Primeras vanguardias: fauvismo y cubismo

PRIMERAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS: FAUVISMO Y CUBISMO

El arte del S.XX experimentó una revolución total, en consonancia con los
grandes cambios derivados de la transformación del mundo contemporáneo,
los avances científicos y tecnológicos, la evolución del pensamiento y
acontecimientos históricos de gran impacto, como la I Guerra Mundial y la
revolución rusa de 1917.
HERIDO, (BATALLA OTOÑAL DE 1916, BAPAUME), SERIE
DE LA GUERRA, OTTO DIX (1924)
LIBROS. CONOCIMIENTO EN TODOS LOS CAMPOS,
ALEXANDR RODCHENKO (1924)

Desde principios de siglo cambió la
concepción de la naturaleza y del hombre y el
arte tradujo estos grandes cambios:
- pérdida del optimismo y fin de la idea del
progreso indefinido
- crisis del racionalismo
- las teorías psicoanalíticas de Freud
pusieron de manifiesto el mundo del
inconsciente en el desarrollo de la
personalidad
- los descubrimientos científicos, como la
teoría de la relatividad de Albert Einstein,
que modificó los principios generales de la
concepción del universo, rechazando los
conceptos de tiempo y espacio absoluto,
creando el principio de la indeterminación
de ciertos fenómenos naturales y por tanto
la incertidumbre de la ciencia.
- Los avances técnicos se pusieron al
servicio de la destrucción de la humanidad
en las dos guerras mundiales.

Los artistas reflejaron estos cambios en
sus obras, en las que proyectaron sus
preocupaciones intelectuales, sus
angustias, la crítica social o el intento de
escapar de una realidad desasosegante.
La obra de arte se impregna de
subjetivismo, se convierte en creación
individual, ajena a los gustos sociales.
Los artistas continuaron la línea iniciada
en el S.XIX de alejamiento de los gustos
convencionales y reivindicación de su
libertad creadora y lo hicieron
cuestionando la tradición y las
convenciones vigentes desde el
Renacimiento.
ANSIEDAD, EDVARD MUNCH, 1894

La ruptura con la tradición se inició en
la primera década del S.XX y provino
principalmente del campo de la
pintura, que había iniciado su
alejamiento de la realidad objetiva a
partir del impresionismo.
Las distintas corrientes pictóricas
surgidas en la 1ª mitad del S.XX se
agrupan bajo el calificativo de
“vanguardias”, por su carácter
rompedor, de avanzadilla en la
transformación del arte.

Principales puntos en común:
- alejamiento de la representación objetiva de
la realidad, puesto que no podían competir con
la fotografía y el cine,
- innovación y la experimentación constante
- cuestionamiento de la tradición artística
- uso del arte como vehículo de denuncia social
o crítica política. El artista abandona
definitivamente su papel de testigo de la
sociedad de su tiempo para convertirse en
intérprete de la realidad.
- visión subjetiva del artista
- corta duración: los nuevos movimientos son
como estallidos, fragmentos cortos, rápidos,
múltiples y simultáneos. Su corta duración
hace que se superpongan en el tiempo y que
los artistas pasasen muchas veces de un
movimiento a otro.
PAISAJE DE L’ESTAQUE, GEORGES BRAQUE, 19
GUITARRA Y VASO, GEORGES BRAQUE, 1917

El dominio de la burguesía y el desarrollo del
capitalismo marcaron también una
transformación en el papel reservado a la obra
de arte en la sociedad:
- La mercantilización y la especulación
entraron a formar parte del mundo del arte.
Los mecenas de épocas anteriores pasaron
a ser sustituidos por marchantes y
galeristas, encargados de poner a los
artistas en contacto con el público.
- El papel de los críticos de arte pasó a ser
decisivo para la valoración de la obra
artística y en muchas ocasiones sus
apreciaciones contribuyen a poner de moda
o revalorizar determinados estilos o
artistas. Esto explica que artistas o estilos
denostados en el pasado hayan alcanzado
cifras récord en subastas de arte.
Daniel- Henry Kahnweiler,
marchante de arte
Louis Vauxcelles, crítico de arte que
dio nombre al fauvismo y al cubismo

El primer movimiento de vanguardia fue el
expresionismo francés, denominado fauvismo.
El nombre de este movimiento surgió en la
exposición del Salón de Otoño en País en 1905,
en la que el crítico de arte Louis Vauxcelles, tras
contemplar las gamas cromáticas estridentes y
agresivas de los trabajos expuestos, denominó
"fauves"(fieras salvajes) a los artistas que
expusieron sus cuadros.
Todos ellos habían partido del
neoimpresionismo y compartían su admiración
por Cézanne y su forma de descomponer las
imágenes en planos de color relativamente
uniformes. Entre sus antecedentes hay que citar
a Van Gogh y Gauguin, ya que ambos huyendo
del impresionismo, se decantaron por un estilo
libre y personal, impulsivo y pasional, a la vez
que apostaron por un uso expresivo del color.
Entre los antecedentes lejanos cabe mencionar
a Goya y especialmente sus Pinturas Negras.
FAUVISMO
Sala nº 7 de la exposición, donde había 2 esculturas
en estilo clásico. Vauxcelles dijo “!Donatello entre
las fieras!”

