Texto movs. amparo ecija. el espectador minimalista

El espectador minimalista
Amparo Écija
Texto publicado en: Noguero, Joaquim: El espectador activo MOV-S 2010 (Madrid)
Encuentro en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, El Mercat de les Flors,
Barcelona, 2011.
En el verano de 1962, los alumnos de la clase de composición coreográfica que
Judith y Robert Dunn impartían en Cunnigham Studio (Nueva York), decidieron
organizar un “Dance Concert” en el que mostrar al público sus piezas. Robert Dunn
había trasladado a sus estudiantes -Yvonne Rainer, Simone Forti, Steve Paxton,
Trisha Brown, David Gordon, Alex y Deborah Hay, Fred Herko…-, las ideas sobre
el azar y la indeterminación aprendidas con John Cage, y el resultado fue una serie
de coreografías compuestas por medio de la repetición y el juego1
que incluían
sonidos, palabras y objetos. Cada pieza había sido analizada en clase poniendo
énfasis en el proceso creativo y en las nuevas herramientas de composición
empleadas; este trabajo de análisis provocó que los artistas tuvieran que actuar,
como creadores y como espectadores. Pronto fueron conscientes de que estaban
planteando un nuevo concepto de danza2
que rechazaba todo elemento accesorio
y partía de un acercamiento radical al cuerpo y al sentido del movimiento y de un
deseo de hacer visibles las herramientas de escritura, la danza minimalista. Y esta
nueva danza exigía a su vez un nuevo concepto de espectador, alguien dispuesto
a entrar en la estructura conceptual del movimiento y a entender la danza como un
proceso de confrontación al lenguaje, el espectador minimalista.
El espacio encontrado para el “Dance Concert” fue una iglesia (sin culto), la Judson
Memorial Church, situada en una esquina de Washington Square; un hecho que
1
En cualquier caso, estos artistas ya habían experimentado con estas nuevas estrategias de
composición coreográfica en el Dancer´s Workshop, creado por la coreógrafa Ann Halprin en San
Francisco, y en el que desarrolló sus ideas sobre la danza como un estilo de vida que implicaba,
entre otras cosas, la utilización de la improvisación y del juego.
2
“No se trata simplemente de un nuevo estilo de danza, sino de un nuevo significado, una función,
una nueva definición.” (Banes, 1987: 49).

suponía la liberación de la danza de su dependencia del dispositivo escénico
convencional. Por otra parte, la morfología diáfana del espacio producía la ruptura
de la frontalidad, la ausencia de separaciones jerarquizadas y la movilidad del
público, que debía decidir dónde y cómo situarse en cada momento de la velada.
El concierto duró tres horas, durante las cuales una audiencia entusiasta fue
testigo del nacimiento de la danza postmoderna3
en piezas como Ordinary Dance
(1962), en la que Yvonne Rainer hablaba sobre todos los lugares en los que había
vivido al tiempo que ejecutaba una serie de movimientos cotidianos sin conexión
aparente unos con otros; Proxy (1962), en la que Steve Paxton experimentaba
sobre un nuevo acercamiento al cuerpo y al movimiento por medio de acciones
como andar, mirar o permanecer sentado; Instant Chance y el solo sobre patines
Once or Twice a Week I Put on Sneakers to Go Uptow, de Fred Herko; o la película
Overture (1962) de Elainne Summers, pionera en el diálogo entre la danza y el cine
experimental. A partir de aquel día, la iglesia se convirtió tanto en lugar de ensayo
como de encuentro con el público; esta ambivalencia otorgaba a las piezas una
cierta calidad de obra abierta, y al espectador un nuevo espacio en el proceso de
articulación de las piezas coreográficas.
Si bien los objetivos e ideas de los coreógrafos reunidos en torno al Judson Dance
Theater eran diversos, les unía un deseo común de dar una nueva definición a la
danza, un anhelo que se repite tres décadas más tarde con las propuestas de una
nueva generación de coreógrafos surgida en diferentes lugares de Europa, y que
generó lo que a comienzos de los noventa comenzó a conocerse como nueva
danza o danza conceptual. Las características de este movimiento actualizaban los
postulados estéticos de la danza postmoderna: el formato de solo, la inmovilidad, el
acercamiento al cuerpo, la economía de recursos, el carácter experimental, la
transdisciplina, la experimentación con el dispositivo escénico y el deseo de
confrontar al espectador con el lenguaje, que hace que resurja la figura del
espectador minimalista a quien el coreógrafo pide algo más que sentarse a mirar.
3
Yvonne Rainer utilizó postmoderno en términos cronológicos, como el movimiento que sucedía a
la danza moderna y a la cual se oponía.

