de la naturaleza, sin proceder a su idealización, incluso llegando al naturalismo, la preocupación por la representación del estado psicológico, de los sentimientos (dolor, alegría), etc. En no pocas ocasiones la luz se pone al servicio del realismo, resaltando texturas y superficies.
- 4. Libertad en la composición, es decir composición asimétrica. La tendencia instintiva a colocar la figura principal en medio y a pintar dos mitades de telas semejantes (simetría) se pierde, de la misma manera que se desecha la malla de horizontales y verticales del arte clásico. Se prefiere todo aquello que muestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá de los límites del marco. Esta composición atectónica se consigue mediante las líneas diagonales que sustituyen a las composiciones piramidales del siglo anterior. A veces se usan formas partidas que indiquen que no todo cabe en la tela. Las composiciones se abran hacia el exterior, son centrífugas. En ocasiones se usan puntos de vista muy bajos
- 5. Hegemonía de la luz. Se abandona el sfumato de Leonardo se pasa a planos de luz y sombras donde las formas se dibujan con gran precisión. El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz y la sombra juega un papel hasta entonces inédito, especialmente en los primeros ensayos del estilo que han venido a denominarse Tenebrismo. En el Barroco la forma se subordina a la luz, y en algunas ocasiones las formas pueden desvanecerse por debilidad o intensidad del centelleo luminoso.
- 6. Predominio del color sobre el dibujo. En los grandes maestros (Velázquez,Rembrandt, Rubens), las manchas son las definidoras de las formas. Se pinta, no se dibuja. Se pintan las cosas con manchas de color y luz, perdiéndose los detalles y con el contorno no precisado. La pincelada se hace mas suelta y abocetada. Detalles de pintura de Velázquez
- 7. Estudio de la profundidad . En el barroco se abandona el rigor de la perspectiva lineal a favor de la perspectiva aérea. Para obtener la sensación de profundidad los procedimientos utilizados pueden ser líneas convergentes, series de escorzos, un primer término desmesurado, un primer término oscuro, planos sucesivos de luz y sombra, plasmación de efectos atmosféricos: difuminación de los contornos, enfriamiento de los colores... La rendición de Breda de Velazquez
- 8. Preocupación por plasmar el movimiento. La pintura barroca es la pintura de la vida y ésta no puede representarse bajo formas estáticas. La turbulencia se antepone a la quietud; las figuras son inestables y los escorzos y ondulaciones se multiplican. A veces este movimiento no existe y el exceso de quietud y austeridad se debe relacionar con el deseo de vincular la obra con la trascendencia religiosa. Técnicas. La importancia del color y el deseo de mostrarlo en toda su brillantez hace que se abandone el temple y se generaliza el óleo y el uso del lienzo, a veces de grandes proporciones y la pintura sobre tabla casi se abandona. La técnica del fresco se sigue utilizando para la pintura decorativa de las paredes.
- 9. LOS TEMAS La multiplicidad de escuelas provoca una absoluta variedad en los temas. El desnudo es proscrito de las representaciones religiosas, persistiendo únicamente en las alegorías y mitologías. La fábula pagana se cultivará en Francia y Flandes. Los holandeses destacarán en el retrato de grupo y el paisaje se convierte en género independiente y dentro de él temas especiales como, escenas realistas ( de interiores y de vida cotidiana), marinas, batallas navales, etc. También se desarrolla el cuadro de arquitectura, el bodegón, los de naturalezas muertas. En cuanto a los temas religiosos abundan la representaciones de la Virgen, como Inmaculada, la Piedad, los pasajes evangélicos más relevantes, la caridad, los sacramentos (en especial la penitencia y la eucaristía), series sobre la vida de los santos y sus martirios Todos en un tono teatral, por influencia de la Contrarreforma que pretende llevar al fiel a la experiencia religiosa por medio de los sentimientos.
- 10. LA PINTURA BARROCA ITALIANA EL TENEBRISMO Miguel Angel Merisi, “Caravaggio” (1573-1610) De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable. Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió ante todo que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador.
- 11. Introdujo una profunda revolución en la pintura italiana del XVII. Dos son las características básicas de su obra, el naturalismo , rechazó los ideales clásicos; cuando pintaba una escena de tipo religioso, introducía en los cuadros lo vulgar, las escenas con gente corriente, sin ningún tipo de idealización. En segundo lugar, el tenebrismo, para acentuar el realismo, realza sus figuras y escenas por los efectos de luz, haciéndolas destacar sobre el fondo oscuro, la luz no se difunde suavemente, sino que surge de un vano lateral y cae sobre las figuras, sobre la escena, delimitando Los personajes aparecen en actitudes claramente las formas iluminadas en sorprendentes, en clara ruptura con lo que las que los colores son vivos e se consideraba “decoroso”; el autor quiere intensos y destacan sobre las zonas mostrar, de esta manera, la psicología y oscuras. las pasiones de los personajes, los “afecti”.
