Modernização para poucos, atraso para muitos:

as considerações de um mendigo
sobre o sistema capitalista na obra
Deus lhe pague, de Joracy Camargo

Modernization for the few, delay for the many:

the considerations of a beggar about the capitalist
system in the work Deus lhe pague, by Joracy Camargo

Renan Carvalho da Silva1

Resumo

Este artigo tem por objetivo analisar as críticas ao sistema capitalista na peça cômica Deus
lhe pague (1932), escrita por Joracy Camargo e apresentada pela primeira vez no teatro Boa-
Vista, em São Paulo. Para tanto, utilizaremos como suporte teórico as obras A política dos
palcos: teatro no Primeiro Governo Vargas (1930-1945) (2013), de Angélica Ricci Camargo,
Literatura e resistência (2002), de Alfredo Bosi, História do teatro brasileiro (2012), de João
Roberto Faria (dir.), entre outros. Após um golpe de estado, Getúlio Vargas assume a
presidência do Brasil em 1930, cerceando progressivamente a liberdade de expressão ao
longo dos quinze anos de governo. Todavia, no teatro, a peça Deus lhe pague inova o
cenário dramático ao apresentar como protagonista um mendigo vítima e crítico do
sistema capitalista. Portanto, vale observar as estratégias utilizadas pelo texto para
macular o capitalismo ao passo que promove o ideário marxista.

Palavras-chave: Teatro Brasileiro. Teatro Social. Era Vargas. Joracy Camargo.

Abstract

This article aims to analyze the criticisms of the capitalist system in the comic play Deus
lhe pague (1932), written by Joracy Camargo and presented for the first time in the the
theater Boa-Vista, in São Paulo. For this, we’ll use as a theoretical support the works A
política dos palcos: teatro no Primeiro Governo Vargas (1930-1945) (2013), by Angélica Ricci
Camargo, Literatura e Resistência (2002), by Alfredo Bosi, História do teatro brasileiro (2012),
by João Roberto Faria (dir.), among others. After a coup d’état, Getúlio Vargas assumed
the presidency of Brazil in 1930, progressively curtailing freedom of expression over the
fifteen years of power. However, in the theater, the play Deus lhe Pague innovates the
dramatic scenario by presenting as protagonist a homeless victim and critic of the
capitalist system. So, it’s worth observing the strategies used by the text to tarnish
capitalism while promoting the Marxist ideas.

Keywords: Brazilian Theater. Social Theater. Era Vargas. Joracy Camargo.

1
Mestrando em Letras no programa de Pós-Graduação em Literatura e Vida Social, na UNESP-Assis. E-
mail: [email protected].

Dramaturgia em foco, Petrolina-PE, v. 4, n. 2, p. 144-161, 2020.

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Introdução

Na contemporaneidade, cada vez mais a mídia ganha espaço na rotina das pessoas,
devido principalmente ao avanço da tecnologia. Afinal, se antes era preciso ir a uma
livraria, ou então, ao cinema para apreciar o desenvolvimento de uma instigante narrativa,
hoje em dia é possível acompanhar filmes e séries, ler livros, ouvir uma gama de álbuns,
tudo pelo acesso à internet. Contudo, o que a tecnologia não conseguiu (e provavelmente
não conseguirá) é provocar sensação semelhante à de assistir à encenação presencial de
uma peça de teatro.
Obviamente, tanto o livro quanto o filme também possuem suas peculiaridades
caso sejam ou concebido em formato físico ou exibido em uma sala de cinema adequada,
porém, em essência, o teatro tem a possibilidade de cativar pela presença humana.
Presenciar a história acontecer diante dos próprios olhos, sem ser necessário o intermédio
de uma tela, traz à plateia uma intensidade única de sentimentos.
Esta capacidade de empatia estabelecida pelo público para com os atores em cena
pode ser útil para demonstrar as injustiças sociais das quais os espectadores estão
submetidos, como explica o dramaturgo Augusto Boal (2013), em seus escritos sobre o
Teatro do Oprimido. Tais textos costumam ser categorizados como teatro político, teatro
engajado, teatro tese, entre outros termos. Mais adiante, retomaremos esta discussão para
debater melhor a (falta de) coerência destas nomenclaturas.
Este caráter crítico do teatro relaciona-se evidentemente com o gênero cômico, pois,
para Aristófanes, o comediógrafo exerceria a função tal qual de um conselheiro político ou
professor de moral (idem), pondo luz aos desvios e vícios da sociedade ao representar
sujeitos menores por meio de ações que despertam o ridículo.
No Brasil, somente no século XIX, Martins Pena se destaca com suas comédias
escritas para um riso fácil e contendo diversas críticas sociais. Atento aos hábitos da
sociedade urbana e rural, suas peças criticam desde o comportamento parcial de juízes - O
juiz de paz da roça (1833) – ao descaso do funcionalismo público – O noviço (1845).
As Comédias de Costumes, como ficaram conhecidas estas peças as quais tinham
por objetivo representar grupos sociais por meio de tipos (VASCONCELLOS, 2010), foram
responsáveis por atrair expressivamente o público brasileiro para os teatros. Todavia, esta
configuração de peça pode apresentar-se incômoda para as ideologias do governo. Em
casos mais extremos, e não raros na história do teatro nacional, as peças ou montagens

