Tema 1 arte griego pdf

Departamento Geografía e Historia IES Marismas Curso 2017/18

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Tema 1. El arte griego


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1. INTRODUCCIÓN.LOS ÓRDENES

El arte griego abarca un larguísimo periodo de tiempo de casi dos milenios, aunque nosotros vamos
a centrar nuestra atención en las épocas clásica (siglos V y IV a. C.) y helenística (III y II a. C.). El arte
griego es producto de varias oleadas de pueblos indoeuropeos que se afincan en la Hélade (región
de los antiguos griegos), sintetizando sus aportaciones con el germen de la cultura local.

En primer lugar, destacaremos la Cultura cretense o minoica. Entre 1800 y 1300 a. C., se desarrolló
en la isla de Creta una civilización rica, refinada y culta. El centro de la vida de las ciudades, y la
principal manifestación artística era el palacio. El más importante fue el de Cnosos. Alrededor de un
patio central, se organizaban multitud de dependencias, lo que dio lugar al mito del laberinto. Los
palacios estaban decorados con pinturas murales, de gran colorido y vistosidad. Destacar también,
la cerámica, decorada con motivos geométricos y naturales.

Hacia el año 1.600 a.C. los aqueos, que dominaban el bronce, crearon el Imperio micénico, que
sustituyo al dominio minoico y que se desarrolló entre 1500 y 1100 a. C. Era una cultura guerrera,
sus ciudades estaban rodeadas de fuertes murallas en las que se abrían puertas (de entre las que se
conservado destaca la Puerta de los Leones de Micenas). Desarrollaron también una orfebrería
muy vistosa. Ejemplos: los “vasos de Vafio” y las máscaras mortuorias en oro que cubrían las caras
de los difuntos nobles (“máscara de Agamenón”).

En torno al 1100 a. C., un pueblo procedente del norte, los dorios, invadieron el Peloponeso y
destruyeron la cultura micénica. Poco a poco, se iría construyendo la cultura griega.

La cultura griega es una cultura de ciudades. Su organización incluía dos espacios claramente
separados: La ciudad de los dioses (acrópolis) y La ciudad de los hombres. En esta última se
diferenciada una parte privada (cuyo centro formaba parte las viviendas) y una parte pública, el
ágora, que era el epicentro de la actividad social, política y económica, con mercados y donde se
toman las decisiones importantes para la ciudad.
Característico de las ciudades griegas es la abundancia de edificios públicos. Destacan los de
carácter deportivos (estadios, palestras, gimnasios, etc.) y los Teatros, de los que podemos destacar
el Teatro de Dionisos en Atenas y el Teatro de Epidauro.
Los griegos sentaron las bases de modelos (en la literatura, en la filosofía, en el arte) que siguen
teniendo vigor dos milenios y medio después. Estos conceptos se aplican también a la arquitectura,
que no está concebida para expresar el poder absoluto de los reyes o para contentar a los dioses,
sino la perfecta armonía entre el hombre y la naturaleza. La arquitectura griega no pretende
deslumbrar sino ser un producto de la razón. Por este motivo, está llena de números, proporciones,
ritmos y medidas. Las sucesivas partes de un edificio se van deduciendo a partir de un módulo
inicial (casi siempre, el diámetro de la columna).
La arquitectura griega se forjó a partir de los órdenes clásicos, siendo éstos el conjunto de reglas
referidas a la escala, forma y decoración del edificio. En el siglo VII se fueron concretando los
órdenes dórico y jónico; el corintio apareció durante la segunda mitad del siglo V a.C.