- 15. El USO DE LA LUZ La luz funciona como un espacio autónomo, como un personaje más en el cuadro, como tiempo, pues introduce el ritmo narrativo. El foco luminoso nunca aparece en el lienzo y suele ser artificial, procedente de algún ángulo lateral. Simboliza siempre la presencia de lo sobrenatural o lo divino, ¡Dios es luz!. Parece ser que Caravaggio trabajaba en habitaciones muy oscuras en las que manejaba la luz a su antojo
- 16. EL CUERPO HUMANO Los cuerpos de Caravaggio son casi exclusivamente masculinos, jóvenes o viejos: no se conocen representaciones de mujeres desnudas. Parece tener una predilección por los cuerpos marcados, imponentes y dotados de musculaturas notables: en numerosas pinturas, los personajes parecen invadir todo el cuadro. Esto es apreciable en los cuadros como el David de 1600, el Cristo en la columna o incluso en la Coronación de Espinas.
- 17. La crucifixión de San Pedro. EL NATURALISMO •Desde los inicios de su estancia romana rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, y eligió el camino de la verdad y el Naturalismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa a la obra. •El tratamiento de los temas religiosos, como escenas cotidianas, con toda su vulgaridad, hizo que en algunos casos sus obras no fuesen bien aceptadas, producían la sensación de falta de respeto hacia el tema y los personajes representados.
- 18. La “narración” se reduce al momento culminante de la historia y tiene, en muchas ocasiones, el aspecto de una fotografía instantánea. En ese instante se concentraba toda la acción, todo el dramatismo. La ausencia de fondos, por otra parte, acentuaba el contraste luminoso. Las figuras, parcialmente iluminadas contra la oscuridad, se destacan enfatizando sus gestos y expresiones. La suma de recursos tan efectistas deslumbran la mirada (claroscuros, contrapicados, gestualidad de los personajes, etc.), crean un espacio profundamente teatral, rico en significados y deslumbrante, a pesar de la “atmósfera tenebrosa” que domina muchas de sus composiciones. La conversión de camino a Damasco
- 19. El martirio de San mateo, Öleo sobre lienzo. 3.23 x 3.43 m. Capilla Contarelli, S. Luís de los franceses, Roma
- 20. San Mateo y el ángel, 1602. Óleo sobre lienzo. Los rostros, las manos y los pies de estos personajes aparecen maltratados, con suciedad. Se trata de una clara reivindicación de lo popular en lo sagrado, de conectar la fe con la verdadera piedad, aquella que huye de los oropeles y la pompa, tan querida por la jerarquía eclesiástica.
- 21. David 1600 Óleo sobre lienzo 110 x 91 cm Museo del Prado, Madrid
- 22. Cena en Emaús, 1601-2. öleo sobre lienzo. 1,39 x 1.95 m. National Galleri de Londres
- 23. La crucifixión de San Pedro. 1600. Óleo sobre lienzo, 230 x 175 cm Capilla Cerasi, Santa Maria del Popolo, Roma
- 24. La conversión de camino a Damasco Óleo sobre lienzo, 2.3 x 1.75. San Luís de los franceses, Roma
- 25. La incredulidad de Santo Tomás 1601-02 Óleo sobre lienzo , 107 x 146 cm Sanssouci, Potsdam
- 26. En las pinturas religiosas de Caravagio, el reino de Dios está en lo cotidiano y lo miserable, manifestándose en los pecadores y marginados de los que hablan las Sagradas Escrituras. El enterramiento de Cristo Óleo sobre lienzo, 16002-3 3 m. x 2.03 m Pinacoteca vaticana
- 28. San Jerónimo 1605-6 Óleo sobre lienzo 1.18 x 0.81 m. Monasterio de Monserrat
- 29. La muerte de la Virgen 1606, Óleo sobre lienzo 3.69 x 2.45 m. Museo del Prado La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado -acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tïber.
- 30. Las tendencias homosexuales de Caravaggio apenas han sido establecidas con exactitud, incluso en nuestros días, es un asunto con el que los cronistas se sienten incomodados y prefieren guardar en silencio, pero la observación de su obra deja pocas dudas a este respecto. Esa sexualidad, considerada infame en la época y vigorosamente condenada por la Iglesia, le acarreó muchos problemas con la justicia y con el poder: fue implicado en numerosos asuntos de “malas costumbres”.
- 31. Joven con cesto de frutas c. 1593 Óleo sobre lienzo 70 x 67 cm Galeria Borghese, Roma
- 32. Baco c. 1596 Óleo sobre lienzo 95 x 85 cm Galleria degli Uffizi, Florencia
- 33. Tomás Pérez Elena La Banda