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sofriam censura.
No começo do século XX, o cenário dramático brasileiro tinha como centro a cidade
do Rio de Janeiro, sendo responsável por obter os espetáculos de maior qualidade,
mantendo as peças por longos períodos, além de ser palco de várias montagens de
companhias estrangeiras.
Em contrapartida, as companhias teatrais amadoras de caráter anarco-sindicalista
espalhavam-se pelo país. Formadas em sua maioria por estrangeiros, as peças anarquistas
defendiam os interesses dos trabalhadores e denunciavam os abusos do sistema
capitalista.
Em relação à promoção de incentivo financeiro para as artes cênicas, o Estado se
mantinha neutro. Sem patrocínio e, muito menos, apoio governamental, restava aos
artistas se manterem pela bilheteria.
Contudo, no início da década de 1930, o Brasil encontrava-se envolto a crises
políticas que vinham regendo a nação até aquele momento. Após a ruptura do acordo de
revezamento de poder entre os estados de São Paulo e Minas Gerais, conhecida como a
política do “Café com Leite”, um levante liderado por Getúlio Vargas destituiu do poder o
presidente eleito Júlio Prestes.
Durante os quinze anos de governo, Vargas privou aos poucos a livre manifestação
da sociedade, sendo o período mais autoritário os anos de 1939 a 1945, conhecido por
Estado Novo. Tal mudança promoveria no teatro brasileiro grandes progressos e
cerceamento desde a presença do Governo na regulamentação do trabalho dos atores e
atrizes até a censura de textos considerados imorais.
Autores como Oduvaldo Viana, Renato Viana e Joracy Camargo desafiaram os
valores da época ao representarem em seus textos assuntos até então novos e polêmicos
para a sociedade brasileira, como a menção a Freud, o divórcio e o pensamento marxista.
Instigado pela recente Revolução Russa (1917) e em um governo contrário às
ideologias marxistas, sobretudo, proposto a combatê-la, Joracy Camargo escreve a peça
Deus lhe pague (1932). Nela somos apresentados a dois personagens que vivem de esmolas.
Em frente de uma igreja, eles tentam convencer, em poucas palavras, os fiéis que entram
no local. Contudo, um dos mendigos, Juca, revela ao companheiro, Barata, como conseguir
mais dinheiro, afirmando estar rico somente exercendo a mendicância, entendida por ele
como uma profissão.

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 Conforme ambos conversam, Juca revela as arbitrariedades do sistema capitalista e
quais as consequências desagradáveis para os cidadãos, tendo como base as reflexões de
Karl Marx. Ostentando um discurso filosófico, o mendigo apresenta um contraponto do
ideal de modernização apregoado pelo capital.
Feito este prelúdio, propomos discutir sobre as relações (des)harmônicas entre
teatro e política, o cenário teatral no início do século XX, as primeiras ações do governo
Vargas para as artes cênicas e, por fim, as sátiras feitas ao capitalismo na referida obra de
Joracy Camargo.

Intersecções entre o teatro, a política e o cômico

A linguagem, seja artística ou não, possui determinadas ideologias para a

construção do discurso. Em uma sociedade, é saudável a discordância entre posições
adversas, contudo quando a população ou o governo empenham-se em promover uma
guerra ideológica – vide o Estado Novo (1939-1945), a Ditadura Militar (1964-1985), ou
então, até mesmo, nos dias atuais (guardada as devidas proporções), cria-se a necessidade
de combater os ideais opostos, nocivos ou não.
Nestes casos, o líder no poder define quais os valores apropriados aos cidadãos que,
por sua vez, poderão agir como vigilantes e defensores para a perpetuação de
determinado pensamento. Neste contexto, torna-se comum encontrar manifestantes
contrários a certas obras de arte pelo cunho ideológico/político.
Em um passado recente, tal situação semelhante pôde ser observada quando um
levante de movimentos conservadores promoveram ataques organizados contra
apresentações artísticas, como a exposição Queermuseu – Cartografias da diferença na arte
brasileira (2017) e a performance La Betê, do coreógrafo Wagner Schwartz, no 35º Panorama
de Arte Brasileira (2017). Ambos os casos trouxeram nacionalmente a discussão sobre o que
é arte, como pode ser definida uma manifestação artística e quais valores ela deve
defender.
No artigo Teatro e história: a incrível dialética entre processos sociais e formas sensíveis
(2016), o diretor e pesquisador teatral Fernando Kinas esclarece a importância da arte na
percepção das mudanças históricas, ao afirmar que

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 situações, ou momentos, sociais permitem, ou favorecem, expressões
artísticas e estas são capazes de expressar a realidade. Quando a realidade
se altera, e a lógica estabelecida entra em crise, outras formas artísticas são
necessárias, e são capazes, por sua vez, de expressar esta nova realidade.
As formas artísticas, no entanto, são também indutoras - na dimensão que
cabe identificar em cada caso concreto - das determinações e
condicionamentos que formatam o conjunto da experiência histórica.
(KINAS, 2016, p. 55)

