The Four Characteristics of Sound Waves

Their Notation and Some Musical Terms in Western Music Theory

By Celâl ELDENİZ
(Using a piano to hear how each of the items sounds is recommended for this section.)

1. Frequency : Pitch

This is how we show pitch in notation: C (“do”), D (“re”), E (“mi”), F (“fa”), G (“sol”), A
(“la”), B (“si”).

This is a staff (“porte, dizek”). It is a set of five

horizontal lines and four spaces that each represent a different musical pitch—or, in the
case of a percussion staff, different percussion instruments. Appropriate music symbols,
depending upon the intended effect, are placed on the staff according to their
corresponding pitch or function.

• When music on two staves is joined by a brace, or is intended to be played at once by a

single performer (usually a keyboard instrument or the harp), a great stave (in british
english) or grand staff (in American English) (“piyano dizek düzeni”) is created.
Typically, the upper staff uses a treble clef (“sol anahtarı”) and the lower staff has a
bass clef (“fa anahtarı”). In this instance, middle C (C4, “do notası”) is centered
between the two staves, and it can be written on the first ledger line below the upper
staff or the first ledger line above the lower staff. When playing the piano or harp, the
upper staff is normally played with the right hand and the lower staff with the left
hand. In music intended for the organ, a grand staff comprises three staves, one for
each hand on the manuals and one for the feet on the pedalboard.

1
Middle C in four clefs.

Position of Middle C on an 88-key keyboard.

• In musical notation, the symbols used to mark such notes, sharps (♯) (“diyez”), flats
(♭) (“bemol”), and naturals ( ) (“natürel, bekar”), may also be called accidentals
(“arıza işaretleri”). An accidental sign raises (sharp sign raises) or lowers (flat sign
lowers) the following note from its normal pitch ignoring sharps or flats in the key
signature, usually by a semitone (yarım ton). Roughly talking, these are the black keys
on the piano. So on the image above, the key next to middle C is C sharp (C#, “do
diyez”) which is half step higher than C.

sharp flat and natural signs, respectively.

• In music, an octave (Latin octavus: eighth) (“oktav”) is the interval between one
musical pitch and another with half or double its frequency. So in the image above,
count eight white notes (piano keys) and you will reach C5 (“ince do”) which doubles
the frequency of C4. C4 to C5 is an octave, and vice versa.

• A scale (“dizi”) is any sequence of musical notes in an ascending or descending order.In

the image above, the 7-note scale of the white notes on the piano in an octave (C4-C5)
is a heptatonic scale(“heptatonik dizi”). the 5-note scale on the black notes on the
piano in an ocave is a pentatonic scale (“pentatonik dizi”). All together there are 12
notes in an octave.

• Diatonic (Greek: διατονική) and chromatic (Greek: χρωµατική) are terms in music
theory that are most often used to characterize scales. They are also applied to
intervals, chords, notes, musical styles, and kinds of harmony. A diatonic scale
(“diyatonik dizi”) includes all forms of heptatonic scale that are in common use in
Western music (the major, and all forms of the minor). Chromatic refers to structures
derived from the chromatic scale (“kromatik dizi”) , which consists of all semitones.

2
 diatonic scale on C.

Chromatic scale on C: full octave ascending and descending.

• An interval (aralık) is a combination of two notes, or the ratio between their

frequencies.

The first image shows an example of a

melodic interval also called horizontal. The second image shows an example of a
harmonic interval, also called vertical.

• Following the white keys on the piano, from C to D (do’dan re’ye), a diatonic interval
occurs. And from C to C#, a chromatic interval occurs. An enharmonic interval occurs
when two same note which is "spelled", or named differently comes together. C sharp
to D flat is an enharmonic interval.

•  An interval is the distance between two notes. The smallest interval used in Western
music is the half step (semitone). A visual representation of a half step would be the
distance between a consecutive white and black note on the piano. There are two
exceptions to this rule, as two natural half steps occur between the notes E and F, and
B and C. A whole step (whole tone, “tam perde”) is the distance between two
consecutive white or black keys. It is made up of two half steps (semitone, “yarım
perde”). From C to C the white keys have one wholetone (C-D), one wholetone (D-E),
semitone (E-F), one wholetone (F-G), one whole tone (G-A), one wholetone (A-B) and
one semitone (B-C), respectively.

3
Intervals can be described as Major (M) (“majör aralık), Minor (m) (“minör aralık”), Perfect
(P) (“tam aralık”), Augmented (A) (“artık aralık”), and Diminished (d) (“eksik aralık”).
Intervals come in various sizes: Unisons (“ünison”), Seconds (“ikili”), Thirds (“üçlü”),
Fourths (“dörtlü”), Fifths (“beşli”), Sixths (“altılı”), and Sevenths (“yedili”). 2nds, 3rds,
6ths, and 7ths can be found as Major and Minor.

Unisons, 4ths, 5ths, and Octaves are Perfect.

• When a major interval is raised by a half step, it becomes augmented. When a major
interval is lowered by a half step, it becomes minor. When a major interval is lowered
by two half steps, it becomes diminished. When a minor interval is raised by a half
step, it becomes major. When a minor interval is raised by two half steps, it becomes
augmented. When a minor interval is lowered by a half step, it becomes diminished.
When a perfect interval is raised by a half step, it becomes augmented. When a perfect
interval is lowered by a half step, it becomes diminished.
• The symbols of each interval is as follows:

• There are many different types of scales. They are the backbone of music. Mainly,
here, we can talk about two of them; major and minor scales.
• A major scale is a series of 8 consecutive notes that use the following pattern of half
and whole steps (two whole steps-one half step-three whole steps-one half step):

• Minor Scales come in three forms: Natural, Melodic, and Harmonic.

• Natural Minor scales use the following pattern of half and whole steps:

4
• Melodic Minor scales ascend and use the following pattern of half and whole steps.
When descending, they do so in the natural minor form.

• Harmonic Minor scales use the following pattern of half and whole steps:

• There are 15 major and 15 minor key signatures (“şifre, donanım”, key, tune:
“tonalite”). The sharps or flats at the beginning of the staff indicate the main tone
(diatonic) to which other tones are related. To find the accidentals, we use the circle
of fifths (“beşliler çemberi”).

5
 If you move clockwise on the outer part of the circle,
you can name the major tones with sharps. For example,
G Major “sol majör”) has F#. It’s half step below the
note that gives the name to the tune. So D Major (“Re
majör”) has F# and C# and so fort. If you move in the
opposite direction, you can name the major tones with
flats. F Major (“Fa Majör”) has B flat. B flat Major has B
flat and E flat. As you see, the note that gives the name
of the next one joins the tune right before. Lower
letters in the circle define the related minor tunes
which has the same scale. So C Major (“do majör”)and a
minor (“la minör”)shares the same scale.

• Db-C#, Gb-F#, Cb-B, are enharmonic keys, meaning that they are written differently,
but sound the same.

6
• Mode (from Latin modus, "measure, standard, manner, way, size, limit of quantity,
method")(“mod”)generally refers to a type of scale, coupled with a set of
characteristic melodic behaviours. This usage, still the most common in recent years,
reflects a tradition dating to the Middle Ages, itself inspired by the theory of ancient
Greek music.

• The Greek modes were composed of two tetrachords (“tetrakord”), 4-note units. For
example:

Greek Dorian octave, made of two tetrachords, in the diatonic genus (plural is
“genera”, “soy”)

• Eight modes are as follows:

Each mode has a different schema of whole and half steps and creates a different
psychological atmosphere.

• Melody (“melodi, ezgi”) refers to the tune of a song or piece of music. it is the
memorable tune created by playing a succession or series of pitches. It is the
horizontal dimension in music.

• Harmony (“armoni”), in general, refers to the combination of notes (or chords) played
together and the relationship between a series of chords. Harmony accompanies and
supports the melody. It is created by playing a group of notes (either simultaneously or
as broken chords) behind the melody thus giving it musical texture. Harmony is the
vertical dimension in music.

• Musical texture (“müzikal doku”) refers to the number of layers as well as the type of
layers used in a composition and how these layers are related. Texture may be
monophonic (“tek sesli, monofonik”, single melodic line), polyphonic (“çok sesli,
polifonik”, two or more melodic lines) and homophonic (“homofonik”, a main melody
accompanied by chords).

2. Intensity: Loudness

7
 In notation, dynamic signs are abbreviations used to signify the
volume (loudness or softness) of a piece of music; it also indicates
whether there is a change in volume (gradually louder or gradually
softer). The table below lists the commonly used dynamic signs.

Sign In Italian Definition

Pp pianissimo very soft

P piano soft

mezzo
Mp moderately soft
piano
mezzo
Mf moderately loud
forte

F forte loud

Ff fortissimo very loud

decrescen
>  gradually softer
do

<  crescendo gradually louder

rinforzand
Rf sudden increase in loudness
o

Sfz sforzando play the note with sudden emphasis

3. Duration: Time

• In notation, duration of sound and silence is shown as below (A rest (“sus”) indicates a
silence of an equivalent duration.) :

8
Not Res
American name British name
e t

longa longa

double whole note breve

whole note (“birlik nota”) semibreve

half note (“ikilik nota”) minim

or quarter note (“dörtlük nota”) crotchet

eighth note (“sekizlik nota”) quaver

sixteenth note (“onaltılık

semiquaver
nota”)

thirty-second note (“otuzikilik demisemiquav

nota”) er

• In music, rhythm has to do with the duration of sound.

• Rhythm (“ritim”) may be defined as the pattern or placement of sounds in time and
beats in music. Roger Kamien in his book Music: An Appreciation defines rhythm as
"the particular arrangement of note lengths in a piece of music." Rhythm is shaped
by meter; it has certain elements such as beat and tempo.
• In order to define meter (“ölçü”), let's first define beats (“vuruşlar”). Beats give
music its regular rhythmic pattern. Beats are grouped together in a measure; the
notes and rests corresponds to a certain number of beats. Meter refers to rhythmic
patterns produced by grouping together strong and weak beats. Meter may be in
duple (2 beats in a measure), triple (3 beats in a measure), quadruple (4 beats in a
measure) and so on.
• In notation:

9
 4/4 (“dört dörtlük”) is the time signature. Also known as common time, this means
there are 4 beats in a measure. For example 4 quarter notes (= 4 beats) in a measure
will have the count - 1 2 3 4. Another example is when there is a half note (= 2 beats),
2 eighth notes (= 1 beat) and 1 quarter note (=1 beat) in a measure. When you add the
beats of all the notes you come up with 4, you thus count it as 1 2 3 4. In 4/4 meter
the accent is on the first beat.

• The Italian word, tempo (“tempo”), at the beginning of a music piece that indicates
how slow or fast the piece should be played. This is called the tempo which is effective
throughout the duration of the music unless the composer indicates otherwise.
Words Used to Signify Tempo
Word Definition
accelerando play faster
adagio play slowly
allargando slow down and grow louder
allegretto moderately fast, merrily
allegro play fast and lively
andante play moderately slow
andantino moving moderately
a tempo play at the original speed
conmodo leisurely
con moto with movement
grave very, very slow
largo play very slow
larghetto fairly slow

10
 l'istesso tempo play at the same speed
moderato play at a moderate speed
non troppo not too fast
poco a poco gradually
presto play fast and lively
pretissimo extremely fast
ritardando play gradually slower
ritenuto play slower
sostenuto sustained
vivace lively

4. Wave-Form (Phase):Timbre

• Timbre known as tone color; it refers to the quality of sound that distinguishes one
voice or instrument from another.
• In notation, each staff is labelled with the instrument that will be playing the
partition (“partisyon”) notated on that staff. (see the image on the next page)
• In music, a consonance (Latin con-, "with" + sonare, "to sound", “konsonans,
uyumlu”) is a harmony, chord, or interval considered stable (at rest), as opposed to
a dissonance (Latin dis-, "apart" + sonare, "to sound", “disonans, uyumsuz”), which
is considered to be unstable (or temporary, transitional). In more general usage, a
consonance is a combination of notes that sound pleasant to most people when
played at the same time; dissonance is a combination of notes that sound harsh or
unpleasant to most people. With consonance being a greater coincidence of partials
(harmonics and the fundamental when occurring in harmonic timbres) (Helmholtz,
1877/1954). By this definition, consonance is dependent not only on the width of
the interval between two notes (i.e., the musical tuning), but also on the combined
spectral distribution and thus sound quality (i.e., the timbre) of the notes. Thus, a
note and the note one octave higher are highly consonant because the partials of
the higher note are also partials of the lower note.

a consonance a dissonance

11
12
• A chord(“akor, uygu”) in music is any harmonic set of two or more notes that is heard
as if sounding simultaneously. These need not actually be played together: arpeggios
(“arpejler”) and broken chords (“kırık akorlar”) may for many practical and theoretical
purposes be understood as chords.

Do Majör üçlü akoru

• A triad (“üçlü akor”) is a group of three notes having a specific construction and
relationship to one another. They are constructed on 3 consecutive lines or three
consecutive spaces. Each member of the triad is separated by an interval of a third.
The triad is composed of a Root (“kök nota”), Third (“üçlüsü”), and Fifth (“beşlisi”). In
the example above, C is the root, E is the third and G is the fifth.

• There are four types of triads: major( M3 + m3), minor(m3+M3), diminished(m3+m3)

and augmented (M3+M3).

• Up till here, we have been talking about very basics of music theory. And we can think
of chords as a conclusion of this part. They are the building blocks of harmony in music.
Thus, the next part which is very brief introduction to harmony, talks about how chords
relate to each other.
• In the early 1800's, German composers started to use roman numerals to symbolize
harmony. Each note in a scale can have a triad or chord built above it. Upper case
(Major) and lower case (minor) Roman Numerals are used to indicate the type of chord.
I, IV, V are major triads/chords, ii, iii, vi are minor triads/chords, and vii is diminished.

• If we write the notes in a C Major scale, it would look like this:

13
• If we write the thrids and fifths for each chord, we get all the chords for the C Major
tonality:

• Capitalized numerals are Major Chords whereas lower-case numerals are minor chords.
So, in a major key, the first, fourth and fifth degrees are major chords while second,
third and sixth degrees are minor chords and the seventh degree is a diminished chord.
• Roman numeralsindicate the root of the chord as a scale degree (“dizideki derece”)
within a particular major key as follows:

Roman
I ii iii IV V vi viio/bVII
numeral
Scale ton superto media subdomina domina submedia leading tone/
degree ic nic nt nt nt nt subtonic

• Roman numerals define te degrees and the terms under each numeral define the
function of the chord:

• Tonic: tonik veya eksen veya durak.

• Supertonic: Altçeken Ekaltılı (AÇE6) veya Altgüçlü paraleli.

• Mediant: Çeken Ekaltı (ÇE6) veya Güçlü paraleli, Dominant Paraleli, tonik
karşıtı.

• Subdominant: Altçeken (AÇ) veya Altgüçlü.

• Dominant: Çeken (Ç), Güçlü, Dominant.

• Submediant: Eksen Ekaltı (EE6) veya tonik paraleli veyadurak paraleli vyea
subdominant karşıtı.

• Subtonic: Yeden (Y), Sensible, Köksüz dominant veya Köksüz Güçlü veya Köksüz
Çeken Yedili.

14
• Along with the four characteristics of a sound, which are pitch, loudness, time and
timbre, function becomes the fifth characteristic.

• Also you can find some musical terms in turkish here:

http://www.evinilyasoglu.com/muzik-terimleri-sozlugu/

15
 The First Front—Artist Development and Product Development

Artist/Band Inventory List

There are many things independent artists and bands need to do to put their careers on the
right track. Think of this list of topics as an organizational tool for your career. Just like that
messy closet at home that needs organizing, your career plans need to be put in order. Use
these topics as a way to keep track of your business needs. Make notes under each topic, type
or scan them into your computer, use them as categories or rank them by levels of importance.
But first, glance through all the topics and see which ones jump out at you. Those are the is-
sues you need to deal with now.

1. Goals and Ambitions 4. Songwriting Issues / 6. Product Design

Goals for next 3 years Copyrights Graphic needs
Longtime career goals Publishing companies Graphic artist
Independent label Personal publishing Logo
affiliation plans company CD/CDR
Major label Administrative Tray card
affiliation plans publishing company Cover
Self-owned label plans Trademarks/ Booklet
service marks Business card
2. Live Performance Performance rights Stationary letterhead
Opportunities organizations (BMI, Envelopes
House concerts ASCAP, SESAC) Website artwork
Clubs Press kit folder
Halls/auditoriums 5. Recording Issues Mailing labels
High schools/colleges Song selection Posters
Festivals and fairs Home recording studio Flyers
Showcases/conferences Professional studio Bar code
Benefit concerts selection Printing contact
Retail stores Producers/engineers
Shopping malls Mixing 7. Manufacturing/
Sequencing Duplication Options
3. Attitude toward Music Mastering issues Manufacturing formats:
and Business CD
Creative philosophy Mini disc
Business philosophy Cassette tape
Current image LP
Desired image EP
Point of view on current 45
career status Converting files to MP3
CD pressing plant
Tape duplicator
Shipping arrangements
Merchandise (t-shirts etc)

39
Music Is Your Business

8. Performance 10.Sales/Distribution 12. Other Business

Instruments and Live shows Considerations
equipment Record store Bank account/band fund:
Rehearsal space consignment Debt/loans
Sound Mail order Investors
Lights Distributors Business licenses
Transportation Rack jobbers Monthly music business
Tour itinerary Online/Internet sales expenses
Per diems opportunities
Sound check Sales/marketing
requirements
Equipment insurance 11. Administrative/
Performance contracts/ Business
riders Record label contacts
Additional performance Publishing contacts
needs A&R Representative
contacts
9. Publicity/Media Entertainment law
Press Kit attorney
Bio Band agreements
Fact sheet Management contracts
Cover letter Record label contracts
Press clippings Publishing contracts
Folder Merchandising contracts
CD/CDR Video/Film contracts
Photo/photographer Advertisement/
Photo duplication endorsement contracts
Business card Music business
Broadcast media accountant
Commercial radio Bookkeeper/tax preparer
connections Artist manager
Non-commercial radio Business manager
connections Publicist
Internet radio Tour manager
connections Road crew (roadies)
Satellite radio Music equipment store
connections contacts
TV/video connections Music instructors/coaches
Print media connections Music instrument repair
Music industry trades contacts
National, regional, Music business
local consumer consultants
publications Independent promoters
National, regional,local (radio)
music publications Booking agents
Online/Internet website Concert promoters
design and hosting Venue contacts
issues

40
Bir Şarkıcı için Stratejik Planlama Nasıl Yapılır?

(Projeniz için bu başlıkların hepsini takip etmeniz gerekmiyor. Ancak sorulardan

faydalanınız. Ayrıca stratejik Planlama sürecinin adımlarını sınav için bilmeniz gerekiyor.
Projenizin içeriği (başlıkları) ve formatını ayrı bir dokümanda paylaşılmıştır.)

(Derste 3 kere işledik. Yazılı olarak tekrar gönderiyorum.)

1. Adım: Vizyon
2. Adım: Mevcut Durum Analizi (SWOT)
3. Adım: Strateji Formülasyonu
4. Adım: Eylem Planı Belirleme
5. Adım: Uygulama
6. Adım: Takip (Follow-Up)

1.Adım: Şarkıcınızla beraber onun için bir Vizyon belirleyin. Kendisini gelecekte nerede
görmek ister? Siz onu nerede görmek istersiniz? Ortak bir hayal kurabiliyor musunuz?
* Bu vizyona yönelik onun için bir Hedef ve Hedef Kitle belirleyin. Hedef Kitleyi belirlerken
-derste işlediğimiz- aşağıdaki sorulardan birkaçından faydalanabilirsiniz.

• How old are they? (Determine the widest range of their ages.)

• What gender are they? (If both, what percentage is dominant, or is it even?)

• Are they one specific ethnic background or a mix of backgrounds?

• Do they drive cars to work, carpool, take public transportation, ride bikes, or walk?

• If they’re students, what kind of schools do they go to? Grade school, high school, college,
business school, university?

• Are they religious, atheists, or free thinkers? What political parties do they belong to, and
what, if any, causes do they champion?

• What kind of restaurants do they go to—fancy and expensive, ethnic, or fast food?

• Where do they shop for clothes? Thrift stores, Target, Nordstrom?

• What hobbies and interests do they have? Computers, art, hiking, skateboarding, sports?

• What other music do they like? Particularly, what other bands and artists do they spend
their money on?

• What movies do they see in theaters, rent online or at video stores?

• Do they get to your gigs by bicycle, motorcycle, car, bus, train?

• What books do they enjoy reading, and where do they buy them?

• What kind of volunteer work might they do—environmental or political causes, fairs and
festivals, church or social groups?

• What TV shows do they watch, and what radio stations do they listen to? What Internet
websites do they visit and download music from? Do they subscribe to any blogs or
podcasts? Which ones?
2. Adım: Ardından Mevcut Durum Analizi yapıyorsunuz. Bunun için SWOT Analizi
yapıyorsunuz. (Tablodaki Yeşil Kısımlar)

İç Faktörler:
S-Strength: Güçlü Yönler
W-Wekaness: Gelişime Açık Yönler
Dış Faktörler:
O-Opportunity: Fırsatlar
T-Threat: Tehdit

* Her bir faktör için 5’er tane belirlemeye çalışınız.

İçerde Güçlü
İç 
 Yönler İçerde Gelişime Açık
Etkenler ---->
Dış 
 ! Yönler : !
Etkenler 
 W1 

S1 
 W2
|
 W3
S2
|
 S3 W4
\/ S4 W5
S5

# #
Zayıf Yönler Fırsatları
# # Elde Etmede Ne Gibi
Dışardaki Fırsatlar : !
O1 Güçlü Yönler
Stratejiler Gerektirir?
O2 Fırsatları
O3 Değerlendirmede
O4 Nasıl
O5
Kullanılabilir?

# # 

Güçlü Yönler # #
Tehditlere Karşı Zayıf Yönler Tehditlere
Dışardaki Tehditler : !
T1 Nasıl Karşı Ne Tür Stratejiler
T2 Kullanılabilir? Gerektirir?
T3
T4
T5
3. Adım: Vizyon ve Mevcut Durum arasındaki boşluğa “Stratejik Boşluk” (Strategic
Gap) diyoruz. Mevcut Durumu Vizyona taşımak için şarkıcınızın bu boşluğu aşmasını
sağlayacak stratejilere ihtiyacı var. 3. Adımda bu stratejileri üretiyorsunuz. Bu oldukça
kapsamlı bir çalışmadır. Projenizde bu gerekmeyecek. Projenizde bunu sadece
pazarlama stratejisini üretmeniz yönünde daralttık.
Projenizde bunlardan hiçbirine değinmeniz gerekmiyor. Sadece pazarlama stratejisini
belirleyeceksiniz. Ancak büyük resimde pazarlama stratejisinin nerede yer aldığını
göstermek için kısaca stratejik planlamada yer alan üç tür stratejiyi ele alalım:

1. Kurumsal. 2. Fonksiyonel 3. Operasyonel Stratejiler

1. Kurumsal Strateji (Corporate Strategy) (Genelde bir şirket söz konusu olduğunda bu
şekilde anılır.): Büyüme, Küçülme ve Aynı Şekilde Devam Etme üzerine bir stratejidir.

(Projenizde gerekmeyecek.)

2. Fonksiyonel Strateji (Functional Strategy): İşletme Fonksiyonları (Business Functions)

açısından stratejiler üretilir. Bir şirket için fonksiyonlar şunlardır: Üretim, Pazarlama,
Satış, Finans-Muhasebe-Lojistik, Araştırma-Geliştirme (AR-GE) , İnsan Kaynakları (IK),
Destek Hizmetleri vb. gibi birimlerdir.

(Projenizde sadece pazarlama stratejisini belirliyorsunuz.)

3. Operasyonel Strategy (Operational Strategy): Her bir fonksiyon için stratejiler üretilir.
Ör: Pazarlama için: Hangi tarz dergilerde reklam verileceği.)

(Projenizde bu kısım da gerekmeyecek.)

Pazarlama Stratejisi
Projenizde bir fonksiyonel strateji olan pazarlama stratejisini hazırlıyorsunuz:
Pazarlama Stratejisi yapılırken Pazarlama Karması (Marketing Mix), diğer bir ifadeyle; “4P”
kullanılır:

1.Product (Ürün): Bir ihtiyacı karşılamaya yönelik üretilen mal veya hizmet.

2.Promotion (Tutundurma): Potansiyel tüketicilere ürünü tanıtmak ve onları ürünün

özelliklerinden haberdar etmek üzere gerçekleştirilen reklam, kişisel satış, halkla ilişkiler,
duyurum ve indirim, çekiliş, yarışma vb. etkinliklerdir.

3.Place (Dağıtım): Bir ürünü tüketiciye doğru yer ve doğru zamanda ulaştırmayı sağlayan
kanallardır.

4. Price (Fiyat): Ürünün dolaşımını sağlayan sahip olduğu parasal değerdir.

Şarkıcınızın vizyonunu gerçekleştirmeniz için ders kitabında aktarılan “4 Front Strategy”
modelinden faydalanılarak genişletilmiş pazarlamanın dört cephesiyle ilgili şu sorulardan
faydalanabilirsiniz: (projenizde soruların hepsini cevaplamanız gerekmiyor; sadece
projedeki anlatımınızda size fikir vermesi için başvurunuz):

1. Product

A. Sanatçının Geliştirilmesi
• Name of artist or band? (Include all band members names and instruments played.)

* Is your stage name trademarked?

• Have you registered your songs for copyright protection?

• Have any of your songs been published? (If so, by whom?)

• Have you affiliated with a performance rights organization? (Which one—ASCAP, BMI?)

• What is your background? (Who are you and your band members? Tell your story.)

• Do any band members belong to the Musician’s Union?

• Do you have a written band/partnership agreement?

• Why do you want to record and release your own music? (Be very honest.)

• Who is your fan or customer? (Analyze this question thoroughly.)

• Do you write your own songs? (Discuss the songwriting process in detail.)

• Who are your musical influences? (Cite specific examples.)

• How do you describe your music to people? (This isn’t a short answer. Discuss it.)

• What image do you think your music conveys? (Do not avoid the image issue!)

• What are your immediate music career goals? (Next one to three years.)

• What are your long-term career goals?

• How would you define the word “success”? (This isn’t a short answer. Discuss it.)

• Do you have any personal contacts in the music business?

• Do you have an entertainment law attorney to consult with?

• Are you looking for an independent label deal or a major label deal? (Why?)

• Do you have a demo or press kit, or any promotional materials?

• What live performance experience have you had? (Any industry showcases?)
 • How do you rate your live performance ability? (Be very critical. No clichés.)

• Have you recorded any previous CDs or demos? (Which studios? Who was the producer?)

• How did you sell your CDs? (Consignment? Over the Internet? Live sales? Distributor?)

• Have you had any previous print or broadcast media exposure or reviews?

• Are you financially able to fund the costs of establishing your career? (In debt?)

• Do you have a business license? (City, state, federal?)

• What is your current business form? (Sole proprietor? Corporation? Partners?)

• Have you set up a system for tracking your financial activities? (Software system?)

• Are you aware of the tax deductions available for musicians?

• Do you have insurance on your band equipment and vehicles?

• Have you created an exciting, well-designed website? (Aware of new design software?)

• Do you have a presence on the Internet that is active and aggressive? (Looking for new 

opportunities?)

• Who handles your daily business activities? (Bookings, promotions, etc.)

• Have you created an actual career, marketing, or business plan? (Is it in writing?)

B. Ürün Geliştirilmesi:

• Ne tarz bir kayıt yapmak istiyorsunuz? (Tekli / Single, EP, Albüm)

• Hangi şarkılara yer vereceksiniz?

• CD kapağınız ve -varsa- kitapçığınızda neler yer alacak?

• CD kapağındaki fon, logo, fotoğraf ve yazıların tasarımı ne şekildedir?

2. Promotion:

A. Tanıtım/Tutundurma:
Pre-Release Promotions

• Have you created a pre-order list for the CD?

• What are you doing in terms of viral marketing? How are you encouraging fans and 

potential fans to check out the new music and buy the new CD?