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En relación a la escala, decir que tenía como fundamento al hombre. Protágoras afirmará: “El
hombre es la medida de todas las cosas”. La escultura plasma la visión ideal de los aspectos visibles
del hombre. Incluso los dioses son concebidos como seres afectados por las pasiones humanas.
La forma viene determinada por la columna, que se compone de basa, fuste y capitel; el diámetro
inferior del fuste constituye la unidad de medida para calcular las proporciones. La altura de la
columna dórica equivale a seis veces la longitud del diámetro del fuste; la jónica, a nueve y la
corintia, a diez. Además de proporcionar el módulo, el fuste es estriado, conteniendo veinte
acanaladuras el dórico y veinticuatro el jónico y el corintio. Sólo excepcionalmente es sustituido el
fuste por la figura humana, como en el Erecteion de la Acrópolis de Atenas. El capitel, que dulcifica
la brusca transición entre la verticalidad de la columna la horizontalidad del entablamento, ofrece
varios tipos: el dórico presenta un grueso ábaco, el jónico dos volutas; y el corintio asemeja a un
cestillo de hojas de acanto.
La decoración se centra en el friso que cabalga sobre el entablamento. El friso dórico aparece
fragmentado por metopas intercaladas entre triglifos; mientras que el jónico y el corintio presentan
un campo liso para desarrollar ciclos narrativos en relieve.
La sobriedad viril del orden jónico se impuso en el Peloponeso y por extensión a las colonias de la
Magna Grecia y Sicilia. La esbeltez femenina del orden jónico apareció en Asia Menor y en las islas
del Egeo. A partir del siglo V comenzaron a yuxtaponerse ambos órdenes en un mismo edificio,
reservándose el dórico para el exterior y aplicando el jónico en el revestimiento interno. El Partenón
(447-432 a.C.) presenta esta combinación. El corintio, por su parte, partió del Peloponeso y llegaría
a su máxima expansión en el período helenístico.
2. EL TEMPLO GRIEGO: EL PARTENÓN
La religión griega establecía las ceremonias de culto al aire libre. La asamblea de fieles se
congregaba en un paraje sagrado y hacía sus ofrendas en torno a un altar, allí mismo escuchaban la
voz del oráculo y santificaban las leyes.
En el Siglo VII a.C. se labran las primeras estatuas de dioses, apareciendo la necesidad de
custodiarlas en un relicario, que fue en lo que se convirtió el templo griego: en la morada de la
imagen sagrada. Los primeros templos eran apenas cabañas de madera. La forma definitiva se fijó
durante la época arcaica
Su estructura es muy simple. Su planta es rectangular y su cubierta es a dos aguas. Consta de una
sala rectangular o Naos, que alberga la efigie divina, precedida de un pórtico delantero abierto o
Pronaos, y secundada en el extremo opuesto por otro pórtico cerrado llamado Opistodomo. Todo,
sobre una plataforma de tres gradas o peldaños llamado crepidoma , donde el peldaño superior o
estilóbato aguanta el edificio. El espacio alrededor, el témenos, también se considera sagrado.
Alrededor de las dependencias litúrgicas se habilitó un pasillo exterior o perístasis, delimitado por
columnas, cuyo número y distribución ofrece una triple clasificación.
La fachada principal se disponía en uno de los ejes cortos de la planta y, de acuerdo en el número