Ora, se a arte e a história estão em tamanha consonância, por que em relação à

política seria diferente? Para entender esta questão, Kinas busca o crítico francês Bernard
Dort. Conforme o autor,

quando se fala em teatro político, pensa-se em teatro engajado, teatro

didático, tomada de posição. Creio que isso é colocar mal o problema, ou,
em todo caso, restringi-lo de maneira abusiva. É preciso não esquecer:
‘político’, em sua acepção mais ampla, designa tudo ‘o que se relaciona com
os interesses públicos’ e por teatro é preciso entender não apenas a obra
dramática e seu conteúdo, mas também a peça tal como é representada
diante de um certo público e para um certo público - a obra e sua forma
cênica. A partir daí, tudo muda: a interrogação não se aplica mais
unicamente às ‘mensagens’ deste ou daquele autor dramático, mas abrange
todo o teatro no coração mesmo de seu exercício. (DORT2, 1977, p. 365 apud
KINAS, 2016, p. 44)

Baseado nestes novos apontamentos, a carga pejorativa atribuída à polêmica junção

teatro e política não se sustenta, tendo em vista que política, em seu sentido amplo, não
está apenas referenciando as ações estritamente partidárias. Logo, não há possibilidade de
produzir um texto teatral ou qualquer obra artística sem cunho político ou ideológico.
Superado este argumento, voltemos agora à noção de teatro político, no Dicionário
de teatro (2008), o teórico Patrice Pavis opta pelo verbete “Teatro didático” para referir-se
ao texto comprometido em demonstrar algum problema social, aguçando o público a
tomar determinada atuação política ou moral para a solução da questão encenada.
Estimulados pela esperança de mudanças pragmáticas para o avanço de vida dos
mais pobres, os textos considerados engajados inspiraram-se em teorias revolucionárias.
Consolidadas no início do século XX, as tais obras panfletárias são vistas negativamente
devido ao aspecto datado e ao baixo primor estético. Como expôs Afrânio Coutinho em
uma apresentação elogiosa sobre o trabalho de Joracy Camargo,

2
DORT, Bernard. O teatro e sua realidade. Trad. Fernando Peixoto. São Paulo: Perspectiva, 1977. Théâtres.
Paris: Seuil (Collection Points), 1986.

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 é um teatro de ideias. Não se espere apenas achar graça, porém, sobretudo
aprender, fazer exame de consciência social. [...] para ele o teatro deve ser
apenas um instrumento de um debate de teses, um bisturi de dissecação
social e moral, um meio de análise, um veículo de ideias. (COUTINHO,
s/d, p. 07-08)

No ensaio Engagement, o filósofo alemão Theodor Adorno reflete sobre as

consequências da arte de caráter promocional. Na voz do estudioso Cid Ottoni Bylaardt
(2013, pág. 87),

Adorno objeta que, embora as palavras tenham uma vinculação ao discurso

comunicativo, em uma obra literária as significações são alteradas,
adulteradas. Vale lembrar que, se o próprio código utilitário mata o objeto
no discurso, por mais transparente que procure ser, com mais razão o faz a
escritura artística. Em casos mais extremos, nem há mesmo o que matar, é
só escritura mesmo. As significações externas são a parte não-artística da
arte. Consoante Adorno, a lei da arte está na dialética entre o externo e o
interno, que realiza a transformação dos elementos no interior da obra
(posição semelhante à adotada por Antonio Candido, sobre os elementos
internos e externos da obra literária). O que importa em arte não é seu
aspecto publicístico, nem a verdade-mensagem, que se debate entre o que o
artista concebeu e a verdade que se quer atribuir objetivamente à obra.

Seguindo o pensamento de Adorno, Bylaardt afirma que o objetivo da arte não está
na imposição de uma vertente, mas sim, nas orientações de resistência ao sistema
repressivo (BYLAARDT, 2013, p. 88). Desse modo, a arte entendida como de qualidade
deveria se ater antes de tudo aos aspectos estruturais, sua forma. Em vez de ser apenas um
veículo fechado para a transmissão de orientações ideológicas.
De acordo com os estudos da historiadora Angélica Ricci Camargo (2013, p. 30),

nas primeiras quatro décadas do período republicano, toda a legislação

sancionada esteve relacionada à censura, à ordem pública e, em menor
medida, às relações de trabalho entre empresários e artistas. [...] o destaque
dado à censura enfatizava uma preocupação que sempre esteve vinculada
ao teatro, em função das influências que este poderia exercer sobre as
plateias.

Percebendo a coibição do governo às artes cênicas, os artistas viram no teatro uma

alternativa para expor ao público as ações injustas e repressivas da governança,
principalmente as totalitárias, mesmo podendo sofrer represálias da censura (CUNHA;
VASQUES, 2016, p. 190).

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 Perpassadas estas colocações, entendemos o motivo da ambígua relação entre teatro
e política. Afinal, os termos conciliam-se pelo princípio de que o teatro é político,
justamente pelo fato de política ser toda ação de interesse público, em contrapartida, a
política pela acepção de governo pode restringir as ações teatrais caso firam seus
interesses. No fim, tudo se resume à política.