• What radio stations will you contact to make them aware of the upcoming recording
project? Are there TV. or print interviews that you have lined up? 

 • What web sites, BLOGS, and other online medias are you using to hype up the new
release?

• Are there any special events or gigs that are you using as a pre-release promotional event?
Are there any conferences that you are planning to attend to hype up the project?

• Are you doing direct emails or web site press releases to your fan base to get them
pumped up?

• Have you already identified the key player(s) doing the work?

CD-Release Party

• When and where will the CD release party be held – this should be confirmed or very close
to confirmed (at least the venue)? Are there going to be multiple release parties? Why did
you choose these locations? Remember people may not know why Regina, SK is the best
place for you to release your CD – you must explain that!

• Are there any unique pricing schemes that you are using? For Example, a CD may cost
$15.00 and cover may cost $5.00. But if someone purchases both, they get both for $18.00
and if they purchase before the event, they get both for $15.00?

• Are there any retail outlets where people can pre-purchase tickets for the show? Where can
people buy tickets ahead of time or can they even buy tickets ahead of time? What about
online options?

• Are there any events leading up to the CD release party that you are using to promote the
upcoming release and ticket sales to that event?

• Are there any contests that you have set up? For example, could you get a sponsor to
cover dinner at a local restaurant, and then throw in an artist prize package and free cover
to the event? Be creative! This would allow you to go to the radio stations with a contest
that they could promote which could also lead to increased coverage.

• What radio, TV, online and print mediums are you using to promote the event and how will
they be most effective?

• Are you postering? Are you using handbills?

• Do you have street teams in place (see Fan Base Development for a more detailed 

description)?

• Are there contests that you can set up for your web site and/or email base for your fans?
What are you doing to promote the show to your fan base? Can you provide a discount on
the CD for the first 25 guests?

• Are you going to have any other musical guests at this event? Why did you choose those
artists and what is the benefit to having these guests there?

• As appendices, you could include any press releases that you are going to use,
promotional materials to fans, details on prize packages you are putting together, bios on
guest performers, etc.
 • Have you already identified the key player(s) doing the work?

Web site/Technology

• Some of this information may have already been covered in other areas of your
business plan – that’s fine.

• A web site is becoming a key strategy point for a lot of independent artists.

• What sections are you offering on the web site and what is the benefit? Is there an
electronic press kit area with your bio and photos, gig listing history and contact
information? Do you have separate areas for the industry professionals and the
general public?

• What do you offer in your fan base development area? Should be brief if already
covered above or you can just reference to the above section.

• Do you have a general news area? Is there a section for people to sample your
music? Is there an area for people to email you, do you offer a link to join and email
list? Do you have a general info area that provides a bio/history on the band, band
photos, tour dates, etc? Your internet presence is as much about creating a
community as your live performances are...and web sites often have to meet the
needs of several different “audiences.”

• Is your genre/audience well-suited to a web site? Will the talent buyers you need to
work with enjoy moving around this site?

• Is there an e-commerce area? Are you selling CDs through your site? How will that
process work and who is going to manage it?

• How are you promoting the web site and how does that fit into the rest of your
strategy? Will you have any contests/promotions for the general public on the web
site? What are your online sources to promote the web site? Are there key links,
partnerships, and/or sponsors that will be attached to the web site. 


Fan Base Development 


• In today’s industry, a fan base is considered the most important element to the success of
an artist and the interest that the general industry will take. Remember...the fan is your
customer and the customer is everything.

• Do you have an email list or mailing list to keep in contact with your fans? Do you have a
database that allows you to target by region?

• How do you get news out to them about your career?

• What services do you offer on your web site? I.e. message boards, a daily artist journal, 

contests/promotions, updated news section, an up-to-date myspace site. 

 • Is there an email address or some kind of customer service measure so that fans can get
their questions/concerns addressed?

• Have you been able to make use of key fans to head up street teams in certain areas?
Street teams do a great job of postering, promoting the show, word-of-mouth marketing,
etc. Street teams can become a critical part of any artist’s marketing plan. You should
expand on your street team strategy – where are they located, what do they do, and what
strategies do you have in place to reward street team members. This is as much a strategy
as anything else.

• Do you offer a newsletter or discounts on merchandise or a fan party?

• Caution on all of these things: You should not offer everything! You need to offer what 

is going to work best for your fan base.

• Are you able to conduct online surveys or in-venue surveys? What have you learned from
those surveys (just a synopsis, not details – save that for an appendix).

• Basically, how do you get your fans to feel as though they have enough of a connection to
you to buy your CDs and go to your shows? Community and connection are critical. Don’t
breeze by this important part of your marketing plan.

• This is where the power of viral marketing, word-of-mouth, and fan empowerment really
starts to shine through. At the time of writing this document, these were the most powerful
tools for any artist. What strategies are you using to foster and encourage these tools and
your fan base to spread the word about you and your music?

Video Production


• Video production really has a timeline and marketing plan all unto itself.

• You should introduce the production company, producer, and any other key players.

• You can put the concept in this area to give you reader a better idea of the finished
product and which single the video is supporting.

• You should indicate what media companies have expressed interest in promoting a
video from you – if you have no interest right now, why go through the expenditures
of creating a video that will become dated?

• You should be justifying why you have chosen to spend money on a video – does it
make sense with the rest of your business plan.

• What promotional plans do you have in place for the video once it is completed?

• Are you making any use of special, well-known guests or have a unique spin on the 

video?

• You should indicate if there are additional investors supporting this video or how you
plan to finance it.
 • A time line can be included – just a basic one to determine when production, editing
and release will occur.

• This section may also include “videos” that can be used for other options – live
performance video to help secure additional festival spots, and promo on other
mediums such as myspace, youtube, your personal web site, etc, which may not be
nearly as costly as videos for commercial release.

• Appendix: You could also include a detailed timeline as an appendix. Any letters of
support for the video as well as a letter of intent from the production company,
producer and investors can be included. Storyboards may also be included in the
appendix.

Partnerships with Other Artists

• Some artists may be working closely with other artists/bands to cut costs, cross promote,
etc. This section should be the place where you highlight those relationships and the
benefits that you will receive by it. A community that supports one another can be a really
strong selling point.

• Appendix: You could include bios of the other artists if they are a key component to your
operations.

Special Events

• If you are performing at any special events or working for any special causes (i.e.
working for a charitable event or performing at a unique opportunity), you may want
to list it. Working with a charity or for a cause is also some really positive good will.
Being presented a unique performance opportunity shows that the community is
interested in you and that you are able to give back to the community.

• Appendix: You may want to include further information about the event, opportunity
or cause.

B. Publicity

PressKit

• What does your press package include?

• Is there anything different about your press kit (outside of the standard press kit)?

• What is the press kit going to be used for? – Details not necessary as a press kit is
the standard tool of the trade

• As importantly, how will this press kit be distributed – through your web site, external
web sites such as Sonic Bids or as a standard paper press kit?

• Are you producing an EPK (Electronic Press Kit)? Details of the production
company, storyboards, concepts and content that is going to be presented could be
included.
Media Strategy

• Do you understand the radio stations that you are targeting? Caution: Do not just
include a list of radio stations...if you still want to do that, then it should be
referenced to in an appendix. More importantly, do you understand the play formats
and needs of those radio stations?

• What are your press release and promotional plans for radio? Do you have a
database? Are there contests or promotional giveaways for the radio dj’s or their
audiences?

• Are there any special events that you can team up with a radio station on?

• Have you received any support already for the single or know that there are radio
stations who are interested in promoting a single once you are done? Those letters
of intent/emails should be included in an appendix.

• Are you able to secure an on-air interview for the promotion of the single or any tour
dates that you may have in that area?

• Do you have a radio tracker? How will you keep track of your success?

• What have been your past successes with radio, if any?

• What alternative radio formats are you accessing – internet, satellite, and podcasting? How
are you targeting these radio formats, and what is your previous success with these
channels?

• What are your plans for any television media? Are you doing a video? Are there interviews/
live performances that you have lined up? Again, get those letters of intent or interest in
there! Do you have an understanding of which TV? programs are supporting local live
performances and have you started conversations with them? Why did you choose the
programs that you chose? This is important for lesser-known programs because you need
to show why they are a good fit.

• What are your plans for print media? Who are the newspapers, periodicals and interviewers
that you are targeting? Are there any interesting stories or promotional ideas that you are
using for the print media? Have you received any confirmed support letters and are there
significant relationships from the past, which will serve to benefit you? Why did you choose
newspapers, periodicals or magazines that you chose? This is important if you are dealing
with lesser-known publications and need to spell out the benefits for your reader.

• What online medias are you making use of – BLOG sites, community sites, e-zines,
podcasts? For example, newmusiccanada.com or pitchforkmedia.com. Make sure you
show the benefit of working with this company. 

3. Place

A. Performans

Touring Plans

• A lot of research must go into developing your touring plans.

• First, a history on where the band has played in the past should be included because it
shows that you have an established relationship with certain venues and a history of
touring. You could include a detailed list of show dates and a timeline in the appendices.
You need to establish yourself as a touring artist. If you have an extensive touring schedule,
you could also list a select group of key performances, venues, and festivals. If you haven’t
done a lot of touring, that’s okay but you better get ready to work your butt off on the next
part of this section!

• People want to know two things: 1) You have a solid touring history so you can get the live
shows or 2) You have a tour already confirmed. If you don’t have a solid touring history,
then you need a tour strategy where the tour is almost confirmed. What I mean by that is
that you have called the Pyramid in Winnipeg, sent them a press package and that they
have stated that they would be interested in hiring you once the new release is done. It
would be even better if you could get some letters of intent/support to include in an
appendix. At the very least, you should know contact names and specific locations.

• You should be able to show that you have identified venues which embrace your style of
music...don’t get into the game of listing any and every venue that you can think of. You can
include these identified venues but try to keep it in a chart form that’s concise and please,
please indicate if you have established a relationship with them.

• Are you working with a booker/agent?

• I will say it again – you need prove that you have a relationship with the venue and that 

touring is a reality – otherwise, your touring plans become “too airy.”

• You should show explain where you plan to start touring and what your plan for expanding
your touring base is. Basically, do you plan to start in Saskatchewan, expand to the prairie
provinces and then go east? Or, are you starting in Saskatchewan and Alberta and moving
down into the Northern United States. You need to show why you have chosen the
geographic strategy that you have. I.E. there is a strong Christian market in the lower
mainland and that is why you are touring to Saskatchewan, and Lower mainland, BC.

• If you are planning to tour internationally, do you understand the rules, restrictions,
regulations and benefits to traveling to a particular country?

• Are you touring with any other artists? How do they fit with your strategy? Is it a shared bill?
Are you headlining? Are you opening for a well-established act?

• How are you getting the promotion done for the tour in each area? Are you postering?
Using Handbills? Are you using street teams?

• You can include your media relations (see section below) for the tour in this section or
cover that in the media relations section below.
• Appendix: Tour details if your touring section is becoming extremely long. Bios for the
artists that you are working with?

• Have you identified the key player(s)?

B. Dağıtım (Distribution)

• How are your CDs and merchandise getting to the end consumer?

• If you have already covered e-commerce on the web site and touring sales, then just
mention it briefly.

• If you plan to get your album distributed or into the stores, then you need to show that you
have made the contacts and done the research,

• It isn’t enough to say you are going to try and get a distribution deal. It’s very hard work to
get distributed and that indicates you haven’t done your homework. You should be able to
identify distribution companies that would work well and show that you have established a
relationship with them. You must be able to show you have generated some interest in your
project.

• As far as retail goes, you should be able to identify independent stores that will take product
(if you do not have a distributor or distribution deal). It’s important to identify those retail
outlets that will support your project and it’s even better if you have started discussions with
them. If you are using lesser-known retail stores, you may want to describe the store if your
reader may be unfamiliar with them. The question you need to sufficiently answer is how
are people going to buy your CD? So, what happens if there is no distribution deal?

• What retail options are you offering? Bricks-and-mortar, ecommerce, digital download...and
then there are formats – CDs, USB Drives, DVDs, Vinyl, singles, MP3s, etc.

• Identify any promotional activities that you have planned for the retail stores that you are
working with and if the retail store is not a standard music store, make sure that you identify
the fit with that company.

• This tends to play heavily into lifestyle marketing if you are using stores that fit more with
customer lifestyle (a local clothing shop) as opposed to standard retail stores. And further,
promotion strategies should be discussed for all retail options. Most important is the
marketing strategy behind it that you are using to get people to take home your music.

• Further to this point, as the CD becomes less and less of a revenue source (and more of a
marketing tool), cross-selling and up-selling become important considerations. Artists have
done this through a variety of strategies – tour packages, artist gear packages, CD/ticket
combos, etc. 

4. Price

• How would you price your recording?

• How willl the pricing strategy change according to the media (CD, Internet etc)?
Sponsors/Investors

• Most investors would like to know if there are other sponsors and investors involved in the
project. They seem to feel more assured if there are other investors involved. This also
gives you a chance to highlight any sponsorship deals that you have been able to secure.

• You don’t need to get into the details of how much investors have put in (this will show up in
your financial statements) but you should list them.

• Parts of this section may also show up in your life style marketing, as may be the case with
some sponsorship deals.

• Any sponsor or investor letters of support. You may also wish to provide background
information on your sponsors and investors which should be referenced in the business
plan. 


4. Adım. Eylem Planı Belirleme

Stratejik Planlamada eylemleri belirlerken uyulması önerilen bir teknik SMART tekniğidir.
SMART kelimesindeki harflerin herbiri etkin eylemlerin beş özelliğini ifade eden
kelimelerin İngilizce karşılıklarının baş harfleridir.

a. Specific (Belirgin)

b. Measurable (Ölçülebilir)

c. Accessible (Elde edilebilir)

d. Relevant (Anlamlı)

e. Time-Bound (Zamanlı)
5. Adım. Uygulama

6. Adım. Takip

http://www.slideshare.net/annesunita/sample-marketing-plan-music-industry
Cazda İslam devrimi!
Halil Turhanlı
15 Mart 2010

15 Mart 2010Star

Newsweek dergisi 1966 yılı sayılarından birinde “Yeni Caz” başlığı altında altı sayfalık özel bir
dosya hazırlamıştı. Derginin görüş aldığı caz eleştirmeni Nat Hentoff, bir caz devriminden söz
ediyor ve bu hükme varırken de esas olarak John Coltrane’in bir yıl önce yayınlanan iki albümünü
göz önüne alıyordu. Hentoff’un sözünü ettiği albümler kısa aralarla yayınlanan Love Supreme ve
Ascension (Miraç) idi.

Coltrane’in, ölümünden iki yıl önce yaptığı bu albümler, onun kariyerinin son aşaması sayılan özgür
caza açıldığı dönemin ürünleridirler. Gerçekten ömrünün son iki yılında Coltrane’in saksafonundan
çıkan sesler değişmiş, tonları zenginleşmişti.

Love Supreme’i uyuşturucu alışkanlığından kurtulduktan sonra kaydetti.

Eroin bağımlılığından kurtulmasını ilahi bir varlığın inayetine bağlıyordu.

Love Supreme bu nedenle değişik spritüel kaynaklardan güç alarak, bir tür kültürel melezliğe
dayanarak yapılmış bir şükran albümüdür. Bu kaynaklar arasında Afro-Amerikan kültürünün
yanısıra Doğu mistisizminin ve İslam inancının da etkisi vardır.

Genelde beyaz kültürel hegemonyaya, özelde swing döneminin beyazlaşmış cazına karşı yeni bir
dinamik ve direnişçi kültür oluşturabilmek için caz müzisyenleri Afrika’nın yüreğine ve Karayipler’e
döndüler, o arada İslam coğrafyasına da uğrayarak bu coğrafyanın değerlerini, kimi öğelerini
benimsediler ve müziklerine kattılar. Kendi de Bahai inancına sempati duyan Dizzy Gillespie’ye
göre 50’lerde çok sayıda caz müzisyeninin İslamiyet’e yönelmelerinin nedeni İncil’deki “kardeşini
sev” buyruğuna rağmen beyazların siyahları kardeşten saymamaları, Müslümanlar arasında ise
ayrımcılığa yol açan renk ve ırk çizgisinin bulunmamasıydı.

İslamiyet kentlerdeki yoksul siyahlara beyaz insanın kibrine, küstahlığına, ırksal ayrıcalık ve
kültürel üstünlük iddialarına karşı koymada bir güç veriyordu. Şöyle de söylenebilir: İslamiyet, siyah
kültürde Latin Amerika’daki kurtuluş teolojisine ve ezilenlerin pedagojisine benzer bir yere sahipti.
Siyah cemaatin kültür işçileri olan caz müzisyenleri bu konuda öncü bir rol oynadılar. İslamiyet’i
hem bireysel olarak, hem de komüniteyi selamete ulaştıracak bir değerler sistemi olarak kavradılar
ve benimsediler.

John Coltrane’in çevresinde de Müslümanlığı benimsemiş, çok sayıda müzisyen vardı. Daha da
önemlisi karısı Naima Müslüman’dı (Uzun yıllar Coltrane’in topluluğunda piyano çalan McCoy
Tyner’ın karısı Ayşe Davis de Müslüman’dı ). Eroin bağımlılığından kurtulmaya çalıştığı dönemde
Naima bir anlamda onun koruyucu, kollayıcı meleği olmuş, şifa vermişti.

Coltrane Müslümanlığı seçmemişti, ama değişik inançların öğelerini, değerlerini içeren bir senteze
ulaşmıştı.

Nihai bir noktayı işaret etmeyen bu melezlik Love Supreme’de doğaçlama yoluyla ruhsal arayışa
dönüşmüştü.

Coltrane kendini müzikal, zihinsel ve ruhsal bir akıntıya bırakmıştı. Kendi geçmişinden, siyah ırkın
tarihinden gelip geleceğe doğru süzülen bir akıntıya.

Love Supreme’de henüz müziğe harmonik bir yaklaşım sürüyordu, ama atonaliteye bir yöneliş de
duyuluyordu.
Coltrane’in modal cazına alışmış olan eleştirmenler Ascension’ı gürültü olarak nitelediler. Oysa kırk
dakikalık doğaçlama albüm inanılmaz bir disiplinle gerçekleştirilmiş; müzisyenlerin iç seslerine en
fazla kulak verdikleri anlarda, sololarda dahi kardeşçe dayanışmayı ifade eden kolektif tutum terk
edilmemişti. Doğaçlama ve dayanışmanın, kaos ve demokrasinin bir arada düşünülmüş olması
Ascension’ın önemli bir özelliğidir.

Coltrane’in bu çığır açıcı albümü çoğu zaman Ornetta Coleman’ın Free Jazz albümüyle kıyaslanır.
Gerçekten, kapak tasarımları dahil, benzerlikler bulunabilir; ama, en önemli ortak nokta yeni bir caz
estetiğinin doğumunda oynadıkları roldür. Bir başka deyişle, özgür cazın ebeleridir bu iki albüm.

Ascension’da hiçbir melodik ve harmonik yön dikkate alınmadan, belirlenmiş hiçbir sınır tanımadan
tonal yapı sökülüp atılırken bilincin yükseldiği yeni bir özgürlük alanına da geçilmişti.

Albüm salt müzik estetiği bakımından değil, politik bilinç açısından da devrimcidir. Haziran 1965’de
kaydedilmişti; yani uzun sıcak bir yazın başında, Watts ayaklanmalarından yalnızca iki ay önce.
Kısaca şunu söyleyeceğim: Ascension, siyah toplumda bilinç değişikliğinin baş gösterdiği bir
dönemin ürünüdür.

Bob Kaufman, cazın “yaşayan ses” olduğunu söylemişti. Öyledir gerçekten. Caz müzisyeni ve
dinleyicisi bu dünyadaki varlıklarını hissederken bir yandan da geçmişleriyle bağlarını tazelerler.
Ascension politik düzeyde siyahların kolektif belleğine sesleniyor, orada yankılanıyor, kızgın bir
çığlığa dönüşüyordu.

İmam Amir Baraka (LeRoi Jones) notaları tersinden çalarak siyah insanın deneyimlerini
anlatabileceği yeni bir dilin oluşmasına katkıda bulunan Coltrane’i beyaz duyarlılıkları öldüren
“güzel filozof” olarak tanımlamada çok haklıdır.

Kanıt mı istiyorsunuz? Peki o halde. Nat King Cole, tam bir Tom Amca tavrıyla bütün kariyeri
boyunca beyaz müziğe ait olan ve lekesiz, bembeyaz duyguların dile getirildiği baladları kadife
sesiyle cilamıştı.

Coltrane ise aynı baladları saksafonuyla parodileştirdi, onları bozdu.

“Güzel filozof” bu anlamda gerçekten öldürücü bir müzik yaratmıştı. Onun müziği tarihçi David
Rudiger’in ırkçılığa karşı önerdiği (ve Chicago gerçeküstücülerince de benimsenen) “beyazlığın
ilgası” (abolition of whiteness) projesiyle de tam bir uyum içindedir.

Coltrane’in kariyerinin ve yaşamının son döneminde oluşturduğu yeni estetiğin günümüzde Gil-
Scott Heron’dan anarşist cazcı Daniel Carter’a değin siyah müziğin en radikal sözcülerine kapı
açtığı savına pek itiraz eden olmayacaktır sanırım. Burada vurgulanması gereken, Coltrane’in
etkisinin müzikle sınırlı kalmadığıdır.

Onun yeni estetiği siyah yazın, en başta İmam Amir Baraka’nın şiir ve oyunları üzerinde de etkisini
duyurdu.

[email protected]
 CHAPTER 1

THE ELEMENTS OF MUSIC

You are embarking on an adventure through musical time, and this journey will
be more pleasurable if you first become familiar with some basic musical concepts.
Keep in mind that most new experiences require some initial adjustment and insight.
The process is similar to visiting a distant country for the first time: You are instantly
immersed in a different culture and surrounded by people who speak an unusual
language or follow unfamiliar customs. This new experience could be either very
exciting—or quite unbearable—depending on your perspective. If you were not
prepared for this journey, your naive responses and actions might bring you
embarrassment or instill the anger of others. Worst of all, you would get very little from
a potentially rewarding experience.
These new ideas will be introduced gradually, systematically and actively, so for
now, focus on learning the fundamental elements of music and their related terms
Listen carefully for these aspects in the music you hear, and—in time—you will attain a
heightened understanding that will open your ears, mind and soul to the deeper levels
of musical thought.

ELEMENT Basic Related Terms

Rhythm: (beat, meter, tempo, syncopation)
Dynamics: (forte, piano, [etc.], crescendo, decrescendo)
Melody: (pitch, theme, conjunct, disjunct)
Harmony: (chord, progression, consonance, dissonance,
key, tonality, atonality)
Tone color: (register, range, instrumentation)
Texture: (monophonic, homophonic, polyphonic,
imitation, counterpoint)
Form: (binary, ternary, strophic, through-composed)

1
CHAPTER 1: The Elements of Music

RHYTHM
Rhythm is the element of "TIME" in music. When you tap your foot to the music, you
are "keeping the beat" or following the structural rhythmic pulse of the music. There
are several important aspects of rhythm:

• DURATION: how long a sound (or silence) lasts.

• TEMPO: the speed of the BEAT.
(Note: Tempo indications are often designated by Italian terms):
Largo = "large" or labored (slow)
Adagio = slow
Andante = steady "walking" tempo
Moderato = moderate
Allegro = fast ("happy")
Presto = very fast
<——————————SLOWER FASTER——————————>
Largo Adagio Andante Moderato Allegro Presto
Beats per minute 40-65 66-75 76-107 108-119 120-167 168-208
NOTE: These tempos are not specific—but RELATIVE to each other.

• METER: Beats organized into recognizable/recurring accent patterns. Meter can

be seen/felt through the standard patterns used by conductors.
Diagram of a Musical Measure Conductor's Pattern
STRONG weak
DUPLE meter 2
a 2-pulse grouping 1 2
4
1 2

STRONG weak weak

TRIPLE meter 3 1 3
a 3-pulse grouping 4 2
1 2 3

STRONG weak Medium weak

1 4
QUADRUPLE meter 4
a 4-pulse grouping 4 3
2
1 2 3 4

Other basic terms relating to Rhythm are:

Syncopation: an "off-the-beat" accent (between the counted numbers)
Ritardando: gradually SLOWING DOWN the tempo
Accelerando: gradually SPEEDING UP the tempo
Rubato: freely and expressively making subtle changes in the tempo.
(a technique commonly encountered in music of the Romantic era)
__________________________________________________________

2
 CHAPTER 1: The Elements of Music

DYNAMICS
All musical aspects relating to the relative loudness (or quietness) of music fall under
the general element of DYNAMICS.

The terms used to describe dynamic levels are often in Italian:

pianissimo [pp] = (very quiet)
piano [p] = (quiet)
mezzo-piano [mp] = (moderately quiet)
mezzo-forte [mf ] = (moderately loud)
forte [f ] = (loud)
fortissimo [ff ] = (very loud)
<———————————— Quiet LOUD————————————>

(ppp) pp p mp mf f ff (fff)

Other basic terms relating to Dynamics are:

Crescendo: gradually getting LOUDER
Diminuendo (or decrescendo) : gradually getting QUIETER
Accent: "punching" or "leaning into" a note harder to temporarily emphasize it.

accent crescendo decrescendo (diminuendo)

__________________________________________________________
MELODY
Melody is the LINEAR/HORIZONTAL presentation of pitch (the word used to
describe the highness or lowness of a musical sound). Many famous musical
compositions have a memorable melody or theme.
THEME: a melody that is the basis for an extended musical work
Melodies can be derived from various scales (families of pitches) such as the
traditional major and minor scales of tonal music, to more unusual ones such as
the old church modes (of the Medieval and Renaissance periods: c. 500–1600), the
chromatic scale and the whole tone scale (both used in popular and art-music
styles of the late 19th and 20th-century periods), or unique scale systems devised in
other cultures around the world.

Melodies can be described as:

• CONJUNCT (smooth; easy to sing or play)
• DISJUNCT (disjointedly ragged or jumpy; difficult to sing or play).
__________________________________________________________

3
CHAPTER 1: The Elements of Music

HARMONY
Harmony is the VERTICALIZATION of pitch. Often, harmony is thought of as the
art of combining pitches into chords (several notes played simultaneously as a
"block"). These chords are usually arranged into sentence-like patterns called
chord progressions.

& &
E F
C D
A B
F G
E
a 3-note A "CHORD PROGRESSION" of 4 chords
"CHORD"

Harmony is often described in terms of its relative HARSHNESS:

• DISSONANCE: a harsh-sounding harmonic combination
• CONSONANCE: a smooth-sounding harmonic combination

Dissonant chords produce musical "tension" which is often "released" by

resolving to consonant chords. Since we all have different opinions about
consonance and dissonance, these terms are somewhat subjective.
Other basic terms relating to Harmony are:
Modality: harmony created out of the ancient Medieval/Renaissance modes.
Tonality: harmony that focuses on a "home" key center.
Atonality: modern harmony that AVOIDS any sense of a "home" key center.
__________________________________________________________
TONE COLOR (or TIMBRE -pronounced "TAM-BER")
If you play a "C" on the piano and then sing that "C", you and the piano have
obviously produced the same pitch; however, your voice has a different sound
quality than the piano. Although the scientific principles of musical acoustics are
beyond the scope of this course, it is safe to say that each musical instrument or
voice produces its own characteristic pattern of “overtones,” which gives it a unique
"tone color" or timbre. Composers use timbre much like painters use colors to
evoke certain effects on a canvas. For example, the upper register (portion of the
range or compass) of a clarinet produces tones that are brilliant and piercing, while
its lower register gives a rich and dark timbre. A variety of timbres can also be
created by combining instruments and/or voices.
EXAMPLE of ORCHESTRAL TONE COLORS
BRITTEN: The Young Persons' Guide to the Orchestra
See MUSIC GUIDE 1 (page 8)

4
 CHAPTER 1: The Elements of Music

TEXTURE
Texture refers to the number of individual musical lines (melodies) and the
relationship these lines have to one another.
NOTE: Be careful not to confuse the number of musical lines with the number of performers
producing the musical lines.