El objetivo de este texto es analizar diferentes ejemplos de piezas de los años
sesenta y noventa -en concreto me centraré en piezas de Jérôme Bel y La Ribot,
cuyos trabajos son los que mejor han actualizado el minimalismo del movimiento
neoyorquino- con el objetivo de mostrar cómo se articulan algunas de las líneas
conceptuales que definen ambos movimientos y el papel del espectador
minimalista.
La estética de la neutralidad
En 1965 Yvonne Rainer escribió el manifiesto4
fundacional de la danza
postmoderna, que decía “No” a todo aquello que hasta entonces había definido la
danza, y cuyo minimalismo extremo incluía el “no a la seducción del espectador”.
Su pieza más emblemática, The mind is a muscle, Part I, Trio A (1966), constituye
un manifiesto sobre la estética de la neutralidad5
tanto en su modo de acercarse al
cuerpo como de comunicarse con el espectador. En ella la coreógrafa despoja al
movimiento de su ornamentación y centra toda su atención en el cuerpo: La pieza
consiste en un catálogo de posibilidades de movimiento donde el desarrollo, el
clímax, las variaciones, los personajes, la representación, la expresión, la variedad
y el virtuosismo son sustituidos por la uniformidad, los movimientos encontrados, la
repetición, la fugacidad, la monotonía, la neutralidad y la inexpresividad, evitando
en todo momento cruzar la mirada con el espectador. “El logro de Trio A”, dice
Sally Banes, “es su determinada renuncia al estilo y a la expresión, llevando a cabo
un giro histórico en la danza hacia el puro movimiento. (...) En su neutralidad,
complejidad, fugacidad y continuidad, Trio A inaugura un mundo de actividad del
pensamiento a través del cuerpo físico e inteligente.” (Banes, 1987: 54). Con Trio A
la danza se convierte en un tipo de pensamiento cuya herramienta es el cuerpo, y
cuyo objetivo es hacer visible y compartir con el espectador el sentido del
movimiento.
4
“NO al espectáculo no al virtuosismo no a las transformaciones ni a la magia ni al hacer creer no al
glamour y la trascendencia de las estrellas en escena no a lo heroico no a lo anti-heroico no a las
imágenes superfluas no a la participación del intérprete o del espectador no al estilo no al camp no
a la seducción del espectador por trucos del intérprete no a la excentricidad no a moverse o ser
movido.” (en Banes, 1987: 43).
5 En el libro Judson Dance Theater (2006), Ramsay Burt habla de una “relación sin relación” que
enfatiza una “estética de la neutralidad” implícita en el lenguaje coreográfico de Rainer