O riso como aviso

A relação intrínseca do teatro e da política é ainda mais evidente no momento em

que observamos o gênero cômico, afinal, como ressalta a pesquisadora Claudia Braga
(2012, p. 404),

[...] desde Aristófanes, um dos propósitos confessados da comédia foi de

chamar atenção das plateias sobre os desvios, os erros nos quais incorriam
grupos sociais, vistos como um todo, ou determinadas figuras daquela
sociedade. [...] a comédia, necessariamente, deveria ser, como afirmava
Cícero, ‘uma imitação da vida, um espelho dos costumes e uma imagem da
verdade’.

Para tanto, é esperado de um comediógrafo o olhar atento para as problemáticas da

contemporaneidade e, sobretudo, astúcia para conseguir ridicularizar os mais tortuosos
defeitos. Dessa forma, é como se a piada ganhasse forma de uma lente de aumento,
propiciando à sociedade a oportunidade de observar com clareza os aspectos que devem
ser corrigidos. À vista disso, o pensador Henri Bergson, em sua obra O riso (1983), defende
que a comédia “é a única de todas as artes que tem por alvo o geral” ( BERGSON3, 1983, p.
79 apud BRAGA, 2012, p. 405).
Nesta perspectiva, o cômico assume um papel de orientação para que a sociedade
atente-se aos grupos satirizados em determinada obra e, por meio do riso, repensem no
que eles representam. Desta forma, consegue-se analisar a importância de estudar aquilo
de que se ri, afinal conforme entendemos do que gargalha uma sociedade, também
podemos vislumbrar quais os valores ali defendidos.

3
BERGSON, Henri. O riso. Rio de Janeiro: Zahar, 1983.

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Teatro social no início do século XX até o Governo Provisório de Getúlio Vargas

Antes da popularização do cinema e da televisão, os teatros eram os lugares mais

frequentados para quem buscava entretenimento, além de servir como ponto de encontro.
Enquanto no teatro profissional as comédias de costumes ainda faziam sucesso, em São
Paulo, uma vertente do teatro amador produzido, em sua maioria, por imigrantes
europeus vindos ao país após a abolição da escravatura, encenava peças que tinham como
mote “[...] relembrar ao público alguns de seus conterrâneos e mentores – revolucionários,
atores, poetas – e, através de títulos simbólicos, sinalizar a tendência de cada um dos
elencos: fidelidade à ‘arte pela arte’, o gosto pela literatura e a lealdade aos ideais
políticos” (VARGAS, 2012, p. 360).
A pesquisadora Maria Thereza Vargas explica, no capítulo “O teatro filodramático,
operário e anarquista” (publicado na obra História do teatro brasileiro: das origens ao teatro
profissional da primeira metade do século XX (2012), organizada por João Roberto Faria), a
importância destas companhias teatrais amadoras para o teatro paulista. Os textos
anarquistas, por exemplo, A bandeira proletária, de Marino Spagnolo, representavam a
existência de dois mundos, sendo o presente – caracterizado pela crueldade e
desumanização do trabalhador – e o futuro – no qual haveria liberdade para aproveitar
todas as formas de plena existência (VARGAS, 2012, p. 362).
O teatro para esses atores visava a todo o momento um público específico,
proletários iguais a eles. Utilizando de linguagem simples e didática, os trabalhadores
reuniam-se após exaustivos períodos trabalhados. Porém, devido aos discursos de
mudança social, os integrantes do teatro anarquista sofreram diversas perseguições do
governo.
Outros movimentos semelhantes foram os do teatro operário, tendo o primeiro
grupo em 1903, conhecidos por Teatro Dramático Livre, no Rio de Janeiro e conquistando
espaço ao longo de todo país. Com as mesmas condições dos atores anarquistas, os atores-
operários encontravam-se cansados e mal alimentados, porém conscientes da utilidade do
que estavam realizando.
Estas companhias sofrem grandes perseguições a partir de 1930, “[...] obrigados ao
anonimato pela censura. Com a queda do Estado Novo, em 1945, e nos anos subsequentes,
a questão social reaviva-se com a presença do Partido Comunista, do Partido Socialista e
da Igreja, incentivando os operários” (BRAGA, 2012, p. 370).

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 Todavia, antes da liberdade de expressão alcançada, a instabilidade criada pela
ruptura da política Café com Leite teve por consequência um golpe de Estado, o qual
empossou Getúlio Vargas na presidência do país. O crítico literário Antonio Candido
entende este momento histórico como “um eixo e um catalisador: um eixo em torno do
qual girou de certo modo a cultura brasileira, catalisando elementos dispersos para dispô-
los numa configuração nova.” (CANDIDO, 1987, p. 181).
Na década de 30, renovação teatral se dá pela introdução de

novas temáticas, por exemplo, as peças Deus lhe Pague (1932), de Joracy
Camargo, que levou para os palcos a questão social, citando em cena, pela
primeira vez, o nome de Karl Marx; Sexo (1934), de Renato Viana, que
mencionou o de Freud; e Amor (1933), de Oduvaldo Viana, que discutiu o
divórcio e promoveu inovações de ordem técnica, com a simultaneidade de
cenas a partir da divisão do palco. (CAMARGO, 2013, p. 16)