Monophonic (single-note) texture:

Music with only one note sounding at a time (having no harmony or
accompaniment).

Homophonic texture:
Music with two or more notes sounding at a the same time, but generally
featuring a prominent melody in the upper part, supported by a less
intricate harmonic accompaniment underneath (often based on
homogenous chords—BLOCKS of sound).

(MELODY)

(Chordal
Accompaniment)

Polyphonic texture:
Music with two or more independent melodies sounding at the same time.
The most intricate types of polyphonic texture— canon and fugue—may
introduce three, four, five or more independent melodies simultaneously!
This manner of writing is called COUNTERPOINT.

MELODY 1

MELODY 2

MELODY 3

5
CHAPTER 1: The Elements of Music

Imitative texture:
Imitation is a special type of polyphonic texture produced whenever a
musical idea is ECHOED from "voice" to "voice". Although imitation can be
used in monophonic styles, it is more prevalent in polyphonic art-music—
especially from the Renaissance and Baroque periods.

__________________________________________________________

MUSICAL FORM
The large-scale form of a musical composition can be projected via any
combination of the musical elements previously studied. Traditionally, however,
musical form in Western music has been primarily associated with the order of
melodic, harmonic and rhythmic events (or the text) in a piece. Letters (i.e., A, B, C)
are used to designate musical divisions brought about by the repetition of melodic
material or the presentation of new, contrasting material. Some of the most common
musical forms are described below:
BASIC FORMS (more sophisticated forms will be covered later in this book)
Strophic Form: a design in VOCAL music, in which the same music is used
for several different verses (strophes) of words. [Example: "Deck the
Halls" has many verses of words sung to the same music.]
Verse 1 . . . Verse 2 . . . Verse 3 (etc.)
Through-composed a structure in which there is no repeat or return of any
large-scale musical section. [Example: Schubert's "Erlkönig".]
A B C D E...
Binary Form a two-part form in which both main sections are repeated (as
indicated in the diagram by "repeat marks"). The basic premise of this
form is CONTRAST:

repeat mark
A B
Ternary Form a three-part form featuring a return of the initial music after a
contrasting section. Symmetry and balance are achieved through this
return of material:
A B A
__________________________________________________________

6
 CHAPTER 1: The Elements of Music

MUSICAL STYLE
Knowing the unique style traits of particular historical eras can greatly enhance your musical
experiences by offering clues about what the composer was trying to express, and what you
should listen for when hearing a piece.
The Six Historical Style-Periods of Western Art Music:
Middle Ages (approximately 450-1450):
An era dominated by Catholic sacred music, which began as simple chant but grew in
th th
complexity in the 13 to 15 centuries by experiments in harmony and rhythm. Leading
composers of the later Middle Ages include Pérotin and Machaut.
Renaissance (approximately 1450-1600):
A more personal style emerged in this era with a greater focus on Humanism, and a rebirth of
learning and exploration. During this "golden age of vocal music," the leading composers
include Josquin Desprez, Palestrina, and Weelkes.
Baroque (approximately 1600-1750):
This era—the last great age of aristocratic rule— is represented by extremely ornate and
elaborate approaches to the arts. This era saw the rise of instrumental music, the invention of
the modern violin family and the creation of the first orchestras. Great composers of the late
Baroque include Vivaldi, Handel and JS Bach.
Classic (approximately 1750-1820):
The music of this politically turbulent era focused on structural unity, clarity and balance. The
new expressive and dramatic approaches to composition and performance that were
developed in this era became the standards that all "Classical" music are judged by. Great
composers of the Classic era include Haydn, Mozart and Beethoven.
Romantic (approximately 1820-1900):
This era witnessed an explosion of flamboyance, nationalism, the rise of "superstar"
performers, and concerts aimed at middle-class "paying" audiences. Orchestral, theatrical and
soloistic music grew to spectacular heights of personal expression. Among the leading
Romantic composers are Berlioz, Chopin, Wagner
Modern (approximately 1900-present):
Since approximately 1900, art-music has been impacted by daring experimentation and
advances in musical technology, as well as popular/non-Western influences. Leading
composers of the early 20th century were Debussy, Schoenberg and Stravinsky, while many of
the most prominent composers since 1950 have come from the US.

Orchestra:
Large, with
Non-standard Brass &
EXPRESSIVE CYCLE OF orchestra: featuring Woodwind colors
Orchestra:
Full Percussion
WESTERN ART-MUSIC newly-developed
violin family
predominating added; unusual
tone colors and
STYLES Orchestra:
More balanced techniques
with strings & late
woodwinds early
Golden Age of
Vocal Music
ROMANTIC
late (1820-1900)
BAROQUE MODERN
early
MORE (1600-1750) (1900 - present)
EXPRESSIVE
CLASSIC
(1750-1820)
Ancient RENAISSANCE
Greek/Roman (1450 - 1600)
(300 BC - c450 AD)
MORE MIDDLE AGES
RESTRAINED (450 - 1450)

Boethius Pérotin, Josquin Desprez, Vivaldi, Haydn, Berlioz, Stravinsky,

Machaut Palestrina, J.S. Bach, Mozart, Chopin, Schoenberg,
Weelkes Handel Beethoven Wagner Debussy

7
CHAPTER 1: The Elements of Music

Misc.
Orchestral Young Person's Guide to the Orchestra
1934 by Benjamin BRITTEN (1913–76) Music Guide

1
Outline of the structure of this work:

Theme (8-measure theme in D minor presented six times to demonstrate the full orchestra
and its four main families):
1. Full Orchestra 2. Woodwinds 3. Brass 4. Strings 5. Percussion 6. Full Orchestra

13 Variations (each demonstrating a different instrument or combination of instruments):

Featured Instrument(s) Accompanied by
Woodwinds:
Variation 1: Flutes and piccolo Violins, harp & triangle
Variation 2: Oboes Strings & timpani
Variation 3: Clarinets Strings & tuba
Variation 4: Bassoons Strings & snare drum
Strings:
Variation 5: Violins Brass & bass drum
Variation 6: Violas Woodwinds & brass
Variation 7: Cellos Clarinets, viola& harp
Variation 8: Double basses Woodwinds & tambourine
Variation 9: Harp Strings, gong & cymbal
Brass:
Variation 10: French horns Strings, harp & timpani
Variation 11: Trumpets Strings & snare drum
Variation 12: Trombones, tuba Woodwinds and high brass
Percussion:
Variation 13: various combinations
• Timpani, bass drum & cymbals
• Timpani, tambourine & triangle
• Timpani, snare drum & wood block
• Timpani, castanets & gong
• Timpani, whip and entire percussion

Fugue (based on a fragment of Purcell's theme, played in imitation by each instrument in order
of the previous variations—woodwinds, strings, brass, percussion, full orchestra)

Benjamin Britten was the most important British composer of the 20th century. He wrote over
100 major works including operas, songs, string quartets and other chamber works, a violin
concerto, choral works, incidental music, symphonies and other orchestral works. Of these, he
is best known for the Young Person's Guide to the Orchestra, Op. 34 (1934)—a sixteen
minute work designed to introduce listeners to the various instruments and families of the modern
orchestra. This work featuresa theme and variations design based on the melodic theme from
the English Baroque composer Henry Purcell's incidental music to the play Abdelazar ("The
Moor's Revenge").

8
Eight Types of Publishing Deals
1. The “Traditional” Publishing Deal 

First of all, the term “Traditional Publishing Deal” isn’t customarily used in the music indus- try. I’m
only using that term here for purposes of distinguishing this type of deal from the others. 

Typical Scenario. This kind of deal dates back to the days of Tin Pan Alley. Today it’s used when a
songwriter and a publisher want to have a long-term relationship for all of the material that the
songwriter will be writing during the duration of the contract. This type of deal is usually not used
when the songwriter is signed to a record deal. (See “Co-Publishing Deals” page 60.) 

Material Covered by the Deal. This kind of deal will cover material written during the term of the
contract, and sometimes may include certain specified songs written before the contract was
entered into. Usually the contract will require the songwriter to deliver a certain number of new
original songs to the publisher during each year of the contract. 

Copyright Transferred. Normally, the writer is assigning (to the publisher) 100% ownership of the
copyright of the songs covered by the contract. 

Income Sharing. The publisher receives all income from third parties, then pays the writer one-half
of that income. (Except for airplay income paid by ASCAP and BMI. Those organizations pay
writers directly the so-called “Writer’s Share” of airplay income.) 

The publisher here is getting a larger share of the publishing income than in most of the other
types of deals mentioned below. That’s because, in the case of this “traditional” kind of publishing
deal, the publisher’s responsibility is to proactively promote the songs involved and, theoretically at
least, it’s the publisher’s efforts that will cause any future success of the songs. On the other hand,
in the case of many of the other types of deals involved, the publisher’s role is less promotional
and proactive in nature, so the publisher gets a small piece of the pie.
Term. Normally, the agreement will be for an initial one-year period (with the writer obligated to
deliver a certain number of songs to the publisher in that one year), then the publisher will have
several (in the range of three to six) consecutive one-year options following that initial one year.
Incidentally—and this is very important—the “term” means the period of time during which the
songwriter is writing songs for the publisher, and not how long the publisher will have rights in
those songs. Normally even though the term of the agreement may be only a few years, the
publisher will be the owner of those songs for a much, much longer period of time, i.e., until they go
into public domain many years later. (There’s one exception here: if there’s a reversion clause in
the contract, then copyright ownership may revert to the songwriter at some future specified time.)
Advances. The larger established publishers typically pay a recoupable advance to the song- writer
for the first year (payable in installments), often in the range of $25,000 to $50,000. Then an
additional advance is paid each following year the publisher exercises its option to continue the
contract for another year. Normally the contract will contain somewhat complicated provisions for
how the amounts of the advances for the follow-up years will be calculated.
2. The Single Song Agreement

Typical Scenario. This type of agreement basically is based on the same concept and structure as
the “traditional” type of deal mentioned above, but involves only one (or several) of the songwriter’s
songs (i.e., one or several songs already written). Sometimes, a relationship between a songwriter
and publisher will start out this way, and later they will enter into the “traditional” type of deal.
Material Covered by the Deal. Even though the title of this kind of deal would imply that it’s only for
one song, this kind of agreement is sometimes used for several songs at the same time.
Copyright Transferred. Same as with the Traditional Deal.
Income Sharing. Same as with the Traditional Deal.
Term. Same as the Traditional Deal, but in the case of the Single Song Agreement, it’s much more
likely that there will be a reversion clause. Typically the contract will (or, at least, should) provide
that the copyright ownership will revert to the songwriter if the publisher isn’t able to get the song
recorded by a signed third party artist or used in a film, television pro- gram, etc. within twelve or
eighteen months.
Advances. Often the publisher will refuse to pay an advance. However, even when advances are
paid, they’re usually very small, typically in the range of $200–$500 per song.
3. Co-Publishing Deals (aka “Co-Pub Deals”)

Typical Scenario. This type of agreement is typically used for writers who are in groups al- ready
signed to a record deal. This type of agreement covers the original material on the group’s records.
Normally all of the members of the group who are songwriters will be signed to this type of
agreement with the same publisher.
Just to be clear here, I’m talking about a publishing deal with a publishing company not affiliated
with the record company. Today, it’s much less likely than it used to be that a record company will
demand a publishing deal as part of a record deal, though there are still some indie labels that still
do so—for example, many labels in the Christian music market.
Material Covered by the Deal. All of the original songs on the group’s first record, then the
publisher will have the right to options on the original songs on anywhere from two to four of the
follow-up albums, hence for a total of 3 to 5 albums, with the exact number depending on what the
parties negotiate.
Copyright Transferred. The songwriter normally transfers one-half of the copyright owner- ship to
the publisher and retains the other one-half ownership. In other words, the song is co- published
(and the copyright is co-owned 50–50) by the third party publisher and the writer’s own publishing
company.
Income Sharing. Normally, the third party publisher will collect all income and then pay to the
songwriter and the songwriter’s publishing company 75% of all publishing income.
Term. As already mentioned, co-publishing agreements are usually for a certain specified number
of albums.
Advances. Advances are almost always paid to the songwriter in the case of co-publishing deals.
For groups newly signed to major label record deals, the initial advance from a major music
publisher is typically in the $100,000–$500,000 range and sometimes higher, with additional
advances being paid if and when the publisher exercises its options for the follow-up albums.
4. “Step Deals”
This type of deal is for situations where the songwriter isn’t yet signed to a record deal, but may
later enter into a record deal. This contract will provide, in effect, that the deal will be the
“Traditional” deal mentioned above, but will automatically transform into a Co-Publishing deal, if
and when the songwriter is signed to a record deal.
5. Administration Deals (aka “Admin Deals”)

Typical Scenario. This type of deal is used when the songwriter just wants a publisher to collect
royalties and handle the various paperwork (for example, the BMI/ASCAP song title registrations,
copyright applications, the issuance of licenses, etc.), and where the songwriter doesn’t want or
need a publisher to proactively promote his or her catalog of song. A good example of a company
that does a lot of Administration Deals is Bug Music in Los Angeles.
Material Covered by the Deal. Most often this kind of deal covers all material written by the
songwriter, or at least any material that the songwriter has not already committed to other
publishers.
Copyright Transferred. No transfer of copyright (usually).

Income Sharing. Typically, the publisher will take 10% to 20% of the income, and the pay
the rest to the songwriter and the songwriter’s publishing company.
Term. Administration deals are normally in the range of three to five years.
Advances. For catalogs generating a modest amount of income, usually no advance is paid. For
more profitable catalogs, usually an advance will be paid, with the amount to be deter- mined on
the basis of the income that has been generated in recent years by the catalog.
6. Income Participation Deals

Typical Scenario. This is a “publishing deal” only in the sense that it involves a sharing of future
publishing income. Usually this type of deal is used to cut someone in on a share of the publishing
income—for example, to serve in effect as a “finder’s fee” for having found a re- cord deal for a
songwriter. Very often the “income participant” isn’t even a publisher.
Material Covered by the Deal. Highly negotiable and varies widely. May only cover, for example,
the material on the songwriter’s first album.
Copyright Transferred. No share of copyright is transferred. Instead the “income participant” is only
entitled to receive a share of income.
Income Sharing. Varies widely, but often is in the range of 10% to 15%. Term. Again, highly
negotiable and varies widely.

Advances. No advance is involved.
7. Catalog Representation Deals

Typical Scenario. This type of deal is used when a songwriter or publisher is primarily interested in
getting their material used in films, television programs, etc. and wants to enter into a deal with a
company that specializes in doing so and has all the necessary connections. Usually that same
type of company will also represent record labels that want to get their masters used in films, etc.
Material Covered by the Deal. Typically, as the title “Catalog Representation” would imply, the
songwriter or publisher’s entire catalog. But sometimes the Catalog Representation company will
“cherry-pick” only certain songs for representation.
Copyright Transferred. No copyright is transferred.

Income Sharing. Typically in the range of 25%–50% of the income from any deals secured
by the Catalog Representation company.

Term. Often in the range of two to three years, but sometimes longer, sometimes shorter.
Advances. Usually no advance is paid, but there are occasional exceptions.
8. Sub-Publishing Deals

Typical Scenario. This type of deal is between a U.S. publisher (including songwriters who
act as their own publisher) and a foreign publisher. For a cut of the income in the applicable foreign
territories, the foreign publisher will collect the income in those territories.
U.S publishers enter into this kind of deal in order to receive their money faster from foreign
territories and also to collect more of the income that has been earned in those foreign terri- tories.
(Often, for various reasons, only part of the income earned in foreign territories is actually
collected. The money not collected is customarily referred to as “black box money.”)
Material Covered by the Deal. Usually the entire catalog.
Copyright Transferred. No copyright is transferred.
Income Sharing. The foreign sub-publisher will normally take in the range of 25% to 35% of the
income off the top, then pay the balance to the U.S. publisher. The percentage taken by the sub-
publisher is sometime significantly less for large, profitable catalogs.
Term. Usually in the range of three to five years. Advances. Same situation as with Administration
Deals.
Music Is Your Business

The Four Fronts of Music Marketing—

2
 Welcome to the Four Fronts

How the Music Industry is Structured

3
 Welcome to the Four Fronts

How the Four Fronts Work Together

THE DEVELOPMENT FRONT

1st Front, Part 1 Songwriting Skills

Musicianship Development
Artist Development
Creating an Honest Consistent Image
Preparing Your Career
Copyright / Publishing Concerns
Co-Musician / Band Issues
Equipment Considerations
Artist Management
Ethical & Political Issues
Legal Issues / Contract Negotiations
and….
Artist Image Development Issues

1st Front, Part 2

Product Development Market Research: Who Is Your Fan?
Making & Selling Your Music Recording—Choosing a Studio
Producer and Engineer Issues
DISTRIBUTORS and STORES, Mastering Arrangements
MUSIC BUYERS Cover Artwork Design and Printing
Need to Know Your Plans for: Manufacturing CDs
• Selling Your Music -------------------------------------------------
• Promotion Campaign Distribution / Sales Strategies
• Publicity Plans Retail Plans—Stores & Internet Plans
• Performance Plans Live Sales—Mail Order / Catalog Sales

THE EXPOSURE FRONTS

2nd Front, Promotion 3rd Front, Publicity 4th Front Performance

Getting Airplay for Your Music Creating a Buzz in the Media Finding Your Audience

BROADCASTERS MEDIA PROFESSIONALS LIVE MUSIC VENUES

Need to Know Your Plans for: Need to Know Your Plans for: Need to Know Your Plans for:
• Promotion Campaign • Publicity Campaign • Performance
• Selling Your Music • Selling Your Music • Publicity Plans
• Publicity Plans • Promotion Plans • Selling Your Music
• Performance Plans • Performance Plans • Promotion Plans

9
 İNGİLİZCE MÜZİK TERİMLERİ

İngilizce Türkçe
staff dizek
grand staff piyano dizek düzeni
note nota
leger line ek çizgi
clef anahtar
treble clef sol anahtarı
bas clef fa anahtar
alto clef 3.çizgi do anahtarı
tenor clef 4.çizgi do anahtarı
keyboard klavye, tuşe
sharp diyez
flat bemol
natural bekar
double sharp çift diyez
double flat çift bemol
semi-tone, half step yarım perde
whole tone, whole tone tam perde
pitch ses bölgesi, ses noktası
octave oktav
scale dizi
interval aralık
chromatic scale kromatik dizi
A la
B si (Alman sisteminde si bemol)
C do
D re
E mi
F fa
G sol
H Alman sisteminde si bekar
chord akor
chord progression akor bağlantıları
cadence kadans, kalış
key signature donanım
key tonalite
accidental arıza (diyez, bemol, bekar)
whole note birlik nota
half note ikilik nota
quarter note dörtlük nota
eighth note sekizlik nota
dotted note noktalı nota
note duration nota süresi

1
 İNGİLİZCE MÜZİK TERİMLERİ

İngilizce Türkçe
harmony armoni
prime birli (aralık)
augmented artmış, artık (aralık)
diminished eksiltilmiş, eksik (aralık)
whole tone tam ton
inversion çevrim
tonic eksen (I.derece)
subdominant alt çeken (IV. derece)
dominant çeken (V. derece)
enharmonic anarmonik, sesdeş
diatonic diyatonik
chromatic kromatik, alaca
tune, melody ezgi, melodi
natural minor scale doğal minör dizisi
relative minor ilgili minör
relative major ilgili majör
major büyük
minor küçük
harmonic minor scale armonik minör dizisi
melodic minor scale melodik minör dizisi
circle of fifths beşliler halkası
root kök
root position kök durumu
triad üst üste üçlülerden oluşan akor
first inversion birinci çevrim
second inversion ikinci çevrim
six-four chord altı-dört akoru
major chord majör akor
minor chord minör akor
augmented chord artık akor
diminished chord eksiltilmiş akor
perfect fifth tam beşli
minor second küçük ikili
major second büyük ikili
minor third büyük üçlü
major third küçük üçlü
perfect fourth tam dörtlü
minor sixth küçük altılı
major sixth büyük altılı
minor seventh küçük yedili
major seventh büyük yedili
dominant seventh chord çeken yedili akoru
rhythm ritm

2
INPUT = GİRDİ

HAMMADDE
EKİPMAN
TESİS
TESİSAT
SERMAYE
* İNSANî SERMAYE
* SOSYAL SERMAYE
* FİNANSAL SERMAYe
PLANLAR
SİGORTALAR
ALTYAPI

PROCESS= SÜREÇ
(İŞLETME FONKSİYONLARI (DEPARTMANLAR))

ÜRETİM
PAZARLAMA
4P: MARKET MIX
PRODUCT (ÜRÜN)
PLACE (DAĞITIM)
PROMOTION (TUTUNDURMA)
PRICE (FİYATLANDIRMA)

HALKLA İLİŞKİLER
SATIŞ
INSAN KAYNAKLARI
SATIN ALMA VE LOJİSTİK
MUHASEBE & FINANS

OUTPUT =ÇIKTI

ÜRÜN/HİZMET/FİKİR
Ciro
ROI= Return on Investment (KARLILIK)
Marka Tanınırlığı
Müşteri Memnuniyeti
Çalışan Memnuniyeti
Aidiyet Hissi

FEEDBACK
Konser Organizasyonları Nasıl Düzenlenmeli?

Kaynak:
http://www.candemiral.com/organizasyon-nasil-duzenlenmeli

Herkese merhaba, sosyal medya’dan, müzik dünyasına, iş dünyasından, markalara,

kültürlerin sanatla birleştiği tüm bilgileri “Wiki Yazılar” konu başlığı altında sizlere her hafta
aktaracağım. Beni takip eden kıymetli takipçilerime organizasyon planlamaları hakkındaki
merak ettiğiniz sorularınıza yanıt vereceğim. Bu bilgilerin bir yol haritası olacağını
düşünmenizi ve bildiklerinizi hatırlamanızı sağlayacak faydalı içerikleri sizlerle paylaşmak
istiyorum.
Bu yazımda “Bilet satışlı konser organizasyonları ve organizasyonun stratejik aşamaları”
ndan bahsetmek istiyorum.
Organizasyon düzenlemek, ilk deyişte okunuşu kadar kolay olabilseydi keşke… Sadece
maddi kazanç elde etmek için deneyim ve tecrübe kazanmadan, hangi sanatçının izleyici
kitlesinin daha fazla olduğunu bilmeden, bilet satışlı konser düzenlemek istiyorsanız
hemen bu işten vazgeçmenizi öneriyorum. Her meslekte olduğu gibi yaptığınız veya
yapacağınız işinizi yürekten sevmez ve karşınıza çıkan krizlere karşı direnç
göstermezseniz amacınıza ulaşmak sizi zor bir yola sokacaktır.
Kariyerinizin ilk başlangıcı olabilir, iyi bir eğitim süreci geçirmiş olabilirsiniz yada eğlence
kültürüne sahip nitelikli bir kişi de olabilirsiniz ancak bu organizasyon planlayıp başarılı
olmak için yeterli değildir. Her sabah bilgisayarınızı açıp dün yazdığınız yapılacaklar
listesini kontrol etmeli, haftalık programınızı güncellemeli, aylık ve hatta yıllık planlar
yapmalısınız. Bu küçük doğal alışkanlıklara sahip olmanız şart! Çünkü iyi bir organizasyon
düzenlemek, iyi bir iletişim ve kusursuz planlama sürecinden geçiyor.
Geleceğinize yatırım yaparak başlayın!
Üniversite etkinliklerini, takip edin bu etkinliklerde gönüllü olarak çalışarak başlayabilirsiniz!
“Mücevher nasıl sürtünmeden parlamazsa, insan da sınanmadan
mükemmelleşmez.” (Seneca)
Bahar şenlikleri, sosyal sorumluluk içeren etkinlikleri, ödül törenleri, organizasyon
şirketlerinin düzenlediği bilet satışlı konser organizasyonlarını ve sosyal medya’yı yakın
merceğe alıp düzenli takip etmeniz ve bu etkinliklere katılım sağlamanız gerekir. Etkinlik
haberleri için sitemizi bilet satışlı etkinlikler için Biletix.com, biletino.com, etkinlik.com.tr ‘yi
ve muzikonair.com ’u takip edebilirsiniz.

Hedeflerinizi iyi belirleyin!

Organizasyon ahtapot gibi kollara ayrılan bir sektördür. Hangi alanda uzmanlaşmak
istediğinize siz karar vereceksiniz. Örnek vermem gerekirse düğün, nişan ve doğum günü
o r g a n i z a s y o n l a r ı i l e k o n s e r, f e s t i v a l o r g a n i z a s y o n l a r ı s a k ı n b i r b i r i n e
karıştırmayınız.  Ülkemizde yapılan yanlışlardan biride gerçekleştirilen  organizasyonların
marka konumlandırması olmayan ve içeriği ne olursa olsun gelen her teklife evet cevabı
veren organizasyon şirketleriyle dolu olmasıdır. Örneğin; Bir sinema filmi projesi için ana
karaktere  sunulan senaryonun oyuncu tarafından okumadan kabul etmesine benzer. Her
etkinliğin iletişim çalışması konsepti hazırlanmalı, stratejik pazarlama araçlarını kullanmalı
ve etkinliğinizin bir amacı olmalıdır.

Etkinliğinize finans (Sponsor) desteği nasıl bulursunuz ?

Bu başlıkta zaman kaybı yaşamamanız için açık açık yazacağım. Yıllardır organizasyon
sektöründe hizmetler veren şirketlere ve markalara sponsorluk danışmanlığı yaptım. Bu
kazandığım  birikimi  sizlere faydalı olabilmek için yazacağım kısacası uyku  masalları
anlatmayacağım.
Sponsorluk, organizasyon yatırımlarına finans kaynağı sağlayan markalar arasında iletişim
ajanslarının müşterileri arasında kurduğu bir köprü vardır. Marka iletişimini güçlendirerek,
markanın hedef kitlesiyle birebir uyuşmasına yarayan iletişim şekli olsa da, Türkiye’de
maalesef bazı markaların görünmeyen giderler kısmında duran kaynak, bazı şirketlerin yıl
sonunda eritmek için kullandığı bir bütçe, büyük marka patronlarının sponsor arayan kişiler
ve kurumlar arasında siyasi, menfaat ve çıkar ilişkilerini pazarlama ve kurumsal iletişim
departmanlarını aşarak  havaya savurduğu bir ödenektir. Sponsorluk yasası, sosyal
sorumluluk projelerine vergi avantajı sağlamaktadır.
Ana Sponsorluğu Unutun!
Pazar lideri olan markaların ana sponsor olduğu “…. Sponsorluğunda Yaz Konserleri”, “….
Olimpiyatları” “…. Ödülleri” vb. etkinlikleri incelerseniz yukarıdaki yazımda ne demek
istediğimi çok iyi kavrayacaksınız. Ortalama 40.000 TL’yi aşmayacak bütçe oranlarına
kadar etkinliğinize co-sponsor desteği verebilecek marka bulmanız mümkündür.
Konser organizasyonu düzenlemeden önce hedef kitle analizinizi (ABC analizi) çevresel
faktörlerinizi, rakiplerinizin size karşı yapacağı karşı hamleleri bilmeniz ve kısacası
etkinliğinizin swot analizini önceden planlayarak çıkarmanız gerekiyor.
Örnek vermek gerekirse her sene Türkiye’de lider markaların, kurumsal iletişim ve
sponsorluk departmanlarında mail’e adeta kopyalayıp yapıştırdıkları talep edilmiş
sponsorluğun cevaplarından birini sizinle paylaşıyorum.
“Öncelikle …… Holding’e göstermiş olduğunuz ilgiye teşekkür ederiz. ……… etkinliğiniz ile
ilgili bilgileri inceledik. Ancak aynı döneme denk gelen farklı etkinliklerimiz ve bu yıl içinde
sponsorluk bütçemizin kısıtlı olması nedeniyle talebinizi olumlu değerlendiremediğimizi
üzülerek bildirmek isteriz. Başka projelerde birlikte çalışabilmek dileği ile başarılar dileriz.”
Günümüzde siyaset, iş adamı ve farklı grup liderinin yakın ilişki içinde olduğu aşikardır. Siz
siz olun projenizi inovasyon ve fikir konu başlığı altında düzenlenen yarışmalara sokmayın
mümkünse projenizi güvenmediğiniz hiç kimseyle paylaşmayın! Fikrinizin bir başkası
tarafından uygulandığını ve hayata geçtiğini izlemek acı verici bir durum. Değerli
projeleriniz değersizleştirilip, iletişim departmanları tarafından arşiv havuzlarına alınabilir
ilerleyen yıllarda (içeriği değiştirilerek) hayata geçirilebilir.
Aşağıdaki gelen sponsorluk talebinin olumlu bir mail örneğini de sizlerle paylaşıyorum.
“Sponsorluk talebinizle ilgili projenizi detaylı biçimde inceledik. Projenizin markamızla
uyuştuğunu ve hedef kitlemizle örtüştüğünü düşünüyoruz. Uygun bir tarihte sizi merkez
yönetim binamıza davet etmek istiyoruz.”
Çözüm ortaklarınız olmalı!
Organizasyonun niteliğine ve şartlarına göre özel anlaşma sağladığınız partnerleriniz
olmalıdır. Partnerlerinizin bazılarını ve açıklamalarını aşağıda belirtiyorum.
Organizasyon Mekan Seçimi
– Kültür Merkezleri (Belediyeler)
– Üniversite Kampüsleri
– Açık ve Kapalı Gösteri Merkezleri
– Özel işletmeler
– Hoteller
– Eğlence Kulüpleri
– Stadyum

Ses, ışık ve sahne sistemleri

Sahne kurulumu ve ışık sistemleri için organizasyonu gerçekleştireceğiniz yurt içi ve yurt
dışında hizmetler veren şirketlerle anlaşma yapmalısınız. Güvenilir olmayan ve ucuz
bütçeler veren şirketlerden uzak durmanızı tavsiye ederim. Organizasyonlar sabotaja en
müsait olan alanlardır. Etkinliğinizi herhangi bir sebepten dolayı sabote etmek isteyenlere
karşı dikkatli olun.
Catering Hizmeti
Organizasyon öncesi ve sonrasında sanatçılar dahil olmak üzere çalışan tüm personelin
yeme, içme ihtiyacını karşılamak için anlaşma sağlayabileceğiniz iyi bir catering
firması  bulunmalıdırç Bütçeden kısmak için kalitesiz yemekler, ucuz içecekler
organizasyonun tadını kaçırır, insanları mutlu etmenin yolu mideden geçer, yemekler
lezzetli olmazsa herkes mutsuz olur etkinliğinizin ne kadar tatsız olduğunu anlatır (WOM-
word of mouth) yayılır.