Los orígenes del fauvismo se encuentran en un
grupo de tres pintores: Maurice de Vlaminck,
André Derain y Henri Matisse.
Influidos por el arte primitivo que habían
conocido a través de las máscaras africanas,
decidieron imprimir a su pintura un nuevo
rumbo privilegiando el color y la expresión
emocional por encima de la representación de
la realidad.
En el verano de 1905 pintaron una serie de
cuadros en los que en cuyas características eran:
- la importancia expresiva del color
- el uso de colores puros, saturados,
principalmente planos, realzados por la línea
de los contornos y sin relación con el tema
- gran simplicidad formal
- se eliminan la perspectiva tradicional y el
claroscuro y el modelado de los volúmenes.
- Reaccionaron contra la importancia que los
impresionistas habían dado a la luz a costa de
la pérdida del color.
Estos artistas consideraban que el arte es una
creación de la mente. Su lema era “La exactitud
no es verdad” y pretendieron utilizar el color
como medio de expresión de sentimientos.
HENRI MATISSE,
AUTORRETRATO
CON CAMISETA
DE RAYAS
RETRATO DE DERAIN POR
MAURICE DE VLAMINCK
AUTORRETRATO DE
MAURICE DE VLAMINCK

VENTANA ABIERTA
MAÑANA DE VERANO JAPONESA
BAÑISTA, LUEGO DENOMINADA LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD
Algunas de las obras de
Matisse expuestas en el Salón
de Otoño de 1905.

MUJER CON SOMBRERO
Este cuadro causó un gran escándalo,
porque representó la cara como una
máscara africana y sin fondo. Fue
comprado por el coleccionista Leo Stein,
que también compraría a Matisse La
alegría de vivir.

VISTA DE COLLIURE, DERAIN
SECADO DE VELAS, DERAIN
BARCOS EN COLLIURE, DERAIN RESTAURANTE LA MACHINE DE BOUGIVAL,
DE VLAMINCK

El Fauvismo no fue un movimiento
conscientemente definido, pues careció de
un manifiesto. Fue un mosaico de
aportaciones en el que cada pintor
acometía sus obras como una experiencia
personal cargada de espontaneidad y de
frescura. Les unió la actitud violenta con la
que se enfrentaron a los
convencionalismos de la época rechazando
las reglas y los métodos racionales
establecidos. Al igual que los
impresionistas, les gustaba pintar al aire
libre y representar la vida moderna. Sus
temas eran también muy parecidos a los
impresionistas: retratos, bodegones,
paisajes, escenas interiores…
EL SENA EN CHATOU, VLAMINCK
LA CALLE ENGALANADA O LA FIESTA DEL 14 DE
JULIO EN EL HAVRE, 1906, RAOUL DUFY

Se formó en el taller del simbolista Gustave
Moreau y copiando obras en el Louvre. En Londres
quedó fascinado por las obras de Turner. Se inició
en el neoimpresionismo, con obras como Lujo,
calma y voluptuosidad (1904) y después evolucionó
hacia una pintura de colores muy planos, influido
por Gauguin, como se observa en obras como La
alegría de vivir, La habitación roja (Armonía en
rojo), Retrato de la señora Matisse o La raya verde
y La danza.
En sus obras los colores se reparten en masas muy
planas, llegando a eliminar toda referencia de
perspectiva. Mantuvo una relación de competición
con Picasso que llevaría al origen del cubismo.
Matisse deseaba crear “un arte de equilibrio, de
pureza, que no inquiete ni turbe”, un arte tan
confortable “como un sillón”. Su pintura transmite
alegría de vivir, pasión por el color, optimismo, sin
ningún contenido político o social.
HENRI MATISSE
LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD (1904)
Matisse y Picasso