Apesar de toda a obstrução que seria intensificada em obras de seguimento

marxistas, logo na primeira fase do “mandato” de Vargas, conhecido por Governo
Provisório - correspondendo aos anos de 1930 a 1934, o teatro recebeu atenção até nunca
antes vista em outras administrações. Haja vista as péssimas condições de trabalho que os
atores enfrentavam: sem direito a descanso semanal, sem contratos formais e sem garantia
de permanência no trabalho (CAMARGO, 2013, p. 16), os profissionais do teatro viram nas
ações do novo presidente uma esperança para a melhoria da classe.
Além do mais, outro fortalecimento considerável foi a criação do Sindicato dos
Trabalhadores de Teatro de São Paulo, também chamado de Sindicato dos Atores Teatrais,
Cenógrafos e Cenotécnicos do Estado de São Paulo (CAMARGO, 2013, p. 27-28), em
dezembro de 1934.

Modernidade para quem? O sistema capitalista sob a ótica de um mendigo

A temática social assume alta relevância para a história da arte do país nos anos
1930. Em um contexto de crises iminentes, os artistas assumiram posições marcadamente
ideológicas para compor suas obras. Tal fato abrangeu todas as áreas da literatura, tendo
em vista obras como Parque industrial (1933), de Patrícia Galvão, mais conhecida por Pagu,
além dos clássicos S. Bernardo (1934), de Graciliano Ramos e Capitães da areia (1937), de
Jorge Amado, entre outras.

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 Além dos romances, as montagens teatrais também tiveram relevância. Como
exposto anteriormente, as peças amadoras de companhias formadas por imigrantes
operários foram responsáveis por iniciar estes processos de teatro engajado; apoiando-se
em pensamentos revolucionários, as obras apresentavam a revolução do operariado sob a
opressão da burguesia, além de expor os males do sistema capitalista.
No teatro profissional, a peça Deus lhe pague, de Joracy Camargo, foi pioneira em
consolidar esse discurso nos palcos paulistanos (BRAGA, 2012, p. 416). O teatrólogo
Raimundo Magalhães Júnior, em edição pela Ediouro, escreve a apresentação sobre a
referida obra; nela o teórico destaca a importância deste texto para a sociedade. Conforme
Magalhães Júnior (s/d, p. 4),

uma peça de teatro é de efeitos muito mais profundos e largos do que mil
tratados de moral social ou econômica, centenas de discursos e
conferências. A sátira imensa que é a obra de Joracy Camargo tem um
alcance como propaganda de ideias contra a burguesia e a concepção
capitalista da vida que dificilmente se poderá prever.

A obra, que chegou a ser considerada subversiva e censurada por um curto período,
teve reconhecimento internacional. A peça foi encenada em Portugal e na Argentina, onde
ainda produziram uma versão cinematográfica, Dios se lo pague, protagonizado pelo
renomado ator Arturo de Córdova.
Observando estas considerações acerca de Deus lhe pague e sua importância para o
cenário artístico, vale analisarmos a construção dessas críticas contra o capitalismo,
principalmente por meio do humor. Afinal, conforme defende Alfredo Bosi (2002, p. 123),
em Literatura e resistência: “não são os valores que se distinguem um narrador resistente e
um militante da mesma ideologia. São os modos próprios de realizar esses valores.”.

O mendigo é uma necessidade social

Apresentada pela primeira vez em 30 de dezembro de 1932, no Teatro Boa Vista, em

São Paulo, pela companhia Procópio Ferreira, a peça Deus lhe pague é uma comédia
composta em três atos e nove quadros. Logo no início do texto, o autor indica apenas no
cenário a presença de uma pujante porta de uma velha igreja. A grandiosidade imponente
da igreja contrasta-se com a figura simplória de um mendigo que surge em cena.

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 O ar messiânico e as expressões serenas – termos escolhidos pelo comediógrafo
para construir a personagem – remete à estereotipada figura do andante pobre e sábio,
sempre em prontidão para apresentar aos interlocutores pensamentos revolucionários
sobre a organização social.
Outra didascália importante para entender esta personagem está na perfeita
simulação de abatimento e angústia. Entretanto, o contraponto aparece no momento em
que outro mendigo surge na mesma cena, em direção oposta, logo depois do primeiro.
Este sim, aparentando realidade na fome e cansaço expressado. Contudo, aquele que
obtém maior quantia de esmola é justamente o primeiro pedinte.
Ao oferecer charutos cubanos para o miserável, ele induz que o objeto fora fruto de
roubo. Todavia, o primeiro mendigo nega prontamente a suspeita, apesar de pontuar que
roubar é um direito que lhe assiste. Esta escolha cria uma relação de empatia com o
interlocutor, tendo em vista a facilidade de os espectadores se identificarem com um
indivíduo que, em situação de necessidade extrema, tem a possibilidade de roubar, mas
optar por pedir.
Ao ser questionado o porquê acredita que roubar é um direito, o mendigo filósofo
conta ao colega a história da obtenção de posses desde o início da civilização, destacando a
apropriação de bens comuns que foram usurpados por outros. Logo no início da peça, o
discurso de uma sociedade dividida entre “nós” e “eles” começa a ganhar forma.
De acordo com o protagonista, um grupo sempre exerce poder sobre outro,
promovendo desta forma classes dominantes e dominadas. Neste ponto, observamos a
interlocução do discurso da personagem com a máxima marxista: “A história de toda
sociedade até hoje existentes é a história da luta de classes” (ENGELS; MARX, 1998, p. 40).
A relação entre o discurso do mendigo com o pensamento do pensador alemão Karl
Marx ganha maior proporção ao decorrer da trama, tornando a representatividade do
mendigo mais perceptível no momento em que ele explica qual a importância deles na
sociedade.