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de columnas que presente la fachada puede ser dístilo (2 columnas), tetrástilo (4), hexástilo (6),
octástilo (8), decástilo (10),…En relación a la presencia de columnas en las fachadas será próstilo,
pero si también se proyectan en su frente posterior, será anfipróstilo. Finalmente, si está rodeado
en sus cuatro costados pur una fila de columnas, recibe el nombre de períptero, mientras que si la
hilera es doble se llama díptero.
La arquitectura griega es arquitrabada. es decir, se basa en líneas verticales y horizontales, lo que le
da una apariencia serena pero tiene dificultades con la altura y con la superposición de pisos. Hasta
mitad del siglo V a. C., el material más usado fue el conglomerado o piedra arenisca. Ya en época
clásica, se introdujo el mármol (templo de Apolo en Delfos o Partenón), más difícil de trabajar. Se
utilizaban colores (hoy perdidos): azul en los triglifos; rojo en el fondo de las metopas.
Para lograr una completa armonía visual, tuvieron que hacer ciertas correcciones a las
medidas matemáticas:
-Curvaturas del entablamento y del estilóbato para evitar el efecto de vencimiento por el centro
(pandeo)
-Inclinación de las columnas hacia dentro para impedir la sensación de caída y crear el llamado
efecto piramidal.
-Éntasis o mayor diámetro en una de las partes de las columnas, para impedir el efecto de
concavidad que tienen las columnas de lados rectos.
-Mayor anchura de las columnas de los ángulos para anular la sensación de que son puntos débiles.
-Desigual distancia en los espacios entre las columnas.
El Partenón es un templo octástilo, anfipróstilo y períptero que, a pesar de la destrucción y lde los
expolios padecidos, sigue siendo el emblema del arte griego. Se concibió como expresión del
agradecimiento que sentían los atenienses por la diosa Atenea, que les había conducido a la victira
sobre los persas, y mostraba la prosperidad de la época de Pericles tras este triunfo.
Previamente, Pericles venció la oposición de la Asamblea a financiar los gastos de este grandios
templo y la resistencia de los ancianos, que habían jurado mantener en ruinas la Acrópolis, en el
estado de destrucción que la habían dejado los persas, para que las futuras generaciones
recordaran la barbarie del invasor.
La planificación fue de los arquitectos Ictinos y Calícrates, utilizando los cimientos del edificio
anterior y usando mármol pentélico. Fideas se encargó de la supervisión, la ornamentación y de la
imagen titular de Atenea Parthenos. Las obras comienzan en el 447 a.C. y 15 años después
finalizan.
Un aspecto sorprendente de su arquitectura son los refinamientos ópticos utilizdos pur sus
constructores, como en la curvatura del entablamento, la inclinación y el abultamiento de las
columnas o la distancia desigual d elos intercolumnios para corregir las aberraciones naturales del
ojo humano.


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Igualmente importante al diseño arquitectónico es la decoración escultórica que aplicó Fidias al
edificio. Ésta, se convirtió en un instrumento pedagógico, donde los atenienses y los extranjeros
podían aleccionar sobre el origen de Atenea, contemplar el milagro de la diosa, enorgullecerse de
sus triunfos olímpicos y emocionarse con el culto de sus devotos.
Los frontones del partenon
El frontón oriental representaba el Nacimiento de Atenea, surgiendo madura y armada, de la
cabeza de Zeus. La joven Niké corona a la diosa, mientras Hermes y Hefaisto, corren despavoridos
ante el extraño alumbramiento. Estas imágenes han desaparecido, aunque las conocemos gracias a
descripciones y a un dibujo que el pintor Carrey hizo poco antes de que una bomba veneciana
impactara en el Partenon, utilizado por los turcos como polvorín en la guerra véneto turca en 1687.
Los otros dioses que asisten al parto prodigioso de la diosa si lograron salvarse y, aunque mutilados,
se conservan en el Museo Británico de Londres. En uno de los costados figura Hebe de pie, Démeter
y Kore sentadas y Dionisos recostado que observa el carro del Sl, que surge del océano al alba
anunciando el nuevo día. Enfrente Hestia, Dione y Afrodita, que observa cómo el carro de la Luna se
hunde en el Océano tras haber brillado durante la noche. Todos los personajes comparten escala,
acomodándose con su postura a las fastidiosas pendientes del frontón triangular. Las telas se pegan
al cuerpo dejando traslucir la anatomía, mediante la técnica bautizada como de “paños mojados” y
que los diseñadores de moda rebautizaron como “transparencias”.
En el frontón occidental se representa el célebre certamen que se convocó en el Olimpo para elegir
al Patrono del Ática. Como finalistas quedaron Poseidón y Atenea. Aquél lanzó su tridente e hizo
brotar un manantial de agua en la Acrópolis. Atenea disparo su jabalina y, al caer en tierra, germinó
un olivo, esencia junto al vino y al trigo de la dieta mediterránea. Los dioses congregados no
dudaron en votar a Atenea como triunfadora. La marca del tridente, aún se puede ver hoy sobre
una roca, custodiada por el Erecteion de la actual acrópolis.
Las metopas
Las metopas son 92, distribuidas en bloques de 14 (lados menores E-O) y 32 (lados mayores N-S).
Ilustran cuatro ciclos míticos en los que Atenea participó con resultados favorables: La
Gigantomaquia (Este),; la Amazonomaquia (Oeste); la Guerra de Troya (Norte); y la Centauromaquia
(Sur)
El friso de las panateneas
Tras terminar la estructura dórica del Partenón, fideas decidió encapsular un friso de estilo jónico
para narrar el ceremonial de las grandes fiestas estivales de los atenienses, las Panateneas. Todos
los 28 de julio, toda la ciudad en procesión subía a la Acrópolis para celebrar la hecatombe de
ganado que se ofrecía a Atenea, para luego ser repartida su carne en un gran banquete. Estas
Panateneas Menores se alternaban con las Panateneas Mayores, cada cuatro años en cada
olimpiada. Entonces, las doncellas entregaban un peplo a los sacerdotes para revestir a la diosa.
Jinetes, carros, músicos, portadores de odres de vino, ánforas, ramos y ofrendas de animales se
encuentran en la entrada principal con la Asamblea de dioses, hacia donde convergen las vírgenes
atenienses para ofrecer el vestido a su patrona. El Museo Británico de Londres, custodia la mayor