Güvenlik Şirketleri
Etkinliğin en önemli kısmıdır. Her işin başında iş sağlığı ve güvenliği olduğu gibi sanatçılar
için çalışan ekibin ve etkinliğinize katılan değerli kişilerin, özel korunması ve konseri
izleyen kitlelerin bilinçsiz davranışlarını kontrol altında tutulmasını ve güvenliğini
sağlamanız gerekiyor.

Ulaşım (Turizm Acenteleri)

Sanatçıların ve ekibin konser öncesi iç huzuru çok önemlidir. Yemek dedikten sonra en çok
dikkat ettiğim ve en hassas olduğum konulardan biri de ulaşım ve transferlerdir.
Organizasyon öncesi ve sonrası güvenli ve huzurlu seyahat etmek tüm ekip için motive
edicidir.
Örneğin; Masa başında saatlerce çalıştığınızı varsayalım eğer rahat bir ofis koltuğunda
oturmuyorsanız huzurlu çalışamazsınız, siz huzurlu olmazsanız ekibinizde mutlu
çalışamaz.
Bir turizm şirketi ile anlaşırsanız sanatçının ve menajerinin takvim planları anlık
değişebilme ihtimalini varsayalım biletlerin tarihleri yada saatleri mutlaka değişecektir.
Organizasyon esnasında yoğun olacağınız için ilgilenemeyebilirsiniz. Herkes kendi
sorumluluklarını bilerek çalışmalı yanınızda bir asistanınız olmalıdır.

5 Yıldızlı konaklatmanız şart!

Sanatçı menajerlerinin genelde sözleşmelere ek olarak koyduğu bir maddedir. Sanatçı ve
ekibi konserin gerçekleşeceği alana iner inmez, otele yerleşir uygun veya uygun olmayan
olumsuz hava koşullarında temiz, hijyenik ve sağlıklı bir ortamda ekibi ile birlikte aynı
otelde konaklamak ister.

Sağlık Hizmetleri
Organizasyon esnasında izleyicilerin, davetlilerin yada sanatçı ve ekibinin başına
gelebileceği olası bir sağlık probleminde ilk yardım ve ilk müdehale çok mühimdir. Aynı
şekilde yangın, yağmur, deprem, fırtına gibi olumsuz hava koşullarında sahne kurulumu
yaparken önlemi alınmamış tedbirsizlikler sizi zor durumda bırakabilir.
 
Görsel tasarım ve baskı çalışmaları
Organizasyonunuzun afiş, reklam grafik çalışması ne kadar iyi olursa etkinliğe katılım o
kadar fazla  olacaktır. Görsel tasarım ve konsept çok önemlidir!
Basın ve medya etkinliğinizin itibarıdır!
Basın ve Medya Sponsorları
Organizasyon öncesi ve sonrası basın ve medya iletişimlerini yürüten bir pr şirketiniz yada
danışmanınız olmalı. Yada  etkili bir medya çalışanınız olmalı. Tanımadığınız pr ajansları
veya basın danışmanları ile sakın çalışmayın. Malum miskin çalışan verdiği vaadleri yerine
getirmeyen bir çok basın danışmanı var bu kişilere dikkat etmenizi öneririm.
Sosyal medya danışmanlığı
Yazılı ve görsel basının önemi olduğu kadar sosyal medya da organizasyonunuz kadar
değerlidir. Yıllarca sosyal medya’yı savunan biri olarak bu sizin en önemli tanıtım ve bilet
satışlarınızı artıracak iletişim aracınızdır.

Organizasyon planlaması sona erdi! ama herşey bitmedi!

Asıl süreç bir sonraki  sürece  geçerken, bitirdiğiniz etkinliğin sonuçlarını yatırımcınıza,
müşterinize veya sponsor markalara raporlamak. Amaç, hedef ve sonuç odaklı yaklaşım
sizin farkınızı ortaya koyacak ve sektöre başarılı organizasyon etiketini yapıştıracaklardır.
Yazılarıma gelecek hafta devam edeceğim, bu yazımda yorumlarınızı esirgemezseniz çok
memnun olurum, herkese başarılarla, huzurla dolu günler diliyorum.
Organizatör / Can Demiral
Music Is Your Business

Typical Major Label Structure

90
 MUSIC
INDUSTRY
CELÂL ELDENİZ
Why Musicians Fail: A Top Ten List

1. You fantasize about being a star instead of working to be a star.

2. You quit because the people you think you need aren’t supportive.
3. You have naive concepts and misguided beliefs about the music industry.
4. You’re unwilling to get down in the trenches and do grunt work.
5. There’s a lack of commitment from fellow musicians in your group.
6. You don’t have enough money to record and promote your music.
7. You believe that someone will come along and discover you.
8. You lack the professional skills that make a master musician.
9. Your music is unoriginal and lacks inspired ideas.
10.You refuse to believe that art and commerce are inseparable. 

 Differentiate Between

The Artist YOU vs The Businessperson YOU

Music Is Your Business
Songwriter Relationships
/ Artist Relationships
Songwriter Relationships / Artist Relationships
44
Label Structure
Artist/Band Inventory List
 Publishing Deals
In the very early days of music publishing, songwriters simply sold their songs to
music pub- lishers for a flat amount. Later, as songwriters became more business
savvy and gained a little more negotiating leverage, a new kind of contract
evolved, consisting of three basic elements:
(1) The songwriter would assign all copyright ownership of the songwriter’s
songs to the pub- lisher;
(2) The publisher would have the right to try to get the songs commercially
exploited;
(3) The publisher would agree to pay royalties to the songwriter based on income
re- ceived from third parties from any commercial exploitation of the songs.
As a general rule, a songwriter today receives fifty percent of the total income
from his or her songs.
Eight Types Of Publishing Deals

(1) the “Traditional” Publishing Agreement

(2) Single Song Agreements
(3) Co-Publishing Agreements
(4) “Step Deals”
(5) Administration Agreements
(6) Income Participation Agreements
(7) Catalog Representation Agreements
(8) Sub-Publishing Agreements
The type of deal depends on

• What percentage of copyright ownership, if any, is given to the publisher. 


• What share of future publishing income the publisher will get. 


• What functions the publisher will perform. 


• How long the agreement will remain in effect. 


• Name of artist or band? (Include all band members names and instruments played.) 


• Is your stage name trademarked? 


• Have you registered your songs for copyright protection? 


• Have any of your songs been published? (If so, by whom?) 


• Have you affiliated with a performance rights organization? (MESAM..?) 


• What is your background? (Who are you and your band members? Tell your story.) 


• Do any band members belong to the Musician’s Union? 


• Do you have a written band/partnership agreement? 


• Why do you want to record and release your own music? (Be very honest.) 


• Who is your fan or customer? (Analyze this question thoroughly.)

• Do you write your own songs? (Discuss the songwriting process in detail.) 


• Who are your musical influences? (Cite specific examples.) 


• How do you describe your music to people? (This isn’t a short answer. Discuss it.) 


• What image do you think your music conveys? (Do not avoid the image issue!) 


• What are your immediate music career goals? (Next one to three years.) 


• What are your long-term career goals? 


• How would you define the word “success”? (This isn’t a short answer. Discuss it.) 


• Do you have any personal contacts in the music business?

 Know Your Audience
• How old are they? (Determine the widest range of their ages.)
• What gender are they? (If both, what percentage is dominant, or is it even?)
• Are they one specific ethnic background or a mix of backgrounds?
• Do they drive cars to work, carpool, take public transportation, ride bikes, or walk?
• If they’re students, what kind of schools do they go to? Grade school, high school, college, 

business school, university?
• Are they religious, atheists, or free thinkers?
• What political parties do they belong to, and what, if any, causes do they champion?
• What kind of restaurants do they go to—fancy and expensive, ethnic, or fast food?
• Where do they shop for clothes? Thrift stores, Target, Nordstrom?
• What hobbies and interests do they have? Computers, art, hiking, skateboarding, sports?
• What other music do they like? Particularly, what other bands and artists do they spend their money on?
• What movies do they see in theaters, rent online or at video stores?
• Do they get to your gigs by bicycle, motorcycle, car, bus, train?
• What books do they enjoy reading, and where do they buy them?
• What kind of volunteer work might they do—environmental or political causes, fairs and 

festivals, church or social groups?
• What TV shows do they watch, and what radio stations do they listen to?
• What Internet websites do they visit and download music from?
• Do they subscribe to any blogs or podcasts? Which ones?
 Graphic Design Tips
for
an Effective Introduction to Your Music 


Front Cover
Is the name of the artist clearly visible?

Is the name written with a unique logo design?

Is the name of the artist in the top third of the cover?

Is the title of the release distinguishable from the artist’s name? Is the genre of music reflected by the cover art?
Back Cover
What specific information is included on the back cover?

(Label name, catalog number, bar code, song titles/ times, contact info, production credits, e-mail address, website URL, more?)

Are the graphic images and text and colors used clear and readable?

Label
Is the artist’s name (logo?) present and clearly visible?

What specific information is on the disc itself?

(Many artists leave the disc blank for “artistic” reasons. Do you want to make such a statement, or do you want to list the songs and
times again,

or repeat other written information from the back cover or booklet?)
Booklet
Describe the type of booklet/tray card used in your packaging.

What specific images and text information are included?

(More credits, thank-yous, lyrics, pictures, etc.)

Is the booklet artwork and design consistent with the artwork and design on the front and back covers?
Spine
What specific information is on the spine of the CD?

(Label name/logo, catalog number, artist name, release name?)

Will you invest in the plastic tear-off strips that most CDs have now?
Marketing Plan
LIST OF TYPE OF MUSIC | MUSIC GENRES
Please note: This is a free PDF download to use for you own personal or business use.

Though not required, it would be appreciated if you could link back to the Music Genres List site so that
others may find and add to this resource.

www.musicgenreslist.com

• Alternative • Classical
! Alternative Rock ! Avant-Garde
! College Rock ! Baroque
! Experimental Rock ! Chamber Music
! Goth Rock ! Chant
! Grunge ! Choral
! Hardcore Punk ! Classical Crossover
! Hard Rock ! Early Music
! Indie Rock ! High Classical
! New Wave ! Impressionist
! Progressive Rock ! Medieval
! Punk ! Minimalism
! Shoegaze ! Modern Composition
! Steampunk ! Opera
• Anime ! Orchestral
• Blues ! Renaissance
! Acoustic Blues ! Romantic
! Chicago Blues ! Wedding Music
! Classic Blues • Comedy
! Contemporary Blues ! Novelty
! Country Blues ! Standup Comedy
! Delta Blues • Country
! Electric Blues ! Alternative Country
• Children’s Music ! Americana
! Lullabies ! Bluegrass
! Sing-Along ! Contemporary Bluegrass
! Stories ! Contemporary Country
! Country Gospel
! Honky Tonk
! Outlaw Country
! Traditional Bluegrass
! Traditional Country
! Urban Cowboy

Copyright*©*2010/14*MusicGenresList.com.*All*Rights*Reserved *
• Dance / EMD • Hip-Hop/Rap
! Breakbeat ! Alternative Rap
! Dubstep ! Bounce
! Exercise ! Dirty South
! Garage ! East Coast Rap
! Hardcore ! Gangsta Rap
! Hard Dance ! Hardcore Rap
! Hi-NRG / Eurodance ! Hip-Hop
! House ! Latin Rap
! Jackin House ! Old School Rap
! Jungle/Drum’n'bass ! Rap
! Techno ! Underground Rap
! Trance ! West Coast Rap
• Disney • Holiday
• Easy Listening ! Chanukah
! Bop ! Christmas
! Lounge ! Christmas: Children’s
! Swing ! Christmas: Classic
• Electronic ! Christmas: Classical
! Ambient ! Christmas: Jazz
! Crunk ! Christmas: Modern
! Downtempo ! Christmas: Pop
! Electro ! Christmas: R&B
! Electronica ! Christmas: Religious
! Electronic Rock ! Christmas: Rock
! IDM/Experimental ! Easter
! Industrial ! Halloween
• Enka ! Holiday: Other
• French Pop ! Thanksgiving
• German Folk • Indie Pop
• German Pop • Industrial
• Fitness & Workout

Copyright*©*2010/14*MusicGenresList.com.*All*Rights*Reserved *
• Inspirational – Christian & Gospel • K-Pop
! CCM • Karaoke
! Christian Metal • Kayokyoku
! Christian Pop • Latino
! Christian Rap ! Alternativo & Rock Latino
! Christian Rock ! Baladas y Boleros
! Classic Christian ! Brazilian
! Contemporary Gospel ! Contemporary Latin
! Gospel ! Latin Jazz
! Christian & Gospel ! Pop Latino
! Praise & Worship ! Raíces
! Qawwali ! Reggaeton y Hip-Hop
! Southern Gospel ! Regional Mexicano
! Traditional Gospel ! Salsa y Tropical
• Instrumental • New Age
! March (Marching Band) ! Environmental
• J-Pop ! Healing
! J-Rock ! Meditation
! J-Synth ! Nature
! J-Ska ! Relaxation
! J-Punk ! Travel
• Jazz • Opera
! Acid Jazz (with thx to Hunter • Pop
Nelson) ! Adult Contemporary
! Avant-Garde Jazz ! Britpop
! Big Band ! Pop/Rock
! Blue Note ! Soft Rock
! Contemporary Jazz ! Teen Pop
! Cool • R&B/Soul
! Crossover Jazz ! Contemporary R&B
! Dixieland ! Disco
! Ethio-jazz ! Doo Wop
! Fusion ! Funk
! Hard Bop ! Motown
! Latin Jazz ! Neo-Soul
! Mainstream Jazz ! Quiet Storm
! Ragtime ! Soul
! Smooth Jazz
! Trad Jazz

Copyright*©*2010/14*MusicGenresList.com.*All*Rights*Reserved *
• Reggae • Spoken Word
! Dancehall • Tex-Mex / Tejano
! Dub ! Chicano
! Roots Reggae ! Classic
! Ska ! Conjunto
• Rock ! Conjunto Progressive
! Adult Alternative ! New Mex
! American Trad Rock ! Tex-Mex
! Arena Rock • Vocal
! Blues-Rock ! Barbershop
! British Invasion ! Doo-wop
! Death Metal/Black Metal ! Standards
! Glam Rock ! Traditional Pop
! Hair Metal ! Vocal Jazz
! Hard Rock ! Vocal Pop
! Metal
! Jam Bands
! Prog-Rock/Art Rock
! Psychedelic
! Rock & Roll
! Rockabilly
! Roots Rock
! Singer/Songwriter
! Southern Rock
! Surf
! Tex-Mex
• Singer/Songwriter
! Alternative Folk
! Contemporary Folk
! Contemporary Singer/Songwriter
! Folk-Rock
! New Acoustic
! Traditional Folk
• Soundtrack
! Foreign Cinema
! Musicals
! Original Score
! Soundtrack
! TV Soundtrack

Copyright*©*2010/14*MusicGenresList.com.*All*Rights*Reserved *
 • World ! France
! Africa ! Hawaii
! Afro-Beat ! Indian Pop
! Afro-Pop ! Japan
! Asia ! Japanese Pop
! Australia ! Klezmer
! Bossa Nova ! Middle East
! Cajun ! North America
! Caribbean ! Polka
! Celtic ! South Africa
! Celtic Folk ! South America
! Contemporary Celtic ! Traditional Celtic
! Drinking Songs ! Worldbeat
! Drone ! Zydeco
! Europe
!

Copyright*©*2010/14*MusicGenresList.com.*All*Rights*Reserved *
Müzik Endüstrisi Hukukî Konular:

Görsel ve işitsel yapımlarda müzik kullanmak icin yapımcılar dört yola başvurabilirler:

• bilinen uluslarası yada yerel ticari eserleri kullanmak

Bilinen ticari eserlerde kullanma izni ve lisans başvurusu kullanılmak istenen tarihten bir
süre önce yapılmalıdır. Bu süreç besteci onayı gerektiğinden biraz zaman almaktadır.
Besteciye ulaşılamadığı veya ölmüş olduğu durumlarda mirasçılarından izin alınması
gerekmektedir. Onay verildikten sonra orijinal yapımcı bulunur ve yapım hakları
temizlenir. Besteci veya yapımcı eserin orijinali yerine tekrar kayıt yapılmasına da izin
verebilir.

• müzik bankasından eser kullanmak,

Müzik bankasından kullanılacaksa, sözleşme yapıldığı an müzikler başvuru yapanın

kullanımına aciltmaktadir, müzik bankası daha pratik bir yöntemdir. Çünkü müzik
bankaları daha onceden besteci ve söz yazarlarından almış olduğu özel yetki ile izin ve
lisanslama işlemini gerçekleştirir. Bu verilen lisans ile pratik olarak tüm haklar
temizlenmiş olur.

• özgün müzik kullanmak

• müzik kullanmamaktır.

Telif hakları ikiye ayrılmaktadır:

• çoğaltma telif hakki
• temsil hakki.

Süre:

Telif hakki suresi eser sahibi yaşadığı sürece ve ölümünden itibaren 70 senedir. Eğer eser
sahibi belli degilse telif hakki eserin aleniyet kazanmasından itibaren baslar. Eserin
alenileşmediği durumlarda yani anonim olursa süre islemez. Bu 70 senelik süre içerisinde
eser üzerinde izinsiz değişiklik yapılamaz ve eser kullanılamaz.
Ancak 8 mezurluk (ölçülük) kullanma izni vardır. Bu 8 mezur kullanıldığı takdirde telif
kapsamına girmemektedir.

Bu eserden elde edilen gelirin vergisi bulunmaktadır; ancak 5846 sayılı Fikir ve Sanat
Eserleri Kanunu’nda belirtilen kıstaslara sahip olan eserler bu vergiden muaf
tutulmaktadır. Bunun belirlenmesi icin dilekçe ile başvuru yapılır ve maliye Bakanlığı bu
muafiyetten yararlanılıp yararlanılmayacağına karar verir.

Meslek Birlikleri

Mesam ve Msg bütün besteci ve söz yazarlarının üye olması gereken meslek birlikleridir.
Bu kurumlar özetle şarkınız bir albümde yer aldığında sizin için hem temsili hemde
mekanik telifleri toplar ve size dağıtır. Bunun için %10 bir payıda sizin hesabınızdan
keser. Bütün besteci ve söz yazarları bu meslek birliklerine üye olmak zorundadırlar. Bu
kurumlara üye olmak için şarkınızın herhangi bir albümde yer alması gerekmemektedir.
Şarkılarınız yayınlanmadan evvel de üye olabilirsiniz. Sadece asil üyelerin sahip olduğu
bazı özelliklerden faydalanamazsınız.

Beste ve söz yazmayan fakat şarkı söyleyen sanatçılar için ise meslek birliği farklıdır.
Şarkıcılar müyap adı verilen bir birlik altında toplanmışlardır. Aynı amaçla kurulmuş bir
başka kuruluş da müyorbir’dir.

Referans Linkler:

http://www.telifhaklari.gov.tr

www.msg.org.tr

https://www.facebook.com/msgofficial/?fref=ts

http://www.mesam.org.tr

https://www.facebook.com/mesam.mesam.372?fref=ts

https://www.facebook.com/groups/mesamgrup/?fref=ts

http://www.mu-yap.org

http://www.muyorbir.org.tr

https://www.facebook.com/muyorbir/

Royalty Free Music Websites

Zaman çinde Müzik
Eski Yunancadan gelen “musike” sözcüğü Yunan mitolojisindeki esin perileri olan “muse” sözcüğünün
kökünden kaynaklanır.

Kazılarda bulunmuş çalgılardan ve duvarlardaki resimlerden Mısırlıların gelişmiş bir dans kültürü olduğunu,
özellikle kadınların şarkı söyleyerek dans ettiği anlaşılıyor. ( .Ö. 4000)

Başta flüt ve arp olmak üzere; davul, def, darbuka, sistron gibi vurmalı çalgılar; Çifte flüt, trompet gibi
üflemeliler ve üçgen arp, çitara gibi telli çalgılarla, su basılarak işleyen org (hydralius) eski mısırın önemli
çalgılarıdır. ( .Ö. 4000)

Sümer ve Asur kabartmalarında santur benzeri iki değnekle çalınan bir çalgıya ve bağlama türündeki saplı
çalgılara rastlanır. Lir, üçgen, arp, çitara, çifte flüt, kamış düdükler, def, sistron, davullar, trompetler ortak
çalgılardır. (Mezopotamya .Ö. 2300)

Beş ses üstüne kurulu (pentatonik) gam dizisinde hiçbir nota diğerine bağlı değildir. Müzik tümcesi notaların
sıralanışına göre anlam kazanır. (Çin .Ö. 2300)

Veda adlı dört kutsal kitaptan biri olan Samaveda, dünyanın en eski notaya alınmış ezgileridir. ( .Ö. 2000
Hindistan)

Raga adlı ses dizisi, tala adlı ritmik kalıplar vardır. Günün belli saatlerinde çalınması yasak ragalar ve belli
mevsimlerde belli saatlerde çalınması gereken ragalar vardır. Her raga bir ruh durumunu yansıtır. (Hindistan)

branilerde müzik, tümüyle dinsel törenlere, tapınmaya ilişkin bir kavram olarak yalnız tapınakta yer alır.

Özgün Babil ve Mısır şiirlerine dayalı ilahiler antifon (antiphone) olarak adlandırılan bir biçimde
düzenlenmiştir.

Ortaçağın başlangıcındaki Ambrosius Ezgileri gibi pek çok yalın ezgi örneği, antifon geleneğini sürdürmüştür.

şçi şarkıları, ağıtlar ve kutlama ezgileri, tarihte ilk kez branilerde görülür.

.Ö. 7. Yüzyıla dek uzanan Yunan uygarlığında müzik, doğaçlama danslar, spor oyunlarıyla seçkinlerin
düzenlediği şenlikler önem kazanmıştır. Müzik önceleri dinsel içerikliydi. Erkek korolarından ve tek sesli
ezgilerden oluşur. Çalgı eşliği olduğunda koro, aynı sesi yada bir oktav üstünü seslendirir. (Yunanistan)

Batı uygarlığında bulunan en eski nota belgeleri .Ö. 138’ deki Delfi kentindeki Apollo ilahileridir. kinci grup
delfi ilahileri ise .Ö. 128’de yazılmıştır.

Aulos, flüt ve çitara en eski eşlikçi Yunan çalgılarıdır.

Müziğin gelişimini etkileyen filozofların başında Sisamlı Pisagor ( .Ö. 5) gelir. Farklı büyüklükteki çanlarla bir
skala düzeni yaratmış, bir çekiçle vurduğu çanların tınılarında bir oktav aralığının 2:1 orana, beşli aralığın 3:2
orana, dörtlünün 4:3 orana ve tam notalarında 9:8’ e eşdeğer olduğunu kanıtlamıştır.

NOT: Şiirsel biçimler ve müzikteki klasik dönem, Apollon törenlerinden esinlenmiştir.

Pisagoru izleyenler bu oranları tek telden oluşan bir çalgı (Mono Chord) üstünde denemişler. Böylece tüm bir
müzik sisteminin doğru tonlaması (Entonasyon) sağlanmıştır.

Müziğin kişiliği etkileme olayına ethos denir. lk kez Platon tarafından açıklanmıştır. ( .Ö. 384-322)

Yunan müziğinde aynı sanatçının çalıp söylediği monodilere; eşliksiz koro şarkılarına ve danslara eşlik eden
çalgısal müzik biçimlerine rastlanır. Bu biçimler sonradan Rönesans bestecilerine örnek olacaktır.

1
Romalı Hristiyan Severinus Boethius (475-524) orta çağ başlarının en etkin kuramcılarındandır. Aristo’yu
Latinceden Yunancaya çevirmiştir. De Institutione Musica adlı kitabında Pythagoras ve Platon’un
felsefelerinden yola çıkıp müzik ve matematiğin ayrılmazlığına, müziğin insan karakterine etkisine ve
eğitimdeki yerine değinir.

ORTAÇAĞ
Hristiyanlık Katolik kilisesinin papazları, kilise içine çalgısal müziğin girmesini yasaklamışlardır.

Orta çağ papazları yüzyıllar boyunca müzik sanatını kilise koroları ve teksesli ilahilerle kendi egemenlikleri
altında tutmuşlardır.

NOT: En eski ilahi belgesi Mısır’ da bulunmuş 3. Yüzyıldan kalma bir papirüstür.

Bizans ayin müziği I. Jüstinyen’in 527’de taç giymesiyle yerleşik bir geleneğe kavuşur.

Bizans ezgileri tekseslidir, makamsaldır ve bağımsız ritimlerle donatılmıştır.

Nota simgeleri yerine ses düzeyini gösteren işaretler kullanılmıştır.

Önceden kiliseye yalnız org girmesine izin varken, sonradan noel gecelerinde üflemeli ve vurmalı çalgıların da
kullanıldığı belgelenmiştir.

branilerin Sinagog törenleriyle Yunan Mod’ ları, ilk yalın ezgilerin temelini oluşturur.

Melizmatik (tek hecede çok nota) yöntemiyle oluşan pasajlar doğaçlamaya açık kapı bırakırken, yarım ve
çeyrek ses aralıklı doğu makamları ezgilerin temelidir.

4. Yüzyılda Milano başpiskoposu Aziz Ambrosius (340-397) Katolik ilahilerinin düzenlenmesinde Bizans ve
brani geleneğindeki tekniklerle halk ezgilerini harmanlamıştır.

Anti (karşı) phone (ses) yöntemiyle iki ayrı koronun karşılıklı ve dönüşümlü olarak şarkı söylemesi ayinin etki
gücünü artırmaktadır. Aziz Ambrosius böylece Katolik Kilisesi’nin düzenli ilahi okuma yöntemini kurmuş olur.