Outro – Ora!... Quem é que precisa de um mendigo?

Mendigo – Todos! Eles precisam muito mais de nós do que nós deles. O
mendigo é, neste momento, uma necessidade social. Quando eles dizem:
‘Quem dá aos pobres, empresta a Deus’, confessam que não dão aos
pobres, mas emprestam a Deus... Não há generosidade na esmola: há
interesse. Os pecadores dão, para aliviar seus pecados; os sofredores, para
merecer as graças de Deus. Além disso, é com a miséria de um níquel que

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154
 eles adiam a revolta dos miseráveis...
Outro – Mas quando agradecem a Deus, revelam o sentimento da gratidão.
Mendigo – Não há gratidão. Só agradece a Deus quem tem medo de perder
a felicidade. Se os homens tivessem certeza de que seriam sempre felizes,
Deus deixaria de existir, porque só existe no pensamento dos infelizes e
dos temerosos da infelicidade. Quem dá esmola pensa que está comprando
a felicidade, e os mendigos, para eles, são os únicos vendedores desse bem
supremo.
Outro (Desanimado) – A felicidade é tão barata...
Mendigo – Engana-se. É caríssima. Barata é a ilusão. Com um tostãozinho,
compra-se a melhor ilusão da vida, porque quando a gente diz: ‘Deus lhe
pague...’, o esmoler pensa que no dia seguinte vai tirar cem contos na
loteria... Coitado! São tão ingênuos... Se der uma esmola, um mísero tostão,
à saída de um ‘cabaret’, onde se gastaram milhares de tostões em vícios e
corrupções, redimisse pecados e comprasse a felicidade, o mundo seria um
paraíso! O sacrifício é que redime. Esmola não é sacrifício! É sobra. É resto.
É a alegria de quem dão porque não precisa pedir. (CAMARGO, s/d, p. 17,
grifos nossos)

Antes de nos atermos mais especificamente em determinados pontos do diálogo

acima, é importante a percepção da maneira em que o diálogo é construído, pois o
“aprendiz” não contraria as ideias que lhe são apresentadas. Muito pelo contrário ou se
utiliza de perguntas ou então de afirmações que, sem esforço, são desacreditadas pelo
outro sujeito. Dessa forma, as falas do outro mendigo servem somente de auxílio para que
as visões de mundo sejam apresentadas, sem causar nenhuma rusga na harmonia do
diálogo.
Na obra A personagem da ficção, Décio de Almeida Prado (2014, p. 95) explica no
capítulo destinado à personagem cênica quais as características deste modelo teatral:

[...] já não se trata de representar heróis, seres excepcionais, e sim pobres-

diabos que não merecem às vezes a simpatia nem sequer do autor. A reação
veio com a peça de tese, que reintroduziu sub-repticiamente o autor sob as
vestes do raisonneur, pessoa incumbida de ter sempre razão ou de explicar
as razões da peça, criação essencialmente híbrida, inautêntica, porque,
inculcando-se como personagem individualizado.

Naquele mesmo excerto, a fé da sociedade também é posta em descrédito, pois,

conforme a concepção do mendigo, as figuras de pedintes são importantes socialmente
para que os cidadãos consigam doar o dinheiro que não lhes fará falta e, assim, mostrar ao
divino todo o altruísmo, mesmo que ainda seja enviesado. Além do mais, a esmola dada
ao mendigo pode ainda fazer menção ao salário dos trabalhadores, na visão de Marx, “o
preço médio que se paga pelo trabalho assalariado é o mínimo de salário, ou seja, a soma

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dos meios de subsistências necessários para que o operário viva como operário” (ENGELS;
MARX, 1998, p. 53).
Analisando por este viés, a personagem o questiona qual é a verdadeira classe
dominante, haja vista que são os miseráveis responsáveis pelo expurgo e esperança dos
mais ricos por meio da esmola. Novamente, percebe-se a simetria com a ideologia
progressista, haja vista que, para o filósofo alemão, “de todas as classes que hoje em dia se
opõe à burguesia, só o proletário é uma classe verdadeiramente revolucionária” (ENGELS;
MARX, 1998, p. 49).
Em seguida, o mendigo milionário prossegue nas apresentações de estratégias de
como identificar um local ideal para pedir esmolas e quais os cidadãos mais
endinheirados.