La idea de neutralidad resulta clave en la nueva relación que la artista desea establecer
con el espectador, y este deseo se enfatiza con el empleo de la desnudez como
herramienta para alcanzar una mayor objetivación en la ejecución de una danza uniforme
e impersonal, que pone en práctica el “no al glamour” y el “no a la seducción del
espectador”. Así sucede en la pieza Word Words, que Rainer realiza en 1965 en
colaboración con Steve Paxton, y se repite en el trabajo de algunos coreógrafos de los
noventa que también han neutralizado la desnudez para subrayar el acercamiento al
cuerpo como herramienta esencial del lenguaje, ajena a cualquier connotación expresiva o
erótica.
En Socorro!Gloria! (1991), el striptease que precede a la serie de piezas distinguidas, La
Ribot se quedaba con el cuerpo desnudo como la herramienta esencial de la escritura
coreográfica con la que va a comenzar dos años más tarde el proyecto de las piezas
distinguidas. En la primera de ellas, Muriéndose la sirena (1993), la coreógrafa parte de un
cuerpo neutro, despojado de cualquier connotación técnica y estilística, con el cual
construye la imagen de una sirena que emite sus últimos espasmos antes de morir. La
desnudez, el silencio y la quietud enfatizan este acercamiento y crean un espacio de
tensión para que sea ocupado por el espectador.
Por su parte, Jérôme Bel también recurre a la objetivación del cuerpo por medio de la
desnudez. Un claro ejemplo es Jérôme Bel (1995), donde presenta y cuestiona uno a uno
los elementos básicos de la danza: cuatro bailarines desnudos entran en escena con una
tiza en la mano: Frederic Seguette y Claire Haenni escriben sobre la pared sus nombres y
algunos datos personales (altura, peso, edad, número de la Seguridad Social, saldo
bancario...); la tercera intérprete sujeta la bombilla que iluminará toda la pieza y escribe
sobre una pizarra “Thomas Edison”; la cuarta escribe en la pared “Igor Stravinsky” y canta
La consagración de la primavera. En la pieza, la desnudez de los intérpretes alude a la
importancia del cuerpo como herramienta esencial de la danza; la luz focalizada escenifica
la reducción de los elementos técnicos y escenográficos a lo esencial (“su literalidad
minimalista invoca el no a la ilusión de Rainer” (Lepecki, 2006: 93)); y la presencia de
Stravinsky recuerda el papel de la música en la danza occidental. La claridad de la
estructura de la pieza de Bel crea un espacio donde el espectador se confronta con los
conceptos básicos de la danza, y enfatiza la voluntad de comunicación por medio de la
exposición de las herramientas del lenguaje.

Los nuevos mecanismos de comunicación: la repetición y el juego
Rainer consideraba que “la danza es difícil de ver” (1966). Frente a la fugacidad del
movimiento, experimentó con dos opciones: exagerarla por medio del movimiento
único y continuo de Trio A, o negarla por medio de la repetición en The Bells
(1961), una pieza en la que repetía una única secuencia de movimiento mirando a
diferentes lados, y que permitía al espectador caminar en torno suyo como si se
tratara de un objeto expuesto. Trisha Brown, en la serie de piezas Accumulation,
también recurrió al empleo de estructuras de repetición y acumulación de
movimiento, con el objetivo de hacer visible la danza y su estructura: “Los
movimientos no tenían ningún significado más allá de lo que eran. Y nunca me
sentí más expresiva y más viva actuando” (Brown en Livet 1978: 45-6).
Este tipo de estructuras uniformes y neutras que no conducen al clímax produce
una exposición radical del propio espectador, que tiene como consecuencia un tipo
de emoción intelectual provocada por la claridad del lenguaje. El uso de la
repetición enfatiza el rechazo a una estructura lineal y a todo tipo de objetivo a
priori que no sea la propia investigación sobre el movimiento; este deseo también
conduce a la exploración de nuevas estrategias que liberan la composición, como
el juego y el azar, ya empleadas por los dadaístas y surrealistas en las primeras
décadas del siglo XX, y actualizadas por John Cage y Merce Cunningham.
La coreógrafa Simone Forti fue quien llevó a cabo una investigación más
sistemática sobre el empleo del juego en la composición coreográfica en la década
de los sesenta. Forti estaba muy interesada en trasladar los juegos pre-simbólicos
de los niños al cuerpo de los adultos, con el objetivo de experimentar su
potencialidad en cuanto a movimiento y composición. El resultado fue la creación
de algunas de las piezas fundacionales de la danza postmoderna, como See-Saw
(1960), en torno a un balancín, Rollers (1960), alrededor de unos patines, o Huddle
(1961), con la construcción de una bóveda de cuerpos que los intérpretes escalan
uno a uno mientras los demás se acoplan para sujetar el peso (Banes, 1987: 25).