Aziz Gregorius (540-604) Schola Cantorum adıyla erkeklerin ve erkek çocukların eğitildiği bir müzik okulu
kurar. Neuma adlı alfabe harflerinden oluşan nota imgeleriyle ilahileri yazdırtıp kalıcılığı sağlar. Gregorius
ezgilerin başlıca teknk özellikleri, teksesli bir melodi çizgisinde, Latince sözlere dayalı, eşliksiz erkek korosu
için belli bir ritmik düzeni olmayan, bugünkü majör-minör gam dizisinden farklı, makamsal bir yapıda
oluşlarıdır.

Toscana’da Arezzo Katedralinin rahibi Guido, 1030 yılında koro çocuklarına duaları ezberletmek için bir
yöntem bulur. Her yeni sesin bir önceki sesten daha yüksek başladığı bir halk ezgisi öğretir. Sonra bunu latince
ve dinsel içerikli bir metne çevirir. Elinin parmaklarındaki girinti ve çıkıntılara metnin ilk hecelerini yazar.
Böylece bir gam dizisinin sekiz notasını birden sergilemiş olur. Bu yöntem Guido’ nun eli olarak bilinir. Nota
ve porte kavramını müzik tarihine getiren kişi Guido d’Arezzo’dur.

11. Yüzyıldan sonra dünyasal konular kendi çalgısına eşlik eden şarkıcılar tarafından seslendirilir. Böylece ilk
din dışı ezgiler ortaya çıkar. Yöntem ilerde melodinin her notasına uyumlu bir nota eklenerek devam eder.
Birden çok seslilik (Hetere-phoni) heterefoni’ ye dönüşür ve çok sesliliğe adım olarak kabul edilir. (Polyphony)

Avrupa derebeylerinin şatolarında şarkı söyleyip şiir okuyan ozanlar (Minstrels), yavaş yavaş kilise baskısından
kurtularak dünyasal konulu ve yaşama sevinciyle yüklü ezgiler ortaya çkarmışlardır. Bu ozanlar Goliard,
jongleur, gleeman, troubadour, trouvere, minnessinger, meistersinger gibi isimlerle de tanınırdı. Çalgıları; arp,
lavta ve fiddle’dır. Adam de la Halle en eski troubadour’dur.

NOT: Missa (Messe, Mass) Orta çağ’ın başlıca ayin müziği biçimidir. Törende okunan en son dua olduğu için
sözlük anlamı “ tören sona erdi, gidebilirsiniz” dir. Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus ve Agnus Dei bazı

2
bölümleridir. branilerden kalan Hallelujah (Yaşasın Yehova) en coşkulu bölümüdür. Notayla söz üç yoldan
uyuşur; Melizmatik (tek heceye çok nota), silabik (her heceye karşılık bir nota) ve neumatik (neuma yazısına
bağlı olarak). 17. Yüzyılda orkestranın etlenmesiyle büyük bir müzik biçimine dönüşür.

NOT: Carmina Burana adlı Beuron’ da, 13. Yüzyıldan kalma bir Benedikten manastırında bulunmuş el
yazmalardır. Din dışı dünyadan (kadın, şehvet, içki, sarhoşluk, azgınlık) oluşan konuları içerir. Goliards adı
verilen henüz yemin etmemiş öğrenci papazların üniversiteden üniversiteye gezip derlediği Latince, eski
Almanca ve eski Fransızca dillerindeki ezgilerdir. Carl Orff, 1930’ da bu ezgileri Latince metniyle büyük
orkestra, koro ve solistler için 25 bölümlü bir sahne kantatı olarak besteleyip üne kavuşturur.

NOT: Farabi (870-950); Türkistan’ ın Farabi kentinde doğan islam filozof ve müzik teorisyeni El-Farabi orta
çağ sonunda antik-yunan kültürünü en iyi tanıyan düşünür olarak bilinir. Sosyal bilimler ve sanat üzerine
yazdığı kitapların yanı sıra 9. Yüzyıl ortasından 10. Yüzyıl başına dek Kitab-ul Musiki’yl Kebir (Büyük Müzik
Kitabı) başlıklı bir eser yazmıştır.

GOT K ÇAĞ
Sesin bir oktav yukarıdan veya aşağıdan söylenmesi, daha sonra 3’ lü, 4’ lü ve 5’ li aralıklarda başka bir sesin
katılması durumuna organum denir.

Org 7. Yüzyılda kiliseye girerek insan sesine eşlik etmeye başlamıştır.

Zamanla Gregorius Ezgisi olmayan ve din dışı metinlerden oluşan “Concuctus” adlı ilk özgür biçimler ortaya
çıkmaya başlamıştır.

Kilise 12. Yüzyılda polifonik müziği koşullu olarak kabul etmiştir. Dinsel müzikte çokseslilik ilk kez Paris’ te
Notre-Dame katedralinde başlar.

13. Yüzyılın en önemli vokal biçimi motet; Gotik Çağ içinde eski sanat döneminde ortaya çıkmıştır.

13. yüzyıl ortasından 15. Yüzyıla kadar Yeni Sanat Dönemidir.

Ballade, Rondeau, Virelei, Caccia, Madrigale (16. Yüzyıl madrigali değil) bu dönemde ortaya çıkmıştır.

Yeni Sanat Dönemine özgü ritim kalıbı izoritim; ritmik hücrelerin yenilenerek devam etmesidir.

Guillaume de Machaut, Guillaume Dufay, Philippe, Vitry; parçaya bütünük kazandırmak amacıyla izoritmik
kalıbı kullanmışlardır.

Kanon; Çoksesliliğin gelişmesinde başka bir araç olarak ortaya çıkar.

Guillaume de Machaut dinsel yapıtının başında Notre-Dame missası gelir.

Motet; J. S. Bach’ ın motetleriyle bu vokal doruğa varır.

Jacopo da Bologne (1340-1360) Fenice Fun adlı madrigaliyle talya’ daki Ars Nova akımının öncülerindendir.

John Dunstable (1390-1453) orta çağ değerleriyle Rönesans sanatını birleştiren köprü bestecilerden biridir.

RÖNESANS
Rönesans kelime anlamı yeniden doğuş demektir.

Müzik tarihinde 1450’ lerden 1600 başlarına kadar kapsar.

Müzikte Rönesans, Burgonya ve Flaman bestecilerle başlamıştır. Bugünkü Belçika, Lüksemburg, Kuzey Fransa
ve Hollanda.
3
Burgonya okulunun en önemli bestecisi Guilluame Dufay’ dır. Chanson ustasıdır.

Franko-Flaman besteci Binchois, şansonlarla halka daha yakındır.

Resimlerde perspektif kullanan Giotto, müziği de etkilemiş ve müziğe derinlik getiren çoksesliliğe esin kaynağı
olmuştur.

Müzik bu dönemde insancıldır. Kilise ve imparatorun otoritesinden kurtulmak çabasındadır.

A capella korolar önem kazanmıştır.

Dramatik duyguları anlatmak için kromatizm kullanılır.

Her ulusun kendine özel şarkı biçimleri ortaya çıkmıştır. ngilizler Carol, Fransızlar Şanson (Chanson; aşk
şarkısı), Lied Alman şarkısı, Frattola ise talya’ya özgü şarkılardır.

Çalgısal müzik önem kazanmıştır. lk çalgısal biçim Estampie’ dir.

Pavan, Galliard ve Passamezzo gibi danslar, çalgı müziği ile aynı adı taşır.

Klavyeli çalgılardan org, hava ile çalıştığından üflemeli sınıfa alınmıştır.

Regal, Klavsen, Klavikord gözdedir.

Fidel, Lavta, Arp’ın yanında flüt, blokflüt, yan flüt, obua’ nın atası (schawm) ve kornet, trompet, trombonun en
eski şekli sacbut ve vurmalı çalgılar takımı yer alır.

Büyük davullar, ziller, üçgenler ve küçük davullarla tefler danslarda ritmi güçlendiren çalgılardır.

Rönesans dönemin karakteristik ses yapısı çalgıların homojen tınısıdır.

Konsort (Consort) tek çalgı ailesinden oluşur. (üflemeli, yaylı vs.)

lk nota basımı 1501’ de Venedik’ te Giovanni Petrucci tarafından yapıldı. 15. Yüzyıl ortasında matbaa
Almanya tarafından icat edildi. Petrucci 25 yıl içinde 50 ciltlik ses ve çalgı notası basmıştır.

NOT: Musica Reservota, müziğin kendini geriye çekerek sözleri ön plana çıkarmasıdır. 16. Yüzyılda önemi
artar ve madrigal, opera gibi vokal yapıtlarda güfte beste uyumuna ışık tutar. Josquin Despres ve Johannes
Ockeghem bu yönteme özen gösteren bestecilerdir.

Jacob Obrecht (1457-1505) missalarıyla ünlü Flaman bestecidir.

Ockeghem’ in missa prolatonium’ unda kanon kullanılmıştır.

Flaman besteci Johannes homofonik bir ritim çeşidi keşfetmiştir.

Le Bataille de Marignan, savaş efektleri yaratmış ve askerlerin naralarını müzikle yansıtmıştır.

NOT: Viyol 16. Yüzyılın ikinci yarısında spanya’ da ortaya çıkmıştır. Telleri parmakla çekilen (vihuela), yay
eklenmesiyle doğduğu sanılmaktadır.

4
REFORM
Luther Kilisesi’ nin en önemli katkısı “koral” adlı ilahi biçimini getirmek olmuştur. Fransa’ da psalm, ngiltere’
de anthem olarak anılır.

Reform; Thomas Tallis ve William Byrd gibi bestecileri ortaya çıkardı.

Müziğin anlatımın önüne geçemediğini, sadece bir tür olduğunu anlatmak isteyen Palestrina, Papae Marcelli’ yi
bestelemiştir. Ayrıca sayısı yüzü aşan missa, 375 motet, pek çok dinsel içerikli madrigal ve ilahi bestelemiştir.

talyan Gioseffo Zarlino’ da Aristoksenus ve Rameau arasındaki en önemli kuramcıdır. Kontrpuan üzerine
bilgiler geliştirmiştir ve Istitutioni Harmoniche en önemli yapıtıdır.

Lassus, motetleri ve madrigalleriyle; kutsal missa ve pasyonlarıyla örnek bir Rönesans bestecidir.

ALTIN ÇAĞ (GEÇ RÖNESANS)

Bu dönemde talyan besteciler egemenliği ele almışlardır.

Çağın sonunda opera doğmuştur.

San Marco’ da önemli müzisyenler yetiştirmiştir. Andrea Gabrieli, yeğeni Giovanni Gabrieli bu dönemde
yetişen önemli müzisyenlerdir.

Andrea Gabrieli; 1571’ de Osmanlı donanması’ nın nebahtı yenilgisi üstüne bir kutlama müziği bestelemiştir.

Giovanni Gabrieli; yalnız çalgı topluluğundan oluşan ilk grupları kurmuştur. Bu şekil; Barok dönemin,
çalgılarla insan sesi arasında denge kurma hazırlığıdır.

Ulusal stillerin ilk kez doğduğu dönemdir.

lk talyan madrigalleri 1520’ lerde bestelenmiştir. Din dışı konular olarak ortaya çıkmış ve gelişmiştir. Orlando
di Lasso, en önemli madrigal bestecisidir.

Rönesans sonundaki en ünlü talyan madrigal bestecisi Venosa prensi Carlo Gesualdo’ dur.

Madrigal 16. Yüzyılın sonunda talyan sınırlarını aşıp; Münih, Prag, Viyana gibi çeşitli kentlere yayılır.

talya’ dan sonra madrigal için en önemli ülke ngiltere’ dir.

ngiltere kraliçesi Elizabeth, 1603 yılında ölmesine rağmen müziğe etkileri 17. Yüzyıl sonuna kadar sürmüştür.

ngiliz Thomas Morley, 1593’ te üç ses için “Küçük Kısa Şarkılar” başlıklı bir Canzonetta besteler.

ngiltere’ de madrigal besteciliği 1612’ den sonra düşüş göstermiştir.

Klavikord, 18. Yüzyılda yerini piyanoya bırakmıştır.

BAROK DÖNEM
Başlama tarihi 1580 ve 1600 olarak bilinir. Bach’ ın ölümü olan 1750’ de bitiş tarihidir.

Armoni tekniğinin mükemmele kavuştuğu dönemdir.

Kantat opera gibi sahne sanatları filizlenmiştir.

Vivaldi, Handel ve J. S. Bach gibi önemli besteciler bu dönemde yetişmiştir.

5
Dönem, talyan bestecilerin dünyasında doğar ve onların egemenliğinde gelişir.

Almanya 30 yıl savaşlarından dolayı Barok Dönemin sonuna yetişir ve J.S. Bach ile müzik Almanya’ da doruğa
ulaşır.

Soylu aileler sanat koruyucusu olarak bestecilere maaş bağlar, orkestra besler ve opera evleri açarlar.

Scarlatti, Corelli, Handel, Roma çevresinde prensliklerde iş bulur.

Noel Antonio Puluche, iki kemancı için şu yorumu yapar; biri deniz üzerindeki pırlantalarda dolanıyor diğeri ise
denizin dibindeki biçimsiz (eğri büğrü) incileri (barokları) aramakla uğraşıyor.

18. yüzyıl’ ın ikinci yarısındaki sanatçılar bu dönemde üretilen abartılı, süslü, karmaşık, düzensiz eserleri küçük
düşürmek için “Barok” nitelemesini kullamıştır. Böylelikle dönem Barok olarak anılır.

Dönemin Özellikleri

Dönem müziğini anlatmak için karşıtlık (kontrast) kelimesi uygundur.

Ses dolgunluğunda karşıtlık, sesi ikiye bölerek olur. Bu yöntem konçerto geleneğinin ilk adımıdır.

Çoşkuyu, kahramanlık duygularını, derin düşünceyi, gizemi, arzuları, tutkuyu anlatmak için karşıtlıklardan
yararlanılmıştır.

Müziğin ifade kazanması –alçalıp yükselmesi- (gürlük) barok dönem boyunca gelişir.

Ses gürlüğündeki işaretler ilk kez bu dönemde ortaya çıkmıştır.

Barok dönemde “basso-continuo” (sürekli bas) gerekliliği, bestecilerin armoniyi zenginleştirmesi ile ortadan
kalkar. Sürekli bas çalgıları; lavta, klavsen, org ve gitardır.

Barok dönemde kadans (durgu) ve ritim ögelerinde gelişme görülür.

Tabanda armoninin temiz bir doku oluşturması, bestecilerin rahatlıkla uyumsuz akorları kullanmasına imkan
sağladı.

Yarım seslerin kullanımı belli bir disiplin (armoni) içine girince, majör ve minör kalıplar ilk kez bu dönemde
ortaya çıkar. Uygulamada ise majör-minör sistemi 1680’ den beri kullanılmaktadır.

Rönesans sonunda yalnız çalgılar için bestelenmiş, insan sesinden arınmış müzik biçimleri ortaya çıkmıştır.
Canzona, Ricercare, Toccata gibi.

Opera’ nın Doğuşu

Opera’ nın ilk adı Drama per Musica’ dır.

Dinsel dramların kilise dışına çıkarak din dışı ögelerden etkilenmesiyle “mystere” adlı oyunlar ortaya çıkar.

Oyunların girişlerinde ve karakterlerin girişini vurgulamak için müzik kullanılır. Böylece tiyatro, koro ve çalgı
birlikteliği sağlanır.

Opera bugünkü tanımıyla; solistleri, korosu, orkestrası, kostümü, sahnesi, ışığı, dramatik oyunuyla müziğe
uyarlanmış tiyatrodur.

Wagner; romantik dönem sonunda tüm sanat dallarını birleştiren eser olarak operayı, Gesamtkunstwerk şeklinde
tanımlamıştır.

6
 lk opera, 1597’ de Floransa karnavalında oynanan, Rinuccini’ nin şiirsel metni üstüne Peri’nin müziklediği
“Dafne” dir.

Euridice adlı bir mitolojik-pastoral oyunun müziklenmesiyle ortaya çıkan opera, bu türün en eski örneğidir.

Opera, parlak ve zengin bir eğlence aracıdır. Kilise ve soylular tarafından büyük bir coşkuyla benimsenir.

Ruh ve Bedenin Piyesi; Roma’ daki ilk dinsel operadır.

Oratoryo; kutsal konuların, koro ve solistler tarafından orkestra eşliğinde söylenmesidir.

talyan operaları, 17.yüzyıl başında Monteverdi ile ünlendi.

18. yüzyıl’ a kadar kadın sesi yasak olduğu için hadım edilmiş erkek seslerinden yararlanıldı. Çocuk soprano
yada castrato diye bilinen bu sesler, kadın soprano yada kontraltoya benzesede; daha güçlü, daha duygusal,
şehvetli bir ton ve incelikli parlak bir tekniğe sahiptirler. lk kez 1565’ te Roma’ da Sistine Kilisesi için
yapılmıştır. 1574’ ten sonra Münih’ te olağanlaşır. 16. Yüzyıl talyasında her operanın bir castrato’su vardır.

Son Castrato Alesaandro Moreschi, 1922’ de ölmeden önce bir plak yaptı.

Fransa’ da ilk opera eseri Jean Baptiste Lully tarafından yazıldı. Lully opera uvertürünün temel biçimini iç
bölümlü yapıda kurmuş böylece Klasik Dönem senfonisine ışık tutmuştur.

ngiltere’ de opera 17. Yüzyılda soyluların eğlencesi olarak, saray balesi benzeri “Masque” (Maske) adlı
oyunlarla başlar.

Henry Purcell kralın emri ile talyan ve Fransız stillerinibir araya getirerek ngiliz tarihinin ilk operası Dido ve
Aeneas’ ı bestelemiştir.

Alman besteciler operalarında Venedik ve Fransız stillerinden etkilenmişlerdir.

Avrupa’ nın ilk opera evi 1637’ de Venedik’ te, kincisi 1678’ de Hamburg’ da yapılmış ve 1738’ de yanmıştır.

Mozart’ ın Saraydan Kız Kaçırma operası, şarkılı oyun türünde yazılmıştır.

Reinhard Keiser, Hamburg operası için yüzü aşan beste yapmıştır ve ünlü alman opera bestecisi olmuştur.

Barok Dönemde Çalgı Müziği Biçimleri

Çağın temel çalgı biçimlerinden biri doğmuştur; Ricercare. Bölmesiz, sürekli akan işlemeli bir füg veya kanon
yapısındadır.

talya’ daki Capriccio, Ricercare, Fantasia; ngiltere’ deki Fancy’ dir.

18. yüzyıl’ da yerini füg alır. J.S. Bach’ ın müziksel sunuları Ricercare’ den yola çıkan en güzel örnektir.

Konçerto Grosso (Büyük Konçerto), Barok Dönem çalgı topluluğu için yazılmış en önemli biçimdir.

Konçerto Grosso biçimini ilk uygulayan 1700’ de Corelli olmuştur.

Barok Dönem konçertolarında solo ve orkestranın karşıtlığı işlenmiştir. Klasik dönem konçertolarında ise solo
ve topluluk arasında uyumlu bir söyleşi egemendir.

Barok Sonat’ ta üçten altıya kadar bölümler vardır.

Klavyeli çalgılara sonat biçimini uyarlayan ilk besteci Almanya’ da Johann Kuhnau, talya’ da ise Domenico
Scarlatti’ dir.

7
Suit (demet); her biri değişik ülkelerin dansı olan, aynı müzik tonundaki küçük bölümlerin, karşıt tempolarla art
arda dizilmesidir.

Barok süitin bölümleri prelüd’ ün ardından; Allemande, Courante, Sarabande, Gigue’ dir. Araya Menuet,
Gavotte ve arya da eklenebilir.

19. yüzyıl’ da bir operanın çalgılarla özetini yapmaya, daha sonra bir film müziğinin parlak bölümlerini
özetlemeye de süit adı verilir.

Tema ve Çeşitleme; Barok besteciler için yapıtın başından sonuna kadar bir bütünlük içindedir. Temayı
tanınmaz hale getirmez. Ama Klasik Dönemde temayı tanınmayacak şekilde duymamız mümkündür.

Bazı çeşitleme tarzları; Fantezi, Koral Prelüd ve Prelüd’ dür. Barok olgunlaştıkça Füg, Partita ve Passacaglia ile
karşılaşırız.

Opera’nın yanı sıra başka bir vokal biçimi ortaya çıkmıştır; Kantat.

Madrigal 14. Yüzyıl’ da nakaratlı yalın bir şarkı türü iken, 16. Yüzyılda en iki ses için yazılmış din dışı şarkı
formudur.

KLAS K DÖNEM
J.S. Bach’ ın ölüm tarihi 1750 ile Beethoven’ in ölüm tarihi 1827 yılları arasındaki dönemdir.

Fransa’ da başlayan “Rokoko” akımından etkilenmiştir.

Ciddi uzun yapılardan çok, küçük biçimde besteler yazılmıştır.

Barok Dönem’ in Kontrpuan yapısına ve aşırı süslenmesine başkaldıran ilk harekettir.

Komik Opera stili bu dönem ürünüdür.

Adını Klinger’ in romanından alan “Fırtına ve Gerilim” akımı; Almanların, Fransızların Rokoko’suna
başkaldırmadır.

Zamanın gözde çalgısı Klavikord’ dur.

1742’ de Güneybatı Almanya’ nın Palatinate eyaletinin valisi Carl Theodor, ünlü besteci ve yorumcuları bir çatı
altında toplayarak bir stil geliştirir. Bu stil, Menheim okulundan ileri gelir.

J. Stamitz av boruları, trompetler ve asker bandosundan davulları toplayarak tarihte ilk kez yaylı ve üflemeli
çalgıları bir araya getirir.

Klasik Dönem Aydınlanma akımından da etkilenmiştir. Bu akımı destekleyen özellikle Rousseau; Barok Dönem
bestecilerini fazla karmaşık olmakla ve temel amaçları unutmakla suçlarlar.

Bu dönemde uluslararası kardeşlik önem kazanmıştır. Seçkin insanlar yerine genel halk kitleleri önemli hale
gelmiştir.

lk kez saraylar dışında halk konserleri yapılmıştır. Amatör müzikçilerde bu konserlerde yer almışlardır.

Müziğin amacı doğayı ve doğalı olduğu gibi duyurmaktır.

Aydınlanma felsefesi, Klasik Dönem’ in büyük bestecileri Haydn ve Mozart’ ı hazırlamıştır.

1770-1830 arasında yazılan eserler Klasik Dönem müziğidir.

8
Londralı besteci Johann Christian Bach, en ünlü senfoni yazarıdır ve piyanoyu halk önünde çalarak onlara
tanıtır. Piyano için sonatlar ve konçertolar yazmaktadır.

Parisli bestecilerin bu dönemdeki en önemli çalışmaları senfonik yapıta iki yada üç solist sunarak “Konsertant
Senfoni” biçimini geliştirmeleridir.

Çeşitlemeler Barok dönemde temaya bağlı kalınarak yapılırdı. Fakat Klasik dönemde tema farklı ve
tanınmayacak kıyafetler ile karşımıza çıkar.

Armonik ritim, bu dönemde daha nettir. Barok yapıtlara göre daha ağır fakat önceki yıllardaki stile göre daha
akışkan adımlarla ilerler.

Bu dönemde gelişme gösteren en önemli biçim, sanattır.

Bu dönemde yaratılan en önemli biçim ise Sinfonia’ dan farklı Senfoni’ dir.

Tarihte ilk kez halk önünde yaylı çalgılar kuvarteti çalan besteci; Luigi Boccherini’ dir.

Haydn orkestrasında 25 yorumcu yer alır. Bu topluluk yaylı çalgılar, flüt, 2 obua, 2 fagot, 2 korno ve bir de
klavsenden oluşur.

1780 yılındaki Viyana’ da bir orkestra’ nın bile 35’den fazla üyesi yoktur.

18. Yüzyıl Sonu

Klasik Dönem Haydn ve Mozart dönemidir.

Beethoven; Klasik ve Romantik Dönemler arasında bir köprü olarak tanımlanır.

Bazı kaynaklarda; Haydn, Mozart ve Beethoven Klasik Dönem üçlüsü olarak yazılır.

Klasik Dönem müziğinin başlıca özelliği, öz ve biçim arasında kurduğu dengedir. Bu konuda Mozart,
Haydn’dan bir adım öndedir.

Ciddi Opera (Opera Seria); açık, kolay anlaşılır, mantıklı, doğal, uluslararası dile sahip olmalı ve dinleyenlere
zevk vermelidir.

Gülünçlü Oera (Opera-Comique) ciddi operanın arasına yerleştirilmiş, müzikli komik oyunlar niteliğindedir.
Güncel karakterler sunar ve yerel dildedir.

Opera Comique, Romantik Dönemde bile Fransa’ da geçerliğini korur.

Mozart bu dönemde operayı kusursuz bir yapıya kavuşturur.

Alman Lied’ i bu tür solo şarkılarda en önemlisidir. Çünkü bir sonraki romantik akımın en gözde vokal biçimi
Lied olacaktır.

1736’ da ilk Lied’ ler Leipzig’ de basılır.

Berlin Lied’ lerinin silabik olması ve halk ezgisi renkleri taşıması öngörülür. Bu özellikler “Sturm und Drang”
akımının duyarlı felsefesinden kaynaklanır.

ROMANT K DÖNEM
19. Yüzyılı baştan sonra kapsar. 1830’ dan 20. Yüzyıl başlarına kadar uzanan müzik akımıdır.

9
19. yüzyıl sonunda ulusçuluk, Post-Romantizm ve izlenimcilik akımlarının kökleri romantizme dayanır.

Kahramanları ve kahramanlık hikayelerini dile getiren düz yazı şekindeki edebiyat yapıtlarına roman denir.

Klasik dönemdeki kuralcı sınırlara bir başkaldırıdır. 18. Yüzyılda müzik; halkın veya belli bir kitlenin eğlencesi
içindir. 19. Yüzyılda bestecinin kendisini anlatması gereksiniminden doğar.

Sanatçılar 12. Yüzyıl Gotik sanatçılarına ilgi duymuşlardır. Sebebi, Klasik Dönem gibi sınırlı kalmamak, öznel
anlatım ve içten gelen bir haykırışı anlatabilmektir.

Konser kurumları ve festivaller artar.

Besteci, küçük kitleli dinleyiciler ve onlar için beste yapmaktan kurtulmuştur.

Dönemin yükselen kişilerinin müziğe ayıracak vakti olmadığından, besteci ile yönetici kitle arasında derin bir
uçurum oluşur.

Romantizm’ i bu dönemde “tanımlanamayan düşgücü” olarak nitelemişlerdir.

Kentleşmenin getirdiği bunalım sonucu sanatçı doğaya sığınmak ister. Bu yüzden doğaya övgü eserlerde önemli
yer tutar.

Müziğin giderek gelişmesi, zor eserleri getirir. Sonuçta amatör bestecilerin yerlerini virtiöz yorumcular alır.

Dönem bestecileri armoni ve kontrpuan sınırlarını zorlamaktadır. Yazılan eserler çalgıların sınırlarını zorlar
niteliktedir.

Berliöz, Paganini, Listz, Verdi, Wagner, Chopin ve Donizetti dönemin önemli bestecilerindendir.

Romantik dönemin gözde çalgısı piyano olmuştur.

Piyano çalma tekniği açısından 19. Yüzylda başlıca üç okul ortaya çıkar; Clementi öğrencilerinin çalma
yöntemleri, Gottschalk’ ın çalma yöntemi, Listz ve Rubinstein’ ın teknik ve virtiözeyi gözeten parlak
yöntemleri.

Rubato çalma tekniği Chopin ile gelişmiştir. Rubato zamanı esnetmek anlamındadır.

Klasik senfoni biçimi; Manheim Okulu ve Haydn-Mozart geleneğiyle ünlenmiştir.

19. yüzyıl klasik biçimde senfoniler; Schubert, Schumann, Mendelson, Bhrams, Mahler ve Brucner tarafından
yazılmıştır.

Beethoven’ in Pastoral Senfonisi ile programlı müzikler başlamıştır.