Outro – E hoje, por que está aqui, a esta hora?

Mendigo – O senhor não sabe? Bem se vê que o senhor não tem vocação
para mendigo. E falta-lhe prática. Hoje é o dia do encerramento do mês de
Maria. A igreja está repleta. (Retirando um papel do bolso e lendo-o) – Aqui
está a lista que o meu secretário apresentou: ‘Lotação completa: oitocentas
pessoas’.
[...]
Outro – O senhor tem uma organização perfeita!
Mendigo – O serviço está bem organizado. Aqui nesta igreja, por exemplo,
estão (Lê) -‘234 pessoas de luto, sendo 183 senhoras’. Nota: ‘A maioria é de
luto recente’. (Falando) Luto recente é um grande sinal de generosidade.
(Lendo) – ’86 solteironas’. – (Falando) – A solteirona é um grande amigo (sic)
do mendigo. Quando a gente diz: ‘Deus lhe pague’, ela vê logo um lindo
rapaz caindo céu por descuido... Mas é preciso que, ao pedir, a gente tenha
um certo sorriso de bondade e malícia nos lábios... É uma esperança de
casamento...
Outro – Vamos ao resto! Sinto que vou melhorar a minha vida!
Mendigo – Vá por mim... (Lendo) – ‘Comerciante falido dá pouco, mas não
deixa de dar: tem medo da miséria. Namorado dá dois mil réis. Noivo dá
dez tostões. Já tem mais intimidade com a pequena... Pecadores, em geral,
dão níqueis... (CAMARGO, s/d, p. 20, grifos nossos)

No excerto acima é possível observar a comicidade quanto ao uso de estereótipos

para concluir as reais intenções dos doadores. Ademais, o mendigo aqui se assemelha à
figura de um empreendedor, pois faz da mendicância um negócio rentável, capaz de
alinhar-se a um planejamento estratégico na obtenção de esmolas, empregando até mesmo
um funcionário responsável por esta organização. Esta aproximação de perfis
diametralmente contrários, também é um meio de ampliar as condutas capitalistas e, por
fim, pô-las ao ridículo.

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 Mais adiante, ainda no primeiro ato, descobrimos - por meio de flashback e
apresentando outro cenário - que antes de viver nas ruas, o protagonista era operário e
estava construindo uma máquina que substituiria cem operários. Ciente deste projeto de
sucesso, o patrão resolve ir até a casa do funcionário para roubar-lhe os manuscritos. Em
conversa com Maria, a ingênua esposa do futuro mendigo, o capitalista serve de alvo para
várias zombarias.

Maria – [...] Os hábitos das pessoas importantes são tão diferentes dos
nossos...
Senhor – Por quê?
Maria – Porque, pelos nossos hábitos, aperta-se a mão das pessoas...
Senhor – As pessoas importantes, quando são educadas, também fazem
isso...
Maria – Mas o senhor não fez... (CAMARGO, s/d, p. 21)

O encontro entre estas duas personagens é marcado pelo distanciamento, tanto

pelas vestimentas quanto pelo comportamento. A tentativa de estabelecer uma igualdade
é apenas proferia pelo discurso do capitalista, porém suas atitudes mostram exatamente o
oposto, tal fato é denunciado pela espontaneidade da pobre esposa.
Em seguida, Maria continua a desconstruir a imagem suntuosa que ela havia
formulado do que é ser um capitalista.

Maria (Reparando nele) – Juca é um mentiroso!

Senhor – Quem é Juca?
Maria – Meu marido.
Senhor – Por que é que ele é mentiroso?
Maria – Ele me disse que o senhor tem cara de chimpanzé!
[...]
Maria – Assim... Eu pensava que milionário andasse com roupas de ouro...
chapéu de ouro... (O Senhor sorri) – O senhor come?
Senhor – Como....
Maria – Tens dores de cabeça?
Senhor – Tenho...
Maria – Tem rins?
Senhor – Tenho...
Maria – E doem?
Senhor – Horrivelmente!
Maria – E o senhor, quando tem sede, bebe água?
Senhor – Bebo.
Maria – Tem pesadelos de noite?
Senhor – Quase sempre!
Maria – Ora! (Rindo) – Que tola! Eu vivia sonhando com um milionário e,
afinal, um milionário não vale nada!
Senhor (Sorrindo) – Oh!...

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 Maria – Prefiro meu Juca!
Senhor – Por quê?
Maria – O meu Juca é muito diferente! Nunca tem dor de cabeça! Não tem
dores nos rins e tem sonhos lindos. Nunca teve um pesadelo. (CAMARGO,
s/d, p. 21-22)