En estas piezas el juego libera la composición y crea unas estructuras
conceptuales donde los movimientos y las acciones se suceden sin lógica
aparente, dejando que sea el espectador quien haga las correspondientes
asociaciones y complete la construcción de la coreografía.
Sin embargo, a diferencia del juego infantil vinculado a la libertad compositiva
empleado por la danza postmoderna, los coreógrafos de los noventa experimentan
con un juego reglado que tiene más que ver con la búsqueda de mecanismos de
comunicación alternativos a lo verbal. Un claro ejemplo es El Gran Game (La Ribot,
1999), una pieza para cuatro bailarines que transcurre sobre un tablero de juego
blanco con 36 casillas con instrucciones diferentes, y cuya composición espacio-
temporal está determinada por el azar de los dados y por unas reglas que solo los
intérpretes conocen. No era la primera vez que La Ribot basaba una pieza de
forma íntegra en el juego, ya que los dúos Los trancos del avestruz (1993) y
Oh!Sole! (1995) se construyeron sobre un juego primitivo que liberaba la
composición y ponía al límite la capacidad de comunicación de la danza por medio
exclusivamente de la acción física y gestual. En estas piezas los intérpretes solo
gritaban y reaccionaban entre ellos según un lenguaje que el espectador
desconocía y que le resultaba imposible de descifrar, aunque fuera plenamente
consciente de que nada de lo que sucedía era aleatorio. La Ribot reta al
espectador a enfrentarse con un lenguaje que no entiende, pero que se rige por un
código coreográfico preciso, tal y como ocurriría más adelante en otro gran juego,
40 espontáneos (2004), cuyo objetivo era la comunicación de la escritura por
medio del cuestionamiento de los códigos coreográficos -cuerpo, movimiento,
técnica, música y espacio escénico-. La pieza estaba dividida en dos partes: la
primera transcurría en un aparente caos en el cual los 40 intérpretes (no
profesionales) llevaban a cabo una serie de acciones consistentes en vestirse,
desvestirse y colocar muebles y objetos con los que creaban un tapiz en el
escenario. Cuando al final de la primera parte los intérpretes permanecían en
silencio, tumbados sobre el tapiz, el espectador era consciente de que actuaban
según un lenguaje preciso que él desconocía. En la segunda parte, el juego
arrancaba con la destrucción del tapiz, que los intérpretes volverían a construir de

forma idéntica verificando una coreografía milimétrica y la voluntad comunicadora
de la pieza.
La coreografía del espectador
En 40 espontáneos toda la responsabilidad interpretativa recaía en un grupo de
intérpretes sin formación escénica que no eran otra cosa que la proyección del
espectador. Con este trabajo, La Ribot culminaba su deseo de transgresión de los
códigos escénicos, iniciada en un momento temprano de su trayectoria con la
figura del público inventado de 12 toneladas de plumas (1991), y que había
continuado a lo largo de las tres series de piezas distinguidas hasta que finalmente
en la tercera, Still Distinguished (2000), se había producido el abandono del
dispositivo escénico situando al espectador en el lugar de la acción.
Cuando el espectador acudía a ver Still Distinguished se encontraba con una serie de
objetos esparcidos por el espacio entre los que podía deambular, observando cómo los
demás espectadores se movían, murmuraban y miraban, siendo conscientes poco a poco
de que también formaban parte de la instalación. Transcurrido un tiempo aparecía La
Ribot, y tras encender unos monitores, volvía a marcharse. Las pantallas mostraban
diferentes filmaciones de una misma acción en las que la cámara era una prolongación del
cuerpo y captaba el movimiento en relación al propio cuerpo. El comienzo de Still
distinguished desestabiliza la idea de la danza como disciplina cuyo objeto central es el
cuerpo del bailarín; el cuerpo había sido sustituido por los objetos y a continuación por la
imagen autofilmada del cuerpo en movimiento. Ante esta situación los espectadores se
movían por el espacio, observando inquietos y expectantes, como objetos entre los
objetos. Finalizado el vídeo La Ribot regresaba para comenzar su transformación en
cuerpo-objeto que devenía obra de arte mediante una serie de acciones coreográficas
mínimas, apoyadas en la quietud, el silencio, la lentitud extrema, la intensidad y los
objetos. Entonces el espectador era consciente de que La Ribot no le estaba mostrando
un espectáculo de danza, sino que le invitaba a compartir el proceso de construcción de la
danza en un espacio sin jerarquías, donde se encontraban el cuerpo, la mirada y la
escritura del artista y del espectador.
Con Still distinguished la danza se sitúa en el plano de la instalación y del arte de
acción -no hay personajes, ni montaje escenográfico, sólo existe lo que se ve y lo