Programlı müzikler giderek senfonik şiir biçimini ortaya çıkarmıştır.

Listz senfonik şiirin babasıdır. Sonradan Richard Strauss bu biçimin ustası olur.

Senfonik Suit, Suit biçiminin romantik döneme uyarlanmış halidir.

Oda müziği klasik dönemin, Senfoni romantik dönemin ürünüdür.

Schubert’ in Alabalık Beşlisi tüm romantik dönemin en ünlü oda müziği yapıtı olmuştur.

Lied, şiir dizelerinin piyano eşliğinde şarkıya dönüşmesidir.

Beethoven’ ın 9. Senfonisinden sonra bir çok korolu senfoni yazılmıştır.

10
Gerçek anlamda öz ve biçim olarak Romantik anılan ilk senfoni, Schubert’in bitmemiş senfonisidir.

Müzik tarihinde arabesk kelimesini ilk kullanan Robert Schumann’ dır.

Fantastik senfonisinde Berliöz, rlandalı tiyatro oyuncusu Harriet Smithson’ a olan aşkını dile getirir.

Oda müziği 2 veya 8 çalgıdan oluşur, şef gerektirmez.

Oda orkestrası yalnız yaylı çalgılardan oluşur. 18-20 çalgıya kadar ulaşabilir.

Kesintisiz tek bölümde yazılan kompozisyon biçimine “Rapsodi” denir.

19. Yüzyılda Opera

Romantik Dönemin en önemli özelliği, her ülkenin kendine özgü bir müzik anlayışı geliştirmesi, böylece kendi
ulusunun renklerini taşıyan bestelere yol açılmasıdır.

Almanya’ da Richard Wagner’ in müzikli dramları başlı başına çığır açmıştır.

Fransa’ da Meyerbeer, Berliöz, Boieldieu, Offenbach ve Bizet; talya’ da Rossini, Donizetti, Bellini, Verdi ile
müzik (opera için) doruğa tırmanır.

Büyük Opera

19. yüzyıl’ ın ilk yarısında operanın başkenti Paris olarak kabul edilir.

Büyük Opera (Grand Opera)

Fransız Devrimi’ nin getirdiği değişimler ve Napolyonun sanat anlayışı, bu opera türünün doğmasına yol açar.

Kalabalık sahneler, tarihsel ve mitolojik kahramanlık konuları, bale, dans, geniş koro, zengin dekor ve
alabildiğine görkemli müzik grand operanın özelliklerindendir.

Bir önemli özelliği de her sözün müzikleşmiş olmasıdır.

Opera-Comique

Grand Opera ile yarışan bir türdür.

ki türün başlıca teknik farkı, opera-comique’ de resitatif yerine konuşma diyaloglarının da yer almasıdır.

Boyut olarak opera-comique, daha az şarkıcı ve çalgıyı kapsar. Yarı ciddi bir dram veya gülünçlü bir konu ele
alır.

Komik opera, talyan opera Buffa’ sı ve ngiliz Ballad operası’ nın da etkisinde kalmıştır.

20. yüzyılda Amerikan Birleşik Devletleri’ ne kadar yolculuğunu sürdüren komik opera geleneği, değişim
geçirerek müzikale dönüşmüş ve yeni bir canlılık kazanmıştır.

Lirik Opera

Komik Opera’ nın romantik dali bir süre sonra lyrique-opera’ yı geliştirir. Lirik opera; Grand Opera ile
Comique Opera arasında bir yerdedir.

11
 talya’ da Opera

Yenilikleri denemek ve köklerinde değişiklik yapma fikrine talyan besteciler yanaşmamıştır. Fakat romantik
ögeler talyan operasının dokusuna yavaş yavaş işler. talyanların müzik arenasında gösterdikleri en önemli
biçim opera olmuştur. Bu biçimler Seria ve Buffa’ dır.

Orkestra renkleri tahta üflemeli çalgılar ve kornolarla zenginleşir.

19. yüzyıl talya’ nın ciddi (Seria) opera kurucusu Alman besteci Johann Simon Mayr’ dır.

talya operası için önemli 4 isim; Rossini, Bellini, Donizetti ve Verdi’ dir.

NOT: Wagner 1869’ da “Müzikte Yahudilik” başlığı altında bir yazı yayımlamıştır.

NOT: 19. Yüzyıl sonunda ortaya çıkıp, 20. Yüzyıl sanat dallarını etkileyen akım “Sembolizm” dir.

19. yüzyıldan kaynaklanan ve operayı etkileyen akım ise Verisimo (Gerçekçilik) akımıdır.

Post Romantikler

Bu zamanda Alman kültürüne karşı Avrupa’ da iki akım gelişir. Her ülkenin kendi müziğini arayıp bulduğu
ulusçu akım, diğeri de Fransız okulunun geliştirdiği zlenimcilik akımı.

Anton Bruckner, Gustav Mahler, Hugo Wolf, Richard Strauss; romantizmin son dönemindeki müzik dilini yeni
çağa taşıyan bestecilerdir.

Post Romantik bestecilerin ortak özellikleri, uzun ve büyük çaplı senfonik eserler yazmaları, müzikte
betimlemeler yapmalarıdır.

NOT: Hildegard von Bingen (1098-1179) özgeçmişi bilinen ilk kadın bestecidir.

Tarihte Kadın Besteciler

Rönesans dönemde ilk kez madrigal kitabı yayınlayan kadın besteci; Casulana Maddalena dikkat çekmiştir.

Erken barok dönemde rastlanan ilk kadın besteci Barbara Strozzi.

Olgun barok dönemde Fransız besteci Elisabeth-Claude Jacquet de la Guenne.

Romantizm döneminde Clara Schumann (Robert Schumann’ ın eşi)

Fanny Mendelsshon (Felix Mendelsshon), Alma Mahler (Gustav Mahler)

20. yüzyılda ünlenen Amerikalı besteci Amy Bench.

Modern Amerika’ nın ilginç kadın bestecisi; Ruth Crawford Seeger (1901-1953)

Günümüzde Rus Sofia Gubaidulina, Japonya’ da Keiko Abe, talya’ da Ade Gentile gibi bestecilerle, Türkiye’
de bir çok kadın besteci yetiştirmiştir.

Romantik Dönemden 20. Yüzyıla geçiş

Fırtına ve Gerilim akımının müziğe yansıttığı içedönük ve aşırı duygusal söylem, bir sonraki çağın ilk yarısında
kullanılan melzemeyi de içerir.

12
Beethoven; Klasik akımı Romantik akıma bağlayan bir köprüdür.

Rus Beşleri; Mili Balakirev, Cesar Cui, Aleksandr Borodin, Modest Mussorgski, Nikolay-Rimsky Korsakov.

Çaykovski’ nin Bale için 3 dev yapıtı bulunmaktadır. Kuğu Gölü, Uyuyan Güzel ve Fındıkkıran.

19. yüzyıl’ ın son yirmi yılında Rus Beşleri öncülüğünde Avrupa’ nın her yanından ulusal renkleri işleyen
besteciler ortaya çıkar.

Bohemya’ da yetişen Stamitz gibi besteciler Mannheim Okulunu kurarak müzik tarihindeki senfoni geleneğini
yerleştirmişlerdir.

Kamışlı, madeni üflemeliler ve vurmalı çalgılardan oluşan müzik topluluğuna bando adı verilir.

En eski ilk bando topluluğu 1771’ de Josiah Flagg tarafından kurulan 64. Alay bandosudur.

20. YÜZYILA G R Ş
Bazı kaynaklara göre 19. Yüzyıl’ ın son döneminden (1880), 20. Yüzyıl sonuna dek bestelenen müziğin tümü
Modern Müziktir.

Bazı kaynaklara göre ise 1900’ ün ilk yıllarından itibaren modern müzik, sonrası ise Post Modernizm
dönemidir.

Romantik dönemin sonlarında akorların karmaşık kurgusu, müzik anahtarının sürekli yer değiştirmesi,
dolayısıyla armonik yürüyüşün belli bir ses merkezine bağlı kalmayışı gibi ögeler göze çarpar.

20. yüzyılda söz edeceğimiz bir akım ise “Secession” akımını temsil eder.

20. yüzyıl müziğinde başlıca adı geçen akım “Modernizm” dir.

Belli bir müzik merkezine (tona) bağlılık ortadan kalkacaktır.

Uyumlu akorlar kadar uyumsuz akorlarda özgürlük kazanır.

Atonal müzik, 20. Yüzyılı diğer çağlardan ayıran satırbaşı özelliklerden biri olacaktır.

Avrupa merkezli olan müzik, yeni tanışmanın etkisi altında kalacaktır. Uzakdoğu, Orta Asya, Güney Asya,
Afrika ülkelerindeki yerel müzikler; gerek yapıları gerekse çalgıları ile büyük ilgi toplayıp, Avrupa ve
Amerikalı bestecilere esin kaynağı olacaktır.

19. yüzyılda talya’ da batı katı gerçekçiliği anlatan operalar, 1900 ile birlikte ruhsal sorunları dışa vuran,
toplumsal değerleri içeren, kısa süreli, güncel konuları işleyen, sıradan dekor ve kostüm gerektiren operalarla
daha yumuşak insancıl konulara döner.

Bu çağın teknolojik gelişmeleri bireyselliği öne çıkararak bestecileri enstrüman odaklı beste yapmaya teşvik
etmiştir. Bir süre opera yazılmamasının sebebi budur.

zlenimcilik akımı, bestecinin yazdığı eserde dinleyicide de kendi tepkilerini uyandırma amacındadır. zleyicide
de aynı tepkiyi uyandırmak.

20. yüzyılın ilk 10 yılında orkestra kavramı doruğa ulaşır. (Çalgı sayısı ve ses rengi)

Birinci Dünya Savaşı sonrasında anti-romantik akım ile büyük orkestralar yerini küçük topluluklara bırakır.

Caz Müziği

13
Caz müziğinin kökenleri 19. Yüzyıl sonunda Kara Afrika boylarından ABD’ ye getirilen toprak kölelerinin,
özgün elbiseleriyle New Orleans’ daki ilk yerleşim bölgesinde var olanAmerikan müziğinin birleşimine dayanır.

Afrika’ nın ritim ve ezgi dağarcığı, batı müziğinin armoni dili ve biçimleriyle Afro-Amerikan bir birleşim
oluşturmuştur.

Protestan zenci kölelerin “spiritual” adını alan ruhani şarkıları, iş şarkıları, savaş şarkıları, tapınma yakarışları ve
duygulu bluesları; Amerikan popüler şarkılarıyla kaynaşmıştır.

Başlıca özellikleri doğaçlama, poliritim, noktalı (senkoplu) ritim, swingli çalış, karmaşık armoniler ve kendine
özgü bir tonlama biçimi sayılabilir.

1921’ de John Alden Carpenter, Krazy Kat adlı caz bestesini yazar. Böylelikle Klasik müzik ile Caz ilk kez
birlikte kullanılmaya başlar.

kinci Dünya Savaşı’ ndan sonra Penderecki ve Babbitt gibi bestecilerde büyük orkestralarda caz stili
uyarlaması yapmışlarıdır.

NOT: Atonalite yönteminin bulucusu; Arnold Schönberg “belli bir tona bağlı olmayış, birden çok tona bağlılık”
tanımını yeğ tutar.

Dışa vurumculuk akımı (Expressionizm) bir biçem özgürlüğü, güçlü anlatım ve kocaman bir çığlıktır. Özü daha
net ve sınırsız anlatabilmek amacıyla kalıplardan ve sınırlardan kurtulmak için bir başkaldırıdır.

Her sanat dalı bu akımda özü aktarmak için kendine göre teknik yöntemler geliştirir. ( kinci Viyana Okulu
Bestecileri) Ortak nokta, kalıpları kaldırmak, geleneksel tümce yapısını ve biçim sınırlarını yıkmaktır.

Müzik tarihinde Haydn, Mozart, Beethoven, Birinci Viyana Okulu; Schönberg, Berg ve Webern, kinci Viyana
Okulu adıyla anılır.

Yeni Klasikçilik

20. yüzyılın ilk yarısında teknik kurguyu sağlamlaştırmak adına; Klasik, Barok hatta Barok öncesi dönemlere
başvuran besteciler için kullanılır.

Akımın öncü yapıtı Stravinski’ nin Pulcinella Balesi (1920) olarak bilinsede, Sergey Prokofiyev’ in Klasik
Senfonisi (1917) daha önce aynı özellikleri göstermiştir.

kinci Dünya Savaşı arasında kalan yıllarda Avrupa’ da pek çok besteci Yeni Klasik akımdan esinlenmiştir.

Klasiğe dönüş, yeni müzik dili arayışında çok kaynaklı incelemelere ve seçmeciliğe (eklektizm) doğru yeni
ufuklar açmıştır.

NOT: Yararlı müzik; Paul Hindemith, Kurt Weill ve Ernst Krenek gibi bestecilerin ortaya attıkları müzik
türüdür. Amaç; sanatı daha geniş çevrelere yayma, eğitim amacıyla kullanma görüşünden kaynaklanmıştır. Bu
da sanat halk için görüşünü desteklemektedir. “Üç Kuruşluk Opera” yapıtı buna en güzel örnektir.

Folklorizm

20. yüzyıl’ da sömürgeciliğin sona ermesi ile her ülke kendi sınırlarını çizmiş ve kendi ulusal özelliğini taşıyan
müziği üretmek zorunda kalmıştır.

Amerika’ da yerlilerin Kızılderili geleneğinin müziği kadar, caz müzikte sanat müziğine dahil edilir.

Türk Beşleri başta olmak üzere; Tüzün, Baran, Sun, Akın gibi besteciler, Anadolu’ nun yöresel halk müziğini
inceleyip çok sesli sanat müziği içinde bütünlemişlerdir.

Gelecekçilik
14
1909 yılında Filippo Tommaso Merietti; bir paris gazetesinde yayınladığı bildirgeyle gelecekçi sanat akımının
başlamasına yol açar.

Amaç; çağdaş makinelerin getirdiği hızlı devinimden kaynaklanan yeni yaşamın, enerjik ve dinamik
niteliklerini, canlı bir şekilde sanata yansıtmaktır.

Felsefesi kolayca; artık sanatçı sokağa çıkmalı, kalabalığın arasına karışmalı, yaşamın içindeki sesleri sanatına
yüklemelidir.

sviçreli besteci Honegger, ilk kez 1921’ de müziklediği “Hazreti Davud” adlı dramatik mezmuruyla
ünlenmiştir. Pasifik 231 adlı senfonik bölümüyle doğruğa çıkmıştır.

NOT: 20. Yüzıl’ da Modern Operayı hazırlayan akımlar; Post-Romantizm, talyan gerçekçiliği ve ulusçuluktur.

ABD’ de Opera ve Müzikal

1930’ da Copland ve Thompson, Çğdaş Amerikan Müziğinin zenginliğini, halk ezgileri, caz ve koral müzikle
birleşmiştir.

John Cage, 1960’ ların başında değişik ortamları birleştirerek görsel ve işitsel sanatlara yeni bir giysi sunar.
Canlı elektronik müzik yorumuyla ışık etkinliğini birleştirdiği HPSCHD, yeni bir çıkış noktası bulur.

NOT: HPSCHD; John Cage’ in farklı ortamları bir araya getirerek oluşturduğu eserdir. (HaPSiCHorD)

Batı Müziği’ nin dışında Uzakdoğu ve Asya normlarını müziğe taşıyan operalar hipnotize edici bir etkinin
peşindedir.

Müzikal

Müzikal tiyatro ailesinden türeyen operet benzeri bir türdür.

Çağdaş Amerikan Müziğinin özelliklerinden biridir.

Müzikalin içinde tiyatroyla birleşen danslar, şarkılar ve renkli bir orkestrayla görkemli sahneler yer alır.

20. Yüzyılda Amerikalı Besteciler ve Elektronik Müzik

Amerika’ da geleneksel sanat anlayışı ile avant-garde’ i birleştiren köprü besteci Charles Ives’ dir.

Schönberg ve Stravinski başta olmak üzere savaştan kaçan besteciler, Amerika’ ya yerleşmeye başladı. Böylece
Çağdaş Amerikan Müziği geniş bir ses paleti ve büyük formlara yönelir.

Elektronik Müzik

Sesleri elektronik üretilen her müzik, elektronik müzik olarak tanımlanır.

Önceleri yalnız sanat müziğinde denenmiştir. 1970’ den sonra popüler müziğin besin kaynağı olmuştur.

NOT: Akustik Çalgıları güçlendirmek için ilk deney 19. Yüzyıl’ ın başında yapılmıştır. Beethoven Wellington’
un Zaferi başlıklı yapıtında, nepomuk tarafından icat edilen mekanik bir aygıt kullanılmış; bu aygıtların hava
basıncından faydalanıp üflemeli yaylı ve vurmalı çalgıların sesini ikiye katlayan bir etki yaratmıştır.

1906’ da Thaddeus Cahil; Telarmanyum adını verdiği, dinamolarla ses üretilen 200 tonluk bir aygıt yaptı.

1952’ den başlayarak dünyanın değişik merkezlerinde elektronik müzik stüdyoları kurulmuştur.

15
NOT: 1946’ da Almanya’ nın Darmstadt kentinde kurulan Darmstadt Okulu, 1Sanat Sanat çindir” anlayışının
barınağıdır. Tümel dizisellik (Total Serializm) tekniği bu akımın başlıca özelliğidir.

20. Yüzyıldan 21. Yüzyıla Doğru

Bu dönemdeki bestecilerin en büyük şansı, kendinden önceki binlerce yılın getirdiği birikimi bir başvuru
kaynağı olarak kullanabilmesidir.

Sanat sanat içindir sözünün yeniden geçerli olduğu bir döneme kapılar açılmıştır.

2000’ li yıllardan bu yana yalnız yeni müziğe adanmış festivaller ve konser dizileriyle, giderek gelişen bir
izleyici kitlesine kavuştuğu da bir gerçek.

Özgür Denemeler

Dada, Birinci Dünya Savaşı’ yla yaşanan gereksiz vahşeti protesto eder. Yerleşik ahlak kurallarının ve estetik
değerlerin anlamsızlaşmasından yakınır.

Andrea Breton’ un bildirgesinde her türlü denetime başkaldıran, estetik ve ahlaki değerleri sarsan savlar, müziğe
de yeni bir rüzgar getirir. Sezgiselin ve doğaçlamanın rüzgarıdır bu. Böylece besteciye de yorumcuya da bir
özgürlük tanınır.

Minimalizm

Minimal müziğin beşiği Amerika’ dır.

Batılı besteciler esin kaynağı’ nı; Uzakdoğu, Japonya, Bali, Endonezya, Hindistan ve Afrika’ da bulur.

Minimalist besteci; ritim, armoni ve biçim kaygısını bir kenara bırakarak; tek düze bir ortam ve büyülemişçesine
kendinden geçiren bir müzik yaratma peşindedir.

TÜRK YE’ DE MÜZ K

Türk Müziği tarih boyunca, batı müziğinden farklı bir ses sistemi içinde kendi geleneğindeki makam ve usul
yapısında gelişmiştir.

Türklerin islam dininden önce şaman inancına bağlı oldukları ve bu kökten kaynaklanan vurmalı çalgıların
etkisindeki askeri müzik geleneği, Osmanlı mparatorluğu’ nun mehter müziğine aktardıkları bilinir.

Sanat Müziği; divan edebiyatına bağlı güfteleriyle sarayda ve dinsel çevrelerde yorumlanan müziktir.

Halk Müziği; halk edebiyatına dayanan, halk arasında çalınıp söylenen ve kendine özgü aksak ölçüleri içeren
müziktir.

Polifoni 19. Yüzyıldan sonra Türk Müziğine girmeye başlamıştır.

II. Mahmut; 1826’ da Yeniçeri Ocağını kaldırıp yerine Asakir-i Mansure-i Muhammediye’ yi kurmuştur. Aynı
zamanda Yeniçeri Mehterhanesini kaldırarak Muzika-yı Hümayun’ u oluşturmuş ve başına da talyan Giuseppe
Donizetti’ yi getirmiştir.

Donizetti’ nin kurduğu topluluk yalnız askeri bando değil, saray bandosu olarak da görev yapmıştır.

Donizetti 1846’ da bu topluluğuna yaylı sazlar bölümü ekleyerek batı tarzında bir orkestra kurmuştur.

Topluluk stanbul sokaklarında verdiği konserlerle halkı çokseslilik ile tanıştırmıştır.

16
Sultan Abdulmecid batılı anlamda müzik öğrenen ve piyano çalan ilk padişah olmuştur.

Sultan Abdulaziz ilk çoksesli beste yapan padişah olarak bilinir.

Sultan V. Murat ise üç ciltlik solo piyano parçalarıyla batı tarzındaki en zengin beste dağarına sahip padişahtır.

Sultan II. Abdulhamid’ in piyano ve keman çaldığı da bilinir.

Donizetti’ nin ardından Muzika-yı Hümayun’ un başına geçen Guatelli Paşa, Türk şarkılarını armonize etmiş ve
marşlar bestelemiştir. Ayrıca nota kitaplığı kurarak büyük hizmet vermiştir.

1908’ de Meşrutiyetin ilanından sonra, Saffet Atabinen; lk Türk Şef olarak bu topluluğun başına geçmiştir.

1917-1918 yıllarında Muzika-yı Humayun, Zeki Üngör yönetiminde Avrupa’ nın çeşitli kentlerinde konser
turneleri yapmıştır.

Yeniçeri de mehterhane dağılınca Muzika-yı Humayun kuruldu. Önce Fransız Manguel, sonra da Giuseppe
Donizetti bando şefi olarak gelir.

Donizetti, Mahmudiye Marşını besteleyen bestecidir.

1856’ da “Paşa” ünvanı almıştır. (20 yıl hizmetinden sonra)

Donizetti, Abdulmecid padişah olunca Mecidiye Marşını besteler. Macidiye marşı 22 yıl boyunca ulusal marş
olarak çalınmıştır.

Cumhuriyetle Kurumsallaşan Çoksesli Müzik

Müzik tarih boyunca kitleleri en çabuk etkilemiş sanat dalı olarak Atatürk’ ün devrimleri arasında ilk sırayı
almıştır.

Atatürk, 1924’ te Muzika-yı Humayun’ u stanbul’ dan Ankara’ ya çağırtmıştır. Bundan sonra bu topluluk
Risayet-i Cumhur Musiki heyeti adını almıştır.

Sonradan bu topluluk Riyaset-i Cumhur Filarmoni Orkestrası, daha sonra da Cumhurbaşkanlığı Senfoni
Orkestrası adını alacaktır.

stanbul’ da 1917’ de kurulan ilk müzik eğitim kurumu Darülelhan (Melodiler Evi), Cumhuriyetle birlikte
yeniden şekillenerek bir konservatuara dönüşmüştür. Bu kurum daha sonra stanbul Belediye Konservatuarı ve
. Ü. Devlet Konservatuarı’ na dönüşecektir.

1924’ te Ankara’ da kurulan Musiki Muallim Mektebi, öğretmen yetiştiren bir kurum olarak önemli bir işlev
üstlenmiş, 1936’ da kurulacak Ankara Devlet Konservatuarı’ nın ilk tohumları atılmıştır.

1935’ te ünlü alman besteci Paul Hindemith, müzik yaşamını ve müzik eğitim kurumlarını yeniden düzenlemek
için Ankara’ ya davet edilmiştir.

Hindemith’ in hazırladığı bir öğretim raporu uyarınca 1 Kasım 1936 tarihinde Ankara Devlet Konservatuarı’ nın
açılışı gerçekleşmiştir.

Türk Beşleri

Atatürk döneminde yurt dışına gönderilmiş besteciler, Avrupa ülkesinde öğrendiklerini yapıtlarında uygulamış
bestecilerden oluşur.

17
Bu kişiler besteci, eğitimci, müzik kurumlarının kurucusu, birer çalgı ustası ve orkestra şefi olarak dahizmet
vermişlerdir.

Türk Beşleri; Necil Kazım AKSES, Cemal Reşit REY, Hasan Ferit ALNAR, Ahmed Adnan SAYGUN, ulvi
Cemal ERK N’ dir.

Türk Beşleri tanımı, Halil Bedii Yönetken’ in “Rus Beşleri” ne öykünerek yaptığı bir yakıştırmadır.

Ortak amaç; Türk müziğinin makamsal, ezg,sel ve ritimsel yapısıyla batı’ nın polifonik dokusunda, batı biçim
ve tekniğini kullanarak besteler yapmaktır.

Yeni Türk Müziği’ nin ilk ürünü Cemal Reşit REY’ in 1926’ da yazdığı ve hemen o yıl Paris’ in Playel
salonunda seslendirilen, Heugel matbaası tarafından yayımlanan 12 Anadolu Türküsüdür.

kinci kuşak Cumhuriyet bestecileri ve “Avant Garde” olarak adlandırılır ve Bülent AREL ve lhan
USMANBAŞ öncüdür.

12 ses yöntemi ve dizisellik gibi yöntemleri uygulamıştır.

Kemal LER C ; dörtlü armoni yöntemiyle makamsal müziği çokseslendirme yoluna gitmiştir.

Batı Müziğindeki Türk Etkileri

Batı müziğinde Türk etkisi, orkestralardaki vurmalı çalgılarda, tirmik dokuda, gizemli ezgilerde, opera ve bale
yapıtlarının tiplemelerinde, konularında ya da mekanlarında gözlenir.

Mehter bandosu; batıya Türk sesini duyuran başlıca öge olmuştur.

Batı orkestrasının yerleşik çalgıları arasına giren nice vurmalı çalgı; nakkane, kös, üçgen zil ve çevgan gibi Türk
mehter müziği çalgılarından gelmedir.

kinci viyana kuşatması’ ndan sonra başta viyana olmak üzere tüm avrupada bir Türkomanya yaşanır. (Kahve,
lokum, maskeli balo, ip cambazları, karnavallar, kuklalar)

1770’ lerde Türk Marşı yazmak, bir çok batılı besteci arasında moda haline gelir. Mozart La Majör piyano
sonatının son bölümünü “Alla Turka” başlığı altında bir marş yazar. (1778)

kinci kuşak Türk besteciler (Türk Beşlerinden sonrası); Kemal LER C , Ekrem Zeki ÜN, Bilent TARCAN,
Bülent AREL, lhan USMANBAŞ, Ertuğrul Oğuz FIRAT, Nevit KODALLI, lhan M MAROĞLU, Ferit
TÜZÜN’ dür.

Üçüncü Kuşak Türk Besteciler; yer yer çağın getirdiği karmaşık yapıları kullanmışlardır. Post-Webern
diziselliğinde ton duygusundan arınmış yapılar bestelemişlerdir. Kemal SÜNDER, lhan BARAN, Ali Doğan
S NANG L, Muammer SUN, Cenan AKIN, Çetin IŞIKÖZLÜ, Ahmet YÜRÜR, Okan DEM R Ş’ dir.

Bu bilgiler Evin LYASOĞLU’ nun “Zaman çinde Müzik” kitabının özeti niteliğinde yazılmıştır. Başka bir
kaynak kullanılmamıştır. Düzeltme ve dönüt için;

Yiğit ERKOÇ
[email protected]

18
 RAKAMLARLA DÜNYA MÜZİK ENDÜSTRİSİ

✓ Toplam global gelirlerde % 5,9 artış

✓ Dijital gelirler toplam gelirlerin % 50’si
✓ Dijital gelirlerde % 17 artış
✓ Dinleme (streaming) gelirlerinde % 60,4 artış
✓ Fiziki satışlarda % 7,6 düşüş
✓ İndirme (download) satışlarında % 20,5 düşüş

1. Dünya Müzik Endüstrisi Gelirleri (Milyon ABD $)

2014 2015 2016

Fiziki Satışlar 6.100 5.800 5.400

Dijital Satışlar 6.000 6.600 7.800

Temsili Alan 1.900 2.000 2.200

Senkronizasyon 300 400 400

Toplam Pazar 14.300 14.800 15.800

*Temsili alan gelirleri yapımcıların ve yorumcuların gelirlerini içermektedir. Diğer gelirler yapımcıların gelirleridir.