VISTA DE COLLIURE (1906)
LA ALEGRÍA DE VIVIR(1905)
LA RAYA VERDE O RETRATO DE LA
SEÑORA MATISSE

ARMONÍA EN ROJO (1908)
BODEGÓN CON MANTEL AZUL (1909)
LOS PECES (1914)
MANZANAS SOBRE LA MESA SOBRE FONDO VERDE

Aunque su pintura fue tachada
de intrascendente y
decorativista, tuvo una enorme
influencia en el arte del S.XX.
Uno de sus encargos más
importantes fue La danza y La
música (1909-1910) donde
volumen y ritmo se conjugan
armoniosamente. Usa tres
colores para imprimir
movimiento a los bailarines que
parecen flotar con ritmo.
https://www.wikiart.org/es/he
nri-matisse

La mayor parte de su producción
de época fauvista son personajes
campestres y urbanos, como
Puente de Londres (1906) y
muestran colores puros, a
menudo aplicados sobre el lienzo
directamente con el tubo,
pinceladas irregulares y
despreocupación por la
perspectiva o por la
representación realista.
ANDRÉ DERAIN (1880-1954)
PUENTE DE LONDRES, 1906
WESTMINSTER, 1905

LA CATEDRAL DE SAN PABLO DESDE EL
TÁMESIS
EL PUENTE DE CHARING CROSS
EL PARLAMENTO DE LONDRES

Hacia 1908 comenzó a experimentar
con otros estilos. La influencia de
Cézanne le llevó a un colorido más
sosegado y a un mayor control en sus
composiciones. En Las bañistas (1908)
intentó combinar las innovaciones de
los pintores anteriores, como Monet y
Cézanne.
Le influyó el cubismo, produciendo
obras geométricas como El puente
viejo de Cagnes y el primitivismo de
la escultura africana. Sus últimas
obras, posteriores a 1912 mostrarán
cada vez más la influencia de estilos
diversos.
LAS BAÑISTAS, 1908
EL VIEJO PUENTE DE CAGNES
https://www.wikiart.org/es/andre-derain

MAURICE DE VLAMINCK
RESTAURANTE DE LA MACHINE EN BOUGIVAL ( 1906)
ÁRBOLES ROJOS
Fue autor de paisajes dramáticos que
se inspiran directamente el colorido y
la pincelada de Van Gogh. Sus obras
fauvistas producen brillantes contrastes
cromáticos, como Árboles rojos (1906).
Básicamente paisajista, realizó también
bodegones, cuadros de flores y algunos
retratos. Algunas de sus obras más
destacadas son El pueblo e Interior de
cocina.
EL PUEBLO

EL CIRCO (1906)
RETRATO DE MUJER
(1906) FLORES, SINFONÍA
DE COLORES (1907)
EL SENA EN CHATOU
https://www.wikiart.org/es/maurice-de-vlaminck

RAOUL DUFY
Temas favoritos: barcos de vela, las
carreras de caballos y otras actividades al
aire libre en lugares de moda
CARTELES EN TROUVILLE (1906) EL 4 DE JULIO EN LE HAVRE (1906)

El Cubismo, creado por Pablo Ruiz Picasso
y George Braque, fue uno de los
movimientos artísticos de vanguardia más
importantes del siglo XX. Surgió en Francia
entre 1907 y 1914 y se extendió
posteriormente por todo el mundo. Fue una
corriente pictórica de carácter formalista,
cuyos creadores estaban interesados en la
pintura desde el punto de vista formal, de
las formas, sin ningún tipo de implicaciones
políticas o sociológicas. Pese al aspecto de
algunas obras cubistas, los artistas siempre
partieron de la forma y nunca cruzaron el
umbral de lo abstracto.
El Cubismo se inició en 1907, fecha en la
que Picasso pintó Las Señoritas de Aviñón,
un cuadro que representa a cinco
prostitutas en un burdel de la Calle Avinyó
de Barcelona.
Braque en su estudio y Picasso vestido con
el uniforme de Braque

La competición entre Picasso y Matisse
llevaría a la creación de un nuevo estilo.
Cuando en 1906 Picasso vio Mujer con
sombrero de Matisse, respondió con el
Retrato de Gertrude Stein, en colores
terrosos. En esta obra se observa la
petrificación del rostro y la
esquematización arquitectónica de la figura
y es patente la influencia de Cézanne en la
reducción de los volúmenes de los objetos a
unas pocas formas geométricas elementales
(en 1906 se celebró una exposición
retrospectiva de Cézanne, a quien Picasso
consideraba su único maestro).
RETRATO DE GERTRUDE STEIN
MUJER CON SOMBRERO

Fue Matisse también quien le
mostró varias esculturas
africanas que despertaron su
interés por el arte primitivo. A
continuación, visitó el Museo
Etnográfico del Trocadero en
París, donde quedó fascinado
por las máscaras africanas y las
esculturas ibéricas y egipcias y
provocó uno de los cambios más
importantes en la historia del
arte.