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parte de este friso.
3. LA ESCULTURA GRIEGA
El principal problema que plantea la escultura griega es la falta de piezas originales, sobre todo en
mármol, que fue muy utilizado para la escultura exenta. La mayoría d ela plástica griega es conocida
por copias en mármol del período romano, en el que el mercado de imitaciones se convirtión en un
auténtico y floreciente negocio.
Otro problema es la policromía. Todas las esculturas de mármol estaban brillantemente pintadas,
empleándose, además, postizos en los bronces: plata sonrosadasen los labios, pasta vítrea en los
ojos y rodetes de cuero para los pezones.
Los orígenes de la escultura griega están unidos a la aparición del “kurós”, que significa “hombre
joven". Servía como representación de un dios o de imagen sepulcral, como en el Kuros de
Anavyssos (540 a.C.). Se tratan de figuras desnudas, de pie, con los brazos pegados al cuerpo y en
posición de avanzar. Suelen peinarse con flequillo de bucles, con ojos prominentes y los labios
doblados hacia arriba. Su rostro presenta la típica “sonrisa arcaica”, siendo su rasgo estilístico más
expresivo. La versión femenina es la “Kore”. Se extienden en el Siglo VI a.C., siendo su rigidez en la
pose y falta de naturalismo la que resuelva con éxito el escultro del período clásico.
En época clásica, los griegos reprodujeron la realidad, basándose en las relaciones numéricas que la
inteligencia cree reconocer en el cuerpo humano y aplicaron tres conceptos a las estatuas: la
armonía de proporciones, el principio de diartrosis y la postura del contraposto. Fijaron como
módulo la cabeza y variaron el canon de belleza ideal del cuerpo humano con el transcurso del
tiempo: durante el siglo V la proporción armónica fue de siete cabezas, y en el siglo IV se elevó a
ocho. Concibieron el desnudo como un esqueleto perfecto, regido por la movilidad de las
articulaciones; este principio de la diartrosis les hizo acentuar la división entre el tronco y el pliegue
inguinal. Finalmente, rompieron la ley de frontalidad al adoptar la postura de contraposto, donde
una pierna actúa de sostén y la otra se flexiona, desnivelándose la línea recta de las caderas.
Los grandes maestros del siblo V: Fidias y Policleto
Escultor e imaginero son dos profesiones distintas, aunque compatibles. Pero, mientras qeu el
escultor se queda en la estética, el imaginero debe provocar la devoción del fiel. En este sentido,
Fidias (490-430 a.C.), fue el primer imaginero del arte clásico occidental. Sus imágenes ofrecen las
características de imagen devota: hermosura en el rostro, honesto ademán y gallarda postura.
Transmitió el nous, que Anaxágoras definiría como “espíritu”. La Iglesia católica o admiró,
acudiendo a Fidias cuando cristianizó los modelos paganos y convirtió a Zeus en el Padre Eterno; a
Apolo en Cristo; a Palas Atenea, en la Virgen María; y a Hermes, el mensajero de los de los dioses,
en el Arcángel San Gabriel.
En su amplio catálogo destacan las tres imágenes de Atenea, con la advocación de Promakhos, que
con sus 15 metros conmemoró la victoria sobre los persas; Lemnia, encargada por los atenienses
que fueron a colonizar la isla de Lemnos; y Parthenos, presidiendo el partenon con sus 12 metros
labrados en marfil y oro.