Toplam Müzik Endüstrisi (Milyon ABD $)

20.000
15.800

18.000
20.000

16.000
19.400

14.000
18.200

16.900

14.800

12.000
15.800

14.800
14.900

14.900

14.600

14.300

10.000
8.000 Toplam Müzik Endüstrisi
(Milyon$)
6.000
4.000
2.000
-
2005 2006 2007 2008 2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 2016
Fiziki Satışlar (Milyon $)

Fiziki Satışlar (Milyon ABD $)

17.900
16.300
20.000

14.100
18.000

11.900
16.000

10.400
14.000

8.900
8.200
12.000

7.600
6.800
6.100
10.000

5.800
5.400
8.000 Fiziki Satışlar (Milyon $)
6.000
4.000
2.000
-

Dijital Satışlar (Milyon $)

Dijital Müzik Endüstrisi (Milyon ABD $)

9.000 7.800
6.600

8.000
6.000
5.700
5.400

7.000
4.900
4.300

6.000
4.100
3.700

5.000 Dijital Müzik

2.900

4.000 Endüstrisi…
2.100

3.000
1.100

2.000
1.000
-
2005 2006 2007 2008 2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 2016
Temsili Alan Gelirleri (Milyon ABD $)*

Temsili Alan Gelirleri (Milyon ABD $)

2.500

2.000

2.200
2.000
1.900
1.700
1.500

1.600
1.400

1.400
1.300
1.300

1.000
1.200
1.000
900

500

-
2005 2006 2007 2008 2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 2016

*Yapımcılar ve yorumcular
 2. Fiziki Satışlar (Adet)

Yıllara Göre Fiziki Satış Adetleri (Milyon adet)

Dijital
LP CD Music Video DİĞER Albümler Singles TOPLAM

2005 4 1.939 149 196 18 572 2.878

2006 3 1.773 121 120 38 855 2.910

2007 6 1.561 111 88 63 1.144 2.973

2008 5 1.342 93 58 96 1.632 3.226

2009 6 1.084 94 36 122 1.815 3.157

2010 6 970 79 13 145 1.888 3.101

2011 9 913 72 10 181 2.088 3.273

2012 12 813 67 9 209 2.305 3.415

2013 16 711 53 9 216 2.182 3.187

2014 23 630 42 7 209 1.958 2.869

2015 32 569 34 9 208 1.649 2.501

2016 38 492 31 4 166 1.318 2.049

Toplam Fiziki Satış Adeti (Milyon adet)

3.500
3.415
3.226

3.000
3.273

3.187
3.157

3.101
2.973
2.910

2.869
2.878

2.500
2.501

2.000
2.049

1.500

1.000

500

-
2005 2006 2007 2008 2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 2016
 1.939
CD (Milyon Adet)
2.000

1.773
1.500
1.561
1.342
1.000 1.084
970
913
492 CD
500 813
711
630
569
-
2005 2006 2007 2008 2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 2016

Dijital Albümler (Milyon Adet)

209
216

250
208
209
181

166

200
145
122

150
96

Dijital Albümler
100
63
38

50
18

LP (Milyon Adet)
40
38
30 32

20 23
16
10 12 LP
4 3 6 5 6 9
6
-
20052006
2007 2008
2009 2010
2011 2012
2013 2014
2015 2016
 3. Bölgelere Göre Pazar Durumu

2016 Bölgelere Göre Büyüme Oranları

Asya ve Avustralya 5,10%

Avrupa 4%

Latin Amerika 12%

Kuzey Amerika 7,90%

2016 Global Bazda İlk 10 Pazar

Temsili
Ticari Değer Fiziki Dijital Alan Senkroniza
Ülke Adı (milyon $) (%) (%) (%) syon (%)

1 ABD 5.318,2 18% 70% 8% 4%

2 Japonya 2.746,0 73% 20% 6% 1%

3 İngiltere 1.251,1 32% 47% 19% 2%

4 Almanya 1.212,0 52% 32% 16% 1%

5 Fransa 849,59 38% 30% 29% 3%

6 Kanada 367,98 27% 63% 9% 0%

7 Avustralya 357,26 23% 64% 11% 2%

8 Güney Kore 330,17 35% 59% 5% 0%

9 İtalya 263,77 41% 34% 22% 3%

10 Hollanda 243,4 28% 43% 29% 1%

Fiziki Satışlarda İlk 10 Pazarın Global Pazardaki Payları

Japonya 37,6%

Amerika 17,9%

Almanya 11,7%

İngiltere 7,5%

Fransa 6,0%

Güney Kore 2,2%

İtalya 2,0%

Kanada 1,8%

Avustralya 1,6%

Hollanda 1,3%

2016 Global Bazda İlk 10 Vinly Pazarı

Gelir (Milyon Fiziki Pazardaki

Adet (Milyon) $) Payı

Amerika 17,2 269,2 28%

İngiltere 4,2 56,4 14%

Almanya 3,5 47,2 7%

Fransa 1,6 22,9 7%

Japonya 1,6 29,7 1%

Kanada 1,5 21,5 22%

Hollanda 1,4 15 22%

İtalya 0,8 12,2 11%

Avustralya 0,7 11,7 14%

Güney Kore 0,5 8,6 7%

Kaynak: (IFPI 2017 Global Müzik Raporu)

Record Label (Plak Şirketi)

A record label or record company is a brand or trademark associated with the marketing
of music recordings and music videos. Sometimes, a record label is also a publishing
company that manages such brands and trademarks, coordinates the production,
manufacture, distribution, marketing, promotion, and enforcement of copyright for
sound recordings and music videos; conducts talent scouting and development of new
artists ("artists and repertoire" or "A&R"); and maintains contracts with recording artists
and their managers. The term "record label" derives from the circular label in the center
of a vinyl record which prominently displays the manufacturer's name, along with other
information.

Big Three Record Labels

source: https://www.thebalance.com/big-three-record-labels-2460743

As a music fan, it may seem like there are hundreds of music labels across the world. New
record companies are created every day, catering to niche audiences and music styles. However,
these companies are just subsidiaries of the major labels. In reality, there are just three major
record labels; all of the others are actually part of these labels. In 2012, Universal Music
purchased EMI, reducing the Big Four labels to the Big Three.

The Big Three

The Big Three record labels are the three major records labels. They are:

Sony BMG https://www.thebalance.com/sony-bmg-profile-2460425

Universal Music Group https://www.thebalance.com/universal-music-group-2460426

Warner Music Group https://www.thebalance.com/warner-music-group-company-

profile-2460620

These labels represent the majority of the music sold, making up as much as 80% of the music
market or more depending on the year.
Artists who are signed to a major record label are either signed to the central label or signed to
a subsidiary of the label. For instance, a band may be signed to Sony, or they may be signed to
the Sony subsidiary label Columbia Records. These subsidiary labels have their own staff, sign
their own artists and make most of their own financial decisions. However, they are answerable
to the "main" company, who sets their overall budget and makes decisions like reducing staff at
the subsidiary. A poor performance can close the subsidiary and lead its artists to be distributed
among the other subsidiaries under the major label.
In this respect, the hierarchical structure of a major label can be quite complex and can differ a
bit from label to label.

In essence, a Big Three label is a corporation that manages several smaller businesses. In
addition to the labels that are divisions of the major, these Big Three record companies also
sometimes offer distribution to indie labels. Under these deals, the major label offers the indie's
releases to stores along with their own releases, but they do not have a say in what albums the
indie releases or how the indie manages their label.
Controversy Over the Big Four
In 2012, Universal Music expressed interest in purchasing EMI, making an offer of $1.9 billion. On
June 14, 2012, consumer watchdog groups released a report encouraging the government to halt
the deal, stating that the buyout would cause major issues in the industry. The new mega power
would be able to disrupt pricing, costing consumers significant amounts of money.
There was a congressional hearing on the issue and it was examined by European authorities as
well. After several months of debate, American and European regulators approved the takeover
of EMI. By doing so, Universal Music gained access to the work of major artists, including the
Beatles, Pink Floyd, Lady Gaga, Kanye West and more.
This sale created a huge shift in the industry, consolidating power to the Big Three and changing
the business landscape. With this buyout, the Big Three now controlled the vast majority of the
music market. In response, some artists, in an attempt to gain control over the work and career,
moved to independent labels or opted to self-publish.
With the internet and various distribution options now available, the music industry landscape
continues to change based on the Big Three.

Also:

https://en.wikipedia.org/wiki/List_of_record_labels

https://en.wikipedia.org/wiki/Template:Music_industry
Recording of the voice

1
RECORDING OF THE VOICE

ICINDEKILER

Stüdyo mikrofonları ………………………………………….. 3

Sahne mikrofonları………………………………………….... 6

Sanatçı ve mikrofon ………………………………………….. 7

Kayıt ve sonrası ………………………………………………..7

Mikrofon Incelemeleri………………………………………….8

2
RECORDING OF THE VOICE

STUDYO MIKROFONLARI

- Mikrofonlar ses dalgalarını elektrik sinyallerine dönüştürerek kaynaktan çıkan sesin

yükseltilmesi, kaydedilmesi ve taşınması gibi işlemlerde kullanılır.
- Stüdyolarda en çok kullandığımız mikrofon tipleri dinamik ve conderser
mikrofonlardır.

DİNAMİK MİKROFONLAR

- Günümüzde en çok gördüğümüz ve rastladığımız mikrofon türü dinamik

mikrofonlardır.
- Yüksek basınçlı seslere karsı daha dayanıklıdırlar.
- Kural olmamakla birlikte Gitar amfileri, perküsyon, davul gibi yüksek akustik güç açığa
çıkaran enstrümanların kayıtlarında tercih edilir.
- Shure, Akg, Beyerdynamic en çok tercih edilen mikrofonlardır.

CONDENSER MİKROFONLAR

- Diger mikrofonlara göre daha hassas ve esnektirler. Bunun daha fazla sesi algılamak
gibi pozitif bir yanı olmasıyla beraber daha çabuk zarar görme gibi de bir negatif durumu
vardır.

- Conderser mikrofonlar diğer mikrofonlardan farklı olarak 48 volt elektrik veren bir güç
kaynağına ihtiyaç duyarlar.

- Yine kural olmamakla beraber bu mikrofonlar *vokal, yaylı çalgılar, akustik ve klasik
gitar kayıtlarında tercih edilir.

3
RECORDING OF THE VOICE

STUDYO MIKROFONLARINDA ÖNEMLI ÖZELLIKLER:

- Konderser ve dinamik mikrofonlar kapsüllerinin boyutlarına göre sıralandırılırlar.

- Bu durum iki sınıfta degerlendirilir; genis diyafram ve kücük diyafram.

- Iyı donatılmıs stüdyolarda iki çesitte mutlaka yerini alır.

Mikrofonları diyaframa göre daha detaylı inceleyecek olursak;

Genis Diyaframlılar;

- Vokallerden yaylılara, üflemeli çalgılardan vurmalı çalgılara kadar

genişdiyaframa sahip kondenser mikrofonları herhangi bir kayıt için
kullanabilirsiniz.

- Birden fazla müzik aletlerinin kullandığı yapıların kaydında

kullanılmaları onları stüdyolar için çok yönlü mikrofonlar olmalarının
nedenidir.

- Ayrıca güçlü bas enerjili gürültü kaynaklarının da (düşük frekanslı

davul sesleri) yakalanmasında uygun olan genis diyaframa sahip dinamik
mikrofonlar da vardır.

4
RECORDING OF THE VOICE

Kücük diyaframlılar;

- Akustik gitarlar, ziller, arp ya da herhangi bir kısa süreli keskin ve genişletilmişarmonik
sesler için süphesiz seçimdir.

- Bu tüy sıkletlerin bir artısı da (genellikle ince silindirik şekline bağlı olarak kalem mikrofon
olarak adlandırılırlar) kolay konumlandırılabilir olmalarıdır.

Yani;

Diyafram boyutunun etkileri  

Diyafram büyüdükçe

* İç gürültü (Self Noise) azalır

* Frekans Aralığı (Frequency range) daralır

* Taşıyabileceği Ses Şiddeti Seviyesi (SPL Handling) değeri azalır

* Dinamik aralığı (Dynamic range) azalır

* Hassasiyeti (Sensitivity) artar

5
RECORDING OF THE VOICE

SAHNE MIKROFONLARI

SAHNE MIKROFONLARININ ÖZELLIKLERI;

- Sahnede kullanılan mikrofonlar sanatçı, enstrüman, sahne, akustik, büyüklük vb. Özelliklere
göre degisiklik gösterir.

- Marka, modelden ziyade mikrofonun yapısı önemlidir bu açıdan inceleyecek olursak;

Cardioid (Kalp şekilli)

Sadece önden gelen sesleri alır, arkadan gelenleri reddeder.

Supercardioid (süper kalp şekilli)

Cardiodid'den daha dar bir ön alışalanı vardır ancak tam arkada da dar bir alandan gelen sesleri
alır, arkada iki ölü noktası vardır. Ana ses kaynağı ile beraber mekandan yansıyan ambiyansı da
hafifçe almak için idealdir.

• Ön yarıküre ile arka yarıküre alışı arasında maksimum fark (sahne mikrofonlaması için idealdir)
• Cardioid'den daha fazla izölasyon

• Cardioid'den daha az mekân yankısı (reverb) alışı

6
RECORDING OF THE VOICE

SANATÇI VE MIKROFON

- Günümüzde teknolojiyle birlikte kayıtlarda ve sahnede sanatçıların ‘kendini buldukları’

mikrofonlar mevcuttur.

- Sanatçıların ses yapıları, kayıt ve sahnede ki hareketliliklerine göre tercihleri degisir.

- Sanatcı kayıt sırasında mikrofonu çok yakın kullanıyorsa mutlaka pop filter kullanılmalıdır
gibi basit ama çok önemli bir nokta mevcuttur.

- Mikrofon seçimi kesinlikle sarkının tarzına göre de degisiklik göstermektedir.

KAYIT VE SONRASI

- Stüdyoda doğru yerlesim yapıldıktan sonra mutlaka sesler kontrol edilmelidir.

- Gerekirse bir kaç kez prova kaydı yapılmalı ve incelenmelidir.

- Duruma göre mikrofon ve konum degisikligi yapılmalıdır.

- Kayıt sırasında sanatçı ve mikrofonun mesafesinin 20 cm olmasına, kayıt sırasında pop filter
kullanılıyorsa mikrofon ve filter arasında 7cm bulunmasına önemli dikkat edilmelidir. (Sarkı da
daha güclü bir performans gerekiyorsa bu mesafe degisebilir.)

- Mikrofon ters olarak konumlandırılmalı ve egimi arkaya dogru verilmelidir.

- Basarıyla tamamlanan bir kayıttan sonra kaydın tamamlanabilmesi için 2 islem daha
gecirir.

- Birincisi mix islemidir ; Mix asamasında sesler birbirine karıstırılır, kanallar arasında ses
seviyeleri birbirine göre verilmek istenen duyguya göre degistirilir. Çesitli efektlerle desteklenen bu
islem kayıttaki denge ve uyumu saglamak icindir.

- Ikinci islem mastering islemidir; En ustalık gerektiren noktalardan biridir. Müzige merakı
olan herkesin gizemli buldugu bu noktayı basitce acıklayacak olursak miks islemi tamamlandıktan
sonra ses yüksekligi, eq karekteristligi, genel dinamikler ambiyans gibi çok titizce incelenmesi
gereken noktalara ayarlamalar yapılır.

7
RECORDING OF THE VOICE

MİKROFON İNCELEMELERİ:

Shure SM57

-Dar açılı olması nedeniyle vurmalı çalgılar ve gitar amp. Mikrofonlamak için canlı performanslarda
en çok tercih edilen mikrofonlardır.

-Teknik özelliklerine bakacak olursak;

Tip: Dinamik

Frekans Tepkisi: 40 - 15,000 Hz

Polar Pattern: Unidirectional (kardioid), rotationally symmetrical about microphone axis, uniform
with frequency

Açık devre voltajı: -56.0 dBV/Pa* (1.6 mV) *(1 Pa = 94 dB SPL)

Empedans: Oranlı empedans 150 ohm'dur.

Bağlantı: 3 Pinli profesyonel bağlantı (Erkek tip XLR)

Taşıma kılıfı :Koyu gri, enamel boya, die-cast çelik polikarbonat ızgaralar, paslanmaz çelik yapı

Boyut: 32 x 157 x 23mm

Ağırlık: 284 gram

8
RECORDING OF THE VOICE

Sennheiser E 904

-Diyaframı dar olması nedeniyle davul ve perküsyon mikrofonlamak için kullanılır.

-Özellikle yan yana olan enstrümanlar drum tom gibi ses basıncı yüksek olan enstrümanlarda tercih
edilir.

-Teknik özellliklerine bakacak olursak;

Kardioid Mikrofon, Ses Hassasiyeti: 2 mV/Pa, Frekans: 40­ 18000 Hz, Normal Empedansı: 350 Ohm, Mim. 
Bağlantı Empadansı: 1000 Ohm,Ebatları: 63x41 mm,Ağırlığı: 125gr

9
RECORDING OF THE VOICE

AKG C 414

-​
Stüdyo kayıtlarında vokal kaydı için tercih edilir.

-Aynı zamanda piano mikrofonlasında kullanılmasıyla bilinir.

-Teknik özelliklerine bakacak olursak;

Polar pattern  Çok yönlü, geniş kardioid, kardioid, 

Hiperkardioid, sekiz rakamı ve 4 ara ayarları 

Frekans aralığı  20 ile 20.000 Hz 

Duyarlılık  20 mV / Pa (­34 dBV) ± 0.5 dB 

Maks. SPL  200/400/800/1600 Pa = 0.5% THD için 

140/146/152/158 dB (0/­6/­12/­18 dB) 

Eşdeğer gürültü  6 dB­A (0 dB preattenuation) (IEC 60.268­4) 

seviyesi 

Sinyal / gürültü  88 dB 

oranı (A­ağırlıklı) 

Preattenuation ped  0 dB, ­6 dB, ­12 dB, ­18 dB, değiştirilebilir 

Bas kesilmiş filtre  12 dB / 40 Hz ve 80 Hz oktav; 6 dB / oktav 

eğimi  160 Hz 

Empedans  <= 200 ohm 

10
RECORDING OF THE VOICE

Tavsiye edilen yük  > = 2200 ohm 

empedansı 

Besleme gerilimi  DIN / IEC 48 V phantom power 

Açılması  yaklaşık 4 mA 

Konnektör  IEC 3­pin XLR 

Bitirmek  koyu gri / altın 

Boyutlar  50 x 38 x 160 mm (2.0 x 1.5 x 6.3 inç) 

Net ağırlık  300 g (10.6 oz.) 

11
RECORDING OF THE VOICE

Sennheiser Neumann Skm 5200

-Profesyonel sahnelerin ilk tercihidir.

-En büyük özelliklerinden birisi uzak mesafeden kaliteli ses algılayabilmesidir.

*Beyonce, Justin Bieber, Ajda Pekkan, Sıla şuan da bu mikrofonu kullanmaktadır.

12
İşletme Bilgisi

Ekonomideki Sektörler

Endüstri/Sanayi
Hizmet
Tarım/Hayvancılık
Turizm Sektörü
Fikir
Madencilik

Business (İşletme)
Bir amaç için kaynakların randımanlı bir şekilde kullanılarak bir ürün veya hizmet üretilmesi

Market Offer
1. Product=Ürün/Mal
Recording/Kayıt
2. Service=Hizmet
Performance
3. İdea=Fikir
Beste

Industry =Piyasa
Organizasyon=Örgüt
1. Ortak Amaç
2. İşbölümü=Job Division (& İşbirliği=Cooperation)

System=Düzenek

Group
Team/Takım/Ekip

Şirket (Business, Enterprise, Company, Firm)

Management (Yönetim/İdare)
Planning Ne?
Organizing Kim? Neyi?
Leading Liderlik Kim Neyi? Neden?
Control (Denetim)= Oldu mu? Yaptık mı?

Manager /Leader
Ne yapmasını gerektiğini söyler/Yapmaları gereken şeyleri yerine getirmeleri için onlara
ilham verir

Business Functions
İşletme Fonksiyonları/İşlevleri

Aktivite olarak başlar departman/bölüme dönüşür.

Satış
IK
Ar-Ge
Pazarlama
Halkla İlişkiler
Dağıtım
Muhasebe & Finans
Üretim/İmalat
Bilgi İşlem
Destek Hizmetleri

Capital= sermaye
Financial C.
Human Cap
Social Cap.
Intelligence /Info Cap

Management
Organization
 TÜRKİYE MÜZİK ENDÜSTRİSİ

1. Müzik Endüstrisi Gelirleri (Bin ABD $)

2014 2015 2016 2017 2018

Fiziki Satışlar 11.800 9.500 9.400 9.000 8.200
Dijital Satışlar 6.000 6.700 13.400 19.700 26.300
Temsili Alan 4.700 7.900 8.100 7.500 7.000
Senkronizasyon 200 700 500 700 900
Toplam Pazar 22.700 24.800 31.400 36.900 42.400

*Temsili alan gelirleri yorumcuları ve yapımcıları içermektedir.

Toplam Pazar (Bin ABD $)

42.400
45.000
40.000
36.900
35.000 31.400
30.000 24.800
22.700
25.000
20.000
15.000
10.000
5.000
0
2014 2015 2016 2017 2018

Fiziki Satışlar (Bin ABD $)

Fiziki Satışlar (Bin ABD $)

14.000

12.000 11.800
10.000
9.500 9.400 9.000
8.000 8.200
6.000

4.000

2.000

0
2014 2015 2016 2017 2018
Dijital Satışlar (Bin ABD $)

Dijital Satışlar (Bin ABD $)

30.000

26.300
25.000

20.000 19.700

15.000
13.400
10.000

6.000 6.700
5.000

0
2014 2015 2016 2017 2018

Streaming-Diğer Dijital Satışlar Karşılaştırması (Bin $)

Streaming vs Diğer Dijital Satışlar (Bin ABD $) 25.500

30.000
18.500

25.000

20.000
11.600

15.000
4.700
3.800

10.000
2.000

1.800
2.200

1.200

800

5.000

-
2014 2015 2016 2017 2018

Streaming Diğer Dijital Satışlar

Temsili Alan Gelirleri (Bin ABD $)

Temsili Alan Gelirleri (Bin ABD $)

9.000

8.000 7.900 8.100

7.500
7.000 7.000
6.000

5.000
4.700
4.000

3.000

2.000

1.000

0
2014 2015 2016 2017 2018

*Temsili alan gelirleri yorumcuları ve yapımcıları içermektedir.

Kaynak: (IFPI 2019 Global Müzik Raporu)

 2. Fiziki Satışlar (Adet)

Yıllara Göre Toplam Bandrol

15.879.194
14.612.952
TOPLAM BANDROL

13.028.861
12.949.043

12.847.363
16.000.000

10.326.351
14.000.000

8.494.907

7.553.882
12.000.000

6.028.811
10.000.000

4.420.455

3.888.673
8.000.000
TOPLAM BANDROL
6.000.000

4.000.000

2.000.000

-
2008

2009

2010

2011

2012

2013

2014

2015

2016

2017

2018
CD
14.000.000
13.776.853

12.000.000
11.965.316

11.961.467
12.310.310

11.776.430

10.000.000

8.000.000
9.641.252

CD
8.269.472

6.000.000
6.985.431

4.000.000
5.811.725

4.140.383

3.523.646

2.000.000

-
2008 2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 2016 2017 2018
 MC
35.000.000

28.809.577
30.000.000

25.000.000

20.000.000 16.444.224

15.000.000 9.311.500 MC

10.000.000
4.618.432

1.923.800
5.000.000

757.370

361.790

202.600

41.800

24.000

4.000

2.000
-

-
2004 2005 2006 2007 2008 2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 2016

VCD/ADET
2.000.000
1.548.300
1.500.000

1.000.000
675.900 VCD/ADET
419.500 361.000
500.000 273.100
251.599 213.750 8.500
47.200 6.550 1.250
-
2008 2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 2016 2017 2018

DVD/ ADET
350.000 304.183
300.000
250.000
200.454
200.000 271.281
226.001
150.000 123.163
121.657 106.809 DVD/ ADET
100.000 75.552
35.093
50.000 8.920
-
32.289
2008 2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 2016 2017 2018
 LP Adet
400.000
347.459
350.000

300.000
242.936
250.000

200.000 177.584

150.000 128.934
114.969
100.000 65.376
44.728 38.295
50.000
3.661 10.777 19.696
-
2008 2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 2016 2017 2018
ARABESK MÜZİK

Arabesk, Türkiye’ye özgü bir müzik türüdür.

Genellikle duygusal bir yapıda olup, yalnızlık, umutsuz aşklar, çekilen dertler,
umutsuzluk, karamsarlık, kadercilik, ölüm, başarısızlık, kişinin karışık duygu dünyası
temalarını konu olarak almıştır.

İngilizce ve Fransızca’ da ‘arabesque’ ve Almanca’ da ‘arabeske’ anlamına gelen

arabesk, Arap stili süsleme anlamına gelmektedir.

Türkiye'de arabesk şarkı şekli ilk kez 1940'lı yıllarda Haydar Tatlıyay ve diğer birkaç
şarkıcı tarafından ortaya çıkarılmıştır. 1938 yılında Arapça şarkılar yasaklanmış fakat bu
müziği çalan Kahire Radyosu, Türkiye'de de çektiği ve sevilerek dinlendiği için bu yasak
başarılı olmamıştır. 1960'lı yıllarda Adnan Şenses Orhan Akdeniz, Ahmet Sezgin, Abdullah
Yüce ve Hâfız Burhan Sesyılmaz gibi bazı şarkıcılar Araplardan alınan raks müziğini
Türkçe şarkılar için kullanmışlar ve böylece Türkçe arabesk ortaya çıkmıştır.
Daha sonra Orhan Gencebay gibi bazı şarkıcılar arabeski Anglo-Amerikan rock 'n' roll
müziği ile birleştirmiş, İbrahim Tatlıses, Esengül, Ferdi Tayfur, Müslüm Gürses, Ümit
Besen, Gökhan Güney, Azer Bülbül, Emrah, Mahsun Kırmızıgül ve Hakkı Bulut gibi
isimlerse arabeskin en ünlü icracıları arasına katılmıştır. Bergen ve Kamuran Akkor ise
80'lerde zirveye çıkan arabesk müziğin en önemli kadın temsilcilerinden olmuşlardır.
Arabesk, zamanla kendi içinde Arabesk-pop ve Arabesk-rock gibi alt başlıklara ayrılmıştır.
Arabesk müziğinin en önemli ve en çok bilinen "3 baba" olarak adlandırılan temsilcileri
Ferdi Tayfur, Müslüm Gürses ve Orhan Gencebay’dır.

Arabesk, kimilerine göre bir müzik türü olarak görülürken kimilerine göre de toplumsal-
kültürel yönü olan bir kavramdır.

Nazife Güngör, Sosyokültürel Açıdan Arabesk Müzik isimli kitabında arabesk tanımlarına
şu şekilde yer vermiştir:

“İçinden çıktığı kültürel ve toplumsal çevreye göre biçimlenmiş, tutarlı bir kuramsal
dayanaktan yoksun, ezgi yönünden Arap müziğinden, çalgı yönünden batı müziğinden
etkilenen, önceleri taşradan başlamakla birlikte zamanla toplumun tüm kesimlerini
etkisi altına alan ve dolayısıyla yaygın bir dinleyici kitlesine sahip toplumumuza özgü bir
müzik türüdür.”

Orhan Gencebay’a göre arabesk, Türk Halk Müziği, Türk Sanat Müziği ve batı tekniğinin
her türlü imkan ve olanaklarına, özgür sunumun eklenmesinden dolayı oluşan bir
müziktir.