LAS SEÑORITAS DE AVIGNON (1906-1907)
http://www.portaleureka.com/accesible/arte/183-
senoritas-avinon-picasso
Picasso repensó el cuadro en el que estaba
trabajando y llegó al cubismo. No hay
sensación de profundidad, las mujeres
representadas son bidimensionales y sus
cuerpos han sido reducidos a formas
geométricas. Las mujeres, prostitutas que
hacen proposiciones al cliente, sobresalen
del lienzo y sus rostros son como máscaras
africanas.
El cuenco con fruta representa las delicias
humanas en oferta. El espacio queda
definido por los propios cuerpos, el
bodegón y los cortinajes. Se ha suprimido la
profundidad y ha desaparecido el concepto
delante y detrás, por ello, el perfil y el
frente conviven en un mismo plano. Con
esta obra la tradición pictórica anterior
queda destruida y se inicia el proceso de
creación de un nuevo concepto espacial: el
cuadro como entidad autónoma al que se
supeditan las formas en él representadas.

En los bocetos preparatorios
aparecían siete figuras, las cinco
mujeres y dos hombres, un
cliente vestido de marinero y un
estudiante de medicina con una
calavera en la mano, símbolo de
la muerte. La intención inicial de
Picasso era una pintura de
carácter moralizante, pero se
dio cuenta de que eliminando
personajes se incrementaba la
potencia visual.

Además de la influencia de las
esculturas ibéricas y africana, es
evidente la influencia de La visión
del Apocalipsis del Greco y las
bañistas de Cézanne.
Fue el cuadro que abrió el
camino hacia el nuevo estilo.

Después de escuchar las opiniones
desfavorables de sus amigos,
Picasso dejó de trabajar en el
cuadro y lo abandonó en su
estudio hasta que un coleccionista
lo compró en 1924.
Georges Braque, que se había
iniciado en el fauvismo, sí apoyó a
Picasso y le mostró en lo que
estaba trabajando. Juntos
cambiarían la historia de la pintura.
El marchante de arte Kahnweiler
dio un estipendio a ambos para
que continuaran trabajando. Sus
investigaciones llevarían a la
creación del cubismo.
GEORGES BRAQUE DANIEL-HENRY
KANHWEILER

CASAS EN L’ ESTAQUE, BRAQUE (1908)
El nombre de Cubismo proviene de un
comentario de Henri Matisse al crítico
Louis Vauxcelles al ver el cuadro de
Georges Braque Casas en L’ Estaque
(1908), en el que Braque había
sacrificado el detalle para
concentrarse más en la composición,
de manera que el paisaje se había
convertido en formas geométricas.
Matisse dijo que Braque había hecho
“un cuadro lleno de cubitos”.
En realidad, no hay cubos en el
cubismo, sino el reconocimiento de la
naturaleza bidimensional del cuadro
y el abandono del intento de crear
una representación tridimensional.

Braque y Picasso miraban los objetos
desde todos los puntos de vista posibles,
mostrando todos los planos de los objetos
a la vez, escogiendo aquellos que
describían el objeto de forma más clara y
reconstruían el objeto en el lienzo
mediante planos entrelazados. Su
objetivo era incluir lo que normalmente
no se ve, ofrecer una representación más
exacta de cómo observamos la realidad de
un objeto, después de haberlo
deconstruido en sus múltiples planos.

- Desaparición de la perspectiva
tradicional: las formas de
la naturaleza se representan por
medio de figuras geométricas,
fragmentando líneas y superficies.
Se adopta la llamada perspectiva
múltiple: se representan todas las
partes de un objeto en un mismo
plano (simultaneidad de planos).
Por eso, aparecían al mismo
tiempo y en el mismo plano vistas
diversas del objeto: por ejemplo,
se representa de frente y de perfil;
en un rostro humano, la nariz está
de perfil y el ojo de frente; una
botella aparece en su corte vertical
y su corte horizontal. Ya no existe
un punto de vista único y no hay
sensación de profundidad. Los
objetos son representados como
se sabe que son y no como
parecen ser.
CARACTERÍSTICAS DEL CUBISMO
BUSTO DE UNA MUJER
CON FLORES, PICASSO,
1909
PAISAJE CON CASAS, BRAQUE, 1908