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Tras ésta obra, Fidias es acusado de robar materiales destinados a la Parthenos, siendo deportado y
refugiándose en Olimpia, donde realizaría su imagen más perfecta, el Zeus Olímpico, considerada
una de las maravillas del mundo antiguo. Pero, a diferencia de aquellas “ esta estatua la veneramos
y a las demás maravillas solo las admiramos”.
Si Fidias fue un imaginero de dioses, su contemporáneo Policleto, natural de Argos, es un escultor
de atletas en bronce, además de un teórico de la escultura.
Escribiría un libro técnico, El Kanon, en el que exponía la proporción perfecta del cuerpo humano. El
texto se perdió, pero su argumento fue materializado en un ejemplo práctico: el Doríforo, un joven
en actitud de avanzar, que porta la lanza en la mano izquierda, apoyándosela en el hombro. Fue
fundido en bronce en el 440 a.C. y presenta los grades logros de la escultura griega del siglo V: ideal
de belleza basado en siete cabezas, principio de diartrosis y ruptura de la ley de la frontalidad
mediante la postura del contraposto.
La iconografía viril de Policleto se enriqueció el 430 a.C. con el Diadúmeno, otor efebo captado en el
momento que se ciñe la cinta de los campeones atléticos. La dulce expresión de su rostro ha sido
interpretada como una concesión al arte espiritual de Fidias.
Los grandes maestros del siglo IV: Praxítelse, Escopas y Lisipo
Tres nuevas tendencias iluminaron la plástica griega del siglo IV: la charis praxiteliana, característica
por expresar las emociones líricas; el phatos escopásico, que tiende a explotar el estado dramático;
y la difusión que hace de ambas Lisipo, el último de los clásicos que introducirá un nuevo canon de
ocho cabezas.
Praxíteles nació en Atenas, hacia el año 400 a.C. esculpiendo hasta el 330 a.C.. Aprendió con su
padre y fue policromador de un pintor. Sus primeras obras de juventud apuntan a la fórmula de su
estilo maduro: temas agradables, llenos de encanto, tratados con suavidad, reflejados a través de
un rítmico contoneo sinuoso, llamado curva praxiteliana.
Su obra maestra, del 360 a.C. es Afrodita saliendo del año, que le compraron los ciudadanos de
Cnido. Es el primer desnudo íntegro femeido del arte griego, en el que imprime las suaves fromas
redondeadas de su amante Friné. Leyendas posteriores, apuntaban que la propia diosa bajó a su
taller para felicitarle por su creación. Su gracia y serenidad motivó que fuera muy solicitada por la
clientela, reproducendose en infinidad de copias, adaptaciones y variantes, que se prolongarán
hasta la helenística Venus de Milo, actualmente en el Louvre de París.
El único original que se conserva es Hermes con el niño Dionisos en brazos, cuyo modelo sería
apropiado por la Iglesia católica cristianizándolo en San Cristóbal. Realizado hacia el 330 a.C siendo
un compendio de su arte.
Escopas, frente a la simpatía praxiteliana, ahonda en los estímulos patéticos, creando individuos
atormentados e inflamados de pasión. Nació hacia el 380 a.C. en la isla de Paros, famosa por su
mármol. Representa a héroes trágicos, como IMeleagro, y muestra predisposición por los
irracionales y embriagados integrantes del cortejo dionisiaco. Su Ménade furiosa, retratada en