Timur Selçuk’a göre arabesk, Türk Halk Müziği ve Türk Sanat Müziği’nden etkilenerek ve
bunlara yapay motif ve tavırlar da katarak azgelişmişlik örneği olan ülkemizin ekonomik
ve kültürel tablosunu büyük bir ustalıkla sergileyen ritmik yapısıyla dinamizmden uzak
tekdüze bir müziktir.
Stoke’ a göre, Türkiye’de 1950’lerde politik sürecin demoratikleşmesi ve geniş bir dış
borç programının uygulamaya girmesi ve şehirde işçiye yönelik kontrol edilemez bir
talep oluşması nedeniyle kırsal kesimden kente göç olayları ciddi anlamda başlamış
oldu. Kırdan kente göç eden insanların kıra özgü geleneksel değerlerini de birlikte
getirmeleri ve kente özgü değerlerin benimsenmesi-kent yaşam koşullarına ayak
uydurmaları, ilk zamanlarda ne kentli ne de köylü olan bu insanlar için zor olmuştur.
Kentli insanlara özenen ve onlar tarafından benimsenmek için tek çarenin onlar gibi
tüketmek olduğunu düşünen ekonomik olarak bu olanağa yetersiz olan gecekonduluları
bu durum; nitelik açısından düşük, asıllarının taklidi olan ucuz ürünleri tüketmeye
yönelti (Güngör,1990,69-70). Bu ikilem, daha iyi yaşam şartlarına erişmek için ülkenin
çeşitli yerlerinden batıya göç etmiş kişileri; yaşadıkları kimlik bunalımı sonucu,
içlerindeki buhranı ve yaşadıkları her türlü sorunu ifade etme gereksinimden kaynaklı
isyankar bir müzik türü olan arabesk müzik türüne yöneltmiştir.

Arabesk müzik dinleyicisi ille de mutsuzdur, toplumun ezilmiş kesimlerinden oluşur, alt
tabaka üyeleridir, taşra kökenlidir diye bir takım genellemeler de yapmak tümüyle doğru
olmaz. Günümüzde söz konusu müzik türünün daha üst sınıfların ya da toplum
kesimlerinin, aydın sayılabilecek kimselerin eğlence yerlerinde, kibar lokallarinde de
dinlenilmekte olduğu bir gerçektir (Güngör, 1990: 26).

1970’lerde kitle iletişim araçlarının çok ötesine geçen sinema filmlerinde çoğunlukla
arabesk sanatçıların başrolde oynatıldığı ve arabesk şarkılarının filmde çok yoğun bir
şekilde işlenmeye başladığı görülmektedir. Televizyon yayınların başlamasıyla birlikte
sinemanın bu etkisi, televizyonda gösterilmeye başlanan aynı türdeki arabesk şarkılı
filmlerle daha bir pekişmiştir. Bu sayede sinema, arabesk müziğinin yaygınlaşmasında ve
yerleşmesinde çok önemli ve kalıcı bir etki yapmıştır (Güngör, 1990: 82).

O dönemler arabesk müzik, ‘gecekondu müziği’ ya da ‘dolmuş müziği’ olarak

adlandırılmaktaydı. Bu nedenden dolayı arabesk müzik sanatçıları filmlerinde; kırdan
kente göç etmiş, geleneksel değerleri fazlasıyla koruyan ve hatta o değerleri şehirli
insanlara da öğretmeye çalışan bir dolmuş şoförü veya kamyon şoförü olarak karşımıza
çıkmıştır.

1960’larda belirginleşen, 1970’lere damgasını vuran arabesk müziğin 1980’lerde varlığını

sürdürmekte olduğu görülür. 1980’li yıllar, uygulanan gümrük politikaları ve doların
serbest dolaşımı yani değişen ekonomik anlayışla teknolojinin Türkiye’ye rahatça girdiği
dönemdir... Sektör olarak neyi nasıl yapacağını bilen müzik yapımcıları teknolojinin
imkanlarından yararlanmaya başladılar... Arabeske olan ilgi, diğer müzik dallarında
yapılan üretimleri azaltmıştır. Bazı müzik türlerinde albüm üretimi, kalitesiz olarak
mevcuttur.... Farklı olmak adına yapılan ve halkı eğlendirmek amaçlı çıkan ürünlerden
biri ‘taverna’ adı verilmiş biçimdir. Dönemin eğlence mekanı olan tavernaları, kasetler
aracılığıyla halkın evine taşıyan bu albümler büyük ilgi görmüştür... 1990’lar, arabeskin
sebebi gösterilen göç olgusunun artık azaldığı, göç dalgasıyla gelenlerin yeni bir şehir
inşasını tamamladıkları, müziğin tamamen endüstri haline geldiği, toplumun sosyal
şartlarının tamamen değiştiği bir dönemdir. Bu durumdan Arabesk müziği de etkilenmiş
ve söz-müzik unsuru değişime uğramıştır. Bu yüzden araştırmacılar tarafından, 1990
sonrası arabeskin 2. Dönemi kabul edilir ( Özer, 2009: 37-39).

Orhan Gencebay, Gülden Karaböcek, Ferdi Tayfur, Müslüm Gürses, Hakkı Bulut, Bergen,
Kibariye, Hakan Taşıyan, Ebru Gündeş, Selami Şahin, Azer Bülbül, Ceylan, Emrah, Özcan
Deniz, Mahsun Kırmızıgül, Alişan, Arif Susam, Ümit Besen, Cengiz Kurtoğlu, Hakan Altun,
İbrahim Erkal, Yaşar İpek, Cengiz İmren, Gökhan Güney vb. arabesk müziğin
yorumcularıdır.

Başlıca Besteciler: Selami Şahin. Ayrıca Ali Tekintüre ve Burhan Bayar genelde daha
yumuaşak, daha popüler, daha bilindik şarkılara imza atarken, Yavuz Taner ve Uğur Bayar
ağır şarkılar bestelediler.

Kaynaklar:

Stokes, Martin. “Türkiye’de Arabesk Olayı”. Çev. Hale Eryılmaz. İstanbul: İletişim
Yayınları, 1992.

Güngör, Nazife. Sosyokültürel Açıdan Arabesk Müzik. İstanbul: Bilgi Yayınevi, 1990.

Özer, Sayım Seçkin. Arabesk Müzik ve Türk Musikisi Arasındaki Etkileşimlere Genel Bir
Bakış. Yayımlanmamış Yüksek Lisans Tezi. İstanbul: Haliç Üniversitesi, Sosyal Bilimler
Enstitüsü, 2009.


BLUES AND ARABESK

Both blues and arabesk are the products of cultures of people located in a new land
carrying their cultural traditions of the places they have left. The music is formed
through interaction with the culture met, roots in the old tradition. Blues is not African
music, it is African American. Arabesk is neither Turkish Folk nor Turkish Art music. When
themes are analyzed it eveals that the strength of these two musical genres in terms of
the bonds, the solidarity they offer their audiences generates through the use of the
‘‘implied narrative’’ (Stokes) which is known by both the singer and the audience. By
dealing with the results of the conditions, the music eloquently fullfils its protest
characteristic without protesting the authority directly. In determining the parallelism of
two musical genres so different, the cultures they were formed in and especially the
experiences of people play an important role. Both blues and arabesk are the products
of the culture of their people and the setting they were formed in.

Kaynak: YURDAKUL YASEMİN. BLUES AND ARABESK A COMPARATIVE STUDY. Yüksek Lisans
Tezi. Kadir Has Üni. AMERİKAN KÜLTÜRÜ VE EDEBİYATI ANAbiliM DALI. 2006
Music Is Your Business

The Four Fronts of Music Marketing—

2
 Welcome to the Four Fronts

How the Music Industry is Structured

3
 Welcome to the Four Fronts

How the Four Fronts Work Together

THE DEVELOPMENT FRONT

1st Front, Part 1 Songwriting Skills

Musicianship Development
Artist Development
Creating an Honest Consistent Image
Preparing Your Career
Copyright / Publishing Concerns
Co-Musician / Band Issues
Equipment Considerations
Artist Management
Ethical & Political Issues
Legal Issues / Contract Negotiations
and….
Artist Image Development Issues

1st Front, Part 2

Product Development Market Research: Who Is Your Fan?
Making & Selling Your Music Recording—Choosing a Studio
Producer and Engineer Issues
DISTRIBUTORS and STORES, Mastering Arrangements
MUSIC BUYERS Cover Artwork Design and Printing
Need to Know Your Plans for: Manufacturing CDs
• Selling Your Music -------------------------------------------------
• Promotion Campaign Distribution / Sales Strategies
• Publicity Plans Retail Plans—Stores & Internet Plans
• Performance Plans Live Sales—Mail Order / Catalog Sales

THE EXPOSURE FRONTS

2nd Front, Promotion 3rd Front, Publicity 4th Front Performance

Getting Airplay for Your Music Creating a Buzz in the Media Finding Your Audience

BROADCASTERS MEDIA PROFESSIONALS LIVE MUSIC VENUES

Need to Know Your Plans for: Need to Know Your Plans for: Need to Know Your Plans for:
• Promotion Campaign • Publicity Campaign • Performance
• Selling Your Music • Selling Your Music • Publicity Plans
• Publicity Plans • Promotion Plans • Selling Your Music
• Performance Plans • Performance Plans • Promotion Plans

9
GEP0304 MÜZİK SANAYİİ VE TÜRK MÜZİK ENDÜSTRİSİ

MÜZİK TARİHİ
NOTLARI

CELÂL ELDENİZ

1
GEP0304 MÜZİK SANAYİİ VE TÜRK MÜZİK ENDÜSTRİSİ

«Music expresses that which cannot be put into words and cannot remain silent.»

Victor Hugo

Tarihsel Gelişim

batı müziğinin kısa tarihçesi: Antik, Ortaçağ, Rönesans, Barok –Rokoko, Klasik Dönem, Romantik
Dönem, Modern ve Çağdaş Akımlar.

Müzik Tarihine Genel Bakış:

Antik Dönem ve Ortaçağ Dönemi:

Antik Çağ’da Eski Mısır, Tibet-Hint-Çin medeniytlerinde, Eski Yunan’da müzik ve psikoloji
arasındaki ilişki birçok düşünür, bilge ve filozof tarafından araştırılmış ve aktarılmıştır.

Eski Yuınan’da Pisagor (“Fisagor” veya Pythagoras, MÖ 570 - 495) tarafından başlatılıp Yunan
filozoflarca devam ettirilen süreç için daha fazla araştırmak isterseniz kaynak: “Kadim
Pythagoras Kardeşliği”, Kitty Ferguson.

http://www.youtube.com/watch?v=w6m5RaQ__wE

http://www.youtube.com/watch?v=6RLcJoc_S_M

http://www-istp.gsfc.nasa.gov/stargaze/Sparalax.htm

Boethius (MS. 480-524/5) Pythagoras’ın metinlerinden etkilenerek müziği üç alana ayırır :

• Musica Mundana : Kürelerin müziği

• Musica Humana: Müziğin insan ruhuyla ilişkisi

• Musica Intrumentalis: Normalde müzik deyince düşündüğümüz şey.

Daha sonraları 8. - 14.yy’da Ortadoğu’da Huneyn bin İshak el-İbadi, İhvân-ı Safâ, Kindî,
Farabi, İbn-i Sinâ (Avicenna) ve diğer bilginlerin konu ile ilgili araştırmaları mevcuttur. İbn-i
Sinâ Farabî gibi “gök cisimlerinin müzikal veya anti-müzikal herhangi bir ses üretmediği
görüşündedir. Bu durum semavi (göksel; musica mundana) ve dünyevi (beşeri; musica
humana ve musica intrumentalis) müzikler arasında herhangi bir benzerlik olduğuna dair
iddiaya imkan vermez…Görebildiğimiz kadarıyla o, müzik ile insan tabiatı arasındaki
benzerlikten bahsetmektedir; fakat bu benzerlik, ne müziğin mahiyetinin (niteliğinin) odak
noktasına [musica intrumentalis’te olduğu gibi] ne de bizim müzik dinlemekten aldığımız
lezzetin kaynağına [musica humana’da olduğu gibi] yöneliktir.” Kaynak: “Mûsikî”, İbn Sînâ,
Litera Yayıncılık, 2004.

İbn-i Sînâ (980 - 1037), müziği riyazî (matematiksel, disipline eden) ilimlerin 4 başlığından biri
olarak sıralar:

• Geometri

• Aritmetik

2
GEP0304 MÜZİK SANAYİİ VE TÜRK MÜZİK ENDÜSTRİSİ

• Müzik

• Astronomi

Rönesans Dönemi (1400– 1600):

Rafaello’nun
“Azize Cecilia’nın
Vecdi” adlı
tablosu

Örnek: “Lasciatemi morire” Monteverdi, Anne Sofie Von Otter

http://www.youtube.com/watch?v=WRVasTFjG1k

http://www.openculture.com/2013/11/leonardo-da-vincis-musical-invention-the-viola-
organista.html

Barok Dönem (1600-1760): 17. yy’da merkezinde güneşin bulunduğu bir güneş sistemi olduğu
ve dünyanın yörüngesinin bir elips şeklinde olduğunu ortaya koyan Kepler (1571 – 1630) de
Pythagoras’ın müzik ve astronomi alanındaki fikirlerinden etkilenmiştir.

Arya: 1. Hava, melodi. 2. Orkestra eşliğinde söylenen ya da çalınan, solo ses ya da çalgı için
büyük çaplı ezgi. Aria (İt.). Kaynak: http://www.evinilyasoglu.com/muzik-terimleri-sozlugu/

Örnek: Cecilia Bartoli - "Se tu m'ami"

http://www.youtube.com/watch?v=THTUCtExVbo

Klasik Dönem (1730 – 1820): Mozart (1756 - 1791)

Sonare (İt.):Ses çıkarmak, tınlamak. Sonat: Üç ya da dört bölümlü çalgısal yapıt. Tek çalgı,
piyanoyla birlikte iki çalgı ya da oda toplulukları için sonatlar vardır. Canlı bir Allegro, ağır ve
duygulu bir Andante, atik ve kıvrak ritimli bir Scherzo ve parlak bir Final, örnek bir sonatın
bölümleridir. Sonat biçimi, birinci bölüm biçimi olarak (A-B-A) senfoni biçimine de uyarlanmıştır.
Sonata (İt.).Sonatin: Kısa, küçük sonat. Sonatçık. Sonatina (İt.). Kaynak:
http://www.evinilyasoglu.com/muzik-terimleri-sozlugu/

Örnek: Beethoven Fa minör Piyano Sonatı, Op. 2, No. 1, I. Allegro

http://www.youtube.com/watch?v=xNwk9_bbr0E

3
GEP0304 MÜZİK SANAYİİ VE TÜRK MÜZİK ENDÜSTRİSİ

1.Exposition (main theme) 2. Development (main theme versus subordinate theme)

3.Recapitulation

Romantik Döneme (1815 – 1910) Geçiş: Beethoven ( 1770 - 1827).

http://www.youtube.com/watch?v=7qWbcosJdtU&feature=related

Lied (Al.): Bir şiir üzerine yazılmış, genel olarak piyano eşliğindeki şarkı.

Kaynak: http://www.evinilyasoglu.com/muzik-terimleri-sozlugu/

Örnek: Dietrich Fischer-Dieskau "Die Krähe" Schubert.

http://www.youtube.com/watch?v=8e9AK7D4bm0

Modern Çağ (1890 – 1930), 20. yy’da (1900-2000),

Çağdaş (Contemporary) Dönem’de (1975-günümüz) :

http://www.youtube.com/watch?v=tbArUJBRRJ0

Özet: “Çizgilerle Müzik Tarihi”: http://www.youtube.com/watch?v=A2XxGRSY3Yk

4
Notes on Voice and Vocal Technique

by

Celâl ELDENİZ

• Vocal Fach = Voice Type (Ses Tipi)

Female Voices: Alto - Mezzosporano- Soprano

Male Voices: Base-Baritone-Tenor

• Vocal Compass = Vocal Range (Ses Aralığı-Ses Genişliği)

o measured in octaves.

o “Tessitura” is a specific range covered.

• Vocal Register

o Defined by

! Vibratory pattern of vocal folds

! Pitch area

! Characteristic type of tone or quality of voice

o Register is also named as “voice” sometimes. eg. chest register = chest voice

o There are three “gears” in voice, we can say: vocal fry, modal register and falsetto
( falsetto or whistle register in female voices). Modal register is further studied
under three areas: lower chest voice, middle voice and head voice.
VOCAL CAREER

Q&A with three industry professionals: a music publisher,

an A&R (artists and repertoire) person for a record label, and an
entertainment lawyer.

The Publisher

If you create a song, every time it's used by someone, you're entitled to
payment. Music publishers, in exchange for a percentage of what your
song earns, license your work to others and ensure that your money is
collected properly around the world. But as Kathleen Carey, senior vice
president of Sony/ATV Music Publishing, explains, there's a
lot more to the music publishing business than that basic relationship.

Q: Music publishing is unfamiliar to a lot of people. What do music

publishers do?
A: First, there are the lawyers and business affairs people, who primarily
make deals with artists and take care of administering contracts,
licensing, and looking out for the rights of artists worldwide. Then there
are people like me, on the creative side, who do more than that: We
actively seek and develop new talent. The kind of relationship a publisher
has with an artist depends on the artist and the manager, but in a perfect
world, and this is often the case, we have a close relationship with artists
and work with them as often as they want or need us to. It's in both our
interests to find markets for the work, and that's part of what I do. Let's
say we have an artist signed to us who has a record out on a label and
also writes songs that may go out to other people. I stay in touch with
people in the industry to find out who's looking for songs and what they're
looking for. And it's always my job to inform the songwriter about
opportunities to do
work in film and TV. These are the kinds of relationships that are difficult
for writers to make on their own, although it becomes much easier once
the artist/writer's material has been used in the film and TV world.
When I started in this business, I was a song-plugger — trying to give
great exposure to new songs. Publishers didn't sign artists as we do now,
so there were no people in publishing doing what I do in my job today,
finding and developing artists. But things have changed. More and more,
creative publishers act like A&R people.

Q: How do you find the people you sign?

A: I go to clubs, and I'm always listening to music. Lawyers, managers,
and other artists refer people to you if they enjoy working with you, and
of course I listen to tapes. In any given week, I'll get between thirty and
one hundred unsolicited tapes, and fifty is about average (a far smaller
number than the typical A&R person at a record company is getting).
Q: How elaborate should a demo tape be?
A: What you need to send a talent scout depends on the kind of music
you're doing. If it's in the urban world, your demo has to be pretty close
to a finished record. Because of the style, an urban music track is often
less about the voice and more about the way the track sounds, so it's
important that we can hear exactly what you have in mind. But in pop
music — say you've written a song for Celine Dion — a tape can be very
simply produced. If the melody and lyrics are good, you may be able to
get the song across with just voice and a guitar or piano.

Q: What makes you pay attention to a tape? What are you

listening for?
A: I'm looking for what I consider to be great music. That's number one.
And when I find a song I think is great, I ask the next question: How do I
think it will do on radio? If I think the song will do well, I'll make a deal
that reflects that.

Q: Can you give us the bare outlines of what a publishing deal

might be like?
A: At this moment in the music business, if you are an urban act or
pop/alternative band with lots of buzz, making a deal with a music
publisher might involve receiving an advance in the six figures. That
means that we're betting your music will make a lot of money, and we will
pay you now, expecting to recoup the money in a percentage of licensing
fees along the line.

Q: And what about if you're an artist without all that "buzz"?

A: If I love what you do but I don't think your music will be too radio-
friendly, though eventually it may be more commercial, I'll structure a
development deal with less of an advance. In that kind of deal, we'll cheer
the artists along, work with them and help them get to the next step.
Most publishers try to get record deals for their clients, and every one has
a different philosophy about how involved to get in development of artists.
I believe in doing it, and I've been doing it for a long time. In 1983 I
started my own company at MCA, and to keep advances low, we had to
offer something else to artists. So we were very active in securing record
deals, helping to find managers, and trying to get the material into film
and TV projects. The interesting thing that's happened is that record
companies no longer have the time and manpower to sign artists and let
them develop for a year or two. There's lots of pressure to move on to the
next hit. So much of the A&R mind-set of yesteryear falls on today's
publishers. For us, a deal with an artist is about the relationship, not just
one hit song. At Sony/AT V, we work with developing artists and writers
as well as artists with record deals. Again, it just depends on how strongly
we feel about the music.
Q: What about if an artist does music that's really out of the
mainstream?
A: If your music is really obscure, and I really love it, I will try to make a
publishing deal with you whether I think radio will play you or not —
because there aren't that many great writers in the world, not that many
great innovators. If your tastes and talents are out of the mainstream,
you can also try approaching a smaller publisher. John Hyatt, for
instance, worked with a small company before he had enough hits to
make a major publishing deal. You can start small, build your audience,
and move up.

Q: Any advice for aspiring musicians who would like to make it in

the music
business?
A: My basic piece of advice to artists who are starting out is always the
same: Understand, if you want to do this, that it's extremely hard work, it
takes a long time, and you have to be very dedicated. Most important,
stay true to yourself in terms of expressing your own individual gift, and
don't water it down by listening to what's on the radio and changing your
sound, or trying to make yourself commercial. Especially now. A top band
today may well be gone in months. So you need to hone your craft in any
way you can — as a player, as a writer — and keep your focus on what
you can do that is unique. The people who do that are the ones who win in
the long run. (Before joining Sony/ATV Music Publishing, Kathleen Carey
started and ran two jointventure publishing companies: Unicity at MCA
and Reata at Warner Chappell. She worked with Quincy Jones on Michael
Jackson's Thriller album and put Quincy and Michael together with Steven
Spielberg for the ET Storybook Album. That project opened the door for
Steven and Quincy to work together on The Color Purple.)

The A&R Man

If you send a tape to someone like Steve Greenberg, the former senior
vice president and head of A&R at Mercury records, it lands in the midst of
nonstop activity.

Q: So tell us about a typical day in your life.

A: During the day, a lot of people are calling all the time and you're
talking to a lot of people, whether they're attorneys or managers or
songwriters or music publishers — people who want to make you aware of
either new artists, material for artists, or producers for artists. So I'm
talking to a lot of those people all day; and of course, between all those
calls, you've got to make a lot of time to listen to music, whether it's
music by new artists who are hoping to get record deals or artists you
already have under contract who are making records under your
supervision. On top of that, of course, there are people who will make
appointments to have meetings with you to propose new projects or to
talk about existing projects and play music.
Q: What happens to tapes that are sent to your office. Does
anyone really listen
to them?

A: The volume of mail we get is so great that it would be unrealistic for

musicians to have their whole CD or tape listened to, so when an unknown
musician sends a tape, we try to listen to as much of it as possible — I try
to listen to at least one song myself, and if I don't have a chance, I at
least have someone on my staff do it so that if it's anything tremendously
exciting, it can be brought to my attention.

Q: In your view, what makes a good demo?

A: The main thing on a demo is that you want the song to come through.
If you think you have a hit song, you need to record it in a way that I can
hear that it could be a hit song. I'm always looking for someone with a
unique vision who doesn't sound like anyone else but whose music has the
potential to reach a lot of people.

Q: Many artists wind up spending a lot of money putting on

showcases — performances they set up to try to get attention from
the music industry. Do you go?
A: I get invited to a lot of showcases set up by bands either for the public
or just for people in the music industry. The two things that would make
me go to see a band live would be if I hear a great tape and am
tremendously excited about the music or if I know the person who is
inviting me. For instance, if the performance was recommended by a
manager I respected very much, and I knew he had good taste, I'd go. I
like showcases that are open to the public better than showcases that are
held at rehearsal spaces — I like to be able to pick up the reaction of the
crowd.

Q: Do you think it's necessary for artists to go to a major city if

they want to
succeed?
A: Some people think they have to move to L.A. or New York to make it,
but in some ways it's better to come from a small town because it's easier
to get a following there than you can in New York City. We look at
SoundScan every week, which tracks records around the country, so if
you have an independent record that's out on your own label and it's
selling really well in Austin, Texas, we'll see it. We'll know that
something's happening, and we'll pick up on it. But if you're in New York
and you have an independent record out, it's unlikely that it will be one of
the top-twenty albums selling in that market, and you'll be easier for us to
miss. Of course, if you're in New York or L.A., you might get to come in
for personal meetings and have shows that people from a record company
are likely to attend. There's no one way to get your start.
Q: How polished does an act have to be before you're interested in
it?
A: A lot of A&R people like to sign performers who are fairly self-
contained, musicians who seem fairly polished, and send them to the
studio and see what happens. Other A&R people take an interest in finding
the right material, finding the right musicians, finding the right producer,
and setting an artist up in cowriting situations — in other words, making
sure that every aspect of the process is as good as possible. I like to
think of myself as being in the latter category.

Q: What are you listening for when you hear new artists?

A: If you're a singer-songwriter, the songs have to be really strong. If

you're a singer, I might listen to a tape and hear that the songs are not
very good but realize that here is a unique voice and with better songs
this person could be a star. In cases like that, I'd give the singer a shot.
But if you don't have good material, you'd probably have to have the
greatest voice in the world to get my attention.

Q: Any last advice for new artists?

A: My best advice for people who are making demos is to make sure that
there are songs on the tape that can really affect people — and that the
average person will be touched by those songs. Play them for people. Your
audience will let you know how you're doing.
(Steve Greenberg was the executive producer of Hanson's Middle of
Nowhere album and received a Grammy nomination as album notes writer
for Otis! The Essential Otis Redding. He was executive producer of the
Stax/Volt record set.)

The Lawyer

Because the music business is a business, and relationships are formalized

with contracts, as you move through it you're likely to need a lawyer.
Music lawyers, says Eric R. Greenspan, who represents the Red Hot Chili
Peppers, Jewel, and Tool, among other recording artists, perform a variety
of roles for their clients.

Q: Tell us about your job.

A: What we do depends on the client. Some people use us just to look at
contracts. For other clients, we get involved in all aspects of their
business, and by business I mean everything from helping them buy
houses to advice on their divorces. Sometimes I act as a sort of general
contractor, so, for example, I'll retain the right litigator for divorce or tax
counsel and coordinate it all. Or I'll give advice on licensing, which is
helping the personal manager with business if the manager hasn't done it
before.
Q: I've noticed that lawyers seem to be sending tapes to record
companies and making deals. Is that part of the job?
A: It's common practice for lawyers to help clients secure record deals.
Lawyers, though, would prefer to be lawyers if given the choice, and as a
lawyer, you're not selling bands. There will be occasions, though, when I
will be seduced by a band and I'll call an A&R person and tell him about
the band and we'll get a record deal. And then I get to do what I like to
do, which is negotiate the deal.

Q: When does an artist really need a lawyer?

A: You need a lawyer anytime somebody puts a contract in front of you.
Bands shouldn't sign any contracts with anybody without seeing a lawyer,
whether they're talking to producers or managers or record companies.
It's very easy to get someone to look at a contract so you'll know what
you're signing.

Q: I've heard of people stealing songs. Is there any way to protect

yourself from that?
A: One simple thing you can do is file formally for a copyright for your
work. Under the new copyright law, copyrights exist at the moment of
creation without the necessity of filing, but you do get certain protection
by filing. For example, if you want to sue someone for infringing your
copyright, stealing your song, if you haven't filed for a copyright first, you
can't recover your attorney fees in that action. Second, if you want to go
after someone later, by filing you establish that your work existed in a
tangible form on the date you sent the forms in.

Q: Any nuggets of legal advice for aspiring musicians?

A: I have two kinds of advice: advice with my tie on and advice with my
tie off. Tie on, my malpractice carrier would want me to say that you
always want a lawyer at the early stage, even when you're just selling
CDs from the back of the van or from a Web site, because there are any
number of things that can happen at that stage. My advice with my tie off
is that it doesn't always justify the legal fees to use a lawyer at that stage,
and sometimes you can over-think something. Sometimes to get started
in this business, you have to take a chance and not worry about making
sure you dot every i and cross every t. I can't say that in my official
capacity, and tie on or tie off, I can tell you this: You can pay me now or
you can pay me later. It's always going to cost you more to get out of a
bad contract than if the contract was reviewed before you signed it.
Don't sign anything without a lawyer. (Eric Greenspan has been a partner
at Myman, Abell, Fineman, and Greenspan since 1985. He represents
recording artists, executives, and companies and is cochairman of the
attorney panel dealing with substance abuse with the MusicCares
Foundation, a member of the board of directors of Rock the Vote, and a
member of the board of directors for Alliance of Artists and Recording
Companies.)