que ocurre a tiempo real-, con un precedente claro en el primer trabajo que Simone
Forti presentó en Nueva York, Five dance constructions and some other things
(1961). En esta pieza, que ocupó el espacio diáfano del loft de Yoko Ono, el
público podía caminar alrededor de unas “dance constructions”, piezas que
requieren de la mirada y del movimiento físico y mental del otro para ser
completadas. Del mismo modo, el objetivo de La Ribot era construir una serie de
piezas en un tiempo y un espacio compartido con el espectador, en el que la luz
blanca, la plasticidad del cuerpo desnudo, la lentitud o la quietud extrema y la
proximidad entre la artista y el espectador producían nuevos planos relacionados
con el movimiento y la presencia.
En 2003 La Ribot presentaba en la Tate Modern de Londres Panoramix, una
acción/espectáculo que reunía en el espacio del museo las 34 piezas distinguidas
compuestas desde 1993 y divididas en tres series. Las piezas de las dos primeras
series fueron concebidas para la caja negra del teatro, por lo tanto las nuevas
condiciones expositivas de Panoramix producían un cambio en la mirada del
espectador desde la mirada fijada en la butaca del teatro hasta una nueva mirada
en movimiento que observa a la intérprete, a los objetos y a los otros espectadores,
y sabe que a su vez está siendo observada. Este diálogo de miradas enfatiza la
horizontalidad, el dinamismo y una temporalidad marcada por el tiempo presente
que favorece la idea de presentación e incita al espectador a decidir en cada
momento cómo relacionarse con lo que allí acontece6
, dejando de ser un voyeur
para comenzar a componer su propia coreografía de gestos, miradas,
pensamientos y acciones.
Cuando en 40 espontáneos La Ribot otorga al espectador la responsabilidad total
del movimiento, está culminando la secuencia iniciada en 12 toneladas de plumas,
pero el espacio elegido ya no será el de las artes visuales, sino la caja negra del
teatro. La coreógrafa es muy consciente de que esta decisión supone una
transgresión más compleja, que satisface un deseo ya formulado por los
6
La coreógrafa da al espectador “una aproximación, un tiempo posible en el que se debe decidir
mientras se vive, se hace, se observa, se cambia.” (La Ribot, 2002: 15)

coreógrafos del Judson Dance Theater: la democratización de los cuerpos en
escena.
Los coreógrafos postmodernos emplearon diferentes estrategias para lograr este
objetivo: la incorporación de no-bailarines que aportaban de forma natural el “no al
virtuosismo” a las piezas de danza, la nueva vocación transdisciplinar de la danza,
la utilización de un vestuario casual que enfatizaba el “no al glamour”7
del
manifiesto de Yvonne Rainer -quien, de hecho, concibió Trio A como un catálogo
de movimientos para ser realizado por cualquier cuerpo-… Por otro lado, muchas
piezas se basaban en la ejecución de acciones o la realización de tareas
cotidianas, como We shall run (Yvonne Rainer, 1963), donde los intérpretes se
dedicaban a correr por el escenario durante siete minutos, siguiendo unos patrones
dibujados en el suelo, o Satifying Lover (Steve Paxton, 1971), donde caminan
siguiendo unas indicaciones. Todo ello disminuía la distancia que separaba a los
artistas del público, ya que este podía identificarse tanto con las acciones como
con quienes las llevaban a cabo, lo que facilitaba el acercamiento al nuevo
lenguaje.
La nueva danza ha llevado hasta sus últimas consecuencias este deseo de los
coreógrafos de los sesenta y para ello ha optado, bien por abandonar el dispositivo
escénico en busca de espacios más afines a una nueva relación con el público, o
bien por permanecer en el teatro -con todo lo que implica como institución y en
relación a los códigos de oscuridad, frontalidad, separación entre intérpretes y
público- para cuestionar los códigos de la danza por medio de una democratización
de los cuerpos en escena que sitúa al espectador en un nuevo nivel de
comunicación con el lenguaje coreográfico. Esto sucedió en 40 espontáneos
(2004) de La Ribot, a la que ya me he referido, y en dos piezas de Jérôme Bel
sobre las que hablaré a continuación: una de ellas concebida para un espacio
blanco y diáfano, Shirtologie (1997), y otra para el teatro, The show must go on
7
El título del libro seminal Terpsichore in sneakers (Sally Banes, 1977) alude a la forma casual de
vestir de los coreógrafos postmodernos como oposición al vestuario artificioso del ballet y la modern
dance.