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plena orgía, con un cabrito muerto sobre los hombros, muestra el phatos escopásico, combinando
el dinamismo del cuerpo con rostros de bocas anhelantes y ojos profundos.
Lisipo, natural de Sicione, ciudad del Peloponeso, patria de Policleto, vuelve nostálgico los ojos
hacia el Doríforo y revisa el canon de belleza, convirtiendo la cabeza en una octava parte de la altura
total del cuerpo. Ello lo plasma en su Apoxyomeno: un atleta desnudo que limpia el linimento con el
estrígilo después del ejercicio, convirtiéndose en el último eslabón de la cadena iconográfica del
kuros.
Se le atribuyen 1.500 obras, constatadas a la hora de su muerte según Plinio el Viejo cuando su
heredero contó las monedas depositadas en el cofre del taller, pues tenía la costumbre de apartar
un denario de oro del precio de cada una de sus obras“.
Sus obras son de gran realismo e instantaneidad, que se mueven en el espacio. Eros tensando el
arco, el Hermes Landsdownw , el Hermes Landsdownw y el Hércules Farnesio, son sus obras más
reconocidas.
Fue el escultor preferido de Alejandro Magno, por la expresión de “león” con que supo retratarlo,
sin dejarse engañar por la suave mirada que animaba el rostro del rey-héroe de Macedonia.

4. EL PERÍODO HELENÍSTICO
El 13 de junio del 323 a.C. moría de malaria Alejandro magno en Babilonia. Con 32 años y a falta de
un heredero, el príncipe más poderoso del mundo antiguo dejó su imperio en manos de sus
principales generales, que lo fragmentaron en monarquías hereditarias: los Antigónidas en
Macedonia, los Atálidas en Pérgamo, los Nicoménidas en Bitinia, los Selyúcidas en Siria y los
Ptolomeos en Egipto. Finalmente, todos terminaron por convertirse en provincias romanas. El
período comprendido entre la muerte de Alejandro Magno y el año 30 a.C, año en que Augusto
anexiona finalmente Egipto, se le da el nombre de helenismo.
A lo largo de tres siglos asistimos a una nueva civilización, que conjuga elementos griegos y
orientales, convirtiéndose el arte en factor de unión.
Las ciudades se convertirán en la plataforma de las florecientes cortes, cuyos nombres recuerdan a
su fundador, como Alejandría en Egipto o Antioquía en Siria. Su urbanismo suele ser reticular, de
manzanas regulares, como un tablero de ajedrez, modelo que dictaminó Hypódamos de Mileto en
el puerto del Pireo. Los gobernantes sembraron las poblaciones con majestuosos edificios de
carácter religioso, privado y público: santuarios, palacios, mausoleos, mercados, bibliotecas,
gimnasios y teatos al aire libre, como el de Epidauro, el mejor conservado del arte griego. Las
ciudades costeras remodelan la zona portuaria, erigiendo monumentos que alcanzaron la categoría
ce maravillas del mundo: el Coloso de Rodas o el Faro de Alejandría. Los edificios presentarán varias
plantas superpuestas, con columna gigantes y órdenes superpuestos, utilizando el jónico para el
primer piso y el corintio para el segundo. Roma utilizará tan fecundas innovaciones artísticas.
Pero las grandes creaciones pertenecen al campo d ela escultura. Se ofrecen soluciones técnicas e