Já no início desta passagem, uma informação importante é entregue, o nome do

protagonista. Portanto, é válido entender que mesmo pertencendo à classe trabalhadora e,
por consequência, explorada, a personagem ainda é identificada por um nome, diferente
de quando está em situação de rua, sendo tratado apenas por “mendigo”.
Retomando o diálogo, percebe-se que o patrão já era motivo de escárnio na casa do
proletário e, após a conversa, a esposa desfaz a imagem fantasiosa que tinha construído
acerca do sujeito, colocando-o até mesmo abaixo do esposo. Apesar de toda esta quebra de
expectativa por parte de Maria, o capitalista a ilude ao garantir-lhe presentes caros,
viagens e um palácio para morar, conseguindo, assim, acesso ao projeto de Juca.
O responsável pelo invento, ao chegar à casa e descobrir a falcatrua do patrão,
persegue-o, mas acaba preso por acusação de tentar roubá-lo. Encarcerado por seis anos,
descobre que a esposa fora internada em um manicômio e, após também ganhar liberdade,
se prestou a satisfazer favores sexuais. A personagem Maria é construída pelo arquétipo
da mulher inocente, ingênua (na iminência da ignorância), falastrona, ambiciosa e
alucinada. Estereótipos comuns às mulheres na configuração da sociedade patriarcal.
Já no segundo ato, o texto passa a tratar do novo relacionamento amoroso entre o
mendigo Juca e a vaidosa Nancy, sobretudo da relação extraconjugal mantida pela esposa
e Péricles. Enquanto Juca sai para pedir esmolas às escondidas de Nancy, a mulher
aproveita para receber o amante.
Pela forma em que a ação dramática é construída pode-se entender o poder do
dinheiro na vida das personagens, afinal Nancy, apesar da atração pelo amante, prefere
manter o relacionamento oficial devido ao dinheiro de Juca. A alienação pelo poder
financeiro afeta as relações afetivas da mesma forma em que Marx considerou no
Manifesto, pois para o teórico “a burguesia rasgou o véu do sentimentalismo que envolvia
as relações de família e reduziu-as a meras relações monetárias” (ENGELS; MARX, 1998,
p. 42).
Contudo, já no terceiro e último ato, Juca revela ao “colega de trabalho” que a
culpa por Nancy possuir tanto interesse por dinheiro é totalmente dele, pois ele a

Dramaturgia em foco, Petrolina-PE, v. 4, n. 2, p. 144-161, 2020.

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convenceu de que a verdadeira felicidade está no dinheiro. Segundo o mendigo, “a mulher
só deseja o que o homem lhe sugere” (CAMARGO, s/d, p. 46).
Depois de uma artimanha elaborada por Juca para enganar Péricles, Nancy
descobre o verdadeiro meio de renda do companheiro, além de perceber que a verdadeira
felicidade não vem pelo dinheiro, mas sim, pela inteligência. A moça, então, vai à procura
do mendigo e quando o encontra em frente à igreja, abraça-o e pede perdão. Juca lhe
concede o pedido, após observar a lição aprendida pela esposa.

Considerações finais

Atentos ao contexto histórico-social dos anos de 1930 no Brasil, procuramos

entender a maneira em que se estrutura a peça Deus lhe pague para tecer as críticas ao
sistema capitalista, sendo este concebido pelo suposto aspecto de modernização
proporcionado para a sociedade.
A comédia de Joracy Camargo é reconhecida pelo pioneirismo no teatro
profissional ao abordar questões sociais, apesar destas temáticas já terem sido encenadas
por companhias amadoras no início do século XX, sendo estas voltadas ao pensamento
anarquista. Embasado pela ideologia marxista, o protagonista da obra, o proletário Juca,
decide colocar-se à margem da sociedade, vivendo como morador de rua, por meio de
esmolas. Contudo, ao conhecer outro mendigo, revela a maneira que se tornou rico mesmo
naquela situação precária.
A personagem principal é construída pela simbologia do andante sábio,
responsável por denunciar as mazelas daquela sociedade. Apoiado pela ideologia
marxista, o mendigo explicita a necessidade de haver as lutas de classes, questiona o
altruísmo daqueles que dão esmolas e apresenta as estruturas da sociedade capitalista
como dadas ao fracasso.
O espaço, não identificando algum lugar específico, mostra a possibilidade desta
ação dramática ter acontecido em qualquer sociedade na qual se organize pelo princípio
de acúmulo de capital. Além de transformar em risível a estrutura capitalista, o mendigo
também satiriza a figura do dono dos meios de produção, pondo-o como vilão da trama.
Apesar da crítica evidente à exploração de uma classe sobre a outra, as duas únicas
personagens femininas de relevância – Maria e Nancy – são construídas por estereótipos

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pejorativos, como alucinadas, ambiciosas, vaidosas, ignorantes e manipuláveis, todos
comuns na estrutura patriarcal, reforçando, assim, o discurso de superioridade de gênero.
Por fim, vale ressaltar a maneira pela qual o texto é estruturado, dando sempre
razão ao protagonista que, por sua vez, apresenta as críticas ao capitalismo. Mesmo agora
pertencendo à classe mais vulnerável economicamente, pelo menos nas aparências, o
mendigo consegue subverter o sistema ao enriquecer-se sem recorrer à exploração do
trabalho alheio, mas sim, pela esperança dos doadores de que haja alguma recompensa
divina vinda pela suposta boa ação.

Referências

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Submetido em: 15 jul. 2020

Aprovado em: 13 out. 2020

Dramaturgia em foco, Petrolina-PE, v. 4, n. 2, p. 144-161, 2020.

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