(2001). Shirtologie (1997) es una pieza para 20 intérpretes y una colección de
camisetas, y el movimiento se reduce a realizar una acción en relación al mensaje,
logotipo o dibujo que contenga cada camiseta. En un momento dado, los
intérpretes se sitúan muy cerca del público, dibujan una línea en la camiseta, y
permanecen durante un rato quietos, mirando. La inmovilidad que recorre la pieza
traslada el movimiento al público: a su lectura, a la descodificación de los códigos y
a la tensión de la mirada. En The show must go on, Bel trabaja con un numeroso
grupo de intérpretes (actores, bailarines) que reaccionan de forma libre o
componiendo pequeñas secuencias coreográficas de acuerdo con las letras de las
sucesivas canciones que invadían el espacio: Hair, West side story, Beatles, David
Bowie, Queen... Algunas canciones conducían a la quietud (en Every Breath You
Take de Police los intérpretes observan quietos cómo respira el público), otras a la
muerte (Killing me softly de Roberta Flack); en ocasiones son los propios
elementos escénicos los que reaccionaban a las letras (cuando suena Let the
sunshine in se ilumina todo el escenario, y en Imagine se queda oscuro). Bel se
apoyaba en las convenciones escénicas (actores, escena, iluminación, maquinaria,
espectadores) y componía una coreografía en el límite de toda convención que,
para poder comunicar todo su sentido y confrontar al espectador de forma extrema
con el lenguaje, debía tener lugar en un teatro.
Si bien este tipo de piezas persigue un acercamiento radical al espectador, tiene en
muchas ocasiones una aceptación negativa por parte del público que va al teatro a ver
danza: el público del Théâtre de la Ville abucheó la pieza de Bel desde el inicio y hubo
gente que intentó subir al escenario8
.
“Yo quería poner en escena un grupo de gente que no dominara al público, quería
crear una situación de igualdad entre las personas en el escenario y las personas
sentadas en la oscuridad. Y esto el público no lo pudo soportar. Normalmente el
espectador está dominado por el actor: llega al teatro y admira a alguien que le
muestra cosas que no puede hacer... alguien que muere, que baila, o que vive una
8
Algo parecido sucedió en la presentación de 40 espontáneos en el Centro Cultural de la Villa, en
la edición de 2006 del Festival de Otoño (Madrid). Los espectadores gritaron, se levantaron y hubo
quien pidió que le devolvieran el importe de la entrada.

historia de amor extraordinaria. Mi propuesta es la contraria: somos iguales, nosotros
no bailamos mejor que vosotros, nos vestimos igual y nuestros cuerpos no son
mejores.” (Bel, 2003: 80-81).
En las palabras de Bel subyace la relación de proximidad que la danza
postmoderna y la nueva danza buscan establecer con el público: una relación
horizontal que rompe con la superioridad del intérprete y con la pasividad del
espectador, y que crea una relación de diálogo y de intercambio de miradas y
percepciones entre el artista y el espectador minimalista, aquel que reduce su
atención a lo esencial en la danza, el lenguaje, y entra en el espacio que el artista
ha creado para él en su pieza, desde el cual se incorpora al proceso de escritura
coreográfica.
Bibliografía
BANES, Sally: Terpsichore in sneakers. Post-Modern Dance, Wesleyan University Press,
Middletown, Connecticut, 1987. (Primera edición 1977).
BEL, Jérôme: “The Show Must Go On“, en Heathfield, A., Glendinning, H., Live Art and
performance, Tate Publishing, Londres, 2003.
BURT, Ramsay: Judson Dance Theater, Routledge, Nueva York/Londres, 2006.
LA RIBOT: “Still”, La Ribot, Galería Soledad Lorenzo, Madrid, 2002.
LEPECKI, André (2006): Agotar la danza. Performance y política del movimiento, Cuerpo de Letra #
1, Universidad de Alcalá, Mercat de les Flors, Centro Coreográfico Gallego, 2009.
LIVET, Ann: Contemporary Dance, Abbeville Press, Nueva York, 1978.

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