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iconográficas: las estatuas pierden el punto de vista frontal, admirándose desde todos los ángulos,
para poder ser erigidas en el centro de una plaza; se resuelven el problema de la torsión del cuerpo,
con figuras girando en espiral, y surgen grupos integrados por varios personajes; el repertorio
iconogr´fico se amplía y la nómina de dioses es compatible con individuos de toda condición social,
desde el prícncipe al esclavo, asistiendo a una secularización artística; se cultivan las tres edades de
la vida, la ternura de la infancia, la plenitud de la madurez u las carnes decrépitas del anciano, los
modelos pueden ser griegos o extranjeros, vetidos o desnudos, y triunga la alegoría.
Cuatro grandes escuelas alcanzan fama y prestigio:
-Atenas, que tras la pérdida de su supremacía política, cultia el retrato de los intelectuales: el
orador Demóstenes, el poeta Sófocles y el filósofo Epicuro. Sus escultores, seguidores de Praxíteles,
Escopas y Lisipo, dan vida a la escuela neoática, que copia y rejuvenece los modelos clásicos de los
siglos V y IV a.C.
-Alejandría, destaca por los temas cotidianos y alegóricos. En terracota, piedra o bronce y en
mármol, personifican ideas abstractas, como la Alegoría del río Nilo, representando como un
anciano recostado, portando el cuerno de la abundancia y los símbolos de las tierras que sus aguas
fertilizan.
-Pérgamo se inclina por temas patéticos de sentimientos violentos. Sus habitantes rechazaron una
incursión céltica de gálatas en el 228 a.C y el rey Atalo I decidió conmemorar esta victoria con seis
esculturas para la plaza pública. En el centro Gálata Ludovisi, que acaba de matar a su muher para
librarla de la esclavitud, gira su cabeza mirando al enemigo y se suicida simultáneamente hundiendo
su espada en el pecho. A su alrededor cuatro gálatas moribundos, tendidos en el suelo.
Posteriormente, en el reinado de Eumenes II, se erigió el altar consagrado a Zeus y Atenea en el
180 a., que narra en relieves la batalla entre los dioses olímpicos y los gigantes, hijos de la Tierra.
-Rodas, continúa esta vertiente drmática, profundizando en la emoción del sufrimiento y
acentuando el dolor. Sus creaciones más famosas son los grupos del Toro Farnesio y el del
Laoconte. Esta última obra realizada ya en Roma, hacia el 50 d.C., por los escultores Agesandro,
Polydoro y Athenodoro para decorar la Domus Aurea de Nerón.
Representar el castigo que apolo infligió al sacerdote troyano Laoconte y a sus hijos. Se descubrió
en 1560 y los hombres del Renacimiento vieron en su composición y dramatismo el ideal de la
Antigüedad. Inspiró a los artistas del Manierismo la línea serpentinata y los cristianos prescribirían a
pintores y escultores que imitaran la expresión del Laoconte en el mártir cristiano, pues era el vivo
ejemplo del dolor: dolor físico y moral, pues no solo es torturado por las serpientes sino que
observa el fatal destino de sus hijos. El dramatismo rodio transpira, incluso, en obras gozosas, como
la Victoria de Samotracia, que desciende sobre la proa de un navío, agitadas las ropas por la fuerza
del viento marino, para conmemorar un triunfo naval.


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LISTA DE OBRAS DE ARTE GRIEGO DESTACADAS PARA PEBAU
ARQUITECTURA GRIEGA 1. EL PARTENON
ARQUITECTURA GRIEGA 2. EL ERECTEION. TRIBUNA DE LAS CARIÁTIDES
ARQUITECTURA GRIEGA 3. TEMPLO DE ATENEA NIKÉ
ARQUITECTURA GRIEGA 4. TEATRO DE EPIDAURO


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ESCULTURA GRIEGA 1. DORÍFORO, POLICLETO
ESCULTURA GRIEGA 2. HERMES CON DIONISOS, PRAXITELES
ESCULTURA GRIEGA 3. APOXIOMENOS, LISIPO


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ESCULTURA GRIEGA 4. VICTORIA DE SAMOTRACIA

ESCULTURA GRIEGA 5. VENUS DE MILO

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