- Las formas simples y geométricas (cubos,
cilindros, esferas) dominan en las
composiciones. En ello se observa la
influencia de las esculturas primitivas y
africanas.
- Supresión de los detalles: a veces se
representaba el objeto por un solo aspecto,
como ocurre con los violines, insinuados sólo
por la presencia de la cola del mismo.
- Los temas: sobre todo bodegones, paisajes
y retratos.
- Se eliminan los colores sugerentes y se
utilizan tonos apagados, como los grises,
verdes y marrones. El monocromatismo
predominó en la primera época del cubismo,
aunque posteriormente se ampliaría la
paleta de colores.
NATURALEZA MUERTA CON BOTELLA DE
ANÍS DEL MONO, 1909
VASO SOBRE MESA, BRAQUE, 1909

FASES
-CUBISMO ANALÍTICO O HERMÉTICO (1908-1912):
pintura casi monocroma, con predominio de colores grises
y ocres. Los colores eran secundarios y el interés se
centraba en la descomposición de las formas en múltiples
planos geométricos. Los volúmenes grandes se fragmentan
en cubos más pequeños. Se denomina también hermético
porque la gran cantidad de puntos de vista dificulta la
identificación de lo representado.
-CUBISMO SINTÉTICO (1912-1914): incorporación del
collage, realizado con materiales gráficos, como trozos de
periódicos o papeles pintados, partituras, tapicerías,
naipes…. Mayor riqueza cromática y mayor facilidad de
comprensión de lo representado. Los objetos se reducen a
sus atributos esenciales y son más fáciles de reconocer.

CUBISMO ANALÍTICO (1909-1912)
iniciado hacia finales de 1909, caracterizado
por el análisis de la realidad para
descomponerla en múltiples planos
geométricos anchos y simples que sugieren
escasa profundidad y con tonos ocres,
azulados y grises. Los cuadros no tienen
profundidad, sólo formas que descomponen el
objeto y lo presentan desde diferentes puntos
de vista sobre la misma superficie. Este
periodo también se denominó cubismo
hermético, porque la gran cantidad de puntos
de vista dificulta la identificación de lo
representado. Los colores son apagados, on
pinturas casi monocromas.
Ejemplos de esta época son El portugués de
Braque y los retratos de Kahnweiler y Ambroise
Vollard de Picasso. EL PORTUGUÉS, BRAQUE, 1911

LA GUITARRA (1909) HOMBRE CON GUITARRA (1911)
GEORGES BRAQUE

MUJER CON MANDOLINA (1910) CLARINETE Y BOTELLA DE RON SOBRE UN MANTEL
(1911)

VIOLÍN Y PALETA (1909)
NATURALEZA MUERTA CON HARPA Y VIOLÍN (1911)

RETRATO DE KAHNWEILER (1910) RETRATO DE AMBROISE VOLLARD (1910)
PICASSO

FIGURA DESNUDA (1910) EL POETA (1911)
HOMBRE CON GUITARRA, (1911)

MA JOLIE (1912)
EL AJEDREZ (1911)

CUBISMO SINTÉTICO
Iniciado a partir de 1912, los objetos se
reducen a sus atributos esenciales y son más
fáciles de reconocer.
- Ahora el objeto no se descompone, sino
que se resume (sintetiza) en sus aspectos
más esenciales sin ningún tipo de sujeción a
las leyes de la imitación de la apariencia.
- La aplicación del collage (papeles u otros
materiales pegados al cuadro) ayuda a
formar la visión sintética de los objetos.
- El color cobra un protagonismo especial.
- Los temas más comunes son retratos,
mesas con objetos cotidianos, como frutas,
pipas, partituras, vasos, botellas…
CARTAS; VASOS Y BOTELLA DE RON
NEGRO: VIVE LA FRANCE, Picasso,
1913
BOTELLA, BRAQUE, 1913

BODEGÓN CON MESA CON
GILLETTE (1914)
MANDOLINA, 1914
VIOLÍN Y PARTITURA SOBRE MESA
(PETIT OISEAU), 1913
BRAQUE
FRUTERO Y JARRÓN, 1912

GUITARRA (1913)
MUJER EN CAMISA SENTADA
EN UN SILLÓN (1913)
PICASSO
NATURALEZA MUERTA CON
SILLA DE REJILLA (1912)

LOS TRES MÚSICOS (1921)
MANDOLINA Y GUITARRA (1924)

Primeras vanguardias: fauvismo y cubismo

Más contenido relacionado

La actualidad más candente (20)

Similar a Primeras vanguardias: fauvismo y cubismo (20)

Más de papefons Fons (20)

Último (20)

Primeras vanguardias: fauvismo